La Galerie Nathalie Obadia propose une carte blanche au photographe Thomas Klotz. Originaire du Nord de la France, Thomas Klotz s’est fait connaître par un premier ouvrage paru en 2019 aux éditions EYD, NORTHSCAPE, consacré à une série sur les paysages péri-urbains de sa région, dans la lignée du mouvement américain des «New Topographics».

Poursuivant cette démarche explorative à l’égard de son environnement familier, l’artiste présente ici un travail récent intitulé I’ll never be young again, qui fera l’objet d’une publication en janvier 2021.

Dans cette nouvelle série, Thomas Klotz aborde le thème de l’adolescence et de ses angoisses notamment à travers une évocation de sa fille de douze ans. Dénué de toute dimension narrative, ce portrait en creux prend forme dans des images anonymes, « exercices de ponctuation » où murs, volumes, matières, vides et ombres constituent autant de surfaces de projection, de commentaires silencieux. Fortement influencé par Lewis Baltz, Thomas Klotz porte en effet son attention sur le quotidien, le trivial, où la prise de vue s’apparente à une micro-saisie de ce qui, sous le regard du photographe, prend une épaisseur intrigante et singulière. Aussi, à travers le cadrage, Thomas Klotz se détourne de ce qui naturellement attire l’oeil tout en suggérant la présence, par le biais d’indices qui témoignent d’une vie prise sur le vif, à un point de bascule.

En contrepoint, la photographie de la jeune fille en pieds, regard braqué sur l’objectif, marque un retour frontal de la figure humaine dans l’oeuvre de l’artiste, qui tend toujours vers une sorte d’abstraction picturale. Ce portrait réunit un certain nombre de réminiscences visuelles, incarnant ce qui de manière plus ou moins cryptique sous-tend chaque image : attributs de l’enfance, résurgence du motif floral et de la couleur jaune, dorée, qui d’un point de vue métaphorique renvoient au caractère éphémère de la nature, et par extension de cet âge transitoire («Nature first green is gold, Her hardest hue to hold, Her early leaf’s a flower; But only so an hour.»*). Thomas Klotz parle de « passages secrets », de « fantômes » : la variété de ces scènes, portrait, paysage, vues urbaines, intérieurs trouve sa cohérence dans ces affinités mystérieuses, ces connexions souterraines, d’ailleurs propres au monde adolescent.

Si certains éléments dénotent d’une dureté évidente, les couleurs vives voire outrancières de ces tirages concourent à unifier l’ensemble dans une atmosphère qui tire vers l’anxiogène. Thomas Klotz utilise en effet plusieurs supports allant du tirage actuel au jet d’encre, à la technique ancienne du Dye Transfer, popularisé par William Eggleston dans les années 1960 et auquel avait recours également le milieu de la publicité jusque dans les années 1990. Ce procédé, au rendu chromatique unique, consiste à appliquer sur le papier, couche par couche à l’aide de matrices, chaque couleur primaire. Ici, il permet d’évoquer un monde qui contient ses excès et sa part d’ombre, visions angoissées que l’artiste reconnaît être aussi bien les siennes.

« Une porte donnant sur une pièce, un poteau rouge, certes, décors d’aujourd’hui, c’est à dire qu’on ne sait plus dans quel pays nous sommes, même si leur auteur dit que Eggleston l’a marqué. 

Et dans tout cela, dans toute cette histoire de photographies avec des lignes, des espaces, des angles – sa fille, la fille de l’auteur des photographies, qui est là, on dirait qu’elle attend. Ça parait simple, mais ça parle de présence dans les lieux, donc une poésie de l’attente […] Attendre, que des photos soient faites, sans se demander à quoi ça sert, mais juste pour être là, communiquer entre le photographe et la photographiée, comme un échange de paroles muettes, la photographie permettant de parler en silence, juste avec des regards, car il s’agit toujours de cela, le regard. 

Ces photos dans des décors pas spectaculaires, mais nécessaires, et le courant passe, car quand il semble ne rien se passer, il se passe des tas de choses, des connivences, des non-sourires […] Les photographies de Thomas Klotz d’apparence si silencieuses, parlent de sa manière de percevoir le monde, car n’oublions jamais que chaque photographe voit et sent différemment des autres. » Bernard Plossu, extraits de la Préface de Eve la montagne et la jeune fille, Thomas Klotz, éditions EYD. 

La Carte Blanche donnée à Thomas Klotz à la Galerie Nathalie Obadia est proposée dans le cadre de Photo Days Paris qui se tiendra dans 30 Galeries parisiennes du 4 décembre 2020 au 6 février 2021. 

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Commissaire de l’exposition : 

Hugo Daniel, responsable de l’Ecole des Modernités, chargé de mission curatoriale.

Parmi les amitiés littéraires d’Alberto Giacometti (1901-1966), celle qui le lie à Samuel Beckett (1906-1989) n’est pas la plus connue, mais c’est l’une des plus durables. Elle remonte à 1937 et se développe dans l’après-guerre. Les deux artistes aiment se retrouver dans les soirées sans fin des cafés de Montparnasse, puis arpenter Paris la nuit. De profondes parentés rapprochent leurs oeuvres, qui s’expriment dans une collaboration exceptionnelle : la réalisation par Giacometti d’un décor pour une mise en scène d’En attendant Godot en 1961.

Pour la première fois, l’Institut Giacometti présente les liens qui ont rapproché l’artiste et l’écrivain. L’exposition aborde leur longue amitié, leur collaboration, et l’affinité entre leurs oeuvres qui ont croisé la trajectoire de l’Existentialisme.

