La Recensione

Con un ottimo apparato analitico, discografia, bibliografia ed esempi musicali questa biografia – dedicata a un pianista davvero eclettico, sia per la sua appartenenza al mondo del jazz sia per le fughe nel rock, nel pop e nella musica classica e che alla fine costituiscono quel suo stile assolutamente personale e riconoscibile – è uno strumento imprescindibile per conoscere Brad Mehldau nato nel 1970, attivo sulle scene jazz fin dai primi anni ‘90. Ne sono autori Carlo Morena e Sergio Pasquandrea che ci danno lo spunto anche per ascoltare un brano dall’ultimo cd del pianista.

C’è musica là fuori? Storie e teorie della popular music (Jaca Book) è una raccolta di scritti in buona parte inediti: articoli, interventi a convegni internazionali, contributi a libri e interviste risalenti agli ultimi dieci anni che arricchiscono la vasta produzione saggistica di una voce storica di Rete Due, fra i padri degli studi sulla popular music. Come specifica il sottotitolo, i temi ricorrenti riguardano la storia - la canzone d’autore in Grecia, quella turistica in Spagna, Dylan, la musica del ’68, il folk revival – la teoria e i metodi - l’anglo-centrismo insito nella visione dominante, le controversie ideologiche e ministeriali che hanno caratterizzato il dibattito accademico sul riconoscimento della musica in oggetto, le cover, il plagio, i mutamenti dell’ascolto. A tutto ciò si aggiungono interventi di natura autobiografica sugli Stormy Six, Rock In Opposition e la composizione di musica elettronica che hanno contrappuntato l’attività di uno studioso e docente dalla reputazione internazionale. Le sue chiavi di lettura rimandano a un mix di competenze tecniche, esperienze sul campo come musicista e operatore culturale e spirito critico formato in anni di militanza politica, il che fa di Fabbri una fonte di ispirazione per la nuova generazione di studiosi attratti dallo studio accademico della musica che ci gira intorno.

Una Chiesa di San Francesco gremita, a Locarno, ha accolto il Concerto tenutosi lo scorso 19 settembre, nell’ambito dell’80esima edizione delle Settimane Musicali di Ascona che ha visto protagonisti la Mahler Chamber Orchestra diretta da Gianandrea Noseda, solista Francesco Piemontesi. Quest’ultimo che, per la sua ultima edizione del festival in veste di direttore artistico, ha scelto di affrontare il monumentale Concerto per pianoforte n. 5 di Ludwig van Beethoven, “Imperatore”. Rendendo con efficacia e grande finezza interpretativa la complessità e le infinite nuance proposte da queste pagine, considerate tra le massime espressioni del genio beethoveniano. Insieme alla MCO che, dando come sempre sfoggio di compattezza, cura del dettaglio e qualità sonora, si è fatta fedele interprete della visione proposta da Noseda. Ancor prima del cosiddetto Imperatore, la serata si è aperta sull’overture Le Ebridi di Felix Mendelssohn, ispirata al viaggio del compositore in Scozia avvenuto nel 1829. Mentre è terminata con la Sinfonia n. 2 di Robert Schumann, composta durante una fase, segnata da grande fragilità personale, della travagliata esistenza del compositore. Una scrittura ricca di pathos, ombre e palpabile tensione ma anche di attimi di abbagliante luminosità.

Da una quarantina d’anni ormai World Music è diventato un termine mercantile, abituale, abusato e stereotipato mentre in passato era quasi esclusivamente materia per etnomusicologi. Ma giusto 40 anni fa, nel 1985, usciva la prima edizione di un fortunato volume curato dall’etnomusicologo Jeff T. Titon intitolato Worlds of Music. Le stesse parole, ma coniugate a generare un significato praticamente antitetico. Sullo sfondo, certo, la globalizzazione, ma rispetto a lanciare sul mercato l’accrocchio disinvolto di suoni e linguaggi pescati ai 4 angoli del globo, tutt’altra cosa è alimentare la consapevolezza che il nostro pianeta ospita innumerevoli mondi musicali anche radicalmente diversi, ma pur sempre accomunati dall’essere concepiti come musica. La World Music mira a vendere. Worlds of Music mira a far crescere una inedita cultura pluralista.

Cambiando paradigma: e se ora noi intendessimo questa idea di “mondi musicali” diversi non solo in senso geografico, ma come alternativa non gerarchica al plurisecolare concetto di “generi musicali”?.

Sono queste le riflessioni (elucubrazioni?) scaturite dall’ascolto di un recente album di un musicista decisamente spiazzante e non classificabile: Etienne de la Sayette & the Wild Horses Orchestra, questo il titolo del suo ultimo lavoro uscito per la Muju Records. Non classificabile, ma nel senso di congenitamente ibrido, bizzarro, grondante ironia e così spudoratamente “leggero” da risultare a tratti irresistibile.

