Alex Katz ist bekannt für riesige Gesichter, die er in spannenden Kompositionen flächig und in markanten Farben auf die Leinwand bringt. Seine Kunst wird oft unter „Popart“ eingeordnet und von der Anmutung her passt es, aber von der zeitlichen Einordnung nicht. Er hat schon vorher Alltagsszenen großformatig, flächig, klar und scharf abgegrenzt gemalt. Das „Jetzt“ ist ihm wichtig und die Malerei an sich. Mit Mitte 90 wirkt er in dem, was er sagt, wie er sich kleidet und malt, noch immer modern. Seine Bilder sind einerseits zeitlos, andererseits Zeitdokumente der Mode, der Frisuren und der gesellschaftlichen Umstände.

„Self portrait with sunglasses“ (1969) heißt das Bild, um das es in der aktuellen Podcast-Folge geht.

Cy Twombly’s Blatt mit Morchel und Lamellenpilzen, einer locker hingeworfenen Andeutung eines Schwanes, Marmeladenglas-Etiketten, Zahlen und Buchstaben aus der Serie „Natural History, Part 1“ lädt zum Entschlüsseln ein. Je länger ich darauf schaue, desto größer wird das Rätsel und der Ansporn, es zu lösen. Ich sehe aber bald ein, dass es ein hoffnungsloses Unterfangen bleibt, einen Anfang und ein Ende zu finden und alles dazwischen mit (Marmeladenglas-)Etiketten zu versehen. Ein großes Thema - so reduziert, ästhetisch und leicht dargestellt!

Beim Malen kam es zu unerwarteten Wiederauferstehungen. Dafür war nicht einmal das Ausarbeiten der Gesichter der dargestellten Personen erforderlich. Kleidung und Körperhaltung, mit ein paar Pinselstrichen angedeutet, haben ausgereicht, um meine Verwandtschaft wieder lebendig werden zu lassen. Das passierte beim Malen einer Hochzeitsgesellschaft, mit Bedacht gruppiert für das Familienfoto. Vor einigen Jahren fiel mir das Schwarzweiß-Foto wieder in die Hände. Ohne zu ahnen, was ich dabei erleben würde, fing ich an zu skizzieren.

Das Bild von 2013 trägt den schlichten Titel „Ja“ und Du findest es auf meiner Website unter https://astridblohme.de/malerei

Ein Maschendrahtzaun spielt zumindest symbolisch die Hauptrolle in Marlene Dumas’ Bild „The Schoolboys“, was sie 1987 in Öl auf Leinwand gemalt hat. Diesseits des Zauns dominieren Jungen in Schul-Uniformen, dahinter ist schemenhaft eine schwarze Person zu erkennen. Das Bild wirkt durch seine extremen Hell-Dunkelkontraste und die harten, zeichnerischen Elemente in manchen Partien holzschnitthaft. Es ist im wahrsten Wortsinn und auf jeder Ebene einschneidend, so wie der Graben zwischen Schwarz und Weiß in Südafrika.

Das Hineinwachsen in ihre Rollen und die Formung der Persönlichkeit ist anhand der unbeholfen bis lässig herumstehenden vier Jungen im Bildvordergrund gut nachvollziehbar: vom runden rosa „Milchgesicht“ zur festen und bestimmten Kantigkeit, die wohl dafür sorgt, dass der Zaun bestehen bleibt.

Dieses Bild hat vieles zu erzählen.

„Fragment of a crucifixion“ heißt das Bild von Francis Bacon, über das Malerin Svenja Wetzenstein und ich uns dieses Mal unterhalten. Damit knüpfen wir an unsere letzte gemeinsame Podcast-Folge (#11) an. Damals ging es um ein Werk von Lovis Corinth: „Im Schlachthaus“.

Francis Bacon ist nicht gerade als Meister der Lieblichkeit bekannt, sondern für seine brutale Direktheit. Zum Leben gehört nun einmal der Tod und umgekehrt. Der Fahrstuhl in die andere Welt kann jederzeit bestiegen werden. Zumindest ist das eine von vielen Deutungsmöglichkeiten, die uns beim Gespräch über das farblich sparsam gehaltene Bild von Bacon in den Sinn kam.

Die Gegenwart des Todes im Leben ist auch ein zentrales Thema im Werk von Svenja Wetzenstein. Einen tieferen Einblick erhältst Du auf ihrer Website https://svenja-wetzenstein.de/ und im Rahmen eines Interviews, das Du unter https://astridblohme.de/interview-mit-svenja-wetzenstein findest.