Samuel Beckett, Alberto Giacometti (Work) in progress par Hugo Daniel – extrait du catalogue co-édité par la Fondation Giacometti, Paris et FAGE éditions

Compagnie

Au bord d’un chemin, sous les branches d’un arbre décharné, deux hommes tournent leur regard vers le croissant iridescent d’une lune. La petite toile mélancolique peinte par Caspar David Friedrich en 1819-1820 avait marqué Samuel Beckett au musée de Dresde, en 1937. Ce colloque silencieux est, selon Beckett, un antécédent à sa pièce En attendant Godot dont il a planté le décor avec laconisme : « Route à la campagne, avec arbre. / Soir. » On pourrait encore y voir l’illustration d’un échange artistique idéal tel qu’il a pu se mettre en place dans sa longue et mystérieuse relation avec Giacometti. La tentation est d’autant plus grande que leur rencontre date de la même année que la découverte de cette toile par Beckett et que leur seule collaboration aboutie fut l’arbre de Godot, en 1961. Mais cette relation appelle justement à dépasser l’illustration.

La relation entre Beckett et Giacometti est régie par le silence et les hasards de leurs rencontres. Giacometti a reçu Beckett, comme de nombreux autres écrivains, dans son atelier. Il a réalisé un grand nombre d’illustrations pour ses amis poètes, de René Crevel et André Breton à Jacques Dupin, et ces derniers ont écrit sur son oeuvre. Il les a portraiturés. Beckett, qui avait une relation ambivalente à l’image, entre attraction et méfiance, possédait une grande culture artistique. Il a été l’ami de peintres comme les frères Bram et Geer Van Velde, Avigdor Arikha, Pierre Tal Coat, André Masson (amis également de Giacometti), auxquels il consacre après-guerre des textes remarqués. Mais, hormis l’arbre pour Godot, pièce de théâtre qui a fait connaître son auteur, pas d’ouvrage commun, pas de portrait de Beckett comme il en existe d’André Breton, de Simone de Beauvoir, de Jean-Paul Sartre, de Georges Bataille, de Jean Genet, de Jacques Dupin, d’Olivier Larronde, etc., pas de texte de Beckett sur Giacometti, à peine la maigre trace, dans la bibliothèque de l’écrivain, de deux catalogues d’exposition tardifs de l’oeuvre de Giacometti. Leur amitié, fuyante, est pourtant l’une des plus longues qu’ils connurent : elle s’étend de la fin des années 1930 à la mort de Giacometti, en 1966. Et leurs oeuvres offrent tellement d’échos qu’on les dirait soeurs. Entre eux, dont l’imaginaire est hanté par la solitude, plutôt qu’une amitié, il faut envisager une compagnie, dans le sens beckettien du « besoin de compagnie discontinu », de cet « autre imaginant le tout pour se tenir compagnie ». Ainsi, le dialogue ne se fait pas face à face mais en parallèle, dans un échange dans lequel le hasard a toute sa place – « lui et moi, toujours par hasard », a observé Giacometti. Comme si tout autre moyen de communication plus social eût empêché son fonctionnement singulier. Les conditions de leurs rencontres illustrent leur interrogation commune sur le pouvoir de l’expression face à un réel qui excède tout ; et pour bien comprendre cette relation, il faut la libérer des images d’Épinal du Paris d’après-guerre.

Giacometti et Beckett appartiennent à la même génération de créateurs parvenus à cette « tour de Babel » qu’est Paris, le premier à l’académie de la Grande Chaumière en 1922, le second comme lecteur à l’École normale supérieure en 1928 . Ils fréquentent les mêmes cafés de Montparnasse : La Closerie des Lilas, Le Dôme, Le Sélect. Au tournant des années 1930, ils évoluent dans les cercles proches du surréalisme. Giacometti rejoint le groupe en 1930 et voit régulièrement André Breton, Georges Sadoul, Tristan Tzara, Max Ernst, Louis Aragon, René Crevel, etc. Beckett, proche de Philippe Soupault , les lit. Et il est notamment marqué par le Second Manifeste du surréalisme. En 1928, Beckett a une idylle avec Peggy Guggenheim, soutien du mouvement (elle visite dix ans plus tard l’atelier de Giacometti et achète ses oeuvres). Dans ce tourbillon d’échanges, leurs oeuvres cohabitent avant leur rencontre. La revue Transition, sous la direction d’Eugène Jolas, participe depuis 1927 à la diffusion du modernisme et du surréalisme . Dès juin 1929, Beckett en devient un contributeur régulier, tout comme Giacometti à partir de mars 1932.

En 1931, Giacometti et Crevel se rapprochent et travaillent au frontispice du roman Les Pieds dans le plat, occasion pour Giacometti d’une première collaboration avec le graveur Stanley William Hayter de l’Atelier 17. Il est peu probable que cette publication échappe à Beckett qui traduit, en 1931, les textes des surréalistes pour Negro Anthology de Nancy Cunard , qui comprend notamment le manifeste « Murderous Humanitarianism » signé par le « Surrealist Group in Paris », mais écrit par Crevel, qui rédigea également pour l’occasion le pamphlet The Negress in the Brothel. Crevel n’est pas le seul lien entre les deux artistes. En 1934, alors que Beckett fait paraître ses premiers textes et qu’il travaille à son roman Murphy, l’éditeur et poète surréaliste George Reavey lui propose de l’éditer en français dans sa maison d’édition Europa Press. Reavey, qui a l’habitude d’illustrer les ouvrages qu’il imprime de frontispices, est proche de Hayter. Ceci explique que l’on trouve sur une enveloppe adressée par Beckett depuis Londres à Reavey la mention de l’adresse du sculpteur, écrite de la main de Giacometti: Reavey aurait invité Giacometti à réaliser le frontispice de l’ouvrage. Si le projet n’aboutit pas, la proximité des deux artistes est ainsi attestée.

