La educación en moda está lista para un cambio. A medida que salimos de la pandemia de Covid-19, se requerirá un enfoque mucho más flexible, multidisciplinario, omnicanal, y que conecte con los cambios que están sucediendo en la industria, especialmente en términos de herramientas digitales y acceso. Las instituciones tendrán que replantear sus contenidos educativos y la forma de impartirlos para encontrar un balance entre las artes liberales y competencias profesionales más interdisciplinarias que estén en línea con una economía digital. Y la colegiatura de los estudiantes se tendrá que recalcular para estar de acuerdo con las expectativas y los salarios posteriores a la graduación. 

Las universidades tendrán que seguir ampliando su base de profesores, reduciendo la brecha existente entre la industria y la academia, y facilitando un mayor cruce entre ambas. Esto requerirá puestos de trabajo mejor pagados que estén de acuerdo con la remuneración de la industria para atraer a los mejores talentos.

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Así como el comercio minorista ha tenido que evolucionar para satisfacer las necesidades de los compradores a través de canales físicos y digitales, la educación también se está viendo obligada a evolucionar. Los estudiantes contemporáneos requieren nuevas formas de aprendizaje, tanto en términos de estructura de contenidos como de su impartición, que se basan más en los cambios de los medios de comunicación que en la educación tradicional, dejando a las instituciones académicas en gran medida incapaces de satisfacer las demandas sin depender de asociaciones externas con empresas de tecnología educativa. 

El modelo universitario actual depende fuertemente de una experiencia presencial en el campus. No sólo es así como "se ha hecho" durante más de un siglo, sino que también proporciona a las instituciones múltiples centros de ingresos adicionales procedentes de las cafeterías, los dormitorios, los eventos deportivos y otros. Cuando llegó la pandemia de Covid-19, las universidades no pudieron tener a los estudiantes en el campus, lo que significó que los ingresos de estas fuentes adicionales se detuvieron e, incluso, estos espacios, como las aulas y los dormitorios vacíos, se convirtieron en un lastre. Por esto, no es de extrañar que la primera prioridad de estas instituciones fue regresar a los estudiantes a estudiar en persona. Estos preparativos comenzaron en serio una vez que se facilitó el cambio al aprendizaje en línea durante la primavera de 2020. Para el otoño de 2021, la mayoría de las universidades volvieron a abrir sus puertas a pesar de la variante Delta. 

Ante todo esto, se resaltó el marcado contraste entre las universidades tradicionales, que centraron su desarrollo en los últimos 50 años en gran medida en la construcción de nuevos edificios y la ampliación de la superficie del campus, a comparación de aquellas que se volvían más digitales. La mayoría de las universidades dedicaron muy poca atención (y presupuesto) al desarrollo de nuevas tecnologías digitales de aprendizaje, modalidades no presenciales y sistemas de apoyo, incluida la compra de equipos de vídeo, estudios de grabación e incluso pedagogía digital.

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En un reciente artículo de la revista New York Magazine, el autor William Deresiewicz afirmaba: "Para las instituciones educativas, los programas de maestría son vacas lecheras, ya que sus estudiantes reciben mucho menos ayuda económica que los de licenciatura. Para los estudiantes, tomar un programa de maestría responde a una necesidad concreta: Los trabajadores estadounidenses compiten cada vez más con los de todo el mundo, y cuantos más titulados universitarios hay, hay que encontrar más formas de distinguirse de la masa."

Esto es especialmente cierto cuando se trata de estudios como la moda, donde los programas de maestría han proliferado de un puñado de en todo Estados Unidos, a una oferta constante en cientos de universidades. Por ejemplo, la escuela Parsons School of Design de Nueva York ahora ofrece veinte programas de maestría, y de distintos niveles y estilos. Ya no es solo un MBA, enfocado en temas administrativos, sino que incluso existe un programa dedicado a Maestría en Estudios Profesionales que no se centra en las finanzas y las estadísticas, sino exclusivamente en la industria de la moda. 

