La Recensione

La Discography of American Historical Recordings è un database di master realizzati da case discografiche americane durante l’era dei 78 giri. Il progetto è parte dell’American Discography Project (ADP), un’iniziativa dell’Università della California di Santa Barbara. Le schede della DAHR descrivono le registrazioni realizzate da Columbia, Gramophone Co., OKeh, Zonophone, Decca, Victor, e numerose etichette minori.

La DAHR include informazioni su oltre 445.000 matrici ed è un lavoro che viene aggiornato costantemente. Grazie alla partnership con il National Jukebox della Library of Congress, 11.000 incisioni realizzate da Victor e Columbia tra il 1897 e il 1925 possono essere ascoltate in streaming online. Il sito copre un repertorio vastissimo a testimonianza della vitalità di un’industria che a inizio secolo muoveva i primi passi e che, nonostante i limiti imposti dalla tecnologia meccanica (la registrazione elettrica sarebbe stata disponibile solo a partire dal 1925), riscosse un successo planetario proprio a partire dal Nuovo Continente dove ogni comunità etnica aveva a disposizione un ampio catalogo di dischi e cilindri prodotti in loco con il marchio ethnic music. La DAHR, infatti, è una miniera non solo e non tanto per quel che riguarda il materiale americano, parte del quale è sopravvissuto ai mutamenti tecnologici restando disponibile sia su supporto fisico sia sulle piattaforme di streaming, ma soprattutto per le registrazioni mirate alle varie comunità in un’epoca in cui si stava formando il classico “melting pot”. La ricerca è facilitata da filtri che consentono di restringerla a luoghi, lingue, categorie (strumentale, vocale, parlato, fischio) e nazionalità. Scegliendo “Italian” si possono scegliere incisioni in Abruzzese, Barese, Genovese, Napoletano, Piemontese e Siciliano. Fra gli artisti rappresentati troviamo i divi della diaspora: Eduardo Migliaccio (“Farfariello”), Gilda Mignonette, Paolo Citarella, i fratelli Guido e Pietro Deiro, I Quattro Siciliani, oltre a una lunga lista di voci liriche che hanno diffuso il melodramma nel Nuovo Mondo (Alessandro Bonci, Enrico Caruso). Approfondendo “Swiss”, ci troviamo di fronte a centinaia di titoli compresi fra il 1917 e il 1946, da O Schweizerland, O Schweizerluft cantata dal tenore Fritz Zimmermann alla marcia Die Wacht am St. Gotthard eseguita dalla Schweizer Militärkapelle, entrambe scaricabili. Accanto a curiosità rimaste sepolte in soffitta, il sito comprende registrazioni di tutti gli artisti famosi che hanno fatto la storia del jazz, del gospel, della classica, dell’opera, del country e della popular music. Navigare nel sito della DAHR è fare un viaggio nel tempo, immergersi nella musica che andava per la maggiore cento e più anni fa, radicalmente diversa non solo in sé e per come suonava, ma per come le gerarchie dei generi fossero capovolte, facendo tuttavia presagire le commistioni che avrebbero caratterizzato il futuro della musica registrata, sotto il segno di McLuhan: il medium è il messaggio.

Dedicare il secondo album per Sony Classical alle Suite per violoncello solo di Bach denota grande coraggio. Ma anche profonda consapevolezza delle proprie potenzialità. Interprete, la giovane violoncellista russa Anastasia Kobekina, un concentrato di talento, freschezza e musicalità di cui sentiremo sempre più parlare. «Forse non ci sono ancora tante registrazioni delle Suite per violoncello di Bach quante sono le stelle nel cielo, ma sono sicuramente tanti i modi di interpretare questa musica monumentale […]», afferma a proposito di questa “ambiziosa” intrapresa. Il suo approccio a queste celebri pagine è travolgente.
Facilità tecnica, spontaneità, eleganza, gusto del suono e una ben misurata libertà restituiscono sapientemente quel «linguaggio astratto, architettonico, razionale, logico e allo stesso tempo passionale, emotivo e profondamente personale», da cui è da sempre affascinata.
Con lei in questa registrazione due Stradivari, il De Kermadec Bläss, 1698, e il Bonamy Dobrée Suggia, 1717, e un violoncello piccolo, Mittenwald, 1800. Insieme a 5 archetti barocchi e 13 corde di budello.

