Riesig, farbgewaltig und völlig gegenstandslos. Hans Hartung, der die europäische abstrakte Kunst der Nachkriegsjahre stark mit geprägt hat, brachte Spuren auf die Leinwand, die an natürliche Strukturen oder Formen wie zum Beispiel Wellen, Haare, Borsten oder Vogelschwärme erinnern. Wir finden als BetrachterInnen meistens Ankerpunkte, obwohl die damals aufkeimende Kunstrichtung des Informel es vermeiden wollte, Konkretes anzubieten.

Hans Hartung verwendete Besen, Quaste, Schabemesser und viele andere zum Teil selbst entwickelte Werkzeuge, mit denen er den Malprozess weitestgehend der Kontrolle entziehen und seine Kraft auf die raumgreifenden Leinwände übertragen konnte.

Für diese Podcastfolge ist mir wieder ein düsteres, rätselhaftes, auch schockierendes Bild in die Hände gefallen. Ein bisschen kalte Grausamkeit steckt darin. Lass Dich dadurch nicht abschrecken. Es ist „nur“ eine von vielen möglichen Ansichten, aber sie gehört nun einmal dazu, denn es gibt sie in der surrealistischen Welt von René Magritte. Andererseits gibt es Absurditäten, Verrücktheiten und viel Komisches in Magritte's Leben und Bildern. Du darfst also einen Blick riskieren.

Der Ursprung der Welt. Was verbindest Du damit? Eine Diskussion über den Urknall, vielleicht etwas Philosophisches? Für Gustave Courbet war es das biologische Zentrum der Frau. Wahrscheinlich kennst Du das Bild, 1866 gemalt und sehr lange „under cover“ weitergereicht. Bis heute schlägt dieses Werk Wellen. Courbet, aus einer Bauernfamilie stammend und Jäger, hat darin vielleicht „nur“ ein Stück Natur gesehen. Er hat vieles in Frage gestellt - gesellschaftliche Konventionen, die bis dahin an den Akademien übliche Malweise und den Bildgegenstand. Der Ursprung der Welt ist enthüllt, offiziell, seit 1995 im Musée d'Orsay in Paris.

Es muss irgendetwas dahinter sein! Das denke ich, wenn ich die Bilder von Anita Albus anschaue: klein bis winzig und unglaublich detailreich, altmeisterlich präzise, fast hyperrealistisch und ohne Pinselspuren, farblich extrem tief und brillant. Tatsächlich öffnet sich beim Drehen des Bildes „der Waldboden“ um 180 Grad noch eine zweite Ebene und das Profil des wilden Mannes wird sichtbar. Das alles wirkt auf mich befremdlich, obwohl oder vielleicht weil die Erforschung der Natur in all ihrem Reichtum an Formen, Farben und Strukturen erfahrbar wird.

Die Kraft von Anita Albus' Arbeiten liegt in der messerscharfen Präzision, den besonderen Farbpigmenten und der Zeit, die ihre Bilder geflossen ist - mitsamt ihrer Person ein Gesamtkunstwerk!

Geometrisch zerlegte Realität, zu etwas Neuem zusammengesetzt. Diesen Eindruck habe ich beim Anschauen kubistischer Bilder. Die seltsame Gleichzeitigkeit von Zwei- und Dreidimensionalität sorgt für Spannung.

Die Kernzeit des Kubismus, der stark von Georges Braque und von Pablo Picasso geprägt worden ist, war schon einige Jahre beendet, als Braque 1920 sein Bild „Die Anrichte“ gemalt hat. Deshalb wird es dem Postkubismus zugeordnet, aber das ist reiner Formalismus. Wie immer in dieser Podcastreihe geht es um das, was Du siehst, wie es direkt auf Dich wirkt und was es in Dir auslöst. War der Kubismus einfach nur eine Idee, um die Malerei zu modernisieren? Warum entstand er genau zu dem Zeitpunkt (1906/07)?

Manchmal führen mich meine Bilder in eine ganz andere Richtung als erwartet. So ging es mir auch mit dem Bild „Ver-eisung“, das eine radikale Prozedur mit Hochglanz-Heizkörperlack ertragen musste. Unter einer dicken Schicht dieser besonderen Form von „Eis“ verschwanden große Teile einer zuvor mit Ölfarben gemalten Kindergruppe. Wie es dazu kam und was mir mein Bild nun, 4 Jahre nach seiner Entstehung, zu sagen hat, erfährst Du in der aktuellen Podcastfolge.

Das nachträgliche Gespräch mit meinen Bildern ist einer der Hauptgründe, weiter zu malen. Meine Bilder zeigen mir genau das, was ich gerade neu beleuchten darf. Genauso gut funktioniert dies mit Werken anderer Künstler, mit Arbeiten, die mir etwas bedeuten.

Ist Dir auch schon einmal aufgefallen, dass ein Bild, was Du immer wieder anschaust, etwas zu sagen hat? Wenn Du Dein Lieblingsbild befragen willst, aber nur unklare Antworten erhältst, melde Dich gerne bei mir. Im Gespräch formt sich genau das, was Du gerade brauchst, genauer heraus. Du entscheidest, ob Du unsere Unterhaltung als Podcast zur Verfügung stellen möchtest oder ob es lieber privat bleiben soll.

