HOME  |  AGENDA CULTUREL  |   “FLORE” L’ODEUR DE LA NUIT ÉTAIT CELLE DU JASMIN, LAURÉATE 2018 PRIX DE PHOTOGRAPHIE MARC LADREIT DE LACHARRIÈRE, AU PALAIS DE L’INSTITUT DE FRANCE, PARIS, DU 28 OCTOBRE AU 29 NOVEMBRE 2020

Académie des beaux-arts

FLORE

par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 29 octobre 2020, durée 30’51, © FranceFineArt.

© Anne-Frédérique Fer,

visite de l’exposition avec FLORE, le 29 octobre 2020.

Couverture L’odeur de la nuit était celle du jasmin de FLORE

aux éditions Maison CF. . © FLORE, courtesy Galerie Clémentine de la Féronnière.

FLORE,

L’odeur de la nuit était celle du jasmin.

© FLORE, courtesy Galerie Clémentine de la Féronnière.

FLORE,

L’odeur de la nuit était celle du jasmin.

© FLORE, courtesy Galerie Clémentine de la Féronnière.

FLORE,

L’odeur de la nuit était celle du jasmin.

© FLORE, courtesy Galerie Clémentine de la Féronnière.

FLORE,

L’odeur de la nuit était celle du jasmin.

© FLORE, courtesy Galerie Clémentine de la Féronnière.

commissaire de l’exposition : Sylvie Hugues

Présentation de l’exposition 

L’Académie des beaux-arts accueille du 28 octobre au 29 novembre 2020 l’exposition L’odeur de la nuit était celle du jasmin de FLORE, lauréate du Prix de Photographie Marc Ladreit de Lacharrière en partenariat avec l’Académie des beaux-arts en 2018.

Indochine, mousson, moiteur, beauté du Mékong et dangers de la nuit… les récits des grands-parents de l’artiste photographe FLORE, ayant vécu à la même époque et sur les mêmes lieux que Marguerite Duras, ont baigné son enfance d’insondables mystères qui nourrissent aujourd’hui un imaginaire commun entre elle et l’écrivaine. 

Après Lointains souvenirs, sa première série autour de l’adolescence de Marguerite Duras, FLORE continue à « inventer photographiquement » une Indochine mythifiée. Elle propose ici un voyage dans le temps et agrandit le monde d’espaces insoupçonnés, en saisissant quelque chose qui n’a pas nécessairement existé mais dont on accepte le postulat, cette vie qui aurait été vécue il y a presque 100 ans et que Marguerite Duras raconte dans ses livres. 

Cette exposition sera constituée d’une cinquantaine de tirages argentiquesréalisés par l’artiste en chambre noire, teintés au thé et cirés, ainsi que d’héliogravures, de tirages pigmentaires couleur sur papier japonais et de pièces uniques sur feuille d’or.

L’odeur de la nuit était celle du jasmin – Extraits du texte d’Héloïse Conésa* pour le hors-série de la Revue des Deux Mondes consacré au travail de FLORE, publié en octobre 2020.

C’est un retour au pays natal de Duras, l’Indochine française, c’est aussi à travers l’omniprésence du Mékong une image héraclitéenne du temps qui s’écoule sans retour. Une fois le décor posé, celui d’un éden que la modernité n’est pas parvenue à altérer, apparaît l’image d’une robe. Elle n’est pas verte comme dans le récit durassien mais présente des motifs de branches de cerisiers en fleurs, des rinceaux ondoyant sur l’étoffe, enchevêtrés comme les vaisseaux palpitants du corps qui l’a désertée. (…)

Les images de l’artiste-photographe FLORE, comme les écrits de Duras, contiennent cette mélancolie immédiate de ce qui est vécu et la tentative de le garder là, inscrit dans le texte ou à la surface d’une photographie. Face à ces paysages immémoriels des bords du Mékong, le présent et le passé se superposent sans se confondre dans une communauté de sensation avec l’écrivaine où le noir des photos se fait gardien de secrets. Avec ce travail sur les traces de l’auteure de L’Amant, d’une jeunesse indochinoise que les grands-parents de la photographe avaient en partage et qu’évoquaient les Lointains souvenirs, FLORE ne pratique pas une remémoration biographique mais réintègre fugitivement toutes les formes d’être de la jeune Duras. (…)

L’ensemble de ce récit photographique est porté par des images aux contours embués qui rappelle la moiteur des rives. L’atmosphère vibrante qui s’en dégage pousse la photographe à « charbonner » le noir et à émousser le piqué de l’image par le choix d’un tirage argentique dense. La couleur apparaît parfois qui convoque la granulation picturale des premiers autochromes et s’affirme comme une tentative d’associer davantage de sens encore et de temporalités. Sous l’objectif de FLORE, les paysages glissent dans un mouvement ample et doux à la rencontre de silhouettes, de buffles, de jonques et d’arbres qui scandent son voyage afin de saisir le « substantialisme féminin de l’eau » cher à Bachelard et la tonalité de ce monde évanoui.

