La Recensione

È stato uno degli scritti più significativi della storia del pensiero musicale dell’Ottocento stabilendo - in un momento cruciale e delicato sotto il profilo geopolitico - i valori più autentici dell’estetica in musica: il bello musicale di Eduard Hanslick. Pubblicato in italiano solo nel 1945, data certamente significativa, il testo nato nel 1854 portò rivoluzione di pensiero ed espressione. Viene ora riproposto dalla casa editrice Orthotes, che ama ripescare nel passato i lavori storici della nostra cultura ( onore al merito) e lo ripropone con una importantissima Introduzione di Mariangela Donà.

Importante giornalista e critico Adriano Mazzoletti è stato uno dei principali sponsor del jazz in Italia e ne è un’ulteriore prova questo terzo volume dal titolo “Il jazz in Italia. Dagli anni Sessanta al Terzo millennio”: un periodo particolarmente intenso sia per festival che per musicisti che si sono fatti strada non solo nel panorama italiano. Un’occasione per ricordarne qualcuno e riascoltare le loro incisioni.
 

Esiste un’altra America, più convenzionale, sviluppatasi nel solco della tradizione in contrasto con quella più nota e innovativa che ha generato le commistioni col jazz e il folklore (Gershwin, Copland), la sperimentazione più anarchica (Ives, Cage), i seguaci dell’avanguardia europea (Babbitt, Adams), il minimalismo e altro ancora. American Dream, pubblicato dall’etichetta Alpha, presenta lavori di tre figure (due compositrici, un compositore) di cui poco o nulla si sa e che vale la pena di scoprire. Le biografie artistiche di Amy Beach, Dana Suesse e Victor Babin non hanno che pochi punti in comune. Amy, vissuta tra il 1867 e il 1944, fu attiva in particolare a inizio Novecento e in vita godette di una discreta fama sia come pianista che come autrice, impegnata su questioni sociali che interessavano le donne e l’educazione musicale. Dana, vissuta tra il 1909 e il 1987, operò a cavallo tra la sala da concerto e il cinema producendo colonne sonore e popular songs. Per lei fu coniato l’appellativo di “girl Gershwin”. Victor (1908-72), di nazionalità russa, emigrò negli anni Trenta e si affermò come pianista la cui reputazione resta legata al duo formato con la moglie Viktoria Vronskaya. In questo “sogno americano” ci troviamo dunque in un ambiente familiare, dove atmosfere tardo-romantiche dialogano con la già consolidata tradizione della musica da film di Hollywood. Ma c’è di più: intanto l’album presenta tre composizioni per due pianoforti, di cui due sono concerti per pianoforte e orchestra. Poi, come osserva Arthur Ancelle - autore del libretto oltre che esecutore insieme a Ludmila Berlinskaya - tutte e tre le opere sono composte da quattro movimenti e terminano nella tonalità di mi maggiore. E altre ancora sono le concomitanze, dai finali velocissimi al fugato che compare in tutte e tre le composizioni. Verrebbe da dire che, dopo aver celebrato a senso unico i prestiti verso l’Europa come il contributo più significativo dato dal Novecento americano, godiamoci un punto di vista ribaltato e scopriamo cosa negli stessi anni l’America ha preso dall’Europa. In entrambi i casi, ovvio, il trasferimento di tecniche, suoni, forme e sensibilità non è indenne da cadute nei cliché. Ma, se è vero che nella “traduzione” si perde sempre qualcosa, l’operazione presenta sempre risvolti di originalità e sorpresa, com’è il caso di queste composizioni riesumate da Arthur Ancelle e Ludmila Berlinskaya con l’Orchestre Victor Hugo diretta da Jean-François Verdier (il Concerto di Suesse) e Laurent Comte (il Concerto di Babin).