El costo de estos programas, especialmente en las universidades de alto nivel, desde Columbia hasta RISD, es muy elevado, a menudo más de 50,000 dólares al año. Y eso se acumula en un programa de dos o tres años. Y aunque los datos sugieren que los estudiantes que se gradúan con una maestría ganan más que quienes no cuentan con este título, estos elevados costos hacen que un programa de posgrado sea muy arriesgado, cargando a los estudiantes con una deuda que pueden tardar años en pagar.

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En Estados Unidos la Ley GI fue aprobada para ayudar a los veteranos de la Segunda Guerra Mundial a aclimatarse a la vida civil. Uno de los componentes más importantes de esta ley era proporcionar a los militares acceso a una educación universitaria asequible. Esto provocó el efecto de que aumentara considerablemente la cantidad de personas con un título universitario de la década de 1950 en adelante, con lo que la educación pasara de ser un privilegio de los ricos a convertirse en una constante para la mayoría de los estadounidenses. Como consecuencia, este acceso a la educación tuvo el efecto de aumentar la clase media, y, por lo mismo, cambió la economía de los trabajos de cuello azul a los de cuello blanco. 

Sin embargo, a medida que la economía en Estados Unidos se desplazaba de la fábrica a la oficina en los años 70 y 80, los trabajos manuales también se volvieron menos deseables. Esto obligó a las empresas a reubicar sus fábricas fuera del país, con la ventaja añadida de que la mano de obra era más barata y había menos regulaciones gubernamentales. Esto significó que, para la década de 1990, la mayor parte de la producción relacionada con la moda, como textiles y prendas de vestir, ya no se realizaba en Estados Unidos o en Europa; se había trasladado principalmente a China e India y luego al sudeste asiático. Este cambio en la producción trajo una ola de dinero a estos países, cambiando efectivamente sus economías y facilitando el nacimiento de sus propias clases medias, así como las fortunas de muchos. 

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Debido a la naturaleza especializada del comercio minorista y de la moda, la formación "en el trabajo" siempre ha sido una parte integral de la industria. En algunos casos, este aprendizaje era informal, sobre todo en las empresas familiares, pero también era formal a través de las pasantías, en las que jóvenes eran contratados para aprender un oficio en un taller con el objetivo de que se convirtieran en empleados a tiempo completo. Estas pasantías individuales también se convertían en programas de certificación interna, especialmente en los grandes minoristas, en donde este aprendizaje podía proporcionarse a escala, aunque todavía a nivel local. Por ejemplo, los programas de formación en Estados Unidos dentro de Neiman Marcus en Dallas o el de Macy's en Nueva York. Sin embargo, a medida que la moda se fue haciendo más corporativa y comenzó a globalizarse, estos tipos de aprendizaje informales y formales desaparecieron en gran medida, o bien se trasladaron a una función de recursos humanos, dejando un vacío en el proceso de formación de los empleados.

Paralelamente al cambio de la enseñanza de la moda hacia programas de licenciatura, se produjo el crecimiento de las prácticas profesionales o internships, en donde las empresas colaboran con las instituciones académicas para contratar a trabajadores no remunerados quienes realizan trabajos de bajo nivel, con la promesa de que los estudiantes obtendrán experiencia y formación en el mundo real y, posiblemente, un trabajo al final de sus prácticas. En teoría, este sistema parecería que beneficia a todos los estudiantes, especialmente si las prácticas forman parte del programa académico que estudian. Pero en la práctica, las prácticas han favorecido en gran medida a los estudiantes más favorecidos económicamente, han normalizado el trabajo no remunerado y a menudo no conducen a un empleo a tiempo completo. 

