La Recensione

Questa messa natalizia a quattro voci, flauti e archi della fine del Seicento è una delle composizioni più note ed eseguite di Marc-Antoine Charpentier per il suo carattere gioioso derivato dalla utilizzazione da parte del compositore di melodie di origine popolare.

Il disco dell’ensemble Marguerite Louise diretto da Gaétan Jarry contiene anche diversi “Noëls sur les instruments”, ossia trascrizioni strumentali di canti per la natività che fanno parte dell’immaginario devozionale popolare della cultura francese sulle quali è costruita la messa, oltre al Dixit Dominus e al grande mottetto Dialogus inter Angelos et Pastores Judae in Nativitatem Domini, uno splendido oratorio per soli, coro e orchestra.

Le voci soliste di questa rappresentativa selezione delle musiche sacre di Charpentier sono Caroline Arnaud (dessus), Romain Champion (haute-contre), Mathias Vidal (taille) e David Witczak (basse).

Sessantaquattro testi di canzoni tutte dello stesso autore, Bob Dylan (con tre collaborazioni), riuniti in un volume di 366 pagine, abbastanza piccolo da stare in una borsa o nella tasca di un giaccone. Ovvero Bob Dylan-64 Lyrics, il volume curato da Alessandro Carrera e Carlo Feltrinelli, con i testi originali e, a fronte, le traduzioni in italiano. L’editore è Crocetti, in un’importante collana di poesia. Giusta la scelta di mantenere il titolo in inglese: “liriche” sarebbe stato penoso, sulla scia del giornalismo musicale più provinciale che parla di poesia a sproposito e ignora i “falsi amici” fra inglese e italiano (“liriche” non è la traduzione di lyrics!), “testi” sarebbe suonato burocratico (e con Dylan bisogna stare attenti a come suonano le parole), “canzoni” sarebbe stato troppo, perché nel libro ci sono i testi, ma non le musiche. Quelle bisogna immaginarle. Del resto, i volumi contenenti testi, traduzioni e note per una gran parte delle canzoni di Dylan, curati e tradotti da Carrera e pubblicati tra il 2016 e il 2021 da Feltrinelli, si intitolano Lyrics; questa è una selezione, sulla base del gusto dei curatori, e sempre con le traduzioni di Carrera. Alessandro Carrera, che insegna all’Università di Houston, è uno dei più accreditati studiosi di Dylan; Carlo Feltrinelli, figlio di Giangiacomo, è il ben noto editore, oltre che un fan incontenibile del singer-songwriter statunitense, che ha seguito in decine di concerti in giro per il mondo. Scrivono, nella breve ma ricca “Prefazione”, che avrebbero potuto scegliere altre sessantaquattro canzoni, e poi ancora altre sessantaquattro, e tutte le raccolte sarebbero state altrettanto rappresentative.

Chi ama le canzoni di Dylan qui troverà quasi tutte le sue preferite: quasi, ovviamente. Le traduzioni di Carrera seguono criteri diversi a seconda del materiale: alcuni testi sono tradotti in rima e rispettando il ritmo dei versi originali, altri sono tradotti quasi letteralmente, là dove la complessità del testo sarebbe stata sacrificata dalle esigenze di una traduzione ritmica, altri ancora sono una via di mezzo, con passaggi strategici in rima ma una sostanziale libertà metrica. Carrera accenna anche a qualche piccola revisione rispetto alle traduzioni pubblicate nei tre volumi di Lyrics: ripensamenti su qualche ambiguità, a testimoniare che il lavoro del traduttore non finisce mai. Ad esempio, in When I Paint My Masterpiece (l’ultima canzone della raccolta) Dylan dice muscles (muscoli) o mussels (cozze), a proposito delle ragazzine che lo accolgono all’aeroporto di Bruxelles? Si stirano i muscoli delle braccia acclamandolo vigorosamente, o, chissà, tirano fuori dei cartocci di moules marinières? Quello che importa a Dylan, probabilmente, è che entrambe le parole rimino perfettamente con Brussels, indipendentemente dal significato. E poi, ci ricordano Carrera e Feltrinelli, Dylan da giovane, rispondendo alle domande di chi gli chiedeva se apprezzasse alcuni dei più famosi poeti di lingua inglese, aveva risposto che i loro versi “non cantavano”. Avrà avuto ragione?