Per celebrare il 200° anniversario della nascita di Lise Cristiani, quest’anno 2025, Sol Gabetta rende omaggio all’eredità di una vera e propria pioniera, la prima donna a salire sul palco come violoncellista concertista, fonte d’ispirazione per molti compositori e artisti del suo tempo. Lo fa attraverso questo cd - dal titolo Sol Gabetta, Lise Cristiani, pubblicato nell’ottobre di quest’anno per Sony Classical - esplorando opere di virtuosi violoncellisti e compositori legati alla Cristiani, tra cui i suoi contemporanei e colleghi Jacques Offenbach (1819–1880), Alexandre Batta (1816–1902) e François-Adrien Servais (1807–1866), ma non solo. Ad accompagnare la violoncellista argentina in questa felice intrapresa i solisti della Cappella Gabetta, la fortepianista Irina Zaharenkova e il violoncellista Victor Julien-Laferrière. Sol Gabetta svela così un capitolo trascurato del repertorio romantico per violoncello che dello strumento esalta tutto il potenziale espressivo e virtuosistico. Scoperto grazie alla stretta collaborazione con musicologi con cui, negli ultimi anni, esplora l’affascinante, seppur tragicamente breve, vita di questa straordinaria artista, ricostruendo il suo repertorio musicale a partire da materiali d’archivio. Emblema dell’emancipazione femminile, Lise Cristiani, nata a Parigi il 4 dicembre 1825, musicista di talento, dopo il debutto nella sua città viaggiò sola per l’Europa per esibirsi nei contesti più prestigiosi del tempo fino alla scomparsa, a soli 26 anni, in Siberia. Con lei fino all’ultimo giorno un inseparabile compagno d’avventura, il suo violoncello Stradivari del 1700 (oggi Stauffer ex Cristiani, custodito al Museo del Violino di Cremona), acquistato con il ricavato dei primi acclamati concerti. 

L’Accademia Bizantina è stata fondata a Ravenna nel 1984 dal violinista Carlo Chiarappa. Nel 1996 gli è subentrato Ottavio Dantone che ne è attualmente il direttore al cembalo. La loro sede operativa è a Bagnacavallo, una ventina di chilometri da Ravenna, che, per varie ragioni non solo geografiche, rappresenta lo sbocco più naturale delle loro attività.
Da un paio d’anni la tradizionale Trilogia d’autunno inserita nel cartellone dal Ravenna Festival vede protagonista l’Accademia che quest’anno ha presentato un imponente trittico handeliano: due opere, il meno frequentato Orlando (1733) e uno dei capolavori più celebri di Handel, Alcina (1735); entrambe messe in scena dall’inossidabile Pierluigi Pizzi che a 95 anni suonati ha curato la regia, i costumi naturalmente le scene, un unico impianto scenico “modulabile grazie alle proiezioni su ledwall, un unico “modulabile”. A completare la trilogia l’intramontabile Messiah.
Abbiamo assistito a una recita di Alcina, sfida improba e per la fama, e per la difficoltà, e per le dimensioni di un’opera con la quale Handel intendeva superare non solo se stesso, ma soprattutto la spietata concorrenza già capitalistica a tutti gli effetti nella Londra del 1735.

Il titolo è piuttosto eloquente: Memories of Home e traccia le linee di un racconto cameristico sì, ma vivace e raffinato costruito da due veri e propri “giganti” del jazz contemporaneo. Scofield e Holland, senza alcun altro musicista al seguito, incrociano le corde, rispettivamente, di chitarra e contrabbasso e danno vita a un capolavoro di quelli che si ascoltano di rado. Un album realizzato agli NRS Studios di Catskill, New York, lo scorso anno, dopo un’intensa attività concertistica e pubblicato, ovviamente, dall’etichetta tedesca ECM di Manfred Eicher. Nove brani, che vedono il braccio della bilancia delle composizioni pendere più verso il chitarrista di Dayton rispetto al bassista. Ma non è di certo un problema, visti i risultati di completa sinergia e dialettica che sviluppano con emozionante tranquillità.

Scofield e Holland hanno più volte collaborato all’interno di vari gruppi, ma trovarli nell’intima combinazione in duo darà massimo risalto alle loro spiccate personalità, decisamente distinte una dall’altra.

Sembra che il palmarès delle collaborazioni di entrambi trovi una via di incontro in questo disco, che è la summa poetica di svariati decenni ai vertici del jazz mondiale.

John Scofield nel corso di oltre cinquant’anni ha registrato oltre 30 album e collaborato con grandissimi autori contemporanei come Pat Metheny, Charlie Haden, Eddie Harris, Medeski, Martin Wood, Bill Frisell, Brad Mehldau, Mavis Staples, Government Mule, Jack DeJohnette, Joe Lovano e Phil Lesh. Ha suonato e registrato inoltre insieme a Tony Williams, Jim Hall, Ron Carter, Herbie Hancock, Joe Henderson; senza contare che nel 1982 si unì alla band di Miles Davis.

Il contrabbassista britannico Dave Holland, dopo essersi trasferito a New York alla fine degli anni Sessanta, è stato scoperto da Miles Davis, che lo ha voluto nella sua band durante il periodo elettrico, partecipando a dischi storici come In a Silent Way (1969) e Bitches Brew (1970). La sua brillante carriera da leader e di sideman lo ha portato a collaborare con figure come Chick Corea, Sam Rivers, Anthony Braxton, Herbie Hancock, Wayne Shorter e Stan Getz, tra gli altri.