À cette date, leur création s’appuie sur l’expérience du surréalisme. Plus que des coïncidences ou des emprunts, la prolifération des résonances entre leurs oeuvres traduit la convergence de deux itinéraires intellectuels. Un exemple : la forme de la cage apparaît chez Giacometti avec Boule suspendue (1930). On la retrouve ensuite dans plusieurs oeuvres, dont les gravures préparatoires pour le frontispice des Pieds dans le plat (1933), où elle est associée à un corps qu’elle contient. Le roman Murphy, en gestation depuis 1934, s’ouvre sur la situation du personnage éponyme, qui vit dans une impasse de Londres : « Là, depuis des mois, peutêtre des années, il mangeait, buvait, dormait, s’habillait et se déshabillait, dans une cage de dimensions moyennes, exposée au nord-ouest, ayant sur d’autres cages de dimensions moyennes exposées au sud-est une vue ininterrompue. » L’impasse physique de Murphy est la métaphore de son impasse mentale qui traverse le roman. Infirmier dans un hospice psychiatrique, il se trouve bloqué dans un « va-et-vient ». « L’esprit de Murphy s’imaginait comme une grande sphère creuse, fermée hermétiquement à l’univers extérieur . » Ainsi est-il « fendu en deux, d’un côté un corps, de l’autre un esprit ». Ce rapport à l’esprit, sur fond de partie d’échecs entre le rationnel et l’irrationnel, explore la brèche ouverte par le surréalisme. Une note de Giacometti de 1934 y fait écho : « Même processus dans la formation des rêves et dans la formation de mes objets. » Mais, constate-t-il rétrospectivement, « tout ceci m’éloignait peu à peu de la réalité extérieure ». En 1935, un besoin impérieux le pousse à s’asseoir devant le modèle afin de revenir à une confrontation au réel. Ce mouvement lui vaut l’exclusion du groupe surréaliste, mais ce retour au réel n’est pas un pas en arrière. Il permet une combinaison, comme Giacometti le fait observer à Pierre Matisse : « Tout ceci alternait, se contredisait et continuait par contraste. » L’oscillation est la même que celle des romans de Beckett qui font délirer le réel. Avant leur rencontre, les deux artistes ont une compréhension de la « réalité » qui prend pour acquis le modernisme et le surréalisme. Celle-ci intègre la tension entre une réalité « intérieure » (mentale) et la réalité « extérieure », mais aussi la conviction que la manière d’en rendre compte doit s’affranchir du rationalisme. […]

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Direction : Aurélia Marcadie

PhotoSaintGermain – Le parcours photo de la rive gauche

Chaque année, au mois de novembre, PhotoSaintGermain réunit une sélection de musées, centres culturels, galeries et librairies de la rive gauche autour d’un parcours photographique. Rencontres, projections, signatures et visites d’atelier rythment la programmation, en regard des expositions présentées. Autant de rendez-vous qui abordent les grandes tendances de la photographie contemporaine et questionnent ses dispositifs de valorisation et de diffusion.

L’année 2020 marquera les 10 ans de PhotoSaintGermain. 10 ans d’échanges, de rencontres, de découvertes. 10 ans de création, de soutien aux artistes comme aux lieux qui les défendent. Édition après édition, le festival a su se faire une place dans le paysage de la photographie, et accueille chaque année un nombre croissant de visiteurs. Une reconnaissance critique et un succès public qui prouvent la nécessité de son existence, au coeur d’un territoire indissociable du patrimoine intellectuel de la ville, aujourd’hui menacé par la mainmise du luxe.

C’est pour tous ceux qui nous suivent et nous soutiennent que nous avons décidé de maintenir l’édition, dans une saison incertaine.

Aurélia Marcadier, Directrice

PhotoSaintGermain c’est aussi S I M O N E 

À l’occasion de ses 10 ans, S I M O N E devient Online. PhotoSaintGermain développe une plateforme digitale, une chaîne instagram dédiée, diffusant des interviews inédites de galeristes et d’artistes associés au festival.

Le parcours : 28 expositions / 2 institutions / 3 centres culturels / 19 galeries / 2 librairies / une soixantaine de photographes

http://www.photosaintgermain.com/editions/2020/parcours

#Institutions

Académie des Beaux-arts 

FLORE, L’Odeur de la nuit était celle du jasmin

Commissaire Sylvie Hugues

Maison Auguste Comte

Martine Aballéa, Le Jardin d’Auguste Comte

Commissaire Pascal Beausse

#Centres Culturels

Centre Culturel Irlandais

Alan Phelan, Echos toujours plus sourds

Centre tchèque de Paris

Images liquides, photographie tchèque émergente

Commissaires : Simona Dvořáková, Eva Drexlerová, Tereza Nováková

Institut Culturel Italien

Tina Modotti, Photographie, liberté et révolution

Galeries

31 project

Kelani Abass

Galerie Arenthon

Benjamin Travade

Galerie Berthet-Aittouarès

John Craven, Séductions et dangers de l’industrie dominante des années 50

Galerie Chenel

François Halard, Le temps des Ruines

Galerie Catherine & André Hug

Terri Loewenthal

Galerie du Crous

Massao Mascaro, Jardin

Jonathan LLense, Uncertain life & sure death

Galerie Eric Mouchet

Blin – Hugues

Galerie La Forest Divonne

Elsa & Johanna – Jérôme Bryon – Lucien Hervé Per Se

Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois

Pilar Albarracín – Julien Berthier – Alain Bublex Paris Photo @ home

Galerie Gimpel & Müller

Gundi Falk et Pierre Cordier, Chimigramme

Galerie l’inlassable

Caroline Corbasson et Andréa Montano

Galerie Madé

Lucile Boiron, Womb

Galerie Meyer / Daniel Blau

3 under 30, Joseph Glover, Maïté de Orbe et Lucile Soussan

Galerie Olivier Waltman

Aleix Plademunt, À propos du temps

Galerie Patrice Trigano

Lucien Clergue, Monika Czosnowska, Françoise Huguier, Marie Jo Lafontaine, Dialogue autour du nu féminin

Commissaire Caroline Smulders

Rubis Mécénat hors-les-murs

Lindokuhle Sobekwa et Cyprien Clément-Delmas, DALESIDE

Commissaire Valérie Fougeirol

Ségolène Brossette Galerie

Fabien de Chavanes, La Grande Année

Lusted Men Project Space

Lusted Men

Commissaires : Flora Bleibt, Lucie Brugier, Salomé Burstein, Laura Lafon et Morgane Tocco.

