La Recensione

Per ricordare il terzo centenario della scomparsa di Alessandro Scarlatti, il Festival Musicale Estense Grandezze&Meraviglie diretto da Enrico Bellei ha scelto di presentare l’oratorio Il martirio di Santa Teodosia inserito in un fitto calendario di eventi che si protrae fino a novembre.

Il libretto di autore anonimo è liberamente ispirato alla storia della giovane cristiana nata a Tiro che all’inizio del quarto secolo, che venne fatta torturare e uccidere a Cesarea di Palestina per ordine del governatore romano Urbano.

L’oratorio è stato eseguito nella Basilica di Santa Maria dei Servi di Bologna dall’ensemble La Compagnia De Violini diretta da Alessandro Ciccolini con le voci soliste di Monica Piccinini (Teodosia), Massimo Altieri (Arsenio), Marco Saccardin (Urbano) e Valentina Ferrarese (Decio).

Di Maria Arnal si sta aspettando il terzo album di canzoni (del secondo, realizzato insieme all’allora collaboratore Marcel Bagés, abbiamo parlato su Rete Due in una recensione dell’aprile 2021: quanto tempo è passato!). Qualche indizio di come quel terzo album suonerà (Arnal ne ha presentato le canzoni dal vivo la scorsa estate) lo possiamo cogliere dal lavoro che la cantautrice e compositrice ha realizzato per la colonna sonora di Polvo serán – un film diretto dal regista catalano Carlos Marqués-Marcet – pubblicata alla fine dello scorso anno in un album intestato ad Arnal. Polvo serán, va detto, non è un film musicale, ma più di un critico lo ha definito una “tragicommedia musicale”, per la forte presenza della musica, in bilico tra funzione extradiegetica e diegetica, per le coreografie che compaiono spesso nella trama (non solo come intermezzi) e per il fatto che due dei personaggi femminili cantano, anche se in un unico intervento a testa. Quanto all’aspetto tragico, basta dire che la trama è imperniata sulla decisione della protagonista, ammalata gravemente, di sottoporsi all’eutanasia in una clinica svizzera, e sulla decisione del compagno, sano ma afflitto dalla prospettiva di una vita senza la donna amata, di accompagnarla e di morire insieme a lei. Tema serio, tremendo, che potrebbe scivolare facilmente nel patetico se non fosse per la mano ferma del regista e delle coautrici della sceneggiatura (Clara Roquet e Coral Cruz), per la bravura degli attori (Ángela Molina, Alfredo Castro e Mònica Almirall, rispettivamente nelle parti della donna ammalata, del compagno e della loro figlia), per il contorno scenografico e coreografico (con le compagnie La Veronal e Negro Infinito), per l’ambientazione (dal quartiere di Poblenou a Barcellona alle Alpi svizzere) e ovviamente per la musica; il film è una coproduzione ispano-italo-svizzera.

Tornando alla colonna sonora, è realizzata in gran parte dalla sola Maria Arnal, con vocalizzi e loop (e le percussioni di Pere Olivé), in uno stile familiare a chi ha ascoltato il secondo album, ma con maggiore libertà e radicalità e una notevolissima padronanza del sound. Arnal vocalizza soltanto, ma si può dire che canti indirettamente, perché nei due brani intonati dalle due attrici principali, su testi ai quali ha collaborato Carlos Marqués-Marcet, le melodie portano tutti i segni della vocalità di Arnal, formatasi in un processo che va dallo studio della copla (un canto popolare iberico) ai primi passi nella canzone d’autore, fino all’avanguardia. In un’intervista, Arnal ha raccontato di aver fatto da “vocal coach” per Molina e Almirall, togliendoci il dubbio che chi cantava non fosse proprio Maria Arnal stessa. Ángela Molina (famosa attrice spagnola vista in film di Buñuel, Almodóvar, Bigas Luna e molti altri registi spagnoli, e di numerosi italiani, da Elio Petri a Bellocchio, ai fratelli Taviani, a Tornatore) ha vinto per la sua interpretazione in Polvo serán il premio per la migliore attrice al Festival di Roma del 2024; Maria Arnal ha vinto il premio Gaudí 2025 per la migliore colona sonora originale.

Gioiello dell’arte strumentale haendeliana la nuova incisione delle Sonate per flauto, dolce e traverso, che la Stradivarius ci propone. Con Maestri di alta qualità concertistica e musicologica, Tommaso Rossi ed Enrico Baiano, che ci trascinano – ovviamente in senso emotivo ma persino visivo – nel mondo complesso e articolato della cultura inglese al tempo di Haendel. Le opere del grande compositore si intrecciano ai misteri delle edizioni (Walsh e Roger) che concorrono alla diffusione del flauto traverso ma anche, nei falsi d’opera tanto frequenti ai tempi della libertà di stampa. Così si rincorrono nelle cosiddette “belle copie” in circolazione, materiali e prestiti, autocitazioni e originali in un caleidoscopio di sonorità raffinatissime e colte e popolareggianti, dalle quali la perizia di studi approfonditi di Tommaso Rossi sa districarci: con maestria di conoscenza e interpretazione.

