La Recensione

L’affascinante storia del Drottingholms Slottsteater, gioiello del periodo barocco, affonda le sue radici nel XVIII secolo ed è indissolubilmente legata a quella della corte svedese. Sorge infatti all’interno del Palazzo di Drottningholm, residenza privata dei reali di Svezia. Ma, come frequentemente accade, differenti furono le fasi di vita attraversate da questo storico scrigno di suoni, e non solo... Fu realizzato per volere di Luise Ulrike di Prussia, regina consorte al fianco di Adolf Frederick di Svezia. Inaugurato nel 1754, ospitò una nuova compagnia di attori francesi, ingaggiata un anno prima, che lo avrebbe utilizzato fino al 1771. Rimasto chiuso per alcuni anni, dopo la scomparsa del sovrano, nel 1777 fu donato dalla regina Luise Ulrike a suo figlio, il re Gustavo III. Che, profondamente interessato al teatro, decretò una sua vera e propria età dell’oro. Ma, avvicinandoci ai giorni nostri, riscoperto all’inizio del Novecento, dopo un lungo periodo di inattività, nel 1991 il Drottingholms Slottsteater è designato, insieme al Palazzo che lo ospita, patrimonio culturale di importanza internazionale UNESCO. Oltre ad essere uno dei pochi teatri settecenteschi giunti fino a noi praticamente intatti, vanta la presenza di macchine di scena originali regolarmente funzionanti ed ancora utilizzate. E vive oggi una nuova vita…

From Eastern Europe dall’Europa orientale. Il titolo di questo recente album edito da Alpha Classics avrebbe potuto essere anche “dalla Russia...”, ma considerate le vicissitudini storiche si sarebbero dovuti fare dei distinguo. Comunque l’album contiene sei composizioni per violoncello e pianoforte composte nell’arco dal 1901 al 1978 da altrettanti autori che, senza ombra di dubbio, si possono considerare i maggiori compositori russi (o sovietici del xx secolo). Artisti che a seguito della cosidetta “destalinizzazione”, da soli bastano a testimoniare la crescente influenza che questo tormentato universo musicale ha avuto nell’imprimere una svolta decisiva alla musica del secondo Novecento, via via che se ne scoprivano i tesori.

Parliamo di, in “ordine di anzianità”, Sergei Rachmaninov, Igor Stravinskij, Sergei Prokof’ev, Dmitrij Šostakovič, Mieczysław Weinberg e Alfred Šnitke. Sono cinque sonate e una Suite affidate al violoncello di Marie-Elisabeth Hecker e al pianoforte di Martin Helmchen. Disco magnifico, oltre che per l’interpretazione, anche per le considerazioni suggerite dagli scarti, dalle distanze stilistiche ed espressive tra i diversi autori e tra le diverse stagioni susseguitesi nel corso di neppure ottant’anni, costellati di guerre e altre atrocità.

Nel 2016 il trombettista e compositore polacco, scomparso nel 2018, sigillò il suo connubio con lo Scandinavian Art Ensemble in due sessioni di registrazione al The Village Recordings di Copenaghen. Due album che mettono in chiaro tutta la filosofia artistica di Stanko, che qui dialoga con dei musicisti di qualche generazione più avanti rispetto a quella del trombettista, ma che accolgono nella loro dialettica musicale il lascito di Tomasz Stańko.

Sebbene il suo caratteristico lirismo e il suo tono evocativo siano inconfondibili, The Copenhagen Session lo mostra altrettanto disposto a fare un passo indietro, ad abbracciare la musica degli altri e a lasciare che un nuovo ensemble plasmi il suono.

Tutti musicisti affermati nella scena jazzistica europea, professionisti con numerose pubblicazioni alle spalle, lo Scandinavian Art Ensemble è un gruppo di musicisti di diverse nazionalità provenienti sia dai Paesi scandinavi che dalla Polonia, nato da una collaborazione al workshop jazz danese Summer Session nel 2015. Si sono incontrati per caso grazie a un interesse comune, al desiderio e all’opportunità di trascorrere una settimana creando musica insieme con Tomasz Stańko.