SEPTIEME Gallery

Andrew Tshabangu, L’évidence des choses

Commissaire Simon Njami

Librairie

Librairie des Alpes

Guy le Querrec, Sur la piste de Big Foot

Commissaires Jean-Louis Vibert-Guigue et Lucile Buès

DELPIRE & CO

Prix du livre Paris Photo / Aperture

Projets PhotoSaintGermain

Port de Solférino

Feng Li White Night in Paris

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Commissariat général :

Charlotte Vignon, directrice du patrimoine et des collections

Commissariat scientifique :

Anaïs Boucher et Viviane Mesqui, conservatrices du patrimoine.

Sèvres – Manufacture et Musée nationaux présente l’exposition « À Table ! Le repas, tout un art ». Elle met les petits plats dans les grands, pour une invitation à un voyage de l’Antiquité à nos jours, gourmand et surprenant. L’occasion de fêter les 10 ans du classement du repas gastronomique des Français par l’UNESCO et les 280 ans de la Manufacture de Sèvres, haut lieu de la création et du patrimoine.

L’exposition retrace l’histoire passionnante du repas gastronomique des Français, de l’Antiquité à nos jours. Née d’une idée originale du Musée de Pointe-à-Callière à Montréal, elle évoque la préparation des mets et leur consommation, les arts de la table et celui de la conversation. Elle convie le visiteur à un tour de tables mettant en scène près de 1 000 oeuvres. Elles proviennent en majorité des riches collections du Musée national de céramique de Sèvres et du Musée national Adrien Dubouché de Limoges. Les prêts prestigieux d’institutions comme le Musée des Arts décoratifs et de grandes maisons françaises comme Christofle ou Saint-Louis complètent le propos. Les exceptionnelles créations de la Manufacture de Sèvres en ponctuent le parcours.

L’exposition montre l’évolution d’une pratique partagée par tous. Elle fait oeuvre citoyenne en luttant contre l’uniformisation des goûts et en soutenant la créativité de la culture française.

Elle rappelle l’importance du repas gastronomique qui accompagne en France tous les grands événements de la vie. À travers cette exposition, Sèvres – Manufacture et Musée nationaux célèbre la convivialité, le partage et la transmission. Autour du thème fédérateur de la gastronomie, l’exposition s’adresse au plus grand nombre : familles, jeune public ainsi qu’aux amateurs et connaisseurs de gastronomie, d’histoire et d’arts de la table.

Pour compléter les thèmes abordés par l’exposition et s’interroger sur des questions actuelles liées à la gastronomie, la nutrition, la biodiversité ou les arts de la table, une programmation de rencontres suivies d’un atelier est prévue le troisième dimanche du mois. Concocté par l’agence Alimentation générale, spécialisée dans les expositions et évènements dédiés à la gastronomie, ce programme invite cuisiniers, designers, artisans, historiens et scientifiques. En parallèle, l’établissement organise des visites, des conférences et des ateliers de pratique pour les familles, les scolaires ou les spécialistes.

L’exposition est organisée sous le patronage de la Commission nationale française pour l’UNESCO. Elle sera ensuite présentée au Musée national Adrien Dubouché de Limoges.

Un catalogue, sous la direction de Anaïs Boucher et Viviane Mesqui, est édité avec les éditions Gourcuff-Gradenigo. Illustration de la couverture et de la 4e de couverture : Nicolas Buffe.

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par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 14 décembre 2020, durée 26’20, © FranceFineArt.

Commissariat : 

Thomas Galifot, conservateur en chef pour la photographie au musée d’Orsay 

Sylvie Aubenas, directrice du département des Estampes et de la Photographie à la Bibliothèque nationale de France 

Oublié pendant plus d’un siècle, le Langrois Joseph-Philibert Girault de Prangey (1804-1892) s’est imposé depuis une vingtaine d’années parmi les figures majeures des débuts de la photographie française, à la faveur de quelques expositions et publications stimulées par une actualité spectaculaire du marché de l’art. Cet aristocrate fortuné qui choisit de se faire peintre et dessinateur, archéologue et historien de l’architecture, savant amateur de plantes et d’oiseaux rares, est aussi un pionnier du daguerréotype. Cette technique qu’il maîtrise parfaitement dès 1841 lui permet de réaliser une oeuvre d’une qualité et d’une ampleur presque incomparable.

Comptant en effet non moins de 1000 plaques répertoriées à ce jour (ce chiffre pouvant augmenter tant l’oeuvre demeure mystérieuse encore), le corpus a majoritairement été réalisé entre 1842 et 1844, lors d’un tour du bassin méditerranéen de l’Italie à l’Égypte en passant par la Grèce, la Turquie, la Syrie, le Liban, Jérusalem et la Palestine. Prenant le relais des méthodes manuelles de relevés employées lors de ses précédents voyages, la photographie s’inscrit alors avant tout dans un cadre d’études archéologiques : elle nourrit une documentation iconographique conçue comme la base des nombreuses illustrations à paraître bientôt dans les luxueuses publications de Girault de Prangey centrées sur l’architecture islamique. 