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La moda como disciplina académica es relativamente nueva. Esto no quiere decir que no se haya investigado la intersección entre la ropa y la economía, la ropa y la psicología, o la ropa y la cultura, por decir algunas, desde mucho antes, sino que no se había tomado en serio como una disciplina propia. Sin embargo, con la formalización de la moda como disciplina dentro de la academia y su crecimiento en los programas de posgrado, ha habido un aumento en la investigación específica sobre moda, tanto por parte del profesorado como de los estudiantes. 

Y como esta investigación no está necesariamente ligada al éxito de una empresa, lo que significa que no se trata de un proyecto realizado como parte del trabajo de una persona, o al servicio de un cliente, esto ha abierto más oportunidades para realizar investigaciones sin un resultado requerido o esperado. En resumen, ha permitido una crítica más directa al sistema de la moda. Por esto es que no es de extrañar que se pueda establecer una correlación entre el crecimiento de la investigación sobre la moda y el aumento en el interés por temas como la sostenibilidad, los derechos humanos y el comercio justo, por mencionar algunos. Temas que se encuentran constantemente entre los cinco primeros dentro de las investigaciones realizadas por los estudiantes. 

Con el tiempo, estas áreas de enfoque académico se han desplazado de la institución a la industria, por dos razones. La primera es que los estudiantes se gradúan con estos temas como parte central de su aprendizaje, y la segunda es que mientras las personas adquieren mayor educación, más exigen que hayan cambios dentro de las compañías. Sin embargo, este proceso ha sido lento y resalta la falta de colaboración directa entre el mundo académico y la industria.

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Durante muchos años, la responsabilidad de la formación de los empleados de la industria de la moda recayó principalmente en el empresario. En primer lugar, la industria dependía en gran medida de las mujeres y, como la educación superior no estaba abierta de manera general a ellas, las empresas tenían que formarlas con las habilidades que necesitaban para hacer su trabajo. En segundo lugar, la mayoría de las empresas de moda eran negocios familiares y dependían de trabajadores locales, por lo que la formación se daba de forma natural en el trabajo. En tercer lugar, la moda requería conocimientos especializados relacionados con la comercialización, la compra, la producción y la venta al por menor. Y como cada empresa tenía su propio enfoque o estilo, las empresas se beneficiaban de la formación de los empleados de acuerdo a sus necesidades particulares. A medida que las empresas crecieron, estos programas se expandieron para ser más formales, y empresas como Macy's comenzaron a ofrecer programas de formación completos y certificaciones. De hecho, las primeras escuelas de moda, como el Fashion Institute of Technology, basaron sus certificaciones de dos años en registrar a los estudiantes en este tipo de programas. 

Aunque algunos de estos programas corporativos aún existen, su enfoque fundamental (y su necesidad) cambió cuando la educación en moda se integró plenamente en los programas de licenciatura de las universidades. La responsabilidad de la formación de los empleados pasó de la empresa a la universidad. Hasta cierto punto, esto ayudó a ofrecer una base más consistente en términos de conocimientos y habilidades. Y le dio a los estudiantes una visión más amplia de la industria, más allá del trabajo específico para el que se estaban formando, además les permitió adquirir otro tipo de habilidades, como la colaboración y la comunicación. Pero también significó que los estudiantes comenzaron a aprender menos habilidades duras, creando un hueco entre lo que se aprendía en la universidad y lo que se necesitaba en el trabajo. 

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La educación superior tradicional es un sistema que se autoperpetúa, en el que los títulos dictan el nivel de educación que un profesor puede enseñar a sus alumnos. Por ejemplo, se suele exigir una maestría para impartir un programa de licenciatura y un doctorado para enseñar a nivel posgrado. Además de estos requisitos básicos, a los profesores también se les exige que hayan realizado proyectos de investigación, publicaciones, recaudación de fondos y una práctica profesional relacionada con su área de especialización, con el objetivo de mantenerlos actualizados y conectados con los conocimientos y habilidades que imparten en el aula.

