Esencias de la tierra
Possiamo definire Miró un pittore, un artista. Lui però amava parlare di sé anche in tanti altri modi.
“Lavoro come un giardiniere”; o “come un vignaiolo”; oppure ancora “Mi sento come un vegetale”.
Quello che hanno in comune molte di queste definizioni è il contatto con la terra, in particolare con gli scenari naturali che lo accompagnarono nella vita come Maiorca o Mont-roig in Catalogna. Le montagne e i cieli immensi sono in grado di provocare nell’artista quello “shock” necessario ad innescare il processo creativo, come spiega lui stesso quando parla del suo modo di fare arte.
Qui, l’amore per il paesaggio si manifesta con tratti leggeri e agili, linee sinuose che ricordano il moto del vento che accarezza i campi: le essenze della terra.

emme entourée par deux personnages
Femme dans la nuit
Nel percorso di questa mostra, dove vediamo un Miró immerso nei colori e nelle forme della natura, oppure nei versi della poesia, non abbiamo toccato ancora uno dei soggetti che l’artista ha affrontato diffusamente nella sua produzione: la figura femminile.
Questa si trova in entrambi i quadri che abbiamo di fronte. Se non possiamo intuirlo immediatamente dalla rappresentazione, perlomeno possiamo farlo dai titoli! Le due femmes protagoniste di queste opere vengono sintetizzate in poche linee che ci lasciano intuire solo i loro minimi connotati, soprattutto i genitali, e lo stesso vale per i due figuri che accompagnano la Femme entourée par deux personnages. Questo perché neanche il corpo umano è immune al processo di schematizzazione con cui l’artista riduce ogni sua figura ai suoi tratti essenziali, fino a diventare non un personaggio in particolare, quanto piuttosto un’idea. Una forma analogica come la chiama Miró, che ci rivela anche che: “Ciò che intitolo femme non è una creatura femminile, ma un universo.”

Design pour la couverture de la Biennale di Venezia
Quale potrebbe essere uno degli onori più grandi per un pittore come Miró, che ha prestato così tante volte il proprio talento per copertine e illustrazioni di libri?
Molto probabilmente, essere scelto per la copertina del catalogo della Biennale di Venezia, una delle fiere d’arte contemporanea più importanti a livello internazionale!
Qui vediamo il bozzetto che l’artista ha preparato per la copertina del catalogo della XXVII edizione del 1954, evento in cui ricevette anche il premio nazionale per la sua attività di incisore. L’immagine è ricavata con frammenti di carta dipinti a gouache e disposti su un fondo azzurro. Qua e là, la scritta “texte”, ad indicare gli spazi lasciati liberi per i testi della copertina. Qui ritroviamo alcuni elementi ricorrenti dell'iconografia di Miró, in particolare quella legata al firmamento e agli astri: un incrocio di linee bianche a simboleggiare le stelle, una forma rossa tondeggiante, probabilmente il sole, e soprattutto la presenza del blu, un vasto cielo che abbraccia tutta la composizione.

Soraya
“Amo ancora lo scià”. Possiamo leggerlo in alto a sinistra nel giornale, che Miró utilizza nella frenesia di sperimentare sempre nuovi supporti per le sue opere.
Sono le parole di Soraya - cui è dedicato il titolo dell’opera - regina dell’Iran dalla triste storia: fu l’ultima moglie dello Scià di Persia, che fu costretto a ripudiarla per per ragioni politiche.
Anche qui si fondono tratto e parole che stavolta, anziché essere scritte dalla mano di Miró, sono parte integrante della superficie pittorica. L’artista passa direttamente sopra la carta stampata con rapide pennellate di nero e pochi colori, dando un senso di spontaneità e semplicità all’intera composizione. Semplicità e spontaneità solo illusorie, come sappiamo dal metodo di lavoro impiegato dall’artista, che prevedeva sempre una fase disciplinata di rifinitura del dipinto ma che, come vediamo, non fa perdere all’insieme la vitalità e la freschezza del gesto artistico.