Quando John McLaughlin, chitarrista prodigioso e dalle esperienze più varie, si presentò con un gruppo di musicisti tra i quali Zakir Hussain e L. Shankar, imbracciando una chitarra con delle corde di risonanza montate sulla buca a ricordo di quelle del sitar, scoprimmo un mondo meraviglioso fatto di Bellezza e potere che poi è il significato di Shakti, il nome scelto per questo ensemble. Oggi lo ricordiamo in occasione del 50 esimo anniversario dell’esistenza di questo gruppo capace di fondere magicamente jazz e musica indiana.

Ci sono biografie che è impossibile racchiudere in quindici minuti, come vuole il formato del programma. Per fortuna, a volte, ci vengono in soccorso gli artisti, che sfornano un’autobiografia d.o.c. bell’e pronta. Ma a sfogliare – meglio, ad ascoltare – quella appena pubblicata da Gianni Coscia col titolo La Violetera (Tuk Music), ci si accorge subito che nemmeno gli artisti riescono a condensare una vita ricca di incontri, fascinazioni e riconoscimenti.

Le 20 tracce dell’album coprono un arco di oltre settant’anni, da una composizione dedicata a Stan Kenton, primo amore, al Monk di Round About Midnight, scoperto in anni più recenti. Gianni Coscia è il nume tutelare della fisarmonica jazz, il cui carisma ha sedotto colleghi più giovani come Richard Galliano e Antonello Salis, ma la sua carriera è punteggiata da collaborazioni che includono Luciano Berio, Fabrizio De André e anzitutto Gorni Kramer, primo ad aver allargato il repertorio e l’approccio dello strumento al jazz. Dallo stesso Kramer il musicista alessandrino è stato definito “figlio spirituale” fino a diventare cittadino onorario di Rivarolo Mantovano, suo paese natale.

Coscia appartiene a quella generazione che ha prodotto artisti eccentrici e inquieti a cui il posto fisso stava stretto. Tuttavia, negli anni Cinquanta sarebbe stato impensabile lasciarlo per seguire la propria vocazione. Così, come un suo quasi concittadino di nome Paolo Conte, esercitò a lungo la professione di avvocato, in banca, fino alla Vice Direzione Generale, uscendo allo scoperto solo nel 1985, data del suo primo album da leader. Da allora è stato un crescendo di dischi, concerti, collaborazioni, interventi a convegni e rievocazioni (in omaggio al suo vecchio amico Umberto Eco, ad esempio) all’insegna del piacere, del sottinteso, del capovolgimento delle gerarchie. Tutto questo lo si ritrova in un album dove il fisarmonicista racconta col suo strumento la sua vita in musica, ripescando temi associati a momenti e figure centrali all’insegna di quell’atteggiamento agli antipodi della boria, che in piemontese è reso bene dall’espressione “gavte la nata” (non darti delle arie) e che rimanda all’essenza dello humour secondo Herman Hesse: “vivere nel mondo come se non fosse il mondo”.

Proprio oggi, 17 ottobre, è la data ufficiale di uscita dell’ultima fatica discografica che, per l’etichetta francese Arcana, vede ancora una volta protagonista la stella del clavicembalo Francesco Corti. Insieme a lui, in questa lettura delle celebri Sei Sonate per violino e cembalo BWV 1014-1019 di Johann Sebastian Bach, Ilya Gringolts, indiscusso talento del violino dall’estrema versatilità, dedito alla “nuova musica” così come al repertorio barocco e all’esecuzione storicamente informata. Pagine, considerate una pietra miliare della musica da camera e primo rilevante esempio di sonate concertanti per tastiera e strumento melodico, composte da Bach negli anni 1717/23 trascorsi presso la corte di Köthen. Accanto ad esse un brano del compositore contemporaneo Andrew McIntosh dal titolo Tertia deficiens, suggestivo ponte tra passato e presente. La lettura dei due interpreti è certamente segnata da una profonda intesa, da grande spontaneità ed espressività. Con loro un violino Ferdinando Gagliano, Napoli 1770 e un clavicembalo Andrea Restelli, Milano 1998 da Christian Vater, Hannover 1738. 