Il progetto della registrazione integrale delle opere per strumenti a tastiera di Bach avviato nel 2018 da Mahan Esfahani prosegue, e quello dedicato al primo libro del “Clavicembalo ben temperato” è il settimo disco della serie caratterizzata da copertine con le foto delle “teste di carattere” dello scultore Franz Xaver Messerschmidt.

Nel testo di presentazione il clavicembalista si riferisce alla raccolta di ventiquattro coppie di preludi e fughe nelle diverse tonalità chiamandola semplicemente il “48”, a indicare non solo la familiarità con questo caposaldo della letteratura per lo strumento ma anche la sua importanza dal punto di vista del pensiero e della prassi del contrappunto del quale è un imprescindibile oggetto di studio.

Anche la scelta dello strumento, su un modello Harrass, rivela l’approccio di Esfahani che evitando ogni forma di dogmatismo delinea con maestria quella che definisce “l’architettura drammatica del magnum opus di Bach”.

Registrato in casa a San Francisco, On This Day è l’ottavo album solista di Tony Molina in undici anni, ma il primo (del 2014) era stato preceduto da un’attività almeno decennale in una pletora di gruppi indie della Bay Area (Dystrophy, Ovens, Lifetime Problems, Caged Animal, Violent Change, i nomi sono suggestivi, no?). A pochi giorni dall’uscita i critici specializzati sono concordi nell’affermare che si tratta dell’album “più Molina” di tutti, e anche il più bello. Sono ventuno canzoni e brani strumentali, della durata media di un minuto, con la voce e le chitarre di Molina (autore di quasi tutte le tracce), più qualche aiuto da parte dei collaboratori con cui si esibisce dal vivo. Un registratore analogico a otto piste da mezzo pollice, chitarre elettriche e acustiche (con una presenza frequente della 12 corde), il Mellotron, la tromba, l’organo Hammond, il piano, il basso, la batteria: già soltanto l’organico strumentale suggerisce di andare al periodo tra la metà del 1964 e la metà del 1966, con i Beatles, i Byrds, il Dylan elettrico, i Beach Boys di Pet Sounds, ed è proprio così, salvo che le miniature di Molina sembrano delle versioni ridotte, delle demo saltate fuori da qualche cassetto. La forma è spesso ABA, dove B a volte è un assolo strumentale, e fa uno strano effetto, perché suggerisce la struttura che riconoscevamo in tante canzoni di quel periodo, AABABA, in assenza del minuto e mezzo che manca. Ma non basta, perché Molina deve aver assorbito lo stile dei principali autori pop della metà degli anni Sessanta fin da quando non era ancora nato, e le melodie e le sequenze di accordi (e il modo di suonare la chitarra, e le armonie vocali) gli vengono fuori con una naturalezza sfacciata. Un gioco di società inevitabile, mentre si ascoltano i brani di On This Day, è di riconoscere quale frase viene da Yesterday, quale da God Only Knows, quale da Mr. Tambourine Man, eccetera. Le canzoni nell’album si avvicendano senza pause, e anche nella sequenza si coglie un lavoro sapiente: tre canzoni, una dopo l’altra, tutte nella stessa tonalità, e poi un contrasto, un altro, e poi il ritorno all’omogeneità, poi uno stacco strumentale, eccetera. Di fatto, l’unità temporale percepita ascoltando On This Day è costituita dai circa 23 minuti del totale, più che il minuto o giù di lì di ogni singola canzone. In puro stile indie (se ne esiste uno) Molina non dà peso a queste sottigliezze, ma non è proibito accorgersene. Bravo.

Mikalojus Konstantinas Čiurlionis (1875-1911) grande Maestro lituano compie 150 anni dalla nascita. La bellissima edizione Stradivarius propone arrangiamenti per timbri sofisticati come violoncello e pianoforte di suoi lavori curati da Juozas Čelkauskas compositore lituano che sa rispettare – e semmai amplia e amplifica – l’espressione straordinariamente emotiva della scrittura del Maestro. Pittore, oltre che eccellente compositore, fonde le due arti in modo mirabile approfondendo la tradizione lituana portando alla luce una intensa e autentica visione simbolista.

Tibbetts è uno dei chitarristi più interessanti della scena statunitense: lo è da vari decenni e con varie declinazioni. Partendo dalla propria cultura l’ha espansa fino all’estremo oriente mutuando un linguaggio assolutamente originale. Con l’ausilio di chitarre, effetti, pianoforte e percussioni ritorna presentando un album che è tutt’altro che chiuso, direi appunto più “vicino” giocando con i due significati che close ha in inglese e se possibile, ancora più etereo dei lavori precedenti.