Commissaires : 

Stephen Calloway, spécialiste de Beardsley 

Caroline Corbeau-Parsons, Curator, British Art 1850-1915 at Tate Britain 

Elise Dubreuil, conservatrice arts décoratifs au musée d’Orsay 

Leïla Jarbouai, conservatrice arts graphiques au musée d’Orsay

La carrière d’Aubrey Beardsley fut intense et prolifique, en dépit de la disparition prématurée du jeune artiste à l’âge de vingt-cinq ans. En partenariat avec la Tate Britain, à Londres, le musée d’Orsay montrera pour la première fois en France une rétrospective de son oeuvre dans son ensemble, première monographie de l’artiste en Europe depuis l’exposition du Victoria & Albert museum de Londres en 1966.

Les dessins vifs et virtuoses de cette figure originale de la scène londonienne fin-de-siècle mettent en scène un univers étrange, érotique et anticonformiste. Le style très personnel de Beardsley, aisément reconnaissable, allié à la large diffusion de ses oeuvres par la reproduction mécanisée, firent de lui un phénomène, à tel point que le critique Max Beerbohm qualifia les années 1890 à Londres de « Beardsley period ». Son succès s’est construit grâce aux nouvelles techniques de reproduction de l’image, ses dessins exclusivement en noir et blanc, à la ligne précise et nerveuse, étant reproduits suivant une méthode qui permit leur diffusion imprimée à moindre coût et de manière fidèle. Lecteur vorace, puisant aux sources les plus éclectiques, Beardsley a construit un univers graphique d’une grande variété, où se tissent des liens avec la tradition anglaise, l’art des vases grecs, l’art japonais, l’art nouveau, le décandentisme et le symbolisme, les estampes du XVIIIe siècle français…

L’exposition déroulera un plan globalement chronologique, débutant, après une présentation de l’artiste, par les premières réalisations publiées en 1891, jusqu’à ses dernières oeuvres de 1898. Après un espace consacré à la figure de l’artiste dandy qui a méticuleusement construit son image, seront présentés ses premiers travaux, influencés par les Préraphaélites, ainsi que sa première commande importante pour l’illustration de La Morte Darthur pour l’éditeur J. M. Dent qui lui valut la reconnaissance comme « illustrateur d’un nouveau genre ». Une place sera faite à son travail pour des revues comme The Studio ou Pall Mall Magazine et les recueils comme Les Bons-Mots, dont les dessins reflètent à la fois l’influence du japonisme et la constitution d’un univers poétique et satirique très personnel. 

En 1893, Beardsley travaille aux dessins destinés à illustrer l’édition anglaise de Salome d’Oscar Wilde (initialement publié en français), publié par John Lane en 1894. Ces dessins, totalement anti-conventionnels, qui figurent parmi les plus célèbres de Beardsley, seront présents par l’exposition du portfolio édité en 1907, ainsi que par quelques prêts exceptionnels de dessins originaux. La majorité des originaux, appartenant à la collection Winthrop du Fogg Art Museum, n’est en effet pas prêtable.

Après le succès de scandale de Salome Beardsley devient le directeur artistique de la revue The Yellow Book, dont il réalise les couvertures des premiers numéros et où il renverse la traditionnelle hiérarchie entre texte et image.

Suite au procès et à la condamnation d’Oscar Wilde pour homosexualité, Beardsley dont le nom lui était associé depuis le succès sulfureux de Salome, s’exile à Dieppe, en Normandie. Il y retrouve l’éditeur Léonard Smithers et le poète Arthur Symons. Le dix-huitième siècle français, notamment par le biais de ses gravures libertines, occupe une place de plus en plus importante dans son oeuvre, à travers ses dessins saturés de détails pour la revue The Savoy, ses illustrations de The Rape of the Lock (La Boucle de cheveux enlevée) d’Alexander Pope qu’il qualifie de « broderies », et son interprétation graphique de Mademoiselle de Maupin de Théophile Gautier.

L’exposition se terminera par une évocation des dernières commandes importantes faites à Beardsley, notamment la série Lysistrata, d’après la comédie paillarde d’Aristophane, montrée quasiment in extenso. L’artiste s’inspire de l’univers burlesque et satirique du dramaturge grec pour mettre en scène le théâtre de la révolte des femmes et de l’inversion des genres.

S’il est prévu d’exposer en grande majorité les dessins originaux de Beardsley (une centaine), on accordera une attention particulière à présenter quelques exemples des éditions originales de ces oeuvres, afin de montrer les conditions de la diffusion de l’oeuvre de l’artiste. Dans cette optique sera également présentée une sélection d’affiches.

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par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 12 octobre 2020, durée 12’03, © FranceFineArt.

Commissaires : 

Anne Adriaens-Pannier, experte Léon Spilliaert, auteur du catalogue raisonné et conservateur honoraire des Musées royaux des beaux-arts de Bruxelles 

Leïla Jarbouai, conservatrice des arts graphiques, musée d’Orsay

Depuis la rétrospective du centenaire de la naissance de l’artiste, organisée aux Galeries Nationales du Grand Palais il y a presque quarante ans, une exposition en 1997-1998 (Paris, Musée-Galerie de la Seita) et une autre en 2003 (Douai, musée de la Chartreuse de Douai) ainsi qu’une présentation de ses autoportraits en 2007 au musée d’Orsay, Léon Spilliaert n’a pas bénéficié en France d’une exposition montrant l’essentiel de son oeuvre.

