La Recensione

Che la “hispanidad”, linguisticamente e culturalmente, sia una sorta di elevazione a potenza della latinità, ossia della cultura erede della lingua latina è un’opinione beninteso, ma sembra avere qualche fondamento. La musica europea nei secoli ha via via colonizzato mezzo mondo, ma tra le periferie del triangolo Francia-Italia-Germania, entrambe le regioni linguistiche della penisola Iberica, geograficamente privilegiate, per prime hanno attraversato l’Oceano, colonizzando e plasmando anche tragicamente un intero continente come nessun’altra cultura. Forse più della stessa matrice africana e, comunque, in quel contesto, mescolandosi inscindibilmente a essa in miriadi di fisionomie non solo musicali, ma antropologiche tout-court.

Per l’etichetta SOMM, una raffinata etichetta indipendente britannica è uscito un album che celebra, per così dire, questo destino. Si intitola Alma. Ibero-American Songs, ventidue canzoni di diciassette autori diversi originari di sette paesi diversi: Spagna, Portogallo, Messico, Argentina, Brasile, Venezuela e Colombia. Dalla Colombia viene anche l’interprete, il soprano Julieth Lozano Rolong, che debutta discograficamente con questo magnifico album, accompagnata al pianoforte da João Araújo portoghese.

Latinos e afroamericani musicalmente dominano il mondo. Eppure ogni volta si ha l’impressione di una miniera dove ci sia ancora parecchio da scavare.

Vincent Peirani è una delle stelle nascenti del jazz europeo, e i diversi premi e attestazioni ricevute, anche dalla critica musicale internazionale, lo confermano a chiare lettere. Ha portato la fisarmonica verso un’altra dimensione, più fresca e originale, senza mai copiare nessuno, ma con i piedi ben saldi nella tradizione del jazz e dello strumento.

Tra i tanti suoi progetti, Living Being è sicuramente quello più longevo, visto che la prima registrazione risale a dieci anni orsono, ma è già in auge dal 2013.

La musica intesa come un essere vivente, come un organismo in continua evoluzione: ed è così che si sviluppa questo sodalizio e la musica che ordisce.

Il quintetto è accomunato dalla stessa città natale, Nizza (città natale anche del grande fisarmonicista Richard Galliano, guarda caso) e da quella di residenza, Parigi. E sono accomunati anche dallo stesso spirito, dalla stessa volontà di ricercare nuove soluzioni armoniche, nuove melodie, ritmi sempre differenti.

Con Peirani per questo quarto capitolo di Living Being, sempre prodotto dall’etichetta tedesca Act Music, ci sono Emile Parisien ai sassofoni alto e soprano; Tony Paeleman al pianoforte, Julien Herne al basso e Yoan Serra alla batteria. Il disco sarà disponibile dal 26 settembre. Lo ascoltiamo in anteprima per Rete 2 Radiotelevisione Svizzera Italiana.

Chi ha studiato pianoforte per qualche tempo, avrà certamente posato sul proprio leggio qualche fascicolo del Mikrokosmos di Béla Bartók, ovvero il paradigma forse insuperato della moderna letteratura didattica per pianoforte, stimolante, creativo e anticonvenzionale.

Bartók ha spesso dato spazio alla didattica nella sua attività di compositore, segno inequivocabile di una coscienza musicale ed estetica aperta, multiculturale, attenta alle implicazioni sociali della pratica musicale e alla valorizzazione delle sue radici tradizionali e popolari. Ma oltre alle numerose pagine pianistiche, tra le opere di Bartók a vocazione didattica c’è anche la magnifica raccolta dei 44 Duetti per due violini.

Compositori sensibili alle tante questioni dell’apprendistato musicale si sono susseguiti numerosi nel corso dei secoli, anche in Italia. A un primo sguardo, Luciano Berio (un altro, insieme a Bartók fra le grandi B del XX secolo, quasi a ribadire l’incontestabile supremazia musicale, da Bach in giù, di questa iniziale) non rientra fra i cultori della letteratura didattica. Ma non è proprio così. A ben vedere, le sue Sequenze si potrebbero considerare una particolare forma di letteratura didattica, riservata però ai virtuosi, anziché agli apprendisti.