* Héloïse Conésa est conservatrice du patrimoine, chargée de la collection de photographie contemporaine à la Bibliothèque nationale de France.

Le Livre – FLORE L’odeur de la nuit était celle du jasmin aux éditions Maison CF 

https://www.maisoncf.fr/produit/florenuit/

Photographies de FLORE / Écrits de Marguerite Duras

L’odeur de la nuit était celle du jasmin s’inscrit dans la continuité du livre de FLORE, Lointains souvenirs (Éditions Contrejour, 2016) qui proposait une variation autour de la jeunesse indochinoise de Marguerite Duras. Dans ce nouvel opus, elle puise dans ses souvenirs d’enfance, dans les récits de ses grands-parents qui ont vécu à la même période et aux mêmes endroits que Marguerite Duras d’insondables mystères nourrissant ce qu’elle ressent aujourd’hui comme une part d’imaginaire commun entre elle et l’écrivaine. Elle continue ainsi à « inventer photographiquement » une Indochine presque mythique. De courts extraits de textes de Marguerite Duras forment un contrepoint aux photographies en noir et blanc virés au thé. Par ces procédés techniques, l’artiste façonne tout autant qu’elle restitue le monde déployé sous ses yeux pour en extraire des images qui se confrontent à la fragilité des souvenirs et à la capacité de la photographie de créer de la vérité plus vraie qu’une réalité.

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Commissariat :

Anne-Céline Borey et Sylvain Besson, musée Nicéphore Niépce

Avec : Bertrand Meunier, Grégoire Eloy, Gilles Coulon, Meyer, Antoine Bruy, Pascal Aimar, Alain Willaume, Patrick Tourneboeuf, Mat Jacob, Kourtney Roy, Pascal Dolémieux, Michel Bousquet, Julien Magre, Stéphane Lavoué, Léa Habourdin, Fred Stucin, Marine Lanier, Clémentine Schneidermann, Mouna Saboni, Guillaume Chauvin, Yann Merlin, Gabrielle Duplantier, Olivier Culmann, Bertrand Desprez, Julien Mignot, Thierry Ardouin, Yohanne Lamoulère, Marion Poussier, Denis Bourges, Flore-Aël Surun, Laure Flammarion et Nour Sabbagh

AZIMUT[de l’arabe (as-)simt, le chemin],mars – octobre 2017Une marche photographique.En France.

Un vent de liberté souffle sur la photographie française. Las du carcan des commandes, avides de retrouver l’idée d’indépendance à l’origine du collectif Tendance Floue, ses membres décident de prendre la route. Cheminer, battre la campagne, vagabonder dans les villes sans parcours préétabli : nulle autre contrainte que d’avancer un peu chaque jour, transmettre ses impressions par l’image et les mots, puis passer le relais. Plus qu’une parenthèse, c’est une fenêtre ouverte que s’offrent là les photographes.

Tendance Floue a alors un peu plus de 25 ans. À hauteur d’homme, un quart de siècle. Un âge charnière où convergent maturité et liberté. Tout est possible : s’émanciper et parcourir le monde, définir et s’approprier un territoire, seul ou avec des amis. Alors, les membres du collectif convient d’autres photographes à partager l’expérience de la route avec eux. Avec Azimut, le collectif et la liberté prennent tout leur sens. L’un devient l’écho de l’autre.

La situation créée est totalement inédite : une marche relais de six mois, à laquelle prendront part quinze membres du groupe ainsi que seize photographes invités.

Aller sans but est le trait commun de l’aventure. Si le chemin est accessoire et la destination sans importance, restituer l’Azimut est la règle acceptée par tous. Un carnet Moleskine recueillant les notes est transmis de la main à la main comme un bâton de relais et constitue un fil rouge entre les photographes.

Être en marche ici c’est savoir s’arrêter pour écrire, commenter, exprimer ses angoisses, partager ses rencontres et parfois consigner ses rêves. Le chemin se raconte en photographies et en mots. Les réseaux sociaux sont les témoins quotidiens de leur avancée : chaque jour une photographie est publiée sur un fil Instagram et commentée par son auteur. Des cahiers auto publiés, quasi en temps réel, participent au partage et ancrent le projet dans sa temporalité.

Quand tant semble avoir été dit sur le paysage français en photographie, de la Mission héliographique [dès 1851] à France Territoire Liquide [2017] en passant par la DATAR [1984], et sans attendre la prochaine campagne du genre, Tendance Floue réinvente la méthode et sort des sentiers battus. Libre à chacun de trouver son chemin, au propre comme au figuré. Ou, pourquoi pas, se perdre et se rejoindre pour tracer peu à peu une cartographie instinctive des paysages traversés. Azimut est un regard libre sur le territoire au sens concret du terme, et une exploration d’autant de territoires intimes. Un sillon collectif où s’exprime chaque individualité.

Édition : Azimut c’est aussi un livre aux Éditions Textuel.