Hommage à Miró
I bagagli per le vacanze estive sono pronti. Ci trasferiamo nella casa al mare.
Anche questa estate Miró, bambino, la passerà a Maiorca. Chissà se lui sa già che quest’isola non lo lascerà mai.
A Maiorca, i legami familiari della sua infanzia, ma anche della moglie Pilar Juncosa, originaria delle Baleari, si fondono con le bellezze naturali del paesaggio così importanti e presenti in molte delle opere di Miró. Nell’isola l’artista realizzò migliaia di disegni, in cui compaiono i colori accesi della vegetazione, l’azzurro del mare che si fa rosso al calare del sole, la luce lunare, il cielo stellato…
Tra le opere ispirate all’isola realizza anche questa che vedete, dipinta su un supporto insolito, il papiro - come sappiamo, a Miró piaceva sperimentare.
Si intitola Hommage à Miró, come se omaggiare se stesso o l’isola che ha nel cuore non fosse poi tanto differente.

El Vol de l’Alosa
Per gli appassionati di Birdwatching, “alosa” è il termine catalano per indicare l’allodola, che forse potete provare a scorgere all’interno della grande opera in tessuto o del bozzetto da cui è tratta, realizzato per il volume dal titolo, appunto, El Vol de l’Alosa.
Il libro, pubblicato dall’editore Pedro Serra, raccoglieva poesie di autori di Maiorca e delle Isole Baleari, luoghi verso i quali sia Miró che Serra provavano affetto e dei quali, grazie a questo progetto, approfondirono la conoscenza. Lo stesso titolo cita una poesia di Anselm Turmeda, importante scrittore maiorchino del XIV secolo.
Il coinvolgimento di Miró in questo progetto non lo abbandonò negli anni, tanto che tempo dopo, partendo dall’immagine di copertina, realizzerà in collaborazione con l’artista Carola Torres l’opera in tela qui esposta accanto ai disegni fatti per il libro. Quest’opera testimonia la predilezione di Miró per le pratiche artigianali ed il lavoro manuale, che eleva senza esitazione al livello delle opere d’arte museali.

Les Pénalités de l'Enfer ou Les Nouvelles-Hébrides
Certe amicizie superano tutto, anche il tempo, anche il dolore.
Miró ce ne ha lasciato una testimonianza.
Il pittore conobbe lo scrittore Robert Desnos durante il suo periodo parigino, negli anni Venti. I due furono molto legati, forse perché condividevano un punto di vista simile sulla pratica artistica: Desnos considerava la poesia un atto d’amore, dove il poeta si abbandonava anima e corpo, come in una specie di abbraccio; mentre Miró affermava che “La pittura o la poesia si fanno come si fa l’amore; uno scambio di sangue, un abbraccio totale, senza alcuna cautela, senza alcuna protezione”.
Sebbene Miró avesse sempre mostrato interesse ad illustrare i testi dello scrittore, questo progetto fu interrotto prima dallo scoppio della Guerra Civile Spagnola nel 1936 e poi dalla Seconda Guerra Mondiale, cui seguì la deportazione di Desnos, membro attivo della resistenza francese. Il poeta morì di tifo pochi giorni dopo la liberazione dal campo di concentramento.
Anni dopo, nel 1974, sarà la vedova Youki Desnos a chiedere a Miró di illustrare Les Pénalités de l’Enfer ou les Nouvelles-Hébrides, opera in prosa scritta nel 1922 e rimasta inedita fino ad allora.
Rispetto al suo stile più conosciuto, in questa serie il linguaggio di Miró si fa particolarmente drammatico, reso con un segno tagliente e macchie di colori saturi, alternati a dense campiture di nero. Un’intensità emotiva che ci avvicina alla triste vicenda di una profonda amicizia stroncata dalla guerra.