L’exposition se concentrera sur les années les plus intenses de la création de Spilliaert, entre 1900 et 1919 et déclinera un nombre limité de thèmes, à partir d’ensembles constituant des variations autour d’un même sujet ou de mêmes questionnements artistiques. Il ne s’agit pas d’une rétrospective monographique qui voudrait aborder tous les aspects, variés et inégaux, de l’oeuvre de Spilliaert, mais d’une exposition qui vise à faire pénétrer le visiteur-regardeur dans l’atmosphère intense et si particulière de l’artiste, fondée sur quelques leitmotive très personnels et obsessionnels. Entre interrogations métaphysiques et culture flamande, Spilliaert crée des oeuvres inclassables, qui tissent des liens avec le symbolisme et l’expressionnisme contemporains, et semblent annoncer, dans ses paysages les plus radicaux, simplifiés à l’extrême, l’abstraction géométrique et le minimalisme. Quasiment autodidacte, formé au contact de la collection du libraire bruxellois Edmond Deman, inspiré par la littérature de ses contemporains Emile Verhaeren et Maurice Maeterlinck, Léon Spilliaert dessine et peint à l’encre des figures fantomatiques, désincarnées et solitaires et des visages-masques aux yeux hagards et hallucinés qui évoquent parfois l’univers d’Edvard Munch.

Comme d’autres artistes du tournant du siècle, et pour reprendre le titre d’un pastel de Lucien Lévy-Dhurmer conservé au musée d’Orsay, Léon Spilliaert est un « explorateur perdu », explorateur de l’inconscient et des angoisses existentielles de l’individu au moment où les sciences humaines se développent pour avancer dans la compréhension de la psyché. Dans son oeuvre, réalisé presque exclusivement sur papier, il mélange différentes techniques graphiques, crayons, fusain, encre de Chine, pastel, craie, aquarelle et gouache. L’encre de Chine est son matériau de prédilection, dont il explore la transparence, la liquidité et la noirceur pour traduire son monde intérieur ancré dans une ville particulière, Ostende, où il a passé l’essentiel de sa vie. Cette cité portuaire du plat pays, baignée par les vents et le flux et le reflux de la mer du Nord, où s’affrontent l’architecture rectiligne des digues et des brises- lames, et l’infinie variation des éléments, est, en effet, l’un des principaux personnages de son oeuvre qui y puise une part de sa puissance d’évocation et de sa dramaturgie.

L’exposition, centrée sur les oeuvres les plus radicales et originales de Spilliaert, se déroulera en plusieurs temps, organisés par séries chrono-thématiques où les oeuvres seront rassemblées suivant leurs rapports plastiques. Elle débutera et se terminera par l’évocation des liens profonds de l’artiste avec la littérature et réunira de magnifiques ensembles d’intérieurs, d’autoportraits, de paysages et de figures.

Elle montrera la variété des pratiques plastiques de l’artiste, usant du papier et de l’encre sur des formats très variés : il dessine dans des livres, réalise des pastels et craies de couleur très picturaux, pratique la lithographie, et, au sein d’une production à la gamme de couleurs restreinte, il multiplie les nuances subtiles de noirs d’où émerge la lumière. 

Autour des quatre chefs-d’oeuvre de l’artiste conservés dans les collections du musée d’Orsay (deux paysages nocturnes d’Ostende, des figures de Carnaval et un saisissant autoportrait), l’exposition réunira environ 90 oeuvres, issues de collections particulières et de collections de musées belges et états-uniens.

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Commissaires :

Patrizia Keller (Nidwaldner Museum) et Claire Hoffmann (CCS)

Avec : Mathis Altmann, Sophie Jung, Judith Keller, Simone Lappert, Quinn Latimer, Céline Manz, Sam Porritt, Davide-Christelle Sanvee, Manon Wertenbroek.

L’exposition met en dialogue l’oeuvre d’Annemarie von Matt (1905 – 1967) avec neuf artistes et autrices contemporaines témoignant de l’actualité des questions qu’aborde cette artiste. La voix d’Annemarie von Matt, qui mêle dessin, assemblage, photographie, mise-en-scène de soi et écriture obsessionnelle, est drôle, empreinte d’une conscience critique acérée de la société conservatrice et d’un besoin d’expression qui subvertit largement les limites sociétales et artistiques de son temps.

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par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 8 octobre 2020, durée 19’19, © FranceFineArt.

(avec l’aimable traduction de Marie-Pierre Ellie)

Commissariat :

Cora Falero Ruiz, Conseillère scientifique, Museo Nacional de Antropología, Mexico, Mexique

Steve Bourget, Responsable de collections Amériques au musée du quai Branly – Jacques Chirac

L’exposition Les Olmèques et les cultures du golfe du Mexique dévoile, pour la première fois en Europe, la richesse culturelle de la civilisation olmèque (1600 – 400 av. J.-C.) et son influence au-delà de ses frontières. Plus de 300 pièces provenant en grande partie de missions archéologiques échelonnées sur plus d’un siècle, révèlent la multiplicité des traditions artistiques, des croyances, des langages de la civilisation olmèque et des civilisations qui l’ont suivie (jusqu’à 1500 ap. J.-C.).