Première monographie en France consacrée à l’oeuvre photographique de Girault de Prangey, l’exposition du musée d’Orsay ambitionne tout d’abord de mettre en valeur cet ensemble exceptionnel, en déployant la vision et la méthode de travail d’un auteur soucieux de renouveler l’histoire comparée de l’architecture et des styles grâce à l’apport de la photographie.

De manière totalement inédite, la manifestation et le catalogue qui l’accompagnera replaceront également ce corpus au sein de la production précédant et suivant ce voyage. L’exposition révèle que Girault de Prangey développe à partir des années 1850 une très riche oeuvre photographique sur papier d’une qualité et d’une variété avant tout inspirée par son domaine et ses jardins. Est ainsi proposée une vision nouvelle et plus complète du grand photographe qu’il a été des années 1840 aux années 1870, et dont ses daguerréotypes spectaculaires ne donnaient qu’une idée partielle.

L’oeuvre de Girault de Prangey sera analysée dans le contexte français des années 1830 aux années 1880 – contexte artistique, archéologique, celui de l’essor de l’édition scientifique illustrée et des sociétés savantes d’archéologie, d’acclimatation et d’horticulture – pour proposer une compréhension résolument nouvelle de la personnalité de Girault de Prangey et de l’originalité de son oeuvre.

L’exposition présentera une centaine de daguerréotypes mais aussi une cinquantaine de photographies sur papier majoritairement inédites et récemment découvertes, des peintures, dessins, lithographies et ouvrages illustrés de Girault de Prangey, qui seront mis en regard avec des oeuvres de ses contemporains.

Un accent particulier sera mis sur le regard porté par Girault de Prangey sur la cathédrale Notre-Dame de Paris, alternant vues d’ensemble et études en plan rapproché aussi audacieuses que pionnières dans la technique du daguerréotype. Nous sommes alors en 1841 soit 3 ans avant le lancement des restaurations menées sous la conduite de Jean-Baptiste Lassus et d’Eugène Viollet-le-Duc. Une attention égale sera accordée au fait que beaucoup de plaques réalisées au Proche-Orient entre 1842 et 1844 comptent parmi les premières photographies connues de sites aujourd’hui détruits, détériorés ou menacés. Autant d’aspects qui ne font que renforcer l’un des enjeux primordiaux d’une telle exposition : démontrer que la dimension documentaire exceptionnelle attachée à une grande part de l’oeuvre de Girault de Prangey ne doit pour autant pas éclipser les ambitions esthétiques manifestes chez ce photographe archéologue qui était d’abord un artiste.

L’exposition est organisée par les musées d’Orsay et de l’Orangerie, Paris, avec la collaboration exceptionnelle de la Bibliothèque nationale de France.

Le catalogue d’exposition Girault de Prangey. Photographe est publié en coédition Musées d’Orsay et de l’Orangerie / Hazan.

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par Anne-Frédérique Fer, enregistrement réalisé par téléphone, entre Paris et Paris, le 10 décembre 2020, durée 32’01, © FranceFineArt.

commissariat :

Sylvie Aubenas, directrice du département des Estampes et de la photographie de la BnF

Héloïse Conésa, conservatrice en charge de la photographie contemporaine au département des Estampes et de la photographie de la BnF

Flora Triebel, conservatrice en charge de la photographie du XIXe siècle au département des Estampes et de la photographie de la BnF

Dominique Versavel, cheffe du service de la photographie et conservatrice en charge de la photographie moderne au département des Estampes et de la photographie de la BnF

scénographie : Maud Martinot

« Le monde en noir et blanc recèle quelque chose de mystérieux qui ne peut être décrit et qui est formidablement séduisant. Est-ce faux de penser que cela touche nos coeurs d’autant plus fort que nous vivons à une époque où tout peut être photographié en couleurs ? » Shoji Ueda.

Cette exposition présente des chefs-d’oeuvre en noir et blanc des collections photographiques de la Bibliothèque nationale de France (BnF), exceptionnellement réunis pour l’occasion. Nadar, Man Ray, Ansel Adams, Willy Ronis, Helmut Newton, Diane Arbus, Mario Giacomelli, Robert Frank, William Klein, Daido Moriyama, Valérie Belin… Les grands noms de la photographie francaise et internationale sont réunis dans un parcours qui embrasse 150 ans d’histoire de la photographie noir et blanc, depuis ses origines au XIXe siècle jusqu’à la création contemporaine.

150 ans d’histoire de la photographie noir et blanc

Dans la continuité des grandes expositions de photographie organisées depuis 2012 dans la Galerie Sud-Est du Grand Palais, l’exposition Noir & Blanc présente plus de 300 tirages représentatifs de la collection exceptionnelle du département des Estampes et de la photographie de la BnF.

Cette présentation se concentre sur le XXe siècle et la période contemporaine sans omettre un préambule de quelques photographies du XIXe siècle : ainsi le thème est traité sur plus de 150 ans à travers l’œuvre d’environ 200 photographes de plus de 30 nationalités.

Le noir et blanc, un parti-pris technique et esthétique en constante évolution

Le noir et blanc fait partie intégrante de l’histoire de la photographie : ses évolutions, de la fin du XIXe à aujourd’hui, ont permis de produire des nuances de plus en plus contrastées et sophistiquées, révélant la force plastique de cette technique. Alors que le recours à la couleur s’intensifie au cours des années 1970, le noir et blanc se maintient et s’emploie comme un moyen d’expression esthétique affirmé mettant l’accent sur le graphisme et la matière.

Jusqu’aux années 1980-1990, il domine la production en nombre et en hiérarchie de valeur : à l’instar de Walker Evans (1903-1975), de nombreux photographes considèrent alors la photographie en couleur comme un procédé “vulgaire”, à réserver pour des sujets banals et des usages utilitaires. Au-delà d’une justification économique et technique, la persistance de l’usage du noir et blanc s’explique par le fait qu’il a fini par incarner, dans le sens commun, l’essence même de la photographie et la « belle photographie ».

