Una obra epistolar que relata la historia de Werther, un joven enamorado que escribe cartas a su amigo Wilhelm sobre su amor obsesivo por Charlotte, quien lo rechaza para casarse con otro hombre, porque lo había prometido a su madre moribunda.Apasionado por la intensidad de la trama, Massenet comenzó a ponerle música en 1885.Esta nueva producción, procedente de la Scala de Milán y dirigida por Christof Loy, está centrada en los mecanismos interpersonales y los aspectos psicológicos de los personajes. Con un enfoque íntimo de los protagonistas, los sitúa en una elegante y esencial escenografía clara ambientada en los años cincuenta, en la cual preside una gran pared horizontal que cierra la acción de los papeles centrales y los asfixia en sus emociones más profundas. Este muro divide el mundo de la intimidad doméstica, los afectos y los sentimientos (el de la familia, al cual Werther no podrá entrar nunca) del mundo exterior. La desnudez del espacio hace que los elementos adquieran una carga simbólica adicional muy sugerente.

Una obra epistolar que relata la història de Werther, un jove inflamat que escriu cartes al seu amic Wilhelm sobre el seu amor obsessiu per Charlotte, que el rebutja per casar-se amb un altre home, perquè ho va prometre a la seva mare moribunda.   Apassionat per la intensitat de la trama, Massenet va començar a posar-hi música l’any 1885. Aquesta nova producció, provinent de la Scala de Milà i signada per Christof Loy, està centrada en els mecanismes interpersonals i els aspectes psicològics dels personatges. Amb un enfoc íntim dels protagonistes, els situa en una elegant i essencial escenografia nítida ambientada en els anys cinquanta, en la qual presideix una gran paret horitzontal que tanca l’acció dels papers centrals i els asfixia en les seves emocions més profundes. Aquest mur divideix el món de la intimitat domèstica, els afectes i els sentiments (el de la família, al qual Werther no podrà entrar mai) del món exterior. La nuesa de l’espai fa que els elements adquireixin una carga simbòlica addicional molt suggeridora.  

Orlando, una de les òperes més celebrades de Georg Friedrich Händel, és una obra fonamental del repertori barroc que ha transcendit el temps per la seva complexitat emocional i el seu intricat desenvolupament musical. Composta el 1732, Orlando és una òpera seriosa que es basa en el poema èpic Orlando Furiós, de Ludovico Ariosto, un relat que fusiona mitologia, amor i bogeria. L’òpera es va estrenar al King's Theatre de Londres, un lloc clau en la carrera de Händel, i s’ha mantingut com una peça essencial als escenaris d’òpera del món, especialment per la seva exploració de la psique humana i l’expressió musical.  

El llibret d’Orlando, escrit pel poeta i llibretista italià Carlo Sigismondo Capece, presenta una història rica en conflictes interns i passions desenfrenades. 

Orlando, una de las óperas más celebradas de Georg Friedrich Händel, es una obra fundamental del repertorio barroco que ha trascendido el tiempo por su complejidad emocional y su intrincado desarrollo musical. Compuesta en 1732, Orlando es una ópera seria basada en el poema épico Orlando Furioso, de Ludovico Ariosto, un relato que fusiona mitología, amor y locura. La ópera se estrenó en el King's Theatre de Londres, un lugar clave en la carrera de Händel, y se ha mantenido como una pieza esencial en los escenarios de ópera del mundo, especialmente por su exploración de la psique humana y su expresión musical.

El libreto de Orlando, escrito por el poeta y libretista italiano Carlo Sigismondo Capece, presenta una historia rica en conflictos internos y pasiones desenfrenadas. 

Manon Lescaut, ópera en cuatro actos estrenada en 1893 en el Teatro Regio de Turín, está basada en la obra L’histoire du chevalier des Grieux et Manon Lescaut (1731), del abad Prévost, que también fue la inspiración para la ópera Manon, de Jules Massenet. “Manon es una heroína en la que creo y, por lo tanto, no puede dejar de ganarse el corazón del público. ¿Por qué no pueden existir dos óperas sobre Manon? Una mujer como Manon puede tener más de un amante”, escribía el propio Puccini a su editor.