Qui parleremo di The Copenhagen Session Vol. 2, in uscita il 7 novembre, che chiude questo capitolo danese del trombettista di Rzeszów.

La prima volta che compare il termine madrigale in una antologia musicale di autori vari risale al 1530, quando a Roma viene stampata Madrigali de diversi excellentissimi musici. Libro primo de la serena.

Vi predomina il nome di Philippe Verdelot, ma contiene anche musiche di Costanzo e Sebastiano Festa, e di tre autori dai nomi abbreviati o incompleti come Carlo, Maistre Jan e Jac. De Tho, oltre a una famosa chanson di Clement Janequin.

Questa antologia viene sempre citata nei manuali di storia della musica per via del suo primato, ma una parte di questi madrigali si presume che non siano mai stati eseguiti perché presenti solo in questa raccolta ma privi di uno dei libri delle quattro parti vocali, quello del tenor.

Infatti, nella Biblioteca Colombina di Siviglia è conservata la parte dell’altus, mentre nella Biblioteca Statale Bavarese di Monaco esistono quelle del superius e del bassus e probabilmente è per questo che la metà dei madrigali di questa antologia sono stati dimenticati per mancanza di altri testimoni.

L’ensemble Prattica Di Musica ha registrato le musiche del Libro primo de la serena che rappresentano la prima fase della storia di questo genere vocale polifonico, e per poter eseguire quelli privi di una delle quattro voci della polifonia, il suo direttore artistico Andrea Gavagnin ha ricostruito la parte del tenor.

Il mondo dell’éntechno, un genere fondato da Milis Theodorakis negli anni Cinquanta come “éntechno laïko traghoudi” (canzone popolare d’arte) assomiglia sotto molti aspetti alla chanson à texte francese o alla canzone d’autore italiana. Rispetto a quest’ultima ci sono alcune differenze significative. Ad esempio, esistono interpreti che si dedicano quasi esclusivamente all’éntechno e al genere popolare al quale Theodorakis si ispirò, il rebetico, ma che non sono autori o autrici, come Eleftheria Arvanitaki, Melina Kaná, Eleni Tsaligopoulou, e anche Ioulía Karapataki. Poi, è frequente che in un album intestato a un certo autore/interprete siano presenti canzoni cantate da altri (anche cantautori); similmente (e di conseguenza), in un concerto di un autore/interprete alcune canzoni possono essere cantate da altri. Spesso, se l’autore/interprete è un uomo, l’altra voce è quella di una donna, ma non si tratta tanto di una corista, quanto di una co-interprete. In questo ruolo hanno iniziato la loro carriera cantanti che poi sono diventate apprezzatissime soliste, come Melina Kaná. E ora è il caso di Ioulía Karapataki, che negli ultimi anni è stata la spalla di Sokrátis Málamas, forse il cantautore più amato in Grecia dagli anni Novanta in poi. Purtroppo, la discografia greca ha subito gravissimi danni dalla crisi economica, dal Covid e dalla “piattaformizzazione” della musica, e nell’ultimo decennio le pubblicazioni di album delle figure di maggior spicco dell’éntechno sono state rarissime. Alcuni, come Málamas, sono riusciti a comunicare col loro pubblico registrando in proprio e pubblicando su YouTube, ed è lì che abbiamo conosciuto Ioulía. Adesso, a quanto pare, tocca a lei decollare da sola, affacciandosi anche alle platee internazionali: in questi giorni la si può ascoltare in Lussemburgo, ad Amsterdam, a Berlino, a Londra. E probabilmente è per questo che è stato messo insieme questo album, con un titolo che vuol dire Ioulía Karapataki all’Ogdoo, dove Ogdoo è un conglomerato mediatico greco che comprende editoria, radio, web, dischi. Ci sono quattro tracce registrate a nome di Ioulía, che sarebbero state poche per un lancio internazionale, ma qualche tempo prima Ioulía aveva prestato la sua voce in molte canzoni di un altro album pubblicato da Ogdoo, Ta Déftera, intestato a Fotis Siotas, e aggiungendo quelle ne è venuto fuori un album intero con la voce di Karapataki in primo piano. Nato forse per una furbizia commerciale, l’album comunque non ne porta tracce, perché Siotas è un ottimo giovane compositore (oltre che cantante), e l’autore dei testi è Thodorís Gkonis, quasi settantenne drammaturgo e poeta, che conferma un carattere quasi esclusivo del mondo della poesia letteraria greca, quello di amare la canzone e di prestarsi senza remore né snobismi a sostenerla. Non si tratta di “parolieri” con pretese: si tratta di letterati che pubblicano libri di poesie e che collaborano volentieri con i compositori dell’éntechno. Nel caso di Gkonis, Nikos Xydakis, Manolis Lidakis, Orfeas Peridis, Pantelis Thalassinós e molti altri. Nella musica e nei testi l’album di Karapataki guarda al rebetico non solo come fonte di ispirazione dell’éntechno, ma come una tradizione da ricreare: per chi ha amato la canzone greca negli anni Novanta e Duemila, prima della crisi, un soffio d’aria fresca.     