C’est dans la plaine côtière au sud des états actuels de Veracruz et de Tabasco que s’épanouit, au cours des deux millénaires qui ont précédé le début de l’ère chrétienne, la culture olmèque – du mot Olmán, « pays du caoutchouc ». Lieu des débuts de la vie villageoise et de l’urbanisation citadine, on y voit apparaître des sociétés complexes, architectes des premiers grands centres cérémoniels, dont la première pyramide au site de La Venta, vers 800 avant l’ère chrétienne.

La première section de l’exposition présente ainsi certaines des réalisations les plus importantes des sites de San Lorenzo et de La Venta. Lorsque le conquistador Hernando Cortés et son équipage débarquent près de Veracruz en 1519, plus d’une vingtaine de langues sont encore parlées dans la région. Cette diversité linguistique illustre bien l’importance de ces lieux de rencontres, d’échanges et de brassage culturel que sont la côte du golfe et l’isthme de Tehuantepec.

La deuxième section de l’exposition aborde l’apparition des premières formes d’écriture et de l’utilisation du calendrier du compte-long mésoaméricain, période qui marque la fin de la civilisation olmèque. Effervescente et pluraliste, la culture olmèque se caractérise par sa capacité à transmettre, au travers d’objets décoratifs et religieux, ses valeurs symboliques et idéologiques à de nombreux groupes parlant différentes langues et vivant dans des régions éloignées.

Couvrant une période de près de 2500 ans, les oeuvres d’art et les objets somptuaires du musée de Xalapa et du musée national d’anthropologie du Mexique présentés dans la troisième section nous invitent à un parcours de découvertes jalonné par les plus beaux exemples de l’art statuaire préhispanique, de la civilisation olmèque aux cultures huastèques — dont près de 20 chef-d’oeuvres, notamment le superbe « Adolescent de Tamohi ».

L’exposition s’attache dans la quatrième section à présenter les offrandes faites aussi bien dans des lieux naturels, que des temples ou des contextes funéraires. Ce sont peut-être l’une les formes de pratique rituelle qui reflètent le plus les processus de changements culturels et la nature profondément multiethnique de la côte du golfe.

La civilisation olmèque eut une influence considérable sur une grande partie du territoire mésoaméricain, comme l’évoque la cinquième et dernière section de l’exposition. Une pensée et des influences économiques, sociales, politiques, intellectuelles et artistiques qui perdureront jusqu’à la conquête espagnole.

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Centre Pompidou

par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 7 octobre 2020, durée 14’14, © FranceFineArt.

© Anne-Frédérique Fer,

visite de l’exposition avec Karolina Ziebinska-Lewandowska, le 7 octobre 2020.

Eva Fuková (1927-2015),

Procházka v Quogue (Promenade à Quoque),

1973. épreuve gélatino-argentique. Centre Pompidou, MNAM – CCI. ©Centre Pompidou,MNAM-CCI/Audrey Laurans/Dist. RMN-CP. ©Droits réservés.

Václav Boštík (1913-2005),

Fissonnement en bleu II,

1973. huile sur toile 81,5 x 100,5 cm. Coll. Claude et Henri de Saint Pierre. ©Droits réservés.

Jiří Kolář (1914-2002),

Illustration pour le livre de Bohumil Hrabal « Automat svet »,

édition allemenade, 1966 collage. 45 x 32,5 cm. Coll. Claude et Henri de Saint Pierre. © Jiří Kolář.

Běla Kolářová (1923–2010),

Variace II (Variation II),

1962. épreuve gélatino-argentique 27,2 x 22,8 cm. Coll. Claude et Henri de Saint Pierre. ©Droits réservés.

Commissaire :

Karolina Ziebinska-Lewandowska, conservatrice au Musée national d’art moderne, Cabinet de la photographie

assistée de :

Julie Jones, attachée de conservation au Musée national d’art moderne, Cabinet de la photographie

Céline Makragic, attachée de collection au Musée national d’art moderne.

Située au coeur des collections du Musée national d’art moderne, la salle Focus met à l’honneur depuis 2015 des artistes modernes et contemporains de toutes disciplines, à partir d’oeuvres marquantes entrées dans les collections sous forme de dons récents.

Après Barnett Newman, Chen Zhen, Hubert Damisch, Jos Houweling et tout récemment Yuan Jai, le Centre Pompidou présente la donation d’Henri et Claude de Saint Pierre, une quarantaine d’oeuvres offertes au Musée, complétée de quelques autres issues de leur collection. Constitué de près de soixante-dix oeuvres, cet ensemble permet de dévoiler un fragment encore mal connu de la scène artistique tchèque. Les œuvres des photographes du groupe du nouveau documentaire DOFO, les images de murs par Emila Medková et celles de la réalité « pauvre » par Alois Nožička et Čestmir KraÅLtký, les natures mortes paisibles de Jan Svoboda, le réalisme poétique de Bohuslav Reynek, l’art brut de Jan Křížek, les recherches abstraites de Bela Kolářová ou les actions subversives de l’artiste Fluxus Milan Knížák, attestent la richesse et la diversité de l’art en Tchécoslovaquie communiste. Majoritairement photographique, l’exposition introduit également quelques magnifiques exemples de l’abstraction picturale des années 1960 et 1970 avec des toiles de Josef Sima, Vaclav Boštík ou des pastels de Karel Malich.