ZIMUT est une marche photographique de plus de 8 mois à travers le territoire français, menée en relais par 31 photographes et initiée par le collectif Tendance Floue. L’itinéraire de chacun est libre. Chemins creux ou routes goudronnées, lignes droites ou sinueuses, les marcheurs-photographes n’ont qu’un impératif à respecter : être à l’heure au rendez-vous fixé à celui ou celle qui lui succède. À travers ces parcours, les photographes ont fait l’expérience paradoxale de la liberté et de la contrainte qu’offre la marche. Le ralentissement du temps, la soumission à la météo et l’épuisement du corps changent le rapport aux lieux traversés, aux paysages découverts, aux rencontres lors de ce lent déplacement. Chacun des photographes a contribué au journal de bord collectif sur instagram comme au carnet Moleskine transmis d’étape en étape. Un choix de ces textes balise l’ouvrage conjuguant talent narratif et déambulation poètique.

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Avec : Bertrand Meunier, Grégoire Eloy, Gilles Coulon, Meyer, Antoine Bruy, Pascal Aimar, Alain Willaume, Patrick Tourneboeuf, Mat Jacob, Kourtney Roy, Pascal Dolémieux, Michel Bousquet, Julien Magre, Stéphane Lavoué, Léa Habourdin, Fred Stucin, Marine Lanier, Clémentine Schneidermann, Mouna Saboni, Guillaume Chauvin, Yann Merlin, Gabrielle Duplantier, Olivier Culmann, Bertrand Desprez, Julien Mignot, Thierry Ardouin, Yohanne Lamoulère, Marion Poussier, Denis Bourges, Flore-Aël Surun, Laure Flammarion et Nour Sabbagh

AZIMUT[de l’arabe (as-)simt, le chemin],mars – octobre 2017Une marche photographique.En France.

Un vent de liberté souffle sur la photographie française. Las du carcan des commandes, avides de retrouver l’idée d’indépendance à l’origine du collectif Tendance Floue, ses membres décident de prendre la route. Cheminer, battre la campagne, vagabonder dans les villes sans parcours préétabli : nulle autre contrainte que d’avancer un peu chaque jour, transmettre ses impressions par l’image et les mots, puis passer le relais. Plus qu’une parenthèse, c’est une fenêtre ouverte que s’offrent là les photographes.

Tendance Floue a alors un peu plus de 25 ans. À hauteur d’homme, un quart de siècle. Un âge charnière où convergent maturité et liberté. Tout est possible : s’émanciper et parcourir le monde, définir et s’approprier un territoire, seul ou avec des amis. Alors, les membres du collectif convient d’autres photographes à partager l’expérience de la route avec eux. Avec Azimut, le collectif et la liberté prennent tout leur sens. L’un devient l’écho de l’autre.

La situation créée est totalement inédite : une marche relais de six mois, à laquelle prendront part quinze membres du groupe ainsi que seize photographes invités.

Aller sans but est le trait commun de l’aventure. Si le chemin est accessoire et la destination sans importance, restituer l’Azimut est la règle acceptée par tous. Un carnet Moleskine recueillant les notes est transmis de la main à la main comme un bâton de relais et constitue un fil rouge entre les photographes.

Être en marche ici c’est savoir s’arrêter pour écrire, commenter, exprimer ses angoisses, partager ses rencontres et parfois consigner ses rêves. Le chemin se raconte en photographies et en mots. Les réseaux sociaux sont les témoins quotidiens de leur avancée : chaque jour une photographie est publiée sur un fil Instagram et commentée par son auteur. Des cahiers auto publiés, quasi en temps réel, participent au partage et ancrent le projet dans sa temporalité.

Quand tant semble avoir été dit sur le paysage français en photographie, de la Mission héliographique [dès 1851] à France Territoire Liquide [2017] en passant par la DATAR [1984], et sans attendre la prochaine campagne du genre, Tendance Floue réinvente la méthode et sort des sentiers battus. Libre à chacun de trouver son chemin, au propre comme au figuré. Ou, pourquoi pas, se perdre et se rejoindre pour tracer peu à peu une cartographie instinctive des paysages traversés. Azimut est un regard libre sur le territoire au sens concret du terme, et une exploration d’autant de territoires intimes. Un sillon collectif où s’exprime chaque individualité.

Édition : Azimut c’est aussi un livre aux Éditions Textuel.

ZIMUT est une marche photographique de plus de 8 mois à travers le territoire français, menée en relais par 31 photographes et initiée par le collectif Tendance Floue. L’itinéraire de chacun est libre. Chemins creux ou routes goudronnées, lignes droites ou sinueuses, les marcheurs-photographes n’ont qu’un impératif à respecter : être à l’heure au rendez-vous fixé à celui ou celle qui lui succède. À travers ces parcours, les photographes ont fait l’expérience paradoxale de la liberté et de la contrainte qu’offre la marche. Le ralentissement du temps, la soumission à la météo et l’épuisement du corps changent le rapport aux lieux traversés, aux paysages découverts, aux rencontres lors de ce lent déplacement. Chacun des photographes a contribué au journal de bord collectif sur instagram comme au carnet Moleskine transmis d’étape en étape. Un choix de ces textes balise l’ouvrage conjuguant talent narratif et déambulation poètique.