Il nome decisamente esotico di Nusrat Fateh Ali Khan non dice granché a chi non ha condiviso le stagioni entusiasmanti e insieme controverse che negli ultimi quindici anni del secolo scorso hanno conosciuto il dilagante fenomeno della cosiddetta World Music. Fenomeno che, nel sistema di mercato, si è in seguito assestato nella sua nicchia, ma che comunque ha impresso una svolta decisiva alla storia della popular music e non solo.

Questo grande, grandissimo interprete, noto a tutti semplicemente come Nusrat, stella indiscussa del qawwali, il canto devozionale del sufismo pakistano, è stato un protagonista assoluto di quella svolta che in una manciata d’anni ha fatto conoscere al mondo ricco, il lussureggiante universo musicale del mondo povero. Un universo in larghissima parte ignoto ai più, rivelatosi un settore trainante del mercato musicale e discografico di quegli anni.

Nusrat, scomparso a soli 48 anni nel 1997, è stato una delle punte di diamante dell’etichetta Real World, guidata da Peter Gabriel, il cui motto era “bring the world to the world”. Per Real World è uscito di recente Chain of Light, un album contenente registrazioni inedite di Nusrat del 1990. Non aggiungono nulla di nuovo alla sua figura, ma sono un’occasione per riascoltare un artista che, nonostante si sia prestato alle disinvolte ibridazioni di Peter Gabriel & C, sembra non aver perduto nulla del prestigio e dell’autorità in quanto maestro indiscusso della tradizione musicale e religiosa del qawwali.

Dodici lettere d’amore e di digiuno per il jazz. Questo è il completamento del titolo del libro ordito dal giornalista, critico musicale e saggista Paolo Romano, pubblicato da Arcana nel giugno 2025. Una profonda e sentita riflessione sul jazz contemporaneo, attraverso la lente d’ingrandimento di un esperto che, in questo breve e agile libro, mette nero su bianco la sua personale esperienza. Un’autobiografia? Anche, almeno in parte. Sicuramente l’autore non si limita a parlare della musica in sé, ma esplora il “triangolo” spesso conflittuale formato da musicisti, pubblico e critici. Ne emergono i pregiudizi, le ipocrisie e le dinamiche degli “inner circles” del settore.

Il libro tocca argomenti come il mancato ricambio generazionale tra i giornalisti specializzati, la difficoltà di raccontare una musica in continua trasformazione e l’urgenza di riconoscere la sua fisionomia per trovare una nuova direzione creativa.

È un’opera che si allontana dal tradizionale saggio storico sul jazz per proporre una riflessione più personale e profonda sulla musica e sul mondo che la circonda.

Dodici lettere d’amore e di digiuno per il jazz. Questo è il completamento del titolo del libro ordito dal giornalista, critico musicale e saggista Paolo Romano, pubblicato da Arcana nel giugno 2025. Una profonda e sentita riflessione sul jazz contemporaneo, attraverso la lente d’ingrandimento di un esperto che, in questo breve e agile libro, mette nero su bianco la sua personale esperienza. Un’autobiografia? Anche, almeno in parte. Sicuramente l’autore non si limita a parlare della musica in sé, ma esplora il “triangolo” spesso conflittuale formato da musicisti, pubblico e critici. Ne emergono i pregiudizi, le ipocrisie e le dinamiche degli “inner circles” del settore.

Il libro tocca argomenti come il mancato ricambio generazionale tra i giornalisti specializzati, la difficoltà di raccontare una musica in continua trasformazione e l’urgenza di riconoscere la sua fisionomia per trovare una nuova direzione creativa.

È un’opera che si allontana dal tradizionale saggio storico sul jazz per proporre una riflessione più personale e profonda sulla musica e sul mondo che la circonda.

L’affascinante serie di suite che Bach scrisse per violoncello senza accompagnamento del basso continuo, nella prima edizione moderna pubblicata in Francia nel 1828 venne considerata una raccolta di studi. Ma grazie anche alla pionieristica incisione discografica di Pablo Casals che ne evidenziò il valore musicale assoluto, le suite entrarono progressivamente nel repertorio concertistico di molti violoncellisti fino a diventare una sorta di rito di passaggio della loro carriera.

Ne conosciamo decine e decine di interpretazioni, ma Ronan Kernoa ha sperimentato un approccio diverso attraverso sei distinti strumenti, uno per ciascuna suite accentuando così i loro tratti distintivi, e mettendo in risalto attraverso le differenti sfumature e personalità timbriche gli aspetti melodici ritmici e armonici più significativi.

La scelta degli strumenti comprende viole da gamba, soprano e bassa, e violoncelli grandi e piccoli con una particolare cura anche nei confronti degli archetti. Il risultato è molto interessante e arricchisce la letteratura sonora di questo capolavoro di essenzialità.