Présentant les oeuvres d’une vingtaine d’artistes, l’exposition « Ni cygne ni lune » offre ainsi un regard à la fois différent et complémentaire sur l’avant-garde européenne la plus connue.

Dans l’histoire de l’abstraction européenne de l’après-guerre, il semble que l’ombre du Rideau de fer soit encore trop présente : la révision des canons de l’abstraction d’Europe occidentale n’a pas encore eu lieu. Il n’est donc pas étonnant que Karel Malich, Vaclav Boštík, Emila Medková, Bela Kolářová ou Čestmir KraÅLtký, grands noms de l’histoire de l’art en République Tchèque, restent ailleurs, relativement inconnus. Après 1945, l’abstraction tchécoslovaque, nourrie de l’expérience du surréalisme, donne naissance à une version particulière de l’informel qui commence avec des expositions indépendantes telles « Konfrontace » vers 1960 ; cette abstraction est aussi empreinte de l’héritage du constructivisme, comme en témoignent les oeuvres de Zdenek Sykora, Milan Grygar ou de Stanislav Kolibal. Au sein des groupes d’artistes engagés dissidents, comme dans les expositions, peinture et photographie se côtoient. Si la frontière politique a certes limité les échanges artistiques, ces oeuvres font partie intégrante de l’histoire européenne.

Avec le don d’une quarantaine d’oeuvres de la collection de Claude et Henri de Saint Pierre, réalisé en 2019, les collections du Musée national d’art moderne comblent en partie cette lacune. Le couple découvre l’art tchèque d’après-guerre dans les années 1990, période pendant laquelle Henri de Saint Pierre se déplace régulièrement en tant que conseiller dans les usines et fonderies de la République tchèque. Une scène artistique riche, mais restée locale, devient une terre d’exploration qui, sous l’égide de Claude de Saint Pierre, mène à la constitution d’une collection privée unique, conservée à Paris.

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Commissariat de l’exposition :

POLA Research Institute of Beauty & Culture

Du 07 octobre 2020 au 06 février 2021, la Maison de la culture du Japon à Paris présente « Secrets de beauté. Maquillage et coiffures de l’époque Edo dans les estampes japonaises », une exposition inédite réunissant près de 150 estampes* et 60 objets permettant de mieux connaître la pratique du maquillage, de la coiffure et les canons de la beauté à l’époque Edo (1603 – 1868).

Cette exposition est organisée en collaboration avec le POLA Research Institute of Beauty & Culture, institut japonais qui, depuis plus de quarante ans, effectue des recherches et collectionne des estampes sur l’art du maquillage au Japon et en Occident, de l’Antiquité à nos jours.

Le riche parcours présenté à la MCJP invite les visiteurs à porter un nouveau regard sur les estampes japonaises, à en comprendre les détails par le prisme d’une thématique aussi originale que féminine : les secrets de beauté. 

Portraits de belles femmes (bijin-ga) aux maquillages et coiffures d’une grande diversité, scènes de femmes à leur toilette, ou encore représentations fidèles d’ustensiles de maquillage… toutes ces estampes sont minutieusement décryptées et témoignent de l’importance sociale du maquillage dans le Japon d’Edo. De nombreux pinceaux, poudriers, miroirs, peignes et autres épingles à cheveux – réellement utilisés à l’époque Edo – sont également exposés aux côtés de perruques miniatures aux formes complexes.

Blanc, noir, rouge : le maquillage de l’époque Edo se compose principalement de ces trois couleurs. Exhiber une peau d’une blancheur immaculée étant un point crucial pour les femmes, de la poudre blanche est toujours appliquée sur le visage, le cou et la nuque. Le noir est lié aux rites de passage. Si les femmes du peuple se teignent les dents de noir une fois mariées et se rasent les sourcils à la naissance de leur premier enfant, dans la noblesse de cour et l’aristocratie guerrière, passé un certain âge, elles redessinent leurs sourcils en haut du front. Quant au rouge, rare et précieux, il se pose avec parcimonie sur les lèvres et les joues.

L’art sophistiqué de la coiffure connaît son apogée à l’époque Edo. Les styles de chignons se diversifient rapidement, au point qu’on en aurait compté jusqu’à plusieurs centaines ! Parallèlement se développent les ornements de cheveux qui égaient les chevelures. Tout comme le maquillage, les coiffures sont des indicateurs d’âge, de classe sociale, de statut matrimonial ou encore de profession. 

Dans la société hiérarchisée de l’époque Edo, les femmes ne peuvent choisir librement leur maquillage ou leur coiffure. Mais l’inventivité dont elles font preuve sont à l’origine d’un art diversifié de la toilette, l’une des plus belles occasions de se parer magnifiquement étant la cérémonie de mariage.

*En raison de la fragilité des estampes, leur présentation sera entièrement renouvelée et se fera en deux temps : 1er volet : 07 octobre – 28 novembre 2020 et 2e volet : 03 décembre 2020 – 06 février 2021

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Commissaire :

Sophie Duplaix, conservatrice en chef du service des Collections contemporaines au Musée national

Créé en 2000 pour mettre en lumière le foisonnement créatif de la scène artistique française, le Prix Marcel Duchamp a pour ambition de distinguer les artistes les plus représentatifs de leur génération et de promouvoir à l’international la diversité des pratiques aujourd’hui à l’oeuvre en France.