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Anne-Céline Borey et Sylvain Besson, musée Nicéphore Niépce

Avec : Bertrand Meunier, Grégoire Eloy, Gilles Coulon, Meyer, Antoine Bruy, Pascal Aimar, Alain Willaume, Patrick Tourneboeuf, Mat Jacob, Kourtney Roy, Pascal Dolémieux, Michel Bousquet, Julien Magre, Stéphane Lavoué, Léa Habourdin, Fred Stucin, Marine Lanier, Clémentine Schneidermann, Mouna Saboni, Guillaume Chauvin, Yann Merlin, Gabrielle Duplantier, Olivier Culmann, Bertrand Desprez, Julien Mignot, Thierry Ardouin, Yohanne Lamoulère, Marion Poussier, Denis Bourges, Flore-Aël Surun, Laure Flammarion et Nour Sabbagh

AZIMUT

[de l’arabe (as-)simt, le chemin],

mars – octobre 2017

Une marche photographique.

En France.

Un vent de liberté souffle sur la photographie française. Las du carcan des commandes, avides de retrouver l’idée d’indépendance à l’origine du collectif Tendance Floue, ses membres décident de prendre la route. Cheminer, battre la campagne, vagabonder dans les villes sans parcours préétabli : nulle autre contrainte que d’avancer un peu chaque jour, transmettre ses impressions par l’image et les mots, puis passer le relais. Plus qu’une parenthèse, c’est une fenêtre ouverte que s’offrent là les photographes.

Tendance Floue a alors un peu plus de 25 ans. À hauteur d’homme, un quart de siècle. Un âge charnière où convergent maturité et liberté. Tout est possible : s’émanciper et parcourir le monde, définir et s’approprier un territoire, seul ou avec des amis. Alors, les membres du collectif convient d’autres photographes à partager l’expérience de la route avec eux. Avec Azimut, le collectif et la liberté prennent tout leur sens. L’un devient l’écho de l’autre.

La situation créée est totalement inédite : une marche relais de six mois, à laquelle prendront part quinze membres du groupe ainsi que seize photographes invités.

Aller sans but est le trait commun de l’aventure. Si le chemin est accessoire et la destination sans importance, restituer l’Azimut est la règle acceptée par tous. Un carnet Moleskine recueillant les notes est transmis de la main à la main comme un bâton de relais et constitue un fil rouge entre les photographes.

Être en marche ici c’est savoir s’arrêter pour écrire, commenter, exprimer ses angoisses, partager ses rencontres et parfois consigner ses rêves. Le chemin se raconte en photographies et en mots. Les réseaux sociaux sont les témoins quotidiens de leur avancée : chaque jour une photographie est publiée sur un fil Instagram et commentée par son auteur. Des cahiers auto publiés, quasi en temps réel, participent au partage et ancrent le projet dans sa temporalité.

Quand tant semble avoir été dit sur le paysage français en photographie, de la Mission héliographique [dès 1851] à France Territoire Liquide [2017] en passant par la DATAR [1984], et sans attendre la prochaine campagne du genre, Tendance Floue réinvente la méthode et sort des sentiers battus. Libre à chacun de trouver son chemin, au propre comme au figuré. Ou, pourquoi pas, se perdre et se rejoindre pour tracer peu à peu une cartographie instinctive des paysages traversés. Azimut est un regard libre sur le territoire au sens concret du terme, et une exploration d’autant de territoires intimes. Un sillon collectif où s’exprime chaque individualité.

Édition : Azimut c’est aussi un livre aux Éditions Textuel.

ZIMUT est une marche photographique de plus de 8 mois à travers le territoire français, menée en relais par 31 photographes et initiée par le collectif Tendance Floue. L’itinéraire de chacun est libre. Chemins creux ou routes goudronnées, lignes droites ou sinueuses, les marcheurs-photographes n’ont qu’un impératif à respecter : être à l’heure au rendez-vous fixé à celui ou celle qui lui succède. À travers ces parcours, les photographes ont fait l’expérience paradoxale de la liberté et de la contrainte qu’offre la marche. Le ralentissement du temps, la soumission à la météo et l’épuisement du corps changent le rapport aux lieux traversés, aux paysages découverts, aux rencontres lors de ce lent déplacement. Chacun des photographes a contribué au journal de bord collectif sur instagram comme au carnet Moleskine transmis d’étape en étape. Un choix de ces textes balise l’ouvrage conjuguant talent narratif et déambulation poètique.

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Curatrices / Curateurs : Daria de Beauvais, Adélaïde Blanc, Cédric Fauq, Yoann Gourmel, Vittoria Matarrese, François Piron Et Hugo Vitrani, assisté·e·s de Camille Ramanana Rahary

Avec les artistes : A.K. Burns, Xinyi Cheng, Kate Cooper, Pauline Curnier Jardin, Kevin Desbouis, Forensic Architecture, Lola Gonzàlez, Emily Jones, Florence Jung, Özgür Kar, Nile Koetting, Tarek Lakhrissi, Carolyn Lazard, Len Lye, Tala Madani, Josèfa Ntjam, Dominique Petitgand, Ghita Skali, Koki Tanaka, Achraf Touloub.