Comunque, 64 Lyrics, lo abbiamo provato, è un compagno di viaggio eccellente: su un autobus o un treno affollato, mentre quasi tutti gli altri passeggeri hanno la testa china sul loro cellulare, uno apre un testo a caso di Dylan, ascolta mentalmente la musica, e il tempo del viaggio vola.  

Doppia gioia per l’ultimo lavoro della casa discografica Stradivarius che propone alcuni bellissimi Lieder di Brahms (op.91; op.121; op.43; op.105) accostati agli splendidi Rückert Lieder di Mahler con dei veri fuoriclasse dell’interpretazione: Sara Mingardo, Danusha Waskiewicz e Aldo Orvieto; e seconda immensa gioia, un saggio mirabile ed esaustivo (come potrebbe non essere!) di Quirino Principe che festeggia in questo modo i suoi primi novant’anni! Generoso come sempre il grande musicologo non lesina dati e informazioni sui suddetti lavori trasformando quelle che normalmente sono “note di copertina” in un saggio vero e proprio sui capolavori dei due grandi Maestri.

Questo è l’ultimo lavoro del gruppo ungherese di tambura Söndörgő nel quale si celebra il loro trentesimo anniversario. Un album che si apre con la prima delle Variazioni Goldberg di Bach e prosegue presentando brani di repertorio e in qualche caso utilizzando registrazioni live che spaziano nella musica popolare balcanica utilizzando anche un linguaggio improvvisativo jazzistico. Un’ottima occasione per fare la conoscenza dei fratelli Eredics, Áron, Benjamin e Salamon aiutati dal cugino Dávid Eredics e da Ábel Dénes.

Questa non è una discoteca (Edizioni Interno 4) di Roman Kozak racconta la storia del CBGB, storico locale del Lower East Side di New York, culla del punk e della new wave. Nato come spazio dedicato a country, bluegrass, blues e musica per buongustai, divenne invece il punto nevralgico della scena rock più grezza e innovativa della città. Hilly Kristal, il proprietario, credeva nei giovani musicisti e offrì loro un luogo in cui esprimersi liberamente, nel cuore della Bowery degli anni Settanta fra degrado e bohème. Il libro fornisce una testimonianza diretta della New York post-Velvet Underground e pre-punk, descritta come sporca, pericolosa e brulicante di creatività. Il CBGB, locale proletario e malmesso, divenne il trampolino di lancio per band destinate a fare la storia: Television, Blondie, Ramones, Talking Heads, Patti Smith, Dead Boys e molte altre. La stampa specializzata ne riconobbe presto l’importanza, salutando il punk come una rottura necessaria rispetto al rock iper-commerciale del periodo post-hippie. Il termine “punk” venne adottato per indicare l’estetica scarna e provocatoria di una scena nata a New York, che trovò poi nella Londra dei Sex Pistols la spinta mediatica decisiva. Con gli anni Ottanta il locale divenne centro anche della scena hardcore, continuando a ospitare nuove generazioni di musicisti come Sonic Youth. Il CBGB chiuse l’11 ottobre 2006 con un concerto di Patti Smith, e il libro si conclude ricordando anche le band italiane che vi suonarono, come Negazione e Raw Power. È trascorso mezzo secolo da quegli anni e il libro è un’occasione unica per riscoprire un capitolo fondamentale della storia della musica alternativa. 

L’anno 2025 che ormai volge al termine ha segnato, tra le altre “ricorrenze musicali”, l’ottantesimo anniversario della nascita della leggendaria violoncellista di origine britannica Jacqueline du Pré. Ad onorarne il ricordo, in un documentario dal titolo “Jacqueline du Pré: Genius and Tragedy”, per la regia di Matthew Percival, le testimonianze della star del violoncello Yo-Yo Ma, che oggi suona lo Stradivari “Davidov” del 1712 a lei appartenuto, voce narrante, ma anche celebrità del mondo musicale internazionale tra cui Daniel Barenboim, Itzhak Perlman, Pinchas Zukerman, Zubin Mehta, Sheku Kanneh-Mason e John Barbirolli. Un documentario, la cui prima svizzera è stata presentata durante l’ultima edizione del Verbier Festival, che, scavando negli archivi cinematografici originali, racconta la sua storia e perché fosse una musicista tanto straordinaria. Un omaggio all’eredità violoncellistica, alla spontaneità e al genio di Jacqueline du Pré, scomparsa all’età di soli 42 anni. Ma anche una toccante riflessione sulla fragilità della condizione umana. 