Ce partenariat fidèle entre l’ADIAF (Association pour la diffusion internationale de l’art français) et le Centre Pompidou s’inscrit résolument dans une volonté de mettre en valeur la scène française auprès du plus grand nombre et, dans le contexte actuel, de réaffirmer notre soutien à ces artistes. La crise sanitaire que nous vivons ne saurait réduire la création au silence.

L’année 2020 marque également le 20e anniversaire du Prix Marcel Duchamp. 20 ans, 20 éditions, plus de 80 artistes nommés, une cinquantaine d’expositions organisées par l’ADIAF à travers le monde… Le Centre Pompidou proposera une sélection d’œuvres des lauréats au sein d’un parcours dédié au Musée national d’art moderne, niveau 4 à partir du 21 octobre 2020.

Les artistes

Alice Anderson

Née en 1972 à Alfortville (France) – Vit et travaille à Londres

Représentée par la galerie Valérie Bach – La Patinoire Royale, Bruxelles

Les œuvres présentées au Centre Pompidou ont été créées lors de danses-performances, au cœur de l’œuvre d’Alice Anderson, au cours desquelles l’artiste peint avec de la couleur ou tisse avec du fil de cuivre, symbole de la connectivité́ numérique. Ces danses-performances, tantôt fulgurantes, tantôt méditatives, lui font atteindre un niveau de conscience presque oublié. En activant par des gestes précis certains objets technologiques, Alice Anderson les « mémorise » et les sacralise. Dans ces « danses géométriques », elle établit une communication profonde avec la toile.

Hicham Berrada

Né en 1986 à Casablanca (Maroc) – Vit et travaille à Paris et à Roubaix (France)

Représenté par la galerie kamel Mennour, Paris/Londres

Hicham Berrada s’inspire de protocoles scientifiques pour explorer des phénomènes comme le chaud, le froid, le magnétisme, la lumière. En 2007, il commence sa série « Présages », réalisée à partir de produits chimiques plongés dans des béchers ou des aquariums, dont il retranscrit les réactions à travers une variété de médiums – images en mouvement, sculptures, photographies. En 2017, lors d’une exposition au Fresnoy, Hicham Berrada projette un « Présage » sur une paroi semi-circulaire. C’est ce dispositif immersif qu’il reprend dans son projet pour le prix Marcel Duchamp. L’univers en développement résultant de l’expérience chimique est donné à vivre comme si le public se tenait au cœur du laboratoire.

Kapwani Kiwanga

Née en 1978 à Hamilton (Canada) – Vit et travaille à Paris

Représentée par les galeries Poggi, Paris ; Goodman Gallery, Johannesbourg, Le Cap et Londres ; galerie Tanja Wagner, Berlin

Kapwani Kiwanga utilise des méthodes issues des sciences sociales pour déconstruire les récits qui nourrissent la vision de la sphère géopolitique contemporaine. Le projet « Flowers for Africa », présenté pour prix Marcel Duchamp 2020, initié en 2013 lors d’une résidence au Sénégal, se poursuit encore aujourd’hui. En effectuant des recherches iconographiques, l’artiste s’est concentrée sur la présence des fleurs lors des événements diplomatiques liés à l’indépendance des pays africains. Disposées sur les tables des négociations, sur les estrades ou bien lors de parades, ces compositions florales deviennent des témoignages de ces moments historiques.

Enrique Ramírez

Né en 1979 à Santiago (Chili), vit et travaille en France

Représenté par les galeries Michel Rein, Paris/Bruxelles ; Die Ecke, Santiago

Enrique 

Ramírez aborde à travers l’installation, la vidéo et la photographie, des sujets universels liés à son parcours personnel : les voyages, l’immigration, les aléas de l’histoire, la construction de la mémoire… Les vastes paysages qu’explore son œuvre sont conçus comme des espaces géo-poétiques destinés à susciter l’imagination, des territoires ouverts à la déambulation mentale. Le projet présenté par Enrique Ramírez dans le cadre du prix Marcel Duchamp 2020, « Incertains », réaffirme l’idée de l’art comme questionnement du monde. Il invite à imaginer le regard comme doté du pouvoir de franchir les obstacles et pénétrer les profondeurs de l’histoire.

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Direction artistique :

Sylvie Hugues et Mathilde Terraube

Edito – Voyages extra-ordinaires

La photographie, dès ses origines, s’est développée autour de deux axes : la photo de famille et la photo de voyage. Que ce soient des souvenirs touristiques capturés par des amateurs ou des reportages à l’autre bout du monde, la photographie a par essence un statut associé à l’idée du déplacement, du dépaysement, de l’ailleurs… Et chaque fois, le voyage bouscule nos idées reçues et chamboule notre quotidien, loin de chez soi on oublie l’ordinaire et l’on se confronte à l’extraordinaire. C’est ce que nous avons voulu mettre en évidence ici, l’ordinaire des uns peut devenir l’extraordinaire des autres, celui des voyageurs ou des spectateurs d’une exposition photo (le Festival du Regard aménage une ancienne poste gigantesque à Cergy-Pontoise… un voyage en soi !). Car tel est le pouvoir de l’image fixe, arrêter le temps et l’espace pour en proposer une interprétation à la fois documentaire et poétique, à la fois réaliste et fictionnelle.