Réaction quasi épidermique à la crise sanitaire et sociale, l’exposition Anticorps, conçue par l’équipe curatoriale du Palais de Tokyo, donne la parole à 20 artistes de la scène artistique française et internationale qui, avec des oeuvres récentes ou nouvelles, prennent le pouls de notre capacité à faire corps ensemble et à repenser notre façon d’habiter le monde.

L’expérience du confinement et l’adoption de la distanciation physique et sociale, à l’échelle mondiale, nous font reconsidérer l’hermétisme de nos corps. Avions-nous oublié à quel point nous étions poreu·x·ses ? La vulnérabilité de nos enveloppes corporelles fait surgir autour de nos foyers, de nos cercles sociaux, de nos pays, encore davantage de frontières, de barrières, hérissées d’inquiétudes et de suspicions. Cette situation accroît des inégalités déjà présentes, en termes de privilèges de classe et d’exposition aux risques. Mais dans l’écartement qui s’est renforcé entre public et privé, nous réalisons finalement que tout nous touche de manière plus exacerbée et nous incite à redéfinir nos liens comme nos proximités.

« Pourquoi nos corps devraient-ils s’arrêter à la frontière de la peau ? », demandait Donna Haraway (1). Anticorps s’offre comme une exposition qui tente de penser à travers les peaux, en s’attachant à développer plusieurs registres de l’affectivité, de la présence et de l’haptique, cette exploration du sens du toucher sans que celui-ci soit physiquement activé. La « mise à distance » pousse à une volonté renouvelée de contact.

Les artistes réuni·e·s au sein d’Anticorps font état de caresses, de murmures, de souffles et de menaces qui questionnent nos réactions et transactions émotionnelles, nos rapports sociaux. Si l’exposition ne fait pas de la crise sanitaire actuelle un sujet, les oeuvres, ainsi que les relations tissées entre elles, permettent de questionner la distance et le toucher, considérant ces deux termes comme intrinsèquement politiques et poétiques.

La polysémie du titre de l’exposition est dès lors manifeste : il s’agit à la fois d’accepter les nouvelles normes imposées de l’être-ensemble (distance) tout en ouvrant la perspective d’un autre érotisme social (toucher). Il paraît nécessaire, comme le préconisait Susan Sontag (2), de remplacer les métaphores militaires souvent attachées au fonctionnement de nos systèmes immunitaires par un autre lexique, et de nous préoccuper davantage d’hospitalité. Anticorps invite à parcourir le Palais de Tokyo à la fois comme un foyer (in vitro) et comme un réseau mouvant (in vivo). Cela permet de réfléchir autrement aux communautés éphémères que le Palais de Tokyo peut créer et rassembler et tout particulièrement aux relations suggérées entre les publics et les oeuvres.

(1). Donna Haraway, « Manifeste cyborg », Paris, Exils, 2007

(2). Susan Sontag, « Le sida et ses métaphores », Paris, Christian Bourgois, 1989 : « La maladie est vue comme une invasion d’organismes étrangers, à laquelle le corps réagit par ses propres opérations militaires, telle la mobilisation des «défenses» immunologiques, et la médecine se fait «agressive» […] Les métaphores militaires contribuent à stigmatiser certaines maladies, et par conséquent celles et ceux qui en sont atteints. » (pp. 130-133)

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Commissaires de l’exposition : Hervé Chandès et Thomas Delamarre, assistés de Sidney Gérard

La Fondation Cartier pour l’art contemporain est heureuse d’annoncer la présentation en première mondiale de La Nature, le nouveau film du légendaire cinéaste Artavazd Pelechian, fruit d’une commande passée en 2005 par la Fondation Cartier et le ZKM Filminstitut (*). Ce film est l’aboutissement de quinze années de travail d’un réalisateur à la filmographie aussi rare que célébrée.

L’exposition propose un dialogue inédit entre La Nature (1h02 mn), son premier film depuis 27 ans, et une oeuvre historique du réalisateur, Les Saisons (29 mn), ode au monde paysan (1972-1975). Elle permet de mettre en lumière cet artiste majeur du septième art, encore trop méconnu du grand public, et de rendre justice à une oeuvre lyrique aux accents parfois prophétiques.

La Fondation Cartier poursuit ainsi sa collaboration de longue date avec le cinéaste. Depuis près de vingt ans, elle a développé une profonde complicité avec Artavazd Pelechian dont elle a célébré l’oeuvre à de multiples reprises. Ses films ont notamment été présentés à l’occasion des expositions Un Art populaire (2001), Ce qui arrive (2002), Les Habitants, pour le trentième anniversaire de la Fondation Cartier (2014), ainsi que lors d’expositions de la collection de la Fondation Cartier à Buenos Aires (2017), Shanghai (2018) et prochainement à la Triennale de Milan (avril-septembre 2021).