La puesta en escena de Àlex Ollé tiene su origen en la Ópera de Frankfurt. En la introducción previa, unos vídeos nos muestran a Manon y a su hermano Lescaut cruzando una valla fronteriza como inmigrantes ilegales. El acoso que ella sufre por su belleza y atractivo físico desembocará en abuso y explotación.

Manon Lescaut, òpera en quatre actes estrenada l’any 1893 al Teatro Reggio de Torí, està basada en l’obra L’histoire du chevalier des Grieux et Manon Lescaut (1731), de l’abat Prévost, que també va ser la inspiració per a l’òpera Manon, de Jules Massenet. “Manon és una heroïna en la qual crec i, per tant, no pot deixar de guanyar-se el cor del públic. Per què no hi poden haver dues òperes sobre Manon? Una dona com Manon pot tenir més d’un amant”, escrivia el mateix Puccini al seu editor.

La posada en escena d’Àlex Ollé té l’origen en l’Òpera de Frankfurt. En la introducció prèvia, uns vídeos ens expliquen que Manon i el seu germà Lescaut estan creuant una tanca fronterera i entren com a immigrants il·legals. L’assetjament que ella pateix a causa de la seva bellesa i atractiu físic desembocarà en abús i explotació.

La Gioconda de Amilcare Ponchielli, con libreto de Arrigo Boito, es la única ópera italiana, junto con Mefistofele del mismo Boito, no escrita por Verdi que se mantiene en el repertorio de las partituras creadas en el período comprendido entre el estreno de Don Pasquale de Donizetti (1843) y la eclosión de la “Giovane Scuola” integrada por Puccini y los veristas.

El título reúne lo mejor de los estilos de su época: influencias marcadamente verdianas en las melodías, pasajes corales típicos de la música popular veneciana, soliloquios con toques de Mussorgski o Chaikovski, una orquestación wagneriana, danzas y bailes característicos de la Grand Opéra francesa y un final que anticipa el repertorio verista-naturalista. Todo ello nos sitúa ante una obra maestra sumamente atractiva.

La Gioconda d’Amilcare Ponchielli sobre llibret d’Arrigo Boito és l’única òpera italiana, juntament amb Mefistofele del mateix Boito, no escrita per Verdi que es manté en el repertori de les partitures creades en el període comprés entre l’estrena de Don Pasquale de Donizetti (1843) i l’eclosió de la “Giovane Scuola” integrada per Puccini i els veristes. 

El títol aglutina el millor dels estils de la seva època: influències fortament verdianes en les melodies, passatges corals típics de la música popular veneciana, soliloquis amb pinzellades de Mussorgski o Txaikovski, una orquestració wagneriana, danses i balls característics de la Grand Opéra francesa i un final que anticipa el repertori verista-naturalista. Tot plegat, ens situa davant d’una obra mestra summament atractiva.

Tristán e Isolda es un inmenso poema dramático-musical; una canción infinita de amor y muerte inspirada en la leyenda medieval de origen celta del siglo XII, recopilada por Jofré de Estrasburgo, que se convirtió en una de las referencias culturales de la Edad Media y, en manos de Wagner, una revolución cultural.

En la nueva producción de Bárbara Lluch, Tristán e Isolda, con un deseo inaccesible, son dos personas que intentan abandonar los roles vitales que les han sido asignados, que quieren huir de la mentira diaria. Son dos personas que sufren y encuentran en el amor la reparación y la restauración de sus vidas. Se levantan y desafían el statu quo, pero al perder la relación con la realidad terminarán fracasando.

Tristan und Isolde és un immens poema dramaticomusical; una cançó infinita d’amor i mort inspirada en la llegenda medieval d’origen celta del segle xii, recopilada per Jofré d’Estrasburg, que va esdevenir una de les referències culturals de l’edat mitjana i, en mans de Wagner, una revolució cultural.En la nova producció de Bárbara Lluch, Tristany i Isolde, amb un desig inaccessible, són dues persones que intenten abandonar els papers vitals que els han atribuït, que volen fugir de la mentida diària. Són dues persones que pateixen i que troben en l’amor la reparació i la restauració de les seves vides. S’aixequen i desafien l’statu quo; però perdent la relació amb la realitat acabaran fracassant.