Sylvie Hugues et Mathilde Terraube, Directrices artistiques du Festival du Regard

FranceFineArt.com est partenaire média de la 5e édition du Festival du Regard.

Présentation 

Pour sa 5ème édition, le Festival du Regard se développe et investit un nouvel espace. Après la Tour EDF l’année dernière, c’est un autre lieu emblématique de Cergy-Pontoise qui nous accueille, l’ancien bâtiment de La Poste à l’architecture typique des années 70. Sur une surface de plus de 1500 mètres carrés, seize expositions dialogueront avec les cinq expositions proposées en extérieur dans le Parc François Mitterrand et la Maison des Arts. Situé dans Cergy Grand Centre, cet espace insolite nous a inspiré la thématique de cette année : « Voyages extra-ordinaires ».

Que reste-t-il de l’esprit des grands photographes voyageurs qui ont fait découvrir le monde, dans sa beauté comme dans ses violences, au moment où tout est vu, filmé, diffusé, commenté en temps réel ? Tel sera le fil conducteur de notre programmation avec l’envie de vous surprendre et de vous étonner. Et de redonner à la photo de voyage ses lettres de noblesse. En effet, aujourd’hui la photographie de voyage est confrontée à deux écueils. D’un côté, certains croient (à tort) que tout est vu et revu, comme si les regards d’auteurs et d’artistes ne nous poussaient pas chaque fois à redécouvrir différemment ce que l’on croit connaître via les déclinaisons de Google : Earth, Maps ou StreetView. De l’autre, le voyage se confond souvent avec le tourisme et la recherche du pittoresque, du croquignolet, du cliché…

Face à cela, nous avons voulu redonner aux « photos de voyages » toute l’amplitude de leur champ d’action et ne pas nous cantonner à une vision classique du thème. Nos voyages seront « extra-ordinaires » autant par leurs capacités à sortir de l’ordinaire de la photo de voyage que par leur volonté d’unir la poésie et le reportage, la fiction futuriste et le témoignage, l’autobiographie subjective et le seul plaisir de la contemplation du paysage ou de l’errance. Ainsi Rémi Noël revisite, avec humour et pertinence, la mythologie américaine dans de belles photographies en noir et blanc. En revenant dans sa ville natale, Tiksi au nord de la Sibérie, Evgenia Arbugaeva nous offre autant un voyage dépaysant qu’une plongée dans les contes russes pour enfants. Vraiment extraordinaire à tous les sens du terme, le récit en images de Richard Pakqui a séjourné à Tristan da Cunha, l’île la plus isolée du monde, confetti au milieu de l’océan Atlantique. L’insularité fascine aussi Ronan Guillou qui nous livre une vision très personnelle d’Hawaï, petit bout d’Amérique au milieu du Pacifique et Jean-Christophe Béchet avec des panoramiques mystérieux des volcans d’Indonésie.

Toute bonne photographie de voyage est un choix, un parti pris, une opinion personnelle sur le monde comme en témoignent les impressionnantes photographies de l’irlandais Richard Mosse au Congo, de la mexicaine Graciela Iturbide en Inde, de l’italien Giorgio Negro en Amérique du Sud et du polonais Bogdan Konopka en Chine (photographe disparu l’an dernier et à qui le festival tenait à rendre hommage). Nous allons aussi voyager dans l’espace-temps avec l’oeuvre d’anticipation signée Cédric Delsaux et sa Dark Corporation inspirée de l’univers de Star Wars. Sans oublier les pionniers, ceux qui nous ont donné envie de partir l’appareil en bandoulière : les intrépides Anita Conti et Sabine Weiss en mer et sur terre, le bohème Bernard Plossu sur les routes du Mexique ou l’aventureux Max Pam en Asie du Sud Est. Focus sur un voyage particulier, celui de Vivian Maier et son retour en France, après son tour du monde en 1958, où elle immortalise les gens du Champsaur, mais aussi plus contemporain, sur les communautés de femmes de trois continents photographiées avec justesse par Françoise Nunez. Voyages sur tous les continents et avec de multiples écritures photographiques y compris dans les pays où on ne peut pas photographier librement comme en témoigne avec habileté Davide Monteleone, photographe de l’agence Vu’, profitant d’un voyage en train en Corée du Nord. « Voyages extra-ordinaires » également dans les procédés : les tirages raffinés du Maroc réalisés par FLORE sont saupoudrés de nacre, matérialisation du souvenir ; Gregor Beltzig mélange harmonieusement tirages Fresson et interventions en chambre noire sur ses carnets pour traduire son sentiment du Caucase, Eric Dessert utilise des papiers anciens datant des années 60 pour donner à ses tirages du Fleuve Jaune un aspect intemporel ; enfin les papiers albuminés du XIXème siècle réunis par Adnan Sezer nous montreront comment était le monde avant la démocratisation des vols long-courriers. Poursuivons avec l’Histoire avec un grand H, également convoquée avec Robert Kluba qui a suivi le tracé du Rideau de Fer séparant les deux Allemagnes du temps de la Guerre Froide et devenu une route de cyclotourisme, et Philippe Séclier qui a longé les côtes italiennes sur les traces de l’écrivain-poète et réalisateur Pier Paolo Pasolini à l’occasion des 45 ans de sa disparition.