En la mayoría de las áreas de la educación, especialmente en las artes liberales o en las materias STEM — ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas, por sus siglas en inglés—, este sistema se ha mantenido durante generaciones, pero este no ha sido el caso para la educación en moda. Cuando las universidades empezaron a integrar la moda en sus planes de estudio, tuvieron que hacer excepciones para sus propias normas de contratación. Esto significó que los profesores tuvieran mayor experiencia profesional, un componente importante en una industria basada en las habilidades prácticas. Sin embargo, también significó que muchos educadores de la moda carecían de experiencia en el manejo de la educación superior en general, además del plan de estudios y la pedagogía. 

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A mediados de la década de 1990, la enseñanza de la moda se comenzó a integrar más a la academia, permitiendo a los estudiantes de moda recibir algo más que una formación profesional. Sus estudios de diseño de moda o de mercadotecnia de moda se comenzaron a combinar con una educación tradicional de artes liberales o de negocios, que conducía a una licenciatura. Esto tuvo el efecto de formalizar, incluso legitimar, la moda como una actividad académica y una carrera deseable. Y con la creciente proliferación de contenidos de moda en los medios de comunicación, especialmente con Project Runway y con los blogs, seguidos de los teléfonos inteligentes y las redes sociales, las universidades se dieron cuenta rápidamente del potencial económico de ofrecer programas en moda.

El cambio de la educación en moda a un entorno de artes liberales requiere que los estudiantes tomen cursos no relacionados con la moda, como ciencias, matemáticas e historia, por mencionar algunos, con el fin de cumplir con los estándares de acreditación para obtener un título universitario. Si bien esto garantiza una educación más completa, también significa menos tiempo para concentrarse en las materias relacionadas directamente con temas de moda, así como en la formación de habilidades técnicas. Para los estudiantes de licenciatura, esto significa tomar una serie de cursos básicos, y tal vez una o dos optativas, sin tener la oportunidad de profundizar o de obtener experiencia en un área en particular. El objetivo se convierte en proporcionar una base de conocimientos y en construir la capacidad de pensar de forma crítica, que son las bases de una educación en artes liberales, sobre la que los estudiantes puedan construir, una vez que entren en la industria. Aunque este enfoque es ciertamente valioso, también ha conducido a una brecha entre los conocimientos y las habilidades reales con las que se gradúan los estudiantes y lo que los empleadores esperan o necesitan de ellos.

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Cada mes en News Bytes, Sass Brown, experta en moda ética, sostenible y artesanal, comparte una marca de moda que se acerca al negocio de una manera distinta e innovadora, o bien que opera fuera de los sistemas tradicionales de la industria y de las principales capitales de la moda. Saas fue la Decana de Arte y Diseño en el Fashion Institute of Technology y es la Decana fundadora del Dubai Institute of Design and Innovation.

Este mes, Sass ha elegido a VOZ. Esta marca basada en la Ciudad de Nueva York se lanzó en 2021 por Jasmine Aarons, con la misión de honrar y empoderar a los artesanos Mapuche, en Chile, apoyándolos económica y culturalmente. La colección VOZ se construye en torno a sus principales tradiciones de tejido y teñido a mano, utilizando algodón y alpaca de aquella región. 

Sass explica que la gente Mapuche es el grupo indígena más grande en Sudamérica y que nunca fueron conquistados por los Españoles. Ella cuenta que “La gente Mapuche tiene una larga herencia de trabajar con fibras naturales, materiales locales - tanto animales como vegetales - y de tejer a mano e hilar a mano. Como muchos grupos indígenas, hay historias y significados intrínsecos en los patrones y en el simbolismo que está insertado dentro de las cosas que ellos tejen. Visualmente es muy gráfico”. Ella explica que los Mapuche típicamente trabajan con color negro sobre una base blanca o beige, pero que también puede ser de otros colores. Ella dice que “Si ves el trabajo de Jasmine, ella suele incorporar todo tipo de formas distintas. Suele ser un patrón muy gráfico en una base tejida a mano”.

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