La storia musicale degli ultimi cento anni abbondanti bisognerà (o bisognerebbe, almeno) riscriverla non più limitandosi a raccontare la cosiddetta “musica contemporanea”, ma tenendo conto del ruolo cruciale, imprescindibile, che jazz e popular music hanno avuto nel rivoluzionare la vita e la cultura musicale di miliardi di persone, ma diciamo pure del mondo intero. In questa prospettiva, ci sono autori che riemergono come pietre miliari, dopo che per alcuni decenni, un’avanguardia a conduzione autro-tedesca che si era intestata il futuro li aveva guardati con sufficienza (o con astio, addirittura), come marginali, epigoni fuori dalla storia.

Non solo Stravinsky e Debussy, che fin dal principio sono stati visti come pietre miliari, ma diversi altri, specie francesi, quasi a tracciare un “asse franco-russo” alternativo al supposto mainstream prima viennese e poi postweberniano. Fra i vari nomi svetta Ravel, autore innamorato del jazz e a sua volta, forse ancor più di Debussy, ammirato e analizzato instancabilmente dai maggiori jazzisti. C’è una vasta letteratura ormai che si occupa di tali questioni e alcune delle nuove uscite discografiche che si susseguono in occasione dei centocinquant’anni dalla nascita dell’autore del Boléro, ribadiscono questa sorta di affinità elettiva. Ultimo arrivato è un album Harmonia Mundi, intitolato Ravels, proprio così al plurale. Il Quatuor Debussy, oltre a riproporre il Quartetto in Fa (da loro già inciso una ventina d’anni fa), si avventura sul terreno della trascrizione di cui Ravel fu maestro “supremo”: Ma mère l’oye, trascritta ovviamente per quartetto e Le Tombeau de Couperin in cui ai quattro archi si aggiungono le improvvisazioni di un jazzista navigato come il vibrafonista Franck Tortiller. Una bella scommessa, se vinta o persa, solo l’ascolto lo può dire.

Non è che non ce ne fossero in circolazione di documentari sulla straordinaria vita di Herman Poole Blount, meglio noto come Sun Ra. Ma fa sempre bene ricordare quello che può definirsi un genio della musica, del jazz in particolare, che ha ispirato un considerevole numero di musicisti trasversalmente intesi nella classificazione musicale; così anche per rimembrare un periodo storico non particolarmente luminoso per le politiche interne degli Stati Uniti d’America.

Sun Ra con la sua band, l’Arkestra, ha ampliato i confini del free jazz, ha lasciato il suo segno sugli standard, tanto da essere ispirato a improvvisare e destrutturare Over The Rainbow e ha tentato incursioni anche nella musica elettronica. Fautore di un’embrionale comunità di musicisti, l’uomo venuto da Saturno era un’anomalia nel mondo del jazz dell’epoca, perché non beveva, non fumava ed era monogamo.

A descriverci tutto ciò arriva in cabina di regia Christine Turner, esperta nell’affrescare ritratti intimi e personali. Nel suo palmarès troviamo: J’Nai Bridges: Unamplified, sul mezzosoprano vincitore di un Grammy, Lynching Postcards: Token of a Great Day (Firelight Films, Paramount+), candidato al Peabody Award, finalista all’Oscar e vincitore del NAACP Image Award; il documentario acclamato dalla critica Homegoings, su un famoso direttore di pompe funebri di Harlem e altri lungometraggi degni di nota. Insomma, una regista d’esperienza e di comprovate capacità che ha ben descritto – in un’ora e trenta minuti – la vita di Sun Ra e la sua musica: anche se per quest’ultima sarebbe stato necessario molto più tempo, sia per ascoltarla che per parlarne.

In questo disco l’ensemble Concerto Soave mette a confronto alcuni mottetti a voce sola di due compositori francesi vissuti a cavallo tra XVII e XIII secolo, André Campra e Nicolas Bernier, e in particolare quelli basati sui versi del salmo Venite, exultemus.