Leonora Carrington, a British-Mexican artist (1917 - 2011) invites us to decrypt her surrealistic pictures. Not only the aesthetic, but also the motif captures us. A strange and mystic atmosphere is spreading out.

I am happy that Karin Volpp-Gardela brought Leonora to my attention. As a result of our common interest we recorded this video / podcast episode. We talk in English, because Karin lives in the US since more than 30 years. 

Karin has an advanced diploma in art therapy. This seems to be one of the roots of her current work with Tarot cards, human design, gene keys and astrology. With these tools she enables people to recognize their own potential.

Leonora Carrington also worked with Tarot cards and even created pictures for Tarot cards. What a nice coincidence!

The picture we are dealing within this episode is called „bird bath“. The content is a very hot topic although the work is from 1974.

Here you can find out more about Karin's work.

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Leonora Carrington, eine britisch-mexikanische Künstlerin (1917 - 2011) lädt uns mit jedem ihrer surrealistischen Bilder zum Entschlüsseln ein. Nicht nur die Ästhetik fesselt, sondern auch der Inhalt lässt uns als Betrachter*innen stehen bleiben. Eine seltsame, mystische Stimmung verbreitet sich.

Ich freue mich sehr, dass mich Karin Volpp-Gardela auf diese Malerin aufmerksam gemacht hat. Nebenbei entstand unsere gemeinsame Podcastfolge. Anders als sonst gibt es hier auch ein Video dazu. Wir unterhalten uns auf Englisch, da Karin seit mehr als 30 Jahren in den USA lebt. Karin hat u. a. Kunsttherapie studiert. Mit Tools wie Tarotkarten, Human Design, Gene Keys und Astrologie lässt sie andere Menschen ihr eigenes Potenzial erkennen.

Beim Recherchieren über Leonora Carrington haben wir erfahren, dass die Künstlerin auch selbst Tarotkarten gestaltet hat. Eine schöne Koinzidenz!

„Bird bath“ lautet der Titel der Serigraphie, über die Karin und ich in dieser Folge sprechen. Das Bild ist inhaltlich brandaktuell, obwohl es schon 1974 entstanden ist.

Mehr zur Arbeit von Karin findest Du hier.

Elizabeth Peyton läuft mit ihren Menschendarstellungen, meistens Porträts, auf einem schmalen Pfad zwischen der Suche nach Wiedererkennung („oh, das ist doch…“) und klebriger Süße. Nichts davon sehe ich in ihren Bildern. Es sind Personen des öffentlichen Lebens, die uns in irgendeiner Weise berühren und unsere Welt bewegen. Was ist das Besondere an diesen Menschen? Warum haben sie soviel Einfluss mit ihrer Kunst, Musik, Politik? Elizabeth Peyton gibt Antworten in ihren Bildern, indem sie den Zauber von Stars, Celebrities, Prominenten aufkonzentriert und übersetzt. Dennoch fällt es mir schwer, dafür Worte zu finden. Man sieht ihre Bilder und weiß, was gemeint ist. Das Abbild an sich drängt sich nicht in den Vordergrund, sondern es ist die Aura der Figuren, die zuerst wahrgenommen wird.

Für die aktuelle Podcastfolge habe ich „Julian with a broken leg“ ausgesucht. Das Bild ist im Netz nicht leicht zu finden. Eine kleine Darstellung gibt es auf S. 28 in diesem pdf.

https://d2b8urneelikat.cloudfront.net/media/collectiveaccess/images/7/0/52466_ca_object_representations_media_7068_original.pdf

Als Kunstdrucke zieren seine Bilder so manchen Konferenzraum. Fängt man an, sich jenseits der ästhetischen Oberfläche von Edward Hoppers Werken mit den Inhalten zu beschäftigen, kann das schnell eine Schmerzgrenze berühren oder zumindest betroffen machen. Mit seiner extremen Lichtführung erzeugt Hopper eine subtile Dramatik, die mich immer wieder hinschauen lässt. Messerscharfe Trennlinien zwischen Hell und Dunkel bauen eine eigentümliche Spannung auf und weisen darauf hin, dass es auch im Leben das Eine nicht ohne das Andere gibt.

„Seven A. M.“ hat Hopper das Bild betitelt, um das es in dieser Podcastfolge geht. Es wird wohl ein heißer Sommertag.

Die Bilder der zeitgenössischen Malerin Charline von Heyl fallen in der Masse abstrakter Malerei besonders auf. Woran liegt es, dass ihre Arbeiten so lebendig wirken? Diese Podcastfolge ist „Old fish new fish“ gewidmet. Ein kleinerer roter Fisch am Bildrand springt auf einen riesigen schwarz-weißen halben Fisch. Damit ist optisch für Nervenkitzel gesorgt. Zu tief braucht das Werk nicht in eine Bedeutung eingetaucht zu werden, denn darum geht es vermutlich gar nicht. Dennoch erscheint das Bild hintergründig, stark und keineswegs nur dekorativ. Es erwartet Dich hier also kein „Plattfisch“.