Né en Arménie, Artavazd Pelechian a créé l’essentiel de son oeuvre à Moscou entre 1964 et 1993. Pendant près de trente années, au coeur du système soviétique, il réalise neuf films, courts ou moyens métrages à la facture unique, presque exclusivement en noir et blanc, constitués d’images documentaires. Archives ou prises de vues réelles tournées par le cinéaste, ces images sont retravaillées (ralenties, recadrées, inversées) et montées ensemble pour aboutir à de véritables poèmes visuels qui échappent à la distinction classique entre fiction et documentaire. Prenant appui sur des thèmes universels, tels que la naissance, l’exil, ou la vie animale, chacun de ses films témoigne de la croyance d’Artavazd Pelechian en un langage propre au cinéma. Son écriture, qui se passe de toute narration, associe subtilement, et en leur accordant la même importance, l’image et la bande sonore. Ainsi qu’il l’explique en 1992 à Jean-Luc Godard : « Je cherche un montage qui créerait autour de lui un champ magnétique émotionnel. » (**)

Cinéma de l’émotion, sans dialogue, sans acteur et sans histoire, son oeuvre emporte le spectateur par son lyrisme envoûtant et pose un regard tranchant, et néanmoins plein d’empathie, sur la condition humaine. Découvert avec saisissement en Occident au début des années 80 par le critique de cinéma Serge Daney d’abord, puis par Jean-Luc Godard, le cinéaste trouve dès lors sa place parmi les grandes figures du cinéma mondial. A propos de cette découverte, Serge Daney écrit alors : « J’ai soudain le sentiment (agréable) de me trouver face à un chaînon manquant de la véritable histoire du cinéma. » (***)

Alors que l’on a longtemps cru sa filmographie achevée avec la réalisation du film La Vie en 1993, Artavazd Pelechian revient aujourd’hui avec un nouveau film, sobrement intitulé La Nature, à travers lequel il observe une nouvelle fois la précaire cohabitation des communautés humaines avec leur environnement, un thème central dans son oeuvre. Glanées sur internet, la plupart des images qui constituent ce film sont des témoignages fragiles tournés avec des moyens amateurs au coeur de la nature et de ses secousses, qui régulièrement bouleversent ces communautés. Éruptions volcaniques, tremblements de terre, tsunamis constituent ainsi la trame visuelle du film et sont mis en regard d’images de paysages naturels grandioses. Véritable élégie visuelle, le film dresse le constat sans appel de la supériorité de la nature, force implacable capable de surpasser toute ambition humaine. Le cinéaste semble ainsi nous rappeler que l’espèce humaine ne sortira pas victorieuse du désordre écologique qu’elle a créé.

Pour dialoguer avec ce film-événement, la Fondation Cartier propose la redécouverte de l’un des joyaux de la filmographie d’Artavazd Pelechian : Les Saisons, datant de 1975. Il met en scène une communauté de paysans arméniens et témoigne du rapport humble qu’ils entretiennent avec l’environnement naturel au sein duquel ils vivent et travaillent. Au fil des saisons, on observe ces agriculteurs et bergers prendre soin de leurs champs et de leurs troupeaux, et faire littéralement corps avec le paysage. L’approche musicale du montage cinématographique chez Artavazd Pelechian atteint avec ce film des sommets d’intensité. Le lien symbiotique qui semble unir ces paysans à leur environnement offre un contrepoint saisissant aux visions de fin du monde du film La Nature.

Ainsi réunies, ces deux oeuvres essentielles engagent un dialogue qui résonne profondément avec les enjeux du présent. Complétée par une salle consacrée à la vie et à l’oeuvre du cinéaste, enrichie d’images et de documents d’archives, l’exposition dresse un portrait unique de ce cinéaste dont la filmographie occupe une place à part dans l’histoire du cinéma.

(*) Zentrum für kunst und medien (Centre d’art et de technologie des médias), Karslruhe (Allemagne).

(**) « Un langage d’avant Babel », conversation entre Artavazd Pelechian et Jean-Luc Godard, propos recueillis par Jean-Michel Frodon, Le Monde, édition du 2 avril 1992.

(***) Serge Daney, Libération, édition du 11 août 1983.

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par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 21 octobre 2020, durée 14’29, © FranceFineArt.

Cet automne, Private Choice présente sa neuvième édition sur le thème du Voyage intérieur et investit un appartement haussmannien situé à quelques pas du Grand Palais.

Durant la semaine de l’art contemporain à Paris, la collection imaginaire pensée par 

Nadia Candet se déploie dans un cadre intime et chaleureux. Cette année, la sélection d’art et de design comporte des pièces inédites réalisées pour l’occasion.

Dans un appartement historique, découvrir et acquérir des pièces d’art et de design 

Cet espace entièrement dédié à la création se visite comme un appartement de collectionneur, une expérience originale permettant de s’approprier les œuvres d’art, passant de pièce en pièce, changeant d’ambiance et de configuration. Cette expérience unique permet de découvrir comme d’acquérir des œuvres d’art et de design de créateurs internationaux.