Così - è il compositore stesso che ce lo racconta - quando una «notte d’inverno, un violinista/musicologo» (del quale Berio non ci ha mai rivelato il nome), gli fece osservare la scarsità della letteratura didattica per due violini, forse toccò un nervo scoperto. Nacquero così i 34 Duetti per due violini che, non per caso, si aprono con un n. 1 dedicato proprio a Béla Bartók.

Francamente non so se ci siano dei precedenti, ma l’uscita di un doppio cd che abbina questi due cicli di Berio e Bartók è da salutare come una bella notizia. L’idea l’ha avuta Jared Sacks, fondatore della Channel Classics che ha coinvolto i violinisti Maria Milstein e Mathieu van Bellen. Il risultato merita un applauso caloroso.

Béla Bartók & Luciano Berio, Duos for Two Violins, Maria Milstein e Mathieu van Bellen, Channel Classics, CCS47425, 2025.

1 – cd1-06 – Berio - Duos for two violins No. 6 Bruno.mp3

2 – cd1-08 - Berio - Duos for two violins No. 8 Peppino.mp3

3 – cd1-24 - Berio - Duos for two violins No. 24 Aldo.mp3

4 – *** Lampert 269_MH2132b.mp3

5 – cd2-16 - Bartók - 44 Bartók - Duos for two violins, Sz. 98 No. 7 Walachian Song.mp3

6 – *** Lampert 276v1_MH2815a.mp3

7 – cd2-29 - Bartók - 44 Duos for two violins, Sz. 98 No. 14 Pillow Dance.mp3

8 – *** Lampert 303_MH1803c.mp3

9 – cd2-44 - Bartók – 44 Duos for two violins, Sz. 98 No. 44 Transylvanian Dance.mp3

*** estratti dal cd allegato a: Vera Lampert, Folk Music in Bartók’s Compositions. A Source Catalog, Hungarian Heritage House, Budapest, 2008.

Il nuovo disco della Camerata Øresund è dedicato alla figura di Federica Sofia Guglielmina, la real principessa di Prussia che divenne margravia di Bayreuth e fece costruire uno splendido teatro barocco, che avendo conservato nel tempo le sue caratteristiche originali, nel 2012 è stato inscritto nella lista Unesco dei beni mondiali.

Oltre a una parte delle musiche scritte da Guglielmina, l’ensemble diretto da Peter Spissky ha registrato anche quelle di alcuni dei musicisti della sua corte, come Johann Pfeiffer e Bernhard Joachim Hagen. La margravia, che suonava il liuto e il clavicembalo e che venne istruita all’arte della composizione da Pfeiffer, scrisse anche un’opera, Argenore, rappresentata nel 1740 in occasione del compleanno del consorte Federico magravio di Brandeburgo-Beyreuth, e nel disco sono presenti anche due arie di quest’opera.

Paolo Portoghesi (1931-2023), grandissimo architetto e storico dell’architettura e dell’arte, saggista, personaggio di pensiero postmoderno scomparso da poco, lascia un libro illuminante.

Pubblicato da Baldini&Castoldi, il volume è dedicato ad un tema che non solo gli stava a cuore ma che lui, nella sua immensa profondità, riesce a declinare nelle innumerevoli sfaccettature, con acume e gentilezza, come sempre nel suo stile.

Bellezza: una parola sconvolgente, ci dice, e nel panorama della storia ci porta a comprendere quanto importante e vitale essa, il suo portato, sia stata determinante e perfino consolante. Il libro non è una storia dell’estetica – ci tiene a dire – e nella ricchezza del suo progetto ci illumina anche sulla musica, sempre presente in molti dei suoi saggi.

 
Una delle voci più incantate del panorama dell’ultimo secolo – oltre che una delle autrici più significative - è quella della canadese Joni Mitchell che ci viene raccontata con interviste, testi delle canzoni e avventure da quella che alla fine è diventata una sua amica Malka Marom, anche lei cantante di un duo folk. Il primo incontro molti, molti anni fa in un piccolo locale e da lì altri ne seguiranno, a comporre un bellissimo affresco di una cantautrice e di una donna di cui si raccontano both sides, entrambe le parti.