Letteratura e contrabbasso sono le due passioni – e professioni – di Pierpaolo Martino, autore di questo bel libro, che già si è rivelato un best seller. Martino, docente di letteratura inglese presso l’Università di Bari, da sempre attento ricercatore dei rapporti tra letteratura e musica, è anche un valente contrabbassista, con studi prestigiosi al fianco di alcuni tra i migliori contrabbassisti (e bassisti) della storia del jazz.

Con Scritti dal Basso (Shake edizioni), l’autore sincretizza queste due passioni, declinando il verbo musicale di Charles Mingus, Jaco Pastorius, Eberhard Weber, Charlie Haden, Steve Swallow, Dave Holland, Barry Guy, Gary Peacock, Bruno Chevillon, Melvin Gibbs, Mark Dresser, altresì tutte le assonanze letterarie, appartenenti anche alle biografie (e autobiografie) di alcuni dei suddetti, o riferimenti ricercati dagli stessi bassisti. Una lettura agevole e intrigante, che associa e mette in proscenio, a titolo di esempio, Peacock con Paul Auster, Weber con Virginia Wolf, Chevillon con Pier Paolo Pasolini.

Una storia del contrabbasso alternativa e accattivante, che non cade mai nel noioso accademismo al quale siamo abituati nell’ambito della saggistica jazz.

L’Ensemble Collegium Musicum ‘23, fondato recentemente a Lipsia dalla violinista Nadja Zwiener e da Johannes Lang, organista della Chiesa di San Tommaso, è profondamente legato all’opera di Johann Sebastian Bach, e partecipa regolarmente alla vita artistica della città dove il compositore tedesco fu artefice delle principali attività musicali per ventisette anni fino alla sua morte.

La raccolta di fughe e canoni intitolata L’arte della fuga si presta a numerose possibilità esecutive, poiché non contiene nessuna indicazione riguardo l’organico con il quale può essere eseguita, e nel corso tempo sono fiorite numerose versioni per strumenti solisti, o d’insieme e sono comparse anche versioni orchestrali, ma in questo caso non si tratta soltanto di un quartetto d’archi, ma della utilizzazione da parte del gruppo, di strumenti ad arco costruiti a Lipsia all’epoca di Bach, che sono stati utilizzati dai musicisti della Chiesa di San Tommaso e che fanno parte della sua collezione storica.

Music of the Stars è l’ultimo dei tre album che Fabio Mittino e Bert Lams hanno dedicato alla musica di Thomas de Hartmann (1885-1956): in questi giorni sta per essere disponibile un album antologico che raccoglie materiali provenienti da quei tre cd, e contemporaneamente i due chitarristi stanno intraprendendo una tournée europea (e poi negli USA), dove eseguono esclusivamente musica di de Hartmann, trascritta da loro per due chitarre.

Thomas de Hartmann è noto per lo più come il compositore che affiancò per anni il mistico e maestro di vita George Gurdjieff, che ebbe fra i suoi seguaci (diretti o indiretti) artisti e intellettuali come Frank Lloyd Wright, Peter Brook, Keith Jarrett, Franco Battiato, Robert Fripp. Gurdjieff era appassionato di musica e di danza, che coltivava nei propri insegnamenti, ma non sapeva scrivere la musica che componeva; de Hartmann gli offrì il proprio aiuto come trascrittore, lasciando che i brani risultanti fossero firmati da Gurdjieff. Ma prima e dopo l’incontro con il mistico, de Hartmann perseguì una carriera normale di autore di musica classica.

Nato in Ucraina, da giovanissimo fu notato e aiutato dallo zar, permettendogli di viaggiare e di studiare approfonditamente: la sua scrittura navigava fra il modernismo incipiente dei primi anni del Novecento e una caratterizzazione popolaresca, il che probabilmente facilitò la sintonia con Gurdjieff. Dopo la morte di Gurdjieff de Hartmann riprese a comporre musica da concerto; una delle sue ultime opere, dedicata a Pablo Casals, fu molto apprezzata dal violoncellista.

Tornando agli esecutori (e trascrittori), entrambi provengono dalla scuola di Guitar Craft di Robert Fripp (di qui anche il rapporto indiretto con Gurdjieff/de Hartmann): Bert Lams è tra i fondatori e tuttora membro del California Guitar Trio, la formazione più famosa tra quelle che sono nate dagli allievi di Fripp; Fabio Mittino divide la sua attività fra il duo con Lams e una carriera da solista (sulla chitarra elettrica) in un progetto intitolato Simple Music for Difficult People, basato su musica originale per chitarra elettrica, descritto dalla stampa come “Echi progressive per il terzo millennio”. Sia Lams che Mittino suonano chitarre Gibson archtop (lo strumento tipico dei musicisti jazz): i chitarristi in ascolto noteranno che l’estensione degli strumenti dei due è più ampia, sia verso i registri gravi che verso gli acuti, grazie alla particolare accordatura che proviene direttamente dall’insegnamento di Fripp; in almeno uno dei brani inclusi nella recensione fa capolino anche una Fender Jazzmaster, suonata da Mittino.