En écho avec une actualité si particulière, c’est un voyage aux multiples facettes qui est proposé : voyage à la découverte des intériorités des artistes, si plurielles et prolifiques ; voyage au sein des différentes ambiances de l’appartement. Une occasion de s’évader tout en restant au cœur de Paris. 

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Commissaires de l’exposition :

Marc Bormand, conservateur en chef du Patrimoine, département des Sculptures, musée du Louvre.

Beatrice Paolozzi Strozzi, directrice du Musée du Bargello, Florence (2001‐2014).

Francesca Tasso, conservateur en chef des collections artistiques, Castello Sforzesco, Milan.

Tout au long d’un parcours riche de 140 œuvres, cette exposition, co-organisée avec le musée du Castello Sforzesco de Milan, présente dans son contexte artistique la sculpture de la seconde moitié du 15e siècle et du début du 16e siècle, période considérée comme l’apogée de la Renaissance. À partir de Florence, une variété de styles s’épanouit alors de Venise jusqu’à Rome. La représentation de la figure humaine dans la diversité de ses mouvements prend alors des formes extrêmement novatrices. Ces recherches sur l’expression et les sentiments sont au cœur des démarches des plus grands sculpteurs de la période, depuis Donatello jusqu’à l’un des créateurs les plus célèbres de l’histoire, Michel-Ange. L’exposition propose également d’aller à la découverte d’artistes moins réputés, d’admirer des œuvres difficilement accessibles de par leur lieu de conservation (églises, petites communes, situation d’exposition dans les musées), afin de les remettre en lumière, mais aussi en contexte.

« Le Corps et l’Âme » fait suite à l’exposition « Le Printemps de la Renaissance » présentée en 2013 au Louvre et au Palazzo Strozzi et consacrée aux prémices de l’art de la Renaissance à Florence dans la première moitié du Quattrocento.

Trois parties majeures structurent l’exposition :

Dans La fureur et la grâce, les compositions complexes s’attachent à traduire la force et l’exaspération des mouvements du corps, inspirées des modèles antiques, qu’on reconnait dans les œuvres d’Antonio del Pollaiolo, Francesco di Giorgio Martini ou Bertoldo, mettant en jeu autant la force et les torsions du corps masculin que l’effet expressif des plus intenses passions de l’âme. A contrario, des drapés élégants, entourant des corps majoritairement féminins, permettent aux artistes de révéler le charme de la figure humaine, qui débouche sur la représentation ultime de la grâce à travers le nu.

Emouvoir et convaincre souligne une volonté affirmée de toucher violemment, dans les représentations sacrées, l’âme du spectateur. À la suite du travail de Donatello autour de 1450, l’émotion et les mouvements de l’âme prennent une place déterminante au cœur des pratiques artistiques. Un véritable théâtre des sentiments se déploie en Italie du nord entre 1450 et 1520, en particulier dans les groupes de Déposition du Christ, tels ceux de Guido Mazzoni ou de Giovanni Angelo del Maino. Cette recherche du pathos religieux s’incarne également dans les émouvantes figures de Marie-Madeleine ou de Saint Jérôme qui fleurissent en Italie à cette période.

Enfin, avec De Dionysos à Apollon, la réflexion inépuisable sur l’Antiquité classique s’exprime dans les œuvres élaborées à partir des modèles classiques comme le Tireur d’épine ou le Laocoon. Parallèlement au domaine de la peinture (avec le « style doux » du Pérugin ou du jeune Raphaël), la sculpture développe la recherche d’une nouvelle harmonie qui transcende le naturalisme des gestes et des sentiments extrêmes. Particulièrement vivante dans un classicisme affirmé en Vénétie et en Lombardie, cette quête d’une beauté expressive qui aspire à l’universel s’incarne également fortement en Toscane et à Rome où la Papauté de Jules II et de Léon X joue un rôle d’irrigation et d’unification stylistique.

Le stile dolce aboutira au commencement du XVIe siècle avec l’apparition du « sublime », mettant en place un nouveau classicisme sous l’impulsion de Raphaël et Michel-Ange.

Dès la fin du Quattrocento, Michel-Ange opère cette synthèse formelle qui intègre à la fois la connaissance scientifique des corps, un idéal absolu de beauté et la volonté de dépasser la nature par l’art. Cette recherche l’emmène à créer Les Esclaves du Louvre pour parvenir jusqu’à l’expression de l’ineffable dans ses dernières œuvres.

Repoussant alors la notion de Renaissance au-delà du territoire de la Toscane, l’exposition replace cette période dans un contexte désormais plus large et complexe qu’il ne l’était au début du Quattrocento.

Elle met l’accent autant sur la production de Florence avec des figures majeures comme Donatello et Michel-Ange que sur les autres foyers régionaux qui ont adopté mais aussi réadapté ce langage artistique nouveau. Un phénomène visible notamment dans la reprise des modèles ou des thèmes qui, refondus dans une lecture locale, deviennent à leur tour source d’un nouveau langage, propre et distinct, et ce particulièrement dans les régions du Nord de l’Italie, comme à Milan (avec Solari et Bambaïa), Venise (avec Tullio Lombardo), Bologne (avec Guido Mazzoni), mais aussi Sienne (avec Francesco di Giorgio Martini) et Padoue (avec Riccio).