Le noir et blanc apparaît comme porteur d’une dimension universelle, intemporelle voire mémorielle, là où la couleur serait la traduction du seul monde contemporain. La Bibliothèque nationale de France (BnF) s’est toujours voulue un conservatoire privilégié de la photographie en noir et blanc de même qu’elle a encouragé la persistance de sa pratique et aujourd’hui sa réappropriation par de jeunes auteurs en réaction contre le tout numérique couleur.

Le noir et blanc dans les collections photographiques de la BnF

L’exposition aborde la question sous un angle esthétique, formel et sensible en insistant sur les modes de création de l’image monochrome : effets plastiques et graphiques de contrastes, jeux d’ombres et de lumières, rendu des matières dans toute la palette des valeurs du noir et blanc en passant par les gammes de gris.

Le choix a mis l’accent sur les photographes qui ont concentré et systématisé leur création artistique en noir et blanc, en ont expérimenté les possibilités et les limites, en ont fait parfois le sujet même de leur photographie : Imogen Cunningham, Man Ray, Ansel Adams, Florence Henri , Ralph Gibson, Mario Giacomelli, Vaérie Belin par exemple.

Une attention particulière a été portée à la qualité des tirages et à la variété des techniques et des papiers photographiques (tirages pigmentaires, gommes bichromatées, gélatino-argentiques barytés…) et une place faite au thème de l’impression du noir et blanc, le livre et les revues ayant été longtemps le principal véhicule de la création photographique.

Les trésors des collections photographiques de la BnF exposés au Grand Palais

Les collections photographiques du département des Estampes et de la photographie de la BnF, qui compte aujourd’hui quelque 6 millions de tirages, sont particulièrement représentatives de cette histoire de la photographie noir et blanc.

La collection de photographies de la BnF, l’une des plus riches au monde, conserve aujourd’hui des centaines de milliers d’épreuves, d’albums et de portfolios de près de 2000 photographes du XIXe siècle et plus de 5700 photographes des XXe et XXIe siècles, toutes tendances et nationalités représentées.

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Extrait du communiqué de presse

Livre d’artiste rassemblant 27 photographies d’Antoine d’Agata et 25 œuvres graphiques de Francis Bacon, cet ouvrage bilingue français-anglais, présenté sous la forme d’un double livre, établit un parallèle artistique entre le travail contemporain du photographe Antoine d’Agata et la peinture expressionniste du peintre Francis Bacon.

Les deux livres reliés ensemble se consultent côte à côte, permettant de créer un vis à vis entre les oeuvres des deux artistes. Les textes se présentent sur des cahiers autonomes permettant de lire le texte tout en parcourant le récit visuel.

« Bacon [d’Agata] ne dit pas « pitié pour les bêtes » mais plutôt tout homme qui souffre est de la viande. La viande est la zone commune de l’homme et de la bête, leur zone d’indiscernabilité, elle est ce « fait », cet état même où le peintre s’identifie aux objets de son horreur ou de sa compassion. »

Gilles Deleuze

Deux univers artistiques en correspondance

« La première exposition de peintre que j’ai visitée est une rétrospective de Bacon au MoMA en 1989. Ce fut un choc dont je ne me suis toujours pas remis. »

Antoine d’Agata

Antoine d’Agata est un photographe qui vit à la limite. Il s’immerge dans ses univers personnels, jusqu’à les épuiser. Il transforme la réalité à l’aide du temps, et nous montre des faits, des évènements, des textures mélangées ou des couleurs diffuses qui façonnent des formes humaines qui se perdent. On perçoit dans certaines oeuvres de Francis Bacon ces photographies de d’Agata, les mêmes mondes pleins de clair-obscur, de hauts et de bas continus vers l’enfer, et cette tentative d’allonger le moment d’allégresse ou de solitude.

La déformation des corps, provoquée par le tremblé des images, va-t-elle jusqu’à leur déshumanisation familière du peintre ? Antoine d’Agata ne refuserait sans doute pas de l’affirmer. N’est-ce pas précisément l’animalité qu’il revendique avec insistance des rapports sexuels qu’il photographie. Gilles Deleuze, philosophe, aurait parlé de son « devenir-animal », d’un devenir-chien, pour être précis. Partie intégrante de son travail, l’homme et l’oeuvre luttent pour exister. Une lutte chromatique qui n’est pas sans rappeler les couleurs de Francis Bacon dont on retrouve aussi les chairs déformées, comme écartelées-évaporées.

Il y aurait donc une zone franche pour laquelle le corps serait un champ d’intensité, d’action et de tension. Le photographe et le peintre ont choisi la nuit des chambres closes comme moyen d’accès à cette matrice énergétique, à la fois créatrice et destructive.

Léa Bismuth

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Extrait du communiqué de presse

Figure de la photographie contemporaine française, d’abord connu dans les années 1980 pour faire partie du mythique et sulfureux trio Noir Limite (avec Florence Chevallier et Jean-Claude Bélégou), Yves Trémorin construit depuis plusieurs décennies une oeuvre rigoureuse dans ses procédures comme ses procédés.

Dans une pratique à l’origine autant qu’à la marge et au coeur de son travail, il n’a eu de cesse, depuis plus de 40 ans, de photographier sa compagne Monique. Plusieurs séries ont ainsi vu le jour, souvent exposées ou reproduites de façon parcellaire : “Les Amants magnifiques”, “Chambre close”, “Un dimanche” ou encore “Monica”. Elles sont enfin publiées intégralement dans cet ouvrage, accompagnées de nombreuses photographies inédites des années 1980 et 1990, sélectionnées avec Yves Trémorin dans ses archives, montrant leur processus de travail comme autant d’esquisses et de croquis préparatoires.