Sono passati 33 anni da quando Frank Zappa se ne è andato. Eppure, gli album di tributo alla sua musica continuano a crescere. Se non il grande pubblico, c’è una piccola schiera di musicisti e di appassionati perfettamente consapevoli, al di là dell’immagine ingombrante, stereotipata e fuorviante di questo musicista, di quale sia il valore della sua eredità musicale. Doctor Delta è un duo, nuova creatura di Giorgio Casadei, un musicista che da decenni prosegue la sua ricerca originalissima e imprevedibile sulla musica di Frak Zappa. Il duo nasce nel 2020 dall’incontro di Casadei con Alice Miali, giovane cantante e chitarrista. E dopo un paio di album usciti per la Slow Dog Records, l’etichetta creata da Casadei appositamente per la propria musica, ecco che nel corso della sua navigazione, com’era inevitabile, il che duo si trova davanti appunto il promontorio Zappa. Il risultato è Doctor Delta Play Zappa. Hydrogen and Stupidity, idrogeno e stupidità, in sintonia con la convinzione del compositore di Baltimora che proprio la stupidità sia l’elemento più diffuso nell’universo e non l’idrogeno come affermano gli scienziati.

Hydrogen and Stupidity è un distillato di Zappa, come fosse un’equazione ridotta ai minimi termini, ma al tempo stesso una è metamorfosi, tanto imprevedibile, quanto rigorosa nella sua riscrittura. Chitarre di ogni tipo, sovraincisioni, un piccolo, azzeccatissimo arsenale di strumenti insoliti e, soprattutto, una verve musicale irresistibile, per colorare 13 tracce di una musica nemica di ogni banalità.

È difficile che, nella sua vita artistica, un pianista non si misuri in solitudine con il proprio strumento. La bellezza di tale singolar tenzone arriva – quasi sempre – forte al cuore (e al cervello) dell’ascoltatore, che apprezza le linee disegnate, le armonie costruite, le parole non dette, i silenzi e le pause ponderate. Da tale sfida, da tale amoroso rapporto, spesso viene fuori il meglio dell’artista.

Non si sono tirati indietro da tale cerimonia, da ultimo, Sun Hee You, Antonio Faraò e Adam Forkelid, che meritano una speciale menzione, visto che anche altri – recentemente – hanno generato opere solipsistiche, non sempre meritevoli d’attenzione.

Sun Hee You, dai natali coreani ma residente a Roma da tempo, è un vero e proprio talento della musica classica, con una particolare predisposizione anche per l’improvvisazione, che ha generato un bellissimo disco dal titolo Circle (pubblicato l’1 dicembre dalla Piano Classics) che mette insieme le musiche di Hyung-ki Joo e quelle di un inaspettato compositore di classica che risponde all’ingombrante nome di Billy Joel.

Antonio Faraò è musicista ben noto nel mondo del jazz internazionale, sia per le sue composizioni, tanto quanto per la inossidabile tecnica e la sua interpretazione impeccabile. Kind Of…, pubblicato dalla Notes Around Ag qualche mese fa, è il primo disco in piano solo del pianista italiano. Faraò declina il suo personale verbo e lo fa magnificamente, tra originals e standard eccellenti.

Da Stoccolma arriva il terzo autore, che porta con se bei doni, visto che Dreams, pubblicato il 24 ottobre di quest’anno dalla Prophone Records: un sogno di nome e di fatto quello tessuto da Adam Forkelid, distribuito in sette perle aggraziate dal suo amato Fazioli F278.