Une programmation de films complète notre approche de la thématique : Exotica, erotica, etc. d’EvangelianKranioti (72 minutes, 2015), Un voyage américain sur les traces de Robert Frank de Philippe Séclier (2009, 58 minutes) et Le voyage dans la lune de Georges Méliès (1902, 14 minutes).

Pour célébrer ce cinquième anniversaire, le festival est heureux d’annoncer un partenariat prestigieux avec Gares & Connexions qui se matérialise par une exposition à la Gare St Lazare, point de départ de la ligne L du Transilien qui emmène les voyageurs au Festival du Regard, arrêt station Cergy-Préfecture. Notre nouveau partenariat avec la Maison des Arts de Cergy-Pontoise se concrétise par un atelier photo à destination du jeune public avec la photographe Flore et la projection de films en lien avec la thématique du festival.

Durant les week-ends des rencontres avec les photographes, des visites commentées et des lectures de portfolios gratuites par des professionnels, seront organisées.

Toutes les expositions sont gratuites, un catalogue est offert aux visiteurs sur simple demande.

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commissariat :

Fannie Escoulen (commissaire invitée),

Christophe Leribault, Clara Roca (commissaires du Petit Palais)

Le Petit Palais invite cet automne Laurence Aëgerter à intervenir au sein du musée et de ses collections pour sa première exposition monographique à Paris. Sa proposition reflète l’insatiable curiosité de l’artiste pour un lieu avec lequel elle a entretenu pendant plus de deux ans une correspondance visuelle, sensible et poétique. Le parcours est articulé autour d’une cinquantaine d’oeuvres distillées dans les différents espaces du musée jusqu’au jardin, inventant des vis-à-vis troublants et stimulants avec les collections. Touchée par leur grâce et leur fragilité, l’artiste vient prendre soin de ces objets pour leur offrir de nouvelles vies.

Artiste pluridisciplinaire jouant avec différents medium pour servir son imagination : photographies, tapisseries, céramiques ou encore installations in situ, Laurence Aëgerter construit des histoires, entre illusion et réalité. Sur le principe du miroir ou du trompe-l’oeil, elle aime retourner les situations et ouvrir d’autres champs des possibles à la représentation du monde. Dans ce voyage inattendu qu’elle propose au visiteur du Petit Palais, elle nous accompagne à travers plusieurs siècles d’histoire de l’art et offre une nouvelle lecture du musée, en y soufflant un vent de liberté. 

Le parcours s’ouvre avec un miroir gravé à la main par l’artiste : « Ici mieux qu’en face », comme une métaphore du double et de l’évasion, thèmes chers à l’artiste. Ce désir d’échappatoire est également invoqué avec la pièce Confetti, 58 038 photographies contenues depuis 10 ans dans la mémoire de son téléphone et réduites à la taille d’un confetti, réactivant ainsi ses souvenirs. L’exploration de la dualité trouve une résonance toute particulière dans la salle impressionniste où elle propose un dialogue avec l’un des chefs-d’oeuvre du musée, Soleil couchant sur la Seine à Lavacourt de Claude Monet. Son interprétation en tapisserie, Soleils couchants sur la Seine à Lavacourt reprend le motif du tableau. Ici le soleil se répète cinq fois, tel un ricochet qui étend le motif cher au maître impressionniste.

La permanence de la mémoire, le chemin du temps et la précarité de nos existences ne cessent de l’habiter. Tout en délicatesse, dans la galerie des grands formats, elle pare plusieurs sculptures d’un « Schutzmantel » (manteau de protection) en référence au manteau de la Vierge de miséricorde protégeant les humbles et les faibles. Plus loin dans le musée, elle s’empare d’autres peintures et prolonge sa série Compositions catalytiques , initiée avec un groupe de jeunes adultes souffrant de troubles psychotiques au sein d’une institution psychiatrique à Utrecht aux Pays-Bas.

Sa poésie s’exprime pleinement lorsque dans la galerie Tuck du Petit Palais, elle fait pleurer une harpe du XVIIIe siècle en la réparant de ses cordes manquantes, sur lesquelles s’accrochent des larmes de verre contenant de minuscules chiffres et lettres qui, composés ensemble, évoquent des noms et des numéros de téléphone de personnes perdues et aimées. 

Dans ce voyage inattendu à travers le Petit Palais, les photographies, sculptures et oeuvres textiles de Laurence Aëgerter nous donnent la preuve qu’il est possible de jouer avec les fantômes de notre passé et de leur offrir de nouvelles destinées.

Le livre aux éditions Actes Sud :

Sur l’invitation du Petit Palais, l’artiste Laurence Aëgerter s’installera à l’automne 2020 dans les collections permanentes du Musée des Beaux-Arts de Paris. Interventions in situ, oeuvres inédites et pièces existantes s’entretisseront avec les oeuvres des collections, suivant un fil rouge qui emmènera le visiteur de surprises en magie. Cette actualité nous permet de rassembler et de mettre ainsi en résonance, pour la première fois au sein d’un livre monographique, plusieurs des séries de Laurence Aëgerter.

