Con la muerte de Anthony Jackson, el mundo del jazz, el soul, el pop y la fusión pierde a uno de los pensadores más rigurosos y revolucionarios del bajo eléctrico. Su figura no se define solo por la ejecución virtuosa de su instrumento, sino por un concepto musical integral, casi filosófico, que cambió para siempre el rol del bajo eléctrico en la música contemporánea.

Nacido en 1952 en Nueva York, Jackson no fue un simple bajista: fue un diseñador sonoro. Su búsqueda de pureza tímbrica y equilibrio armónico lo llevó a concebir el bajo eléctrico de seis cuerdas, prototipo de lo que hoy se conoce como contrabass guitar. Esta extensión del registro le permitió ocupar un espacio intermedio entre el bajo eléctrico tradicional y la guitarra, y un espacio por encima de la cuerda más grave del bajo de cuatro cuerdas generando un nuevo lenguaje para el instrumento.

Técnicamente, su sonido es inconfundible: una articulación precisa, un ataque medido con la autoridad del pulso clásico, y una afinación impecable que convertía cada nota en un acontecimiento armónico. Su sentido de la línea era arquitectónico: pensaba en la música como una estructura tridimensional donde el bajo sostenía, pero también dialogaba.

Con la muerte de Anthony Jackson, el mundo del jazz, el soul, el pop y la fusión pierde a uno de los pensadores más rigurosos y revolucionarios del bajo eléctrico. Su figura no se define solo por la ejecución virtuosa de su instrumento, sino por un concepto musical integral, casi filosófico, que cambió para siempre el rol del bajo eléctrico en la música contemporánea.

Nacido en 1952 en Nueva York, Jackson no fue un simple bajista: fue un diseñador sonoro. Su búsqueda de pureza tímbrica y equilibrio armónico lo llevó a concebir el bajo eléctrico de seis cuerdas, prototipo de lo que hoy se conoce como contrabass guitar. Esta extensión del registro le permitió ocupar un espacio intermedio entre el bajo eléctrico tradicional y la guitarra, y un espacio por encima de la vcuerda más grave del bajo de cuatro cuerdas generando un nuevo lenguaje para el instrumento.

Técnicamente, su sonido es inconfundible: una articulación precisa, un ataque medido con la autoridad del pulso clásico, y una afinación impecable que convertía cada nota en un acontecimiento armónico. Su sentido de la línea era arquitectónico: pensaba en la música como una estructura tridimensional donde el bajo sostenía, pero también dialogaba.

La guitarra acústica ocupa un lugar singular en el jazz, la bossa nova y la fusión: un punto de encuentro entre la pureza tímbrica y la complejidad armónica. En el jazz, suena como una voz desnuda, donde cada nota revela intención y matiz. En la bossa nova, se vuelve el corazón rítmico y armónico, con el toque respirado y sutil que João Gilberto inmortalizó. En la fusión, expande sus fronteras: dialoga con texturas eléctricas y electrónicas sin perder su esencia orgánica. En manos de músicos como Metheny, Gismonti o Di Meola, la guitarra acústica trasciende estilos y se convierte en un instrumento de síntesis, capaz de unir lirismo, ritmo y experimentación sonora.

La guitarra acústica ocupa un lugar singular en el jazz, la bossa nova y la fusión: un punto de encuentro entre la pureza tímbrica y la complejidad armónica. En el jazz, suena como una voz desnuda, donde cada nota revela intención y matiz. En la bossa nova, se vuelve el corazón rítmico y armónico, con el toque respirado y sutil que João Gilberto inmortalizó. En la fusión, expande sus fronteras: dialoga con texturas eléctricas y electrónicas sin perder su esencia orgánica. En manos de músicos como Metheny, Gismonti o Di Meola, la guitarra acústica trasciende estilos y se convierte en un instrumento de síntesis, capaz de unir lirismo, ritmo y experimentación sonora.

“Desde mis inicios, me expreso con el mismo lenguaje. Ni mis ideas ni mi forma de tocar han cambiado. Tengo la impresión de haber aportado al nacimiento del jazz moderno más que todos los demás músicos juntos. En estas condiciones, no es muy agradable para un artista oír siempre, "Gillespie y Parker han revolucionado el jazz", cuando yo sabía que la mayoría de las ideas procedían de mí y de nadie más. Dizzy y Bird no me han aportado nada a nivel musical. No me han enseñado nada. No me enseñaron ningún acorde, ningún truco. Al contrario, fueron ellos quienes venían a verme para hacerme preguntas, para aprender algo de mí. Pero fue a ellos a quien se dio importancia. Fueron ellos quienes fueron considerados los impulsores del jazz moderno y la realidad es que, la mayoría de las veces, sólo interpretaban mis ideas. Todo partió de mis concepciones, es decir, intentar salir de las formas tradicionales de aquella época.” Thelonious Sphere Monk