Splendida Collezione per tastiera di uno dei magnifici compositori del Seicento inglese proposto dall’etichetta Stradivarius con la sensibile e raffinata interpretazione di Angelica Selmo che ha curato anche le sapienti note di copertina. Ascoltare la produzione tastieristica del grande Purcell non è cosa ricorrente ed è una sorta di scoperta rilevare il grande lirismo poetico teatrale dell’autore anche in ambito di Lessons – secondo il magistrale concetto formativo inglese – cioè Lezioni che possono essere utilizzate a scopo didattico. Splendide le otto Suite che compongono il CD dedicato al grande artista barocco d’Oltremanica.

Un’occasione davvero particolare ci viene offerta da questa pubblicazione visto che si tratta di un grande pianista italiano che racconta la vicenda umana e artistica di un altro grande pianista statunitense che ovviamente ha esercitato una grande influenza sul primo. Attraverso vari capitoli che corrispondo ad altrettante incisioni si snoda un percorso che va dalle collaborazioni di Bill Evans con Miles Davis e a John Coltrane fino al trio con Scott La-Faro e Paul Motian attraverso composizioni leggendarie come Waltz for Debbie.

Il primo incontro di Corrado Augias con la musica risale alla giovinezza, quando ascoltò la Sesta Sinfonia di Beethoven, la “Pastorale”. Quel momento ha segnato l’inizio di un rapporto profondo e duraturo con la musica, arricchito dalle numerose trasmissioni realizzate per la RAI e più di recente per LA7. Questa “lunga storia d’amore” confluisce oggi nel libro La musica per me (Einaudi), un lavoro di natura “impressionistica” – scrive l’autore – che “intende dare solo degli spunti, invitare chi vorrà farlo a proseguire”. La modestia di chi in realtà conosce assai bene la grammatica dei suoni si sposa - com’è nello stile del grande giornalista e intellettuale - alla sobrietà dei toni, allo spirito critico, alla facilità di scrittura e alla costruzione drammatica del racconto: qualità che si apprezzano nella vasta produzione multimediale di un highlander della cultura italiana, a cui i 90 anni sembrano non pesare affatto, visto l’entusiasmo con cui ha deciso di condividere con i lettori le proprie passioni musicali. Nel mondo anglosassone libri come questo sono moneta corrente, spesso dei bestseller. Da noi si fa fatica, un po’ per la scarsa propensione alla lettura degli italiani (i dati dell’editoria sono deprimenti, specie se parliamo di saggistica) un po’ per il divario ancora enorme tra erudizione e banalizzazione, che penalizza la zona di mezzo. La narrazione consiste in una ventina di capitoli monografici, da Beethoven all’opera lirica (Mozart, Rossini, Verdi e Puccini), da Bach al Mozart strumentale, da Chopin a Mahler, da Cajkovskij e la grande anima russa, a Respighi e la Roma di D’Annunzio. E ancora: La Sinfonia del Nuovo Mondo, Stravinsky, Gershwin, fino a toccare l’avanguardia del secondo Novecento. Il tutto è arricchito da sottili osservazioni sulla vita musicale e sul pubblico intrecciate alle biografie dei protagonisti, mentre sullo sfondo affiorano le vicende storiche che hanno contribuito a plasmare il clima culturale in cui le opere hanno potuto nascere. La musica per me andrebbe adottato in aggiunta ai manuali istituzionali, ovunque s’insegni musica e non solo: è un’opera divulgativa di alto livello, capace di coniugare competenza, passione e chiarezza, trasformando ogni lettore in un ascoltatore più consapevole anche grazie ai numerosi suggerimenti d’ascolto che rimandano alla Rete piuttosto che a supporti fisici di difficile reperimento.