Wenn Du Lust hast, mit einem selbst ausgewählten Bild an einer Podcast-Folge teilzunehmen, schreibe mich gerne über das Kontaktformular auf meiner Website an: https://astridblohme.de/kontakt

Eine Eisenbahnexpertin bin ich nicht, und so hielt ich die Lokomotive in Dirk Skrebers unbetiteltem Bild von 1988 tatsächlich für einen Waggon. Nein, es ist eine Lokomotive. Sie trägt den Spitznamen „Picasso“, denn der Aufbau auf dieser Lok wirkt genauso deplatziert wie Augen und Nase in manchen von Picasso gemalten Gesichtern.

Das Bild lockte mich aber nicht durch den Bildgegenstand an sich, sondern eher durch die besondere Atmosphäre, die auf der Kippe zur Surrealität zu stehen scheint. Hinzu kommen wohl die Farben, die an Spielzeug aus den 1960/70er Jahren erinnern. Was ist es sonst noch, das dieses Bild auf subtile Weise über die üblichen Sehgewohnheiten hinaushebt?

Lotte Laserstein (1898 - 1993) zeigt sich in ihrem Bild „Mackie Messer und ich“ in der Rolle von Polly Peachum aus Brechts Dreigroschenoper. In edle Spitze gehüllt und mit üppigem Federhut spaziert sie an der Seite des verschlagenen Ganoven Mackie Messer. Lottes Schirmstock und Mackies Spazierstock weisen symbolisch in gegensätzliche Richtungen und bilden den Rahmen für die Bände sprechenden Porträts der beiden Personen.

Lotte Laserstein malte dieses Bild 1932. Gab es schon eine Vorahnung dessen, was sie erwartete?

Ein Alphabet aus Kreisen, Ellipsen, Dreiecken, Quadraten und anderen Grundformen hat der in Ungarn geborene Graphiker und Maler Victor Vasarely (1906 - 1997) entwickelt, um damit Bilder in unendlichen Variationen zusammenzusetzen. Allen gemeinsam ist eine strenge Ordnung und der geschickte Einsatz von Farben, sodass die Formelemente extrem räumlich wirken und sich manchmal sogar zu bewegen scheinen.

Heutzutage würde man solche Op-Art-Bilder digital produzieren, aber zumindest seine „Prototypen“ hat Vasarely großformatig selbst gemalt, bevor sie dann z. B. als Serigraphien vervielfältigt wurden. Der Titel des Bildes in dieser Podcast-Folge heißt „Vega-Tek“. Man könnte dabei an ein technisches Gerät denken. Vasarely hielt die Physik für eine neue Quelle der Poesie.

Clyfford Still (1904 - 1980), ohne Titel (1959). Zwei zerklüftete, von Weiß durchbrochene, schroffe Farbflächen stehen sich beinahe diagonal gegenüber in diesem riesigen Bild. Es hat eine sehr große Kraft und ich bewundere das, weil das Bilddesign genial einfach und selbstverständlich erscheint: ein warmes Gelb und ein tiefes Orange im Gespräch. Hinzu kommt eine zarte schwarze vertikale Linie, die durch beide Farbbereiche hindurchläuft. Das ist eine „Life line“ und diese findet sich in sehr vielen von Clyfford Still’s dynamischen, expressiven Bildern.

Wie wirkt das Bild auf Dich? Vielleicht findest Du es irgendwo im Netz, während Du diese 14. Folge von „Kunst musst Du nicht verstehen“ hörst. Es gibt sehr viele ähnliche Werke von Clyfford Still, aber z. B. mit folgender Kombination an Suchbegriffen „untitled clyfford still 1959“ gelangst Du zum hier besprochenen Bild.

„Lila - der letzte Versuch!“, „Lila schützt vor Schwangerschaft“ oder "Emanzen-Lila" und was dieser Farbe sonst noch an Spott anhaften sollte, hat mich beim Malen des Bildes „Try To Hold“ nicht interessiert. Was es sonst noch zu dieser Farbe, die eigentlich gar keine ist, zu sagen gibt, erfährst Du in dieser Podcast-Folge.

Meistens greifen wir z. B. bei der Auswahl unserer Kleidung oder einer Wandfarbe unbewusst oder auch bewusst zu einer Farbe, mit der wir eine besondere Wirkung oder Stimmung erzielen wollen. Du musst aber kein neues T-Shirt kaufen und auch nicht Dein Haus renovieren, wenn Du Farbe intensiv erleben möchtest. Das geht auch beim Malen traditioneller Mandalas. Eine Anleitung dazu gibt es auf meinem YouTube-Kanal ALLES IN FARBE: Mandala Malen 1 und Mandala malen 2