Quelques fleurs pour des amis
E se passassimo la nostra vita in un giardino... Lontani dalle vicende turbolente del mondo esterno, circondati solo dai fiori e le piante?
Miró nel suo giardino ideale dedicò ognuno di questi fiori ad un caro amico. Per Patricia e Pierre Matisse quelli dai piccoli petali blu e rossi; per l'affettuoso Pierre Volboudt quel fiore bruno che svetta per il suo stelo; a Guiguite e Aimé Maeght, quella porzione di prato su cui brilla una stella.
Durante tutta la sua carriera, il pittore strinse legami con moltissimi intellettuali e artisti del suo tempo, alcuni dei quali sono oggi importanti firme del Novecento. A questi, nel 1963, inviò una copia del libro da lui illustrato del critico Yvon Taillandier intitolato “Je travaille comme un jardinier”, Lavoro come un giardiniere, che raccoglieva una serie di conversazioni avute tra lui e Miró. Ogni volume inviato agli amici era accompagnato da un acquarello con una dedica personale.
L’anno dopo, trentadue di questi acquerelli furono raccolti e pubblicati in un volume a sé, dal titolo Quelques fleurs pour des amis, alcuni fiori per i miei amici.
Raccolti insieme, questi danno vita al giardino in cui Miró si riunisce - in mezzo a fiori decostruiti in linee, colori e parole - con le persone importanti della sua vita.

Segni e colori
Cosa avete pensato osservando un’immagine di Miró per la prima volta? Non sappiamo se è il vostro caso, ma potremmo essere tentati di immaginarci che si tratti di una rappresentazione astratta, di segni scollegati dalla realtà, magari realizzati d’impulso.
Niente di più lontano dall’opera di Miró.
Sebbene infatti il suo stile evidentemente sia molto lontano dal realismo, le sue figure non sono una semplice unione di segni e colori arbitrari, ma risultati di un processo che l’artista chiama schematizzazione. I soggetti vengono ridotti ai minimi termini: le figure umane diventano semplici linee, la luna si sintetizza in una falce color giallo, l’occhio non è che un punto nero incorniciato in un ovale. Sono ancora tutti lì, ma solo in forma schematica, appunto! Anche i colori sono essenziali: nero, rosso, blu, giallo e verde, quasi mai sfumati o mescolati, ma in contrasto tra loro. Per quanto riguarda il processo creativo poi, questo non è esclusivamente frutto di un istinto spontaneo. Quello è solo l’inizio: ciò che Miró definisce “uno stato di allucinazione provocato da uno shock”, inatteso - scaturito da un gesto, da un moto interiore o dal mondo circostante - che dà il via ad una fase di creatività libera, guidata dall’inconscio - alla maniera surrealista. Tuttavia, da lì parte poi una seconda fase, controllata, disciplinata, paziente, con la quale l’artista completa passo dopo passo l’immagine, fino a portare a termine il lavoro.

Derrière le miroir
Sebbene oggi, grazie agli smartphone, siamo abituati a vivere in un mondo in cui ogni immagine è a portata di mano - dai murales dei writer, alla Gioconda, alle statuette delle veneri preistoriche - la questione non era così scontata negli anni Quaranta. Un tema, questo, abbastanza scottante per un artista, che ha bisogno prima di tutto di farsi conoscere proprio attraverso le sue immagini.
Le riviste e le incisioni hanno fatto per decenni ciò che adesso fa per noi internet ed è grazie ad esse che gli artisti del dopoguerra hanno potuto raggiungere il grande pubblico. Naturalmente, che un artista fosse conosciuto giovava anche al gallerista che vendeva le sue opere. E così nacque Derrière le miroir, rivista fondata nel 1946 da Aimé Maeght commerciante d’arte, collezionista ed editore. I numeri contenevano le litografie degli artisti della galleria d’arte di Maeght, come Georges Braque, Marc Chagall, Alberto Giacometti o Henri Matisse, accompagnate da articoli e poesie di noti intellettuali della scena francese tra cui Apollinaire, René Char e Pierre Reverdy. Nel 1965 arrivò il turno di Miró a cui fu dedicato il numero 151-152. Adesso immaginiamoci di avere tra le mani questa rivista, apriamola e godiamoci le litografie su cartone del pittore in essa contenute e che troviamo esposte in questa sezione.