À travers la pratique photographique intime de l’artiste, qui construit le portrait “de Monique à Monica”, compagne, actrice ou mythe, ce livre montre comment une relation amoureuse et photographique a constitué les prémices des axes majeurs de son oeuvre.

Ce livre, né sur une proposition de Caroline Bénichou (galerie VU’), comporte un entretien d’Yves Trémorin avec Michel Poivert.

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Commissaires :

Sophie Makariou, Présidente du MNAAG, commissaire générale

Lorène Durret, Directrice de Les Amis de Marc Riboud

Jérôme Ghesquière, Responsable des collections photographiques du MNAAG

L’exposition consacrée au photographe Marc Riboud (1923-2016) marque l’entrée de l’intégralité de son oeuvre dans les collections nationales, conformément à son souhait. Figure éminente de la photographie, Marc Riboud a marqué la seconde moitié du 20ème siècle par son regard profondément personnel sur le monde. Photographe plus que reporter, il laisse derrière lui plus de 50 000 photographies (négatifs, diapositives et épreuves sur papier) où l’Asie domine. Qui d’entre nous ne s’identifie pas à telle ou telle image qu’il a toujours connue, et n’a le sentiment ainsi de feuilleter avec l’album du monde celui de sa famille ? De l’immédiat après-guerre à la Chine atemporelle des monts Huang Shan, c’est à un parcours de plus de cinquante ans sur tous les continents, avec une place privilégiée pour l’Asie, qu’invite cette exposition rétrospective sur l’oeuvre de Marc Riboud.

Marc Riboud réalise ses premiers reportages à l’étranger sur les recommandations de Robert Capa et Henri Cartier-Bresson, fondateurs de l’agence Magnum qu’il a rejointe en 1953 et dont il démissionnera en 1979 en conservant des liens amicaux.

Il fait d’abord ses armes dans la France et l’Angleterre de l’après-guerre et crée d’emblée des images qui habitent notre imaginaire collectif dont le fameux Peintre de la tour Eiffel, des images iconiques de Paris ou encore l’un des derniers portraits de Sir Winston Churchill. Puis c’est un périple en Europe orientale. Après la Yougoslavie, géopolitique d’un autre siècle, et les milieux ouvriers de l’Angleterre (1953-1954), son premier voyage vers l’Orient islamique commence en 1955 par la Turquie avant de partir pour l’Asie en voiture. Au terme d’un voyage de trois ans qui le porte jusqu’au Japon, la grande révélation de sa vie de photographe sera la Chine, alors presque fermée. Il y effectuera tout au long de sa vie de nombreux voyages. De ses longs séjours en Asie du Sud-Est, en Chine, au Japon, en Afghanistan, en Inde, au Népal, il rapporte des images essentielles, saisissant un continent en pleine mutation, à travers des images empreintes d’une rigoureuse géométrie et d’une profonde sensibilité. Loin de tout sensationnalisme son regard accueille l’humain, dans son universalité comme dans le tourbillon des grands bouleversements qui ont ponctué l’histoire de la seconde moitié du 20e siècle.

Grande rétrospective embrassant tout l’oeuvre du photographe disparu en 2016, l’exposition met en évidence le parcours d’une vie, depuis ses premières photographies prises à Lyon – la ville de son enfance – et dans la France de l’après-guerre, jusqu’aux ultimes photographies faites en Chine, notamment dans les montagnes du Huang Shan. La photographe Sarah Moon l’y accompagne et porte un regard tout différent ; il offre avec celui de Marc Riboud un frappant contre-point.

Sans rien négliger de l’art de la composition, il forge une oeuvre où s’exprime une sensibilité profonde à l’être humain, dans sa solitude comme dans ses aventures collectives. Il saisit tout au long de son parcours, de puissantes images de foules. Puis vient le reste du monde : l’Alaska, le Maghreb et l’Afrique – aux temps des indépendances –, Cuba, les États-Unis. C’est à Washington en 1967 qu’il photographie la Jeune fille à la fleur, devenue une image manifeste contre la guerre du Vietnam qui fit le tour du monde. La dernière partie de l’exposition est consacrée à l’Asie : les tourments de l’histoire devaient y être documentés. Que ce soit au Vietnam, au Bangladesh ou encore au Cambodge, Marc Riboud s’en charge avec dignité, produisant des images contenues, bouleversantes et universelles. La Chine enfin, se raconte en noir et blanc mais aussi en couleurs. Marc Riboud y retourne régulièrement pour y chercher les témoignages des évolutions et des paradoxes d’un régime politique qui fait entrer sa société dans de profondes mutations. Dans la région de l’Anhui, il capte l’essence impalpable de la beauté des rochers en pain de sucre chargés d’écharpes de brouillard, de nuages et de pins élancés. En s’approchant ainsi de la sensibilité d’un lettré, il livre une moderne interprétation de la peinture au lavis d’encre sur papier.

Le catalogue de l’exposition

MARC RIBOUD – HISTOIRES POSSIBLES une coédition MNAAG / RMN-GP

« Je photographie comme le musicien chantonne. Regarder est une respiration et, quand le hasard est avec moi et qu’une bonne photo m’est donnée, le bonheur n’est pas loin. »

Ce photographe, c’est Marc Riboud, qui nous a emmenés avec lui pendant toute la seconde moitié du 20e siècle, là où l’entraînaient sa curiosité et sa recherche de surprises et de beauté. On le suit d’abord sur la route qui le mène d’Istanbul à Calcutta, puis en Chine, alors terra incognita, en Afrique et en Algérie au moment des indépendances, mais aussi au Vietnam pendant la guerre, au Cambodge…, captant ici et là des images qui se fixent dans notre mémoire comme cette Jeune Fille à la fleur (1967), symbole de l’aspiration à la paix.