“Desde mis inicios, me expreso con el mismo lenguaje. Ni mis ideas ni mi forma de tocar han cambiado. Tengo la impresión de haber aportado al nacimiento del jazz moderno más que todos los demás músicos juntos. En estas condiciones, no es muy agradable para un artista oír siempre, "Gillespie y Parker han revolucionado el jazz", cuando yo sabía que la mayoría de las ideas procedían de mí y de nadie más. Dizzy y Bird no me han aportado nada a nivel musical. No me han enseñado nada. No me enseñaron ningún acorde, ningún truco. Al contrario, fueron ellos quienes venían a verme para hacerme preguntas, para aprender algo de mí. Pero fue a ellos a quien se dio importancia. Fueron ellos quienes fueron considerados los impulsores del jazz moderno y la realidad es que, la mayoría de las veces, sólo interpretaban mis ideas. Todo partió de mis concepciones, es decir, intentar salir de las formas tradicionales de aquella época.” Thelonious Sphere Monk

Hermeto Pascoal nació en 1936 en Lagoa da Canoa, en el nordeste de Brasil, en una familia humilde de campesinos. Desde niño, la música fue su lenguaje natural: primero el acordeón, luego la flauta, el piano y además de cualquier objeto capaz de producir un sonido. Esa curiosidad lo convirtió en un alquimista sonoro. No es casual que muchos lo llamaran “O Bruxo”, el brujo, porque de su universo creativo brotaba una música capaz de transformar lo cotidiano en magia.

Su carrera comenzó en la radio y en pequeños grupos regionales, hasta que en los años sesenta integró el Sambrasa Trio y, más tarde, el Quarteto Novo, conjunto fundamental que fusionó la tradición brasileña con la modernidad del jazz. A partir de entonces, su trayectoria fue un viaje sin fronteras: colaboró con Airto Moreira, con Elis Regina, y alcanzó dimensión internacional cuando Miles Davis lo convocó para el histórico álbum Live-Evil en 1970.

Hermeto no reconocía límites. Usaba la voz, los metales, los teclados, pero también teteras, agua, juguetes, el cuerpo humano. Todo era instrumento en su búsqueda incesante. Esa libertad radical lo llevó a crear obras de una complejidad técnica y una belleza inusual, capaces de conmover tanto al oyente popular, al melómano más erudito y al músico profesional.

En este homenaje póstumo que quiero compartir con ustedes, recorreremos su camino desde los primeros registros en los años sesenta hasta sus composiciones más recientes. No será sólo una sucesión de temas, sino un retrato sonoro de alguien que hizo de la música una manera de existir. Porque en la obra de Hermeto Pascoal cada nota es vida, cada improvisación es memoria, y cada silencio, también, está lleno de música.

Hermeto Pascoal nació en 1936 en Lagoa da Canoa, en el nordeste de Brasil, en una familia humilde de campesinos. Desde niño, la música fue su lenguaje natural: primero el acordeón, luego la flauta, el piano y además de cualquier objeto capaz de producir un sonido. Esa curiosidad lo convirtió en un alquimista sonoro. No es casual que muchos lo llamaran “O Bruxo”, el brujo, porque de su universo creativo brotaba una música capaz de transformar lo cotidiano en magia.

Su carrera comenzó en la radio y en pequeños grupos regionales, hasta que en los años sesenta integró el Sambrasa Trio y, más tarde, el Quarteto Novo, conjunto fundamental que fusionó la tradición brasileña con la modernidad del jazz. A partir de entonces, su trayectoria fue un viaje sin fronteras: colaboró con Airto Moreira, con Elis Regina, y alcanzó dimensión internacional cuando Miles Davis lo convocó para el histórico álbum Live-Evil en 1970.

Hermeto no reconocía límites. Usaba la voz, los metales, los teclados, pero también teteras, agua, juguetes, el cuerpo humano. Todo era instrumento en su búsqueda incesante. Esa libertad radical lo llevó a crear obras de una complejidad técnica y una belleza inusual, capaces de conmover tanto al oyente popular, al melómano más erudito y al músico profesional.

En este homenaje póstumo que quiero compartir con ustedes, recorreremos su camino desde los primeros registros en los años sesenta hasta sus composiciones más recientes. No será sólo una sucesión de temas, sino un retrato sonoro de alguien que hizo de la música una manera de existir. Porque en la obra de Hermeto Pascoal cada nota es vida, cada improvisación es memoria, y cada silencio, también, está lleno de música.

La melodía es elemento más importante de la música, es lo que recordamos de la buena música, y aun así, es muy esquiva. Muchos compositores aseveran que la creación de una melodía viene del fondo del alma y que fluye a través del corazón. De modo que sale de uno sin que necesariamente lo desee, muchas veces es algo inconsciente. La composición en si es un trabajo inconsciente. Muchos compositores no creen que nadie se concentre en la música y componga y que las melodías vienen de un lugar más profundo, que viene del corazón. No es que el corazón componga. El cerebro ve las teclas del piano y entiende como se relacionan, pero la verdadera música viene del corazón.

La melodía es elemento más importante de la música, es lo que recordamos de la buena música, y aun así, es muy esquiva. Muchos compositores aseveran que la creación de una melodía viene del fondo del alma y que fluye a través del corazón. De modo que sale de uno sin que necesariamente lo desee, muchas veces es algo inconsciente. La composición en si es un trabajo inconsciente. Muchos compositores no creen que nadie se concentre en la música y componga y que las melodías vienen de un lugar más profundo, que viene del corazón. No es que el corazón componga. El cerebro ve las teclas del piano y entiende como se relacionan, pero la verdadera música viene del corazón.