Ormai sono oltre 33 i corsi di perfezionamento e alta formazione della ambitissima Chigiana che assurge sempre più a faro della musica. Prime assolute di Matteo D’Amico, di Sciarrino e Filippo Perocco e, il 18 luglio, il grande atteso Concerto per l’Italia in Piazza del campo in diretta su Radio Tre: Orchestra sinfonica della Rai con James Conlon. Si apre il 9 luglio lo splendido Festival della Chigiana: omaggio a Boulez con Derive e a Mahler sempre con Conlon. La Chigiana e il suo direttore artistico Nicola Sani non smettono mai di stupire! Dal 9 luglio al 2 settembre un turbinio di grande musica tanto che è impossibile nominare tutti gli artisti ma per il peso che ha ormai questo Fesival basta guardare i numeri: da 7’000 presenze di pubblico ormai si è arrivati a 70’000 ….

Il riconoscimento della canzone d’autore come l’eccellenza della tradizione italiana è ormai acquisito da mezzo secolo. Da quando, cioè, si formò una critica – militante, impegnata – che poneva la musica al centro di un progetto culturale e politico. I cantautori ne erano la punta più avanzata e piccoli editori come Savelli, Arcana, Mazzotta o Lato Side si fecero una reputazione presso il “movimento” dando alle stampe libri (cini) a firma di futuri protagonisti della vita pubblica (Gianni Borgna, Luigi Manconi, Sandro Portelli) con l’apporto di giornalisti e intellettuali (Nadia Fusini, Tullio De Mauro). Col tempo la critica si fece più organizzata, acquisendo strumenti di analisi da più discipline, in sintonia con l’affermarsi dei popular music studies. Abbiamo così apprezzato le sintesi epocali di Gianfranco Baldazzi & co. (è loro la prima storia dei cantautori, datata 1990), Paolo Jachia, Stefano La Via, Felice Liperi, Jacopo Tomatis e altri ancora. Paolo Talanca, in Musica e parole. Breve storia della canzone d’autore in Italia (Carocci), aggiorna un canone consolidato – già approfondito dallo stesso in un precedente lavoro – includendovi tutte (ma proprio tutte) le figure che hanno contribuito a farlo crescere negli ultimi decenni. Il libro offre dunque un utile sguardo sulla tradizione più originale della nostra canzone, che affonda le sue radici nella Napoli di fine secolo ma decolla solo negli anni Cinquanta per esplodere fra i Sessanta e i Settanta (“il periodo del NOI”) e irrompere nel pop il decennio successivo (“il periodo dell’IO”). Talanca prosegue poi il racconto – punteggiato da riflessioni e in costante dialogo con la società, il mercato e il music business – proponendo interessanti letture dei tempi più vicini – dai “nuovissimi” dall’approccio minimalista alle commistioni con la trap - e per questo di più difficile storicizzazione.
 

Invettive musicali, titolo originale della prima edizione, datata 1953, Lexicon of Musical Invective. Critical assaults on composers since Beethoven’s time. Una critica alla critica. Un’antologia, firmata dal direttore d’orchestra e compositore Nikolaj Leonidovič Slonimskij, di giudizi sommari verso alcuni noti compositori della classica, da Beethoven a Copland, e le loro opere, puntualmente smentiti dal tempo. È il tema di questo volume che, mettendo a nudo la critica più autorevole, riporta un nutrito assortimento di «giudizi prevenuti, ingiusti, maleducati e singolarmente poco profetici». Alcuni significativi esempi? Brahms è definito un «epicureo sentimentale», Wagner un «eunuco demente» e Alban Berg un «millantatore...pericoloso per la collettività»…

Invettive musicali, titolo originale della prima edizione, datata 1953, Lexicon of Musical Invective. Critical assaults on composers since Beethoven’s time. Una critica alla critica. Un’antologia, firmata dal direttore d’orchestra e compositore Nicolas Slonimsky, di giudizi sommari verso alcuni noti compositori della classica, da Beethoven a Copland, e le loro opere, puntualmente smentiti dal tempo. È il tema di questo volume che, mettendo a nudo la critica più autorevole, riporta un nutrito assortimento di «giudizi prevenuti, ingiusti, maleducati e singolarmente poco profetici». Alcuni significativi esempi? Brahms è definito un «epicureo sentimentale», Wagner un «eunuco demente» e Alban Berg un «millantatore...pericoloso per la collettività»…