Publiée à l’occasion de la grande exposition rétrospective montrée au musée national des arts asiatiques – Guimet, cette monographie retrace en quelque deux cents photographies le travail de Marc Riboud. Nourri de textes de spécialistes, mais aussi de contributions plus intimes, l’ouvrage invite à emboîter le pas au photographe pour le suivre au long de son périple sensible autour du monde.

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Extrait du communiqué de presse

Étrange objet que la mémoire. Dont il nous faut rendre compte à l’aide de deux autres objets non moins délicats : la pensée et le langage.

Plus qu’un livre autobiographique ou historique, « Après, on oublie » est un livre sur la mémoire. Il relate donc des histoires et suit leur modification au cours du temps.

Ce qui s’y raconte se transforme, se perd, se retrouve, se recouvre, opérant pour le lecteur le même travail que celui qui s’effectue dans la mémoire du narrateur.

C’est là que réside la seule vérité de ce livre. Celle d’un moment et d’une conscience. Au fond, c’est un livre qui fait l’expérience de la mémoire.

Après, on oublie.

Les origines du projet

« J’ai rencontré Bruno Dubreuil à Metz où il venait présenter son récit “Katyn ou les retournements de la mémoire” », se souvient Claire Jolin. « J’étais fascinée par le mode de lecture foisonnant qu’il avait créé dans son installation exposée à Paris en 2017. On avait l’impression de rentrer dans un cerveau. »

Bruno Dubreuil : « Des histoires de famille, nous en avons tous. Les miennes ont pour cadre des évènements marquants de la Seconde Guerre mondiale : les camps de concentration, le massacre des soldats polonais à Katyn (la branche maternelle de ma famille est germanopolonaise). Mais ce qui m’intéresse surtout, c’est la façon dont les histoires se modifient et dont l’histoire ne cesse de se réécrire (des évènements qui résonnent dans un présent tiraillé par les révisionnismes historiques). C’est un voyage dans la conscience individuelle et collective. »

En 2018, Bruno Dubreuil expose un nouveau chapitre de son récit, plus photographie : “Oświęcim ou le périmètre de la mémoire”. De grands panneaux implantés en quinconce dans un jardin public en permettaient une lecture non linéaire. « En parallèle de cette exposition, j’ai édité un petit livret qui relatait surtout l’histoire de manière chronologique », raconte Bruno. « Oui, tu me l’as offert. », se souvent Claire Jolin. « Mais je dois avouer qu’il lui manquait quelque chose : selon moi, il était dommage de se contenter d’adapter les panneaux d’exposition aux pages du livre. Avec l’objet-livre, on pouvait proposer une expérience de lecture plus riche ».

Pourquoi un livre-objet ?

Bruno Dubreuil : « En tant qu’éditrice, Claire Jolin travaille particulièrement sur la relation photo-texte, laquelle est au coeur des mes propres projets. “Fensch”, son livre précédent, possédait aussi une dimension expérimentale qui m’intéressait beaucoup : ce n’est pas seulement un livre de photos et de texte, c’est un livre dont la manipulation transforme le lecteur en acteur. Enfin, je savais que les échanges professionnels seraient féconds. »

« Quand nous avons commencé à travailler ensemble sur ce récit photographique, je me suis vraiment rendue compte de la puissance d’écriture – photographique et littéraire – de Bruno »

Bruno Dubreuil, auteur

« En écrivant ce récit, je suis conscient de son peu de poids au regard des évènements historiques dans lesquels il prend place. J’ai longtemps cru que ces évènements en étaient la matière-même, mais je sais maintenant qu’il s’agit d’autre chose… », écrit Bruno Dubreuil en préambule de son récit photographique.

« La mémoire, les constructions du langage, la représentation de la pensée : ce sont toujours les mêmes thèmes qu’on retrouve dans mon travail d’artiste ou de commissaire d’exposition. Pour matière première, les traces d’événements historiques majeurs telles qu’elles sont transformées par la vie intérieure. Je recompose ensuite ces évènements à travers une narration spatialisée, une mise en récit visant à représenter, plutôt qu’une pure narration chronologique, le fil d’une élaboration psychique. »

Bruno Dubreuil a commencé par pratiquer la peinture. Aujourd’hui, son medium principal est la photographie qu’il croise avec l’écriture, la narration et la mise en espace. Son champ d’action est celui de la mémoire afin de produire des récits qui articulent l’image et le langage. Il décompose et recompose alors les évènements de la petite et de la grande histoire pour donner à voir le processus d’élaboration de notre vie psychique. Ce travail d’analyse et de création trouve son prolongement dans ses activités de critique d’art et de commissaire d’exposition.

Claire Jolin, dessin de l’objet-livre

Ce livre a été conçu à quatre mains. La matière brute est l’oeuvre de Bruno Dubreuil, mais c’est ensemble qu’ils ont travaillé sur l’objet-livre. Claire Jolin s’est emparée très librement des matériaux textes-images et de la trame du récit pour y mettre sa patte : couper dans les images, les dissocier et les réarranger, les remonter et les remontrer, jouer entre la temporalité du récit et celui de la lecture. Avec trois objectifs : attiser l’activité sensoriel du lecteur, enrichir le sens du propos de l’auteur, démultiplier l’expérience de lecture.

Avec une pratique artistique tournée vers l’expérimentation et le volume en photographie comme en livre et une activité d’éditrice et de graphiste, Claire Jolin stimule les postures et les frontières entre les métiers. Si elle maîtrise les outils numériques, elle donne une place centrale au geste dans sa pratique créative. Depuis 2005, elle conçoit et réalise des maquettes de livres et de magazines. En 2017, elle crée sa propre maison d’édition, Les éditions Orange Claire, mettant en avant des projets d’auteurs autour de la photographie et de la littérature.

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