Si è tenuta, gli scorsi 20 e 21 ottobre, l’edizione 2025 del celebre Birgit Nilsson Prize, significativo lascito del celebre soprano svedese di cui porta il nome. Assegnatario, per questa edizione, il Festival d’Aix-en-Provence. Considerato il più rilevante premio nel mondo della musica classica - anche in termini economici - il Birgit Nilsson Prize viene conferito all’incirca ogni tre anni ad un artista o ad un’istituzione che abbia contribuito a scrivere un importante capitolo nella storia della musica. Lo hanno finora ricevuto Plácido Domingo, Riccardo Muti, i Wiener Philharmoniker, Nina Stemme e Yo-Yo Ma. Un riconoscimento di eccezionali risultati artistici raggiunti ma anche, per coloro che ne sono insigniti, una testimonianza della passione e della totale dedizione alla vita musicale. Lo scorso 21 ottobre, quindi, durante una suggestiva cerimonia di premiazione presieduta dal re Carlo XVI Gustavo di Svezia nella Konserthuset Stockholm, il Premio è stato consegnato al Festival d’Aix-en-Provence, “creative excellence and artistic innovation”. Protagoniste della cerimonia, accompagnata da un sontuoso concerto, anche le voci di Matilda Sterby, Daniel Johansson e Peter Mattei, insieme a Royal Swedish Opera Chorus e Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, sul podio Susanna Mälkki. 

Esagerando, ma non tanto, si potrebbe dire che l’affermazione del clarinetto (fine ‘700) è nella storia dell’orchestra altrettanto importante quanto l’avvento del pianoforte nella musica da camera e per tastiera. Tra Classicismo e Romanticismo, il clarinetto, soprattutto grazie a Mozart, Weber e poi Brahms, è stato incoronato re dei legni, soppiantando flauti, oboi, fagotti. Gabriele Mirabassi è uno dei migliori clarinettisti italiani, e di sicuro il più versatile e abile a scavalcare e ingarbugliare i confini fra generi musicali diversi. Intorno a me. edito da Promu Label, è il suo album più recente. Questo titolo autoreferenziale è in realtà per varie ragioni autobiografico. Ce lo spiega lui stesso, quasi come una confessione, nelle note di commento al disco. Musicista inquieto, stilisticamente girovago, come clarinettista Mirabassi sa bene che il repertorio solistico di questo strumento è privilegiato rispetto agli altri legni. Per un solista, la via maestra in genere è dedicarsi al proprio strumento e al suo repertorio, facendone il fine della propria attività artistica. Invece, confessa Mirabassi, «Non sono mai riuscito a fare del clarinetto un fine». E quindi a confinarsi per così dire in un recinto di pagine fra cui una manciata di capolavori assoluti e, poi a discendere, diverse belle pagine, ma soprattutto tantissime composizioni dimenticabili che in fin dei conti piacciono solo a chi quello strumento lo suona. Per il nostro, il clarinetto è piuttosto uno strumento per fare musica tout court, che parli a tutti. Ecco quindi il suo Wandern, ed ecco questo album con quattro recenti composizioni per clarinetto e archi mai uscite su disco, quattro “concerti” (idealmente se non letteralmente). Sono pagine firmate da quattro compositori molto diversi fra loro per formazione e ambito di attività ma tutti “complici” di Mirabassi nelle sue scorrerie: Germano Mazzocchetti, Marcello Fera, Pietro Leveratto e lo stesso Mirabassi.