Sassofonista ella stessa, Simonetta Bucciol ci regala un piccolo denso libro – finalmente – sul genio di Adolphe Sax: inventore del sassofono, musicista eccellente, uomo di dignità e onestà e artista scelto. Un libro che è un dono, alla sua memoria e alla nostra “ignoranza” perché troppo spesso si ignora il percorso tortuoso, spesso infelice ma sempre tenace, di numerosi geni del passato.

Grazie a una gavetta amara riuscì a brevettare il suo strumento nel 1846 a Parigi ( 22 giugno, brevetto nr. 3226 Sistema di strumenti a fiato, detti saxofoni), e fu ammirato da molti e osteggiato da troppi; ma il successo di questo straordinario timbro seppe imporsi nel tempo e donarci momenti musicali di grande qualità!

In occasione del 50° anniversario della morte di Dmitrij Sostakovic la Deutsche Grammophon pubblica in prima assoluta e con alcune rarità una serie di registrazioni effettuate principalmente durante l’International Sostakovic Festival di Gohrisch e interpretate da nomi come Daniil Trifonov, la Staatskapelle Dresden diretta da Thomas Sanderling, Kremerata Baltica e Gidon Kremer. Tra i titoli tre frammenti inediti dell’opera di Shostakovich “Il naso” del 1928 e i Cinque pezzi per due violini e pianoforte.

Who Is The Sky è l’ottavo album di David Byrne, o l’undicesimo se si considerano le collaborazioni con Brian Eno (due) e con St. Vincent. Esce a sette anni dal penultimo, American Utopia, accolto inizialmente da recensioni blande, ma poi posto al centro dello spettacolo dallo stesso titolo, che un’importante rivista musicale ha definito “il più grande show di tutti i tempi” (ne abbiamo parlato a Rete Due recensendone il film, diretto da Spike Lee). Alcuni critici, a proposito di Who Is The Sky, si sono domandati se lo stesso destino toccherà all’album, la cui versione dal vivo potremo vedere e ascoltare in Europa all’inizio del 2026. Nell’interrogativo è sottinteso un giudizio non entusiasta sull’album, una sorta di “bello, ma…”, che forse è più motivato dalle aspettative di una critica pigra e schematica che da un approfondimento serio della qualità delle canzoni. Perché di una raccolta di canzoni si tratta – come del resto Byrne ci ha offerto fin dai tempi dei Talking Heads – che mettono insieme una musica briosa, suggestiva, spesso ironica, con testi ben congegnati, spiazzanti, lontani dalla pretestuosità della produzione pop-rock corrente, quella che anche secondo critici altrimenti di grande spessore (come Simon Frith) dà più importanza al suono delle parole che al loro significato. Anzi. Un commentatore sul web, credendo di dire una cosa intelligente, ha affermato che in questo album “sembra che Byrne abbia scritto prima le parole e poi la musica”. Oh, che sorpresa! Che stranezza! Come se nella storia della musica (inclusa la canzone e il rock) nessuno avesse mai composto musica su un testo dato, anziché viceversa. Chissà, poi, non si può mai sapere. È vero che spesso l’idea di partenza delle canzoni di Who Is The Sky sembra venire dal testo, magari da un equivoco, o da una delusione deliberata delle aspettative dell’ascoltatore. Come in My Apartment Is My Friend (il titolo però è rivelatore), che si sviluppa come una canzone d’amore, di quelle che nascono dalla fine di un rapporto, e invece nasce da un trasloco, perché l’amicizia, l’affetto che il soggetto lirico celebra non è per un’amata, ma per il proprio appartamento, che è stato il teatro di tanti momenti della vita. Una Days (quella di Ray Davies) immobiliare. Lo stesso titolo dell’album nasce da un equivoco: una app di intelligenza artificiale (non ben rodata) non ha capito la domanda “Who is this guy” (chi è questo tizio?) e l’ha interpretata come “Who is the sky?” (chi è il cielo?). Un bel suggerimento, per David Byrne, anche se poi non ne ha fatto una canzone. Un consiglio: ascoltare questo album gioiosamente, come se fosse musica cantabile e ballabile d’altri tempi (da Cole Porter ai Beatles); se non si capiscono i testi a orecchio, si trovano tutti sul web.