L’exposition propose aussi d’aller à la découverte d’artistes moins réputés, d’admirer des œuvres difficilement accessibles de par leur lieu de conservation (églises, petites communes, situation d’exposition dans les musées), afin de les remettre en lumière, mais aussi en contexte.

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Commissaires :

Rebecca Lamarche-Vadel, Directrice déléguée Lafayette Anticipations

Anna Colin, Curatrice associée

Depuis plus de dix ans, l’artiste américaine Wu Tsang crée des œuvres vidéos, des installations, des évènements et des performances. Ses films, maintes fois primés, associent les registres du documentaire, de la narration et du fantastique pour révéler des histoires individuelles et collectives dissimulées et marginalisées. C’est dans les décors des clubs queer historiques, de vaisseaux qui remontent le temps en mer de Chine méridionale ou encore de voyages mythiques sur l’île grecque de Lesbos que son oeuvre se déploie. Wu Tsang réimagine les représentations racialisées et sexuées pour englober les perspectives multiples et changeantes à travers lesquelles nous faisons société.

Pour sa première exposition en France, Wu Tsang transforme Lafayette Anticipations en un lieu hybride qui convoque les mondes de la nuit et du sacré. Métamorphosés, les espaces plongent le.la visiteur.euse dans une atmosphère mystérieuse où sont rassemblées des oeuvres inédites et plus anciennes de l’artiste américaine. Comme autant de réflexions sur les valeurs portées par notre culture, Wu Tsang s’empare des thèmes des perspectives et des points de vue, des rapports de force et de solidarité, pour renouveler le regard porté sur les individus et sur la manière de faire société. Pour son exposition, l’artiste propose une expérience où la musique, la danse, l’architecture, le théâtre ou encore la performance sont autant de disciplines explorées pour célébrer la métamorphose et la fluidité de l’être.

Le projet est construit autour de l’installation vidéo monumentale et inédite The Show is Over (2020), forme d’opéra en plusieurs tableaux dans lequel une communauté de danseur.euse.s évolue au rythme du texte Come on, get it! de Fred Moten, poète et académicien africain américain. Dans le film se déploient les thèmes de la libération et de l’aliénation des êtres, incarné.e.s dans une chorégraphie et une musique qui guident les trajectoires des performeur.euse.s et qui invoquent les héritages de l’Histoire liés à la blackness; les luttes, l’oppression, les rapports de pouvoir, mis en perspective avec la possible libération de chacun.e grâce à une relation renouvelée avec le monde, et de nouveaux liens avec les éléments.

L’espace du film, un lieu flottant, se transforme et fait notamment apparaître les célèbres escaliers de Penrose. Objet “impossible”, cet escalier en trompe-l’œil varie en fonction des perspectives et peut simuler un escalier infini, métaphore de la multiplicité des points de vue possibles et de la variété des réalités qui en découlent. The show is over est une histoire de séparations, de fluidité, de la rencontre et de la perméabilité des matières, des états, et des corps.

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commissaire : Manuela Moscatiello, responsable des collections japonaises du musée Cernuschi

Voyage sur la route du Kisokaidō. De Hiroshige à Kuniyoshi est la première exposition proposée par le musée Cernuschi après sa réouverture à l’issue d’un chantier de rénovation de 9 mois. Elle rassemblera, à partir du 16 octobre, un ensemble inédit de près de cent cinquante estampes japonaises, dont certaines seront dévoilées pour la première fois au public. À travers un parcours rythmé par les différents relais de la route du Kisokaidō, un choix d’objets remarquables fera écho aux gravures exposées : armure, boîtes à calligraphie, katana, selle de bataille ou encore nécessaires à pique-nique seront présentés.

L’exposition permettra de parcourir en images l’une des routes les plus spectaculaires du Japon : le Kisokaidō, qui était une des cinq voies du réseau routier créé au Japon durant l’époque Tokugawa (1603-1868). Elle reliait Edo (actuelle Tōkyō), où le shogun avait sa résidence, à Kyōto, siège de l’empereur. Contrairement à la route du Tōkaidō, qui rejoignait l’ancienne capitale en cinquante-trois relais le long de la côte, le Kisokaidō, jalonné de soixante-neuf étapes, traversait l’intérieur montagneux. Il suivait un itinéraire plus long, parfois plus pittoresque et ardu en raison de la présence de neuf cols escarpés.

Entre 1835 et 1838 le Kisokaidō fit l’objet d’une série d’estampes réalisées par Eisen (1790-1848) et Hiroshige (1797-1858), dont le succès fut considérable. Deux autres séries virent le jour sous le pinceau de Kunisada (1786-1865) et de Kuniyoshi (1797-1861).

La série d’Eisen et Hiroshige, ainsi que celle de Kuniyoshi, constituent les deux grandes parties du parcours de l’exposition.

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