Si tratta della tradizione dei cosiddetti “motets à petit effectif” o “petits motets” che venivano eseguiti in chiesa con un piccolo organico nei momenti più intimi della messa, come per esempio nell’elevazione, o nella liturgia delle ore per i vespri. I mottetti di Campra e di Bernier sono un esempio dell’influenza dello stile musicale italiano della cantata nel repertorio della musica sacra francese.

I Tortoise (si pronuncia “tordis”, e vuol dire “tartaruga di terra”) sono un gruppo nato a Chicago nel 1990. A partire dal 1994 hanno pubblicato otto album: l’ultimo, Touch, esce ora a nove anni di distanza da quello precedente. I critici musicali sono concordi nell’attribuire loro un’influenza determinante sullo sviluppo del genere del post-rock (qualunque cosa sia), e molti accreditano un’origine eclettica che combina krautrock, minimalismo e jazz. Basterebbe e avanzerebbe per dedicare interamente queste righe alla superficialità dell’uso che certi critici fanno delle etichette di genere: “krautrock” è il solito attributo etnocentrico che troppi statunitensi usano disinvoltamente per riferirsi a prodotti culturali europei (come “spaghetti western” o “spaghetti rock”) che ritengono in origine “cosa loro”; l’uso di “minimalismo” per riferirsi a una musica genericamente ripetitiva è proprio di chi non sappia (minimamente…) che cosa sia il minimalismo; “jazz” è un riferimento così ampio da perdere qualsiasi utilità definitoria. Ma sì, certo jazz c’entra, in particolare quello degli album di Miles Davis a cavallo fra anni Sessanta e Settanta, nei quali la registrazione e la post-produzione (a cura di Teo Macero) contribuivano in modo decisivo alla micro- e alla macrostruttura dei brani, introducendo riff e altre strutture ripetitive che non erano state suonate, ma montate su nastro; e c’entra anche quella che in italiano si è sempre chiamata “musica cosmica tedesca”, basata su suoni sintetici e sequenziatori. Quanto al post-rock, l’etichetta presenta tutti i limiti dei post-qualcosa (viene in mente uno slogan di qualche anno fa: “sarò una post-femminista quando vivrò in una società post-patriarcale”), dove il “post” significa contemporaneamente collegamento e separazione. Un gruppo musicale che suona in metri additivi intricati, ma che non si vuole paragonare ai “vecchi dinosauri” del progressive rock, è ottimo per fondare una corrente post. La verità è che i componenti del gruppo, professionisti e con esperienze in gruppi sperimentali come Gastr del Sol (considerati esponenti del math-rock, una forma epigonale del progressive), furono pionieri fin dall’inizio degli anni Novanta della registrazione su hard disk, una tecnica che consentiva loro di governare la complessità delle sovraincisioni, dei montaggi, delle stratificazioni di materiali. Cosa che hanno continuato a fare fino a quest’ultimo album, servendosi naturalmente delle tecnologie attuali, anche se non sono più un gruppo di appassionati che convivono a Chicago, ma sono dispersi in zone lontane degli Stati Uniti e si scambiano file in rete. Va detto, però, che i Tortoise non sono quel tipo di nerd che mette insieme musica sulla tastiera di un laptop, ma sono molto apprezzati per come suonano dal vivo, il che rende raccomandabile la loro prossima tournée europea, che toccherà in gennaio anche Svizzera e Italia.  

Elisabetta Pani, pianista e saggista, esperta di Ottocento tedesco e in particolare di Robert Schumann, ci offre una lettura sull’autore inedita e interessantissima. Passando da Jean Paul Richter, Hoffmann, Schlegel, Goethe e la ricca letteratura del tempo – che condizionò, rapì e scolpì l’espressione schumanniana – possiamo ripercorrere quel magnifico tormento che l’autore visse per tutta la sua esistenza creativa nel dubbio se essere prima poeta o prima musicista. Attraverso una bella selezione del testo Dichtergarten, sapientemente tradotto dall’autrice, ci inoltriamo nell’abisso schumanniano per comprendere quel respiro spezzato e immenso della parola poetica che si fa musica, quel repertorio che ancora oggi, misteriosissimo, ci avvolge durante l’ascolto dell’opera del Maestro.