Il CD-book “La Zagala más hermosa” dell’ensemble Capella Sanctae Crucis diretto da Tiago Simas Freire è dedicato al repertorio musicale contenuto in uno dei manoscritti appartenuti al Monastero della Santa Croce di Coimbra che sono conservati nella Biblioteca dell’Università della città portoghese. Il titolo si riferisce al canto polifonico profano anonimo sul quale è costruita l’omonima messa parodia dedicata alla vergine Maria presente nello stesso manoscritto insieme ad altre musiche.

La pubblicazione fa parte del progetto di ricerca “Mundos e Fundos” dell’Università di Coimbra dedicato alla valorizzazione del patrimonio musicale del monastero che è stato un importante centro religioso, culturale e artistico nella storia del Regno di Portogallo. L’edizione in quattro lingue contiene testi di Simas Freire, Paulo Estudante e Sonia Duarte, che approfondiscono e inquadrano da diversi punti di vista questa interessante collezione che rappresenta una parte ancora relativamente poco conosciuta della storia della musica del Portogallo del XVII secolo.

Yasmine Hamdan è una cantante, autrice, compositrice, produttrice libanese. I Remember I Forget è il suo terzo album da solista (se si esclude qualche riedizione di album già pubblicati), ed è uscito a otto anni di distanza da quello precedente. Le registrazioni sono avvenute a Parigi, dove ora Hamdan risiede insieme al marito, il regista e attore palestinese Elia Suleiman. La carriera musicale di Yasmine Hamdan inizia a Beirut nel 1997, con il duo Soapkills (insieme a Zeid Hamdan, che non è parente), pioniere in Medio Oriente della musica basata su sintetizzatori, quella che negli ambienti della critica pop viene chiamata electronica. Le recensioni, molto positive, dell’ultimo album parlano di arab contemporary music, dove il carattere arabo è evidente soprattutto nel canto e in qualche assolo strumentale, mentre l’accompagnamento è fortemente legato al suono dei sintetizzatori e alle ripetizioni generate da sequencer e loop. Per chi non frequenta abitualmente la popular music mediorientale, ma ha qualche ricordo di altre epoche della musica transnazionale, il collegamento inevitabile è a certe produzioni dei primi anni Ottanta, nelle quali voci melismatiche del Maghreb o del Medio Oriente venivano sovrapposte a una base pop, come soprattutto nell’album di Brian Eno e David Byrne My Life in the Bush of Ghosts, dove, in una traccia, una cantante libanese (che coincidenza…) era accompagnata da una sezione ritmica reminiscente dei Talking Heads (che si trattasse di una cantante, Dunya Younes, e non di una “Lebanese mountain singer” come c’era scritto sulla copertina dell’album lo si seppe molto tempo dopo…). Quella traccia, è stato detto, creava il sound della world music in anticipo di qualche anno sulla creazione dell’etichetta di genere. Ma nel lavoro di Yasmine Hamdan c’è ben poco della casualità estetizzante di quegli approcci alle musiche del mondo o di tutti i giorni (nel famoso album di Eno e Byrne le registrazioni accompagnate in studio da basi new wave contenevano un po’ di tutto): è la voce di Hamdan che ascoltiamo, insieme agli strumenti che lei stessa ha suonato, e soprattutto i testi delle canzoni sono tratti da vari repertori della tradizione araba, dalla muwashshah, la prima forma strofica della poesia araba nata in al-Andalus (la parte della penisola iberica arabizzata) nell’undicesimo secolo, a certe strofe cifrate con cui le donne palestinesi, ancora in epoca ottomana, comunicavano segretamente con i loro uomini imprigionati dai turchi. Insomma, sotto (o sopra) una patina elettronica ci sono in questo album canzoni che raccontano la storia, e anche la storia personale dell’autrice e cantante, nata a Beirut, poi trasferitasi con la famiglia in Kuwait, poi da lì sfuggita all’invasione irachena, poi rientrata a Beirut, e infine – dopo il Covid e la tremenda esplosione nel porto della città libanese – approdata a Parigi. «Ho vissuto questa esperienza di esilio», ha detto in un’intervista a The National, «che mi ha segnato profondamente… quando siamo tornati in Libano non ho pensato di tornare nel mio paese, ma nel posto da cui venivano i miei genitori, i miei parenti, e dove avevo legami emotivi».