C’est en révélant l’envers du réel dans un geste de réappropriation, que Laurence Aëgerter, artiste plasticienne née en 1972 à Marseille, construit ses histoires. L’appropriation de cette matière protéiforme – dictionnaires, livres d’histoire, images d’archives ou glanées sur internet, objets d’art, musées – agit sur son imagination et ouvre la voie à nombre d’expériences : photographies, livres d’artistes, installations in situ, tapisseries, projets collaboratifs. L’autre, véritable alter-égo, joue un rôle majeur dans l’élaboration de son œuvre.

Le livre s’organise autour de trois grands thèmes qui traversent son oeuvre : le premier, l’élasticité du temps, introduit par Léa Bismuth, puis l’envers des lieux – partie introduite par Taco Hidde Bakker, écrivain et critique de photographie –, et enfin la réparation des existences – introduction de Susana Gallego Cuesta, Directrice du Musée des Beaux‐Arts de Nancy.

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Commissaires de l’exposition :

Hélène Grollemund, chargée de collections au département des Arts graphiques, musée du Louvre 

Séverine Lepape, directrice du musée de Cluny-musée national du Moyen Âge

Olivia Savatier Sjöholm, conservatrice au département des Arts graphiques, musée du Louvre

Artiste majeur du XVIe siècle allemand, Albrecht Altdorfer (vers 1480-1538), peintre, dessinateur et graveur actif à Ratisbonne, reste cependant moins connu que d’autres maîtres de sa génération, tels Albrecht Dürer, Lucas Cranach ou Hans Baldung Grien. Cette exposition monographique, organisée en étroite collaboration avec l’Albertina à Vienne, ambitionne de présenter pour la première fois au public français toute la richesse et la diversité de l’oeuvre d’Altdorfer en le replaçant dans le contexte de la Renaissance allemande. Proche des cercles humanistes, Albrecht Altdorfer est à la fois très original, doté d’une grande capacité d’invention formelle et iconographique, et parfaitement au fait de la création artistique de ses contemporains allemands et italiens. Rassemblant plus de 200 oeuvres (peintures, dessins, gravures, sculptures et objets d’art), le parcours de l’exposition, avant tout chronologique, réserve des sections thématiques aux grandes commandes de l’empereur Maximilien ainsi qu’à l’orfèvrerie, au paysage et à l’architecture, genres dans lesquels Altdorfer fit oeuvre de pionnier.

La première section permet de caractériser le style de ses années de jeunesse (entre 1506 et 1512 environ). On ignore tout de la formation d’Altdorfer mais on sait l’importance des estampes qui lui font connaître les réalisations de ses contemporains allemands, Dürer et Cranach, avec lesquels il entend rivaliser, mais aussi celles des artistes italiens du Quattrocento qui nourrissent son inspiration, au premier plan desquels Andrea Mantegna. Les dessins en clair-obscur, véritable spécialité d’Altdorfer, montrent sa grande capacité d’expressivité, comme dans le Départ pour le sabbat.

La maturité artistique d’Altdorfer se situe entre 1512 et 1520. La notoriété de l’artiste est bien établie dès 1512, en témoigne l’inventive série de la Chute et Rédemption de l’Humanité, 40 bois gravés de 7 x 5 cm seulement, dont la fortune artistique est immédiate et considérable. Cette suite d’estampes lui sert de laboratoire d’expérimentation pour faire évoluer son style, qui devient plus dynamique, notamment dans son traitement du paysage et de la perspective. Au même moment, Altdorfer est consacré au rang des grands artistes officiels de l’empereur Maximilien Ier. Il participe aux commandes impériales, qui font l’objet d’une section à part entière, avec le livre de prières de Maximilien, les bois gravés pour l’Arc de Triomphe ou encore les miniatures et les gravures du Cortège triomphal.

Parallèlement à l’achèvement de ces prestigieuses commandes, Altdorfer travaille à de grands cycles narratifs, consacrés à la vie et à la Passion du Christ et à la légende de saint Florian, qui marquent un premier apogée dans sa carrière de peintre. Ils dénotent une puissance dramatique nouvelle que l’on retrouve au même moment dans son oeuvre dessiné et gravé.

Dans la dernière section, consacrée à la fin de sa carrière (vers 1522-1538), on voit comment Altdorfer, fort de sa renommée, reçoit des commandes de la cour de Bavière, tout en continuant à travailler pour le patriciat de Ratisbonne. Se consacrant essentiellement à la peinture, il explore de nouveaux genres (portraits, allégories, grands décors) et continue de se nourrir des nouveautés de son temps. C’est une période marquée par un enrichissement significatif de son répertoire pictural.

Au sein de ce parcours chronologique, plusieurs sections thématiques viennent mettre en valeur des spécificités de son art. La première est dédiée à l’ornement et l’orfèvrerie, auxquels il consacre de nombreuses estampes (23 eaux-fortes), présentées en regard avec des coupes de la même époque. Les suivantes s’attachent au paysage et à l’architecture, genres dans lesquels Altdorfer innove en les explorant pour eux-mêmes. Il est en effet l’un des premiers à exécuter des paysages et des intérieurs d’églises sans personnages, dans une recherche parallèle à celle menée non loin de là, à Passau, par son contemporain Wolf Huber.

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