Un’occasione davvero particolare ci viene offerta da questa pubblicazione visto che si tratta di un grande pianista italiano che racconta la vicenda umana e artistica di un altro grande pianista statunitense che ovviamente ha esercitato una grande influenza sul primo. Attraverso vari capitoli che corrispondo ad altrettante incisioni si snoda un percorso che va dalle collaborazioni di Bill Evans con Miles Davis e a John Coltrane fino al trio con Scott La-Faro e Paul Motian attraverso composizioni leggendarie come Waltz for Debbie.

Il canto legittimo (legitimate singing o semplicemente legit) è quello che in Inghilterra chiamano il canto classico o lirico se preferite. Ed è alla base dell’apprendimento di chi vuole intraprendere la carriera di cantante, in un paese dove le differenze fra “alto” e “basso”, fra opera e pop, non sono così nette né importanti anche grazie alla popolarità raggiunta dai nuovi musical, che negli ultimi decenni hanno favorito l’integrazione di sonorità classiche e rock. Canto Legittimo. Il cantante di Crossover dall’Operatic Pop al Symphonic Metal (Volontè) è il primo libro che affronta sistematicamente storie e fenomenologia di questo stile di canto, il quale altro non è che l’evoluzione del bel canto adattato alle tecnologie e ai gusti contemporanei, il cui risultato più eclatante è di aver promosso la creazione di due generi ibridi: il pop operistico e il metal sinfonico. L’autrice è Chiara Petrelli, soprano lirico e insegnante di canto con alle spalle esperienze che spaziano dalla musica colta al rock. Il volume si offre anzitutto come un manuale per imparare una tecnica antica che ha dovuto aggiornarsi. Perciò, dopo un’ampia introduzione storica e terminologica, il suo cuore sono i numerosi consigli ed esercizi su pentagramma che consentono all’allievo di allenarsi in proprio. Un utile glossario infine spazia dalla musicologia alla fisiologia e illustra con chiarezza termini in uso agli addetti ai lavori, come appoggio respiratorio, belting, canto declamato, canto amplificato e non, consonanza di petto e di testa, oltre a descrivere le varie sezioni della cartilagine e spiegarci a cosa servono i muscoli che interessano l’apparato fonatorio. Pur evitando di confrontarsi con le molte diatribe estetiche e musicologiche che hanno diviso la critica da quando questi generi crossover sono apparsi sul mercato, Petrelli guarda con ottimismo al fenomeno, “specchio dei tempi” direi, quando nelle conclusioni afferma che questi stili funzionano da filtro, ovvero consentono di rendere più alla portata di orecchie moderne cose che al primo ascolto potrebbero non essere di immediata comprensione. Dunque, ben vengano le contaminazioni se aiutano ad allargare gli orizzonti. 

L’affascinante storia del Drottingholms Slottsteater, gioiello del periodo barocco, affonda le sue radici nel XVIII secolo ed è indissolubilmente legata a quella della corte svedese. Sorge infatti all’interno del Palazzo di Drottningholm, residenza privata dei reali di Svezia. Ma, come frequentemente accade, differenti furono le fasi di vita attraversate da questo storico scrigno di suoni, e non solo... Fu realizzato per volere di Luise Ulrike di Prussia, regina consorte al fianco di Adolf Frederick di Svezia. Inaugurato nel 1754, ospitò una nuova compagnia di attori francesi, ingaggiata un anno prima, che lo avrebbe utilizzato fino al 1771. Rimasto chiuso per alcuni anni, dopo la scomparsa del sovrano, nel 1777 fu donato dalla regina Luise Ulrike a suo figlio, il re Gustavo III. Che, profondamente interessato al teatro, decretò una sua vera e propria età dell’oro. Ma, avvicinandoci ai giorni nostri, riscoperto all’inizio del Novecento, dopo un lungo periodo di inattività, nel 1991 il Drottingholms Slottsteater è designato, insieme al Palazzo che lo ospita, patrimonio culturale di importanza internazionale UNESCO. Oltre ad essere uno dei pochi teatri settecenteschi giunti fino a noi praticamente intatti, vanta la presenza di macchine di scena originali regolarmente funzionanti ed ancora utilizzate. E vive oggi una nuova vita…