La Recensione

Parliamo della raccolta completa dell’ultima pubblicazione del mondo brahmsiano, quella del Trio Gustav – con l’aggiunta di Lorenzo Guzzoni al clarinetto e Boštjan Lipovšek al corno – che propone per la Brilliant Music l’opera completa cameristica del grande amburghese. Registrati in senso cronologico, i due CD ci portano nell’immenso panorama poetico di Brahms fra il 1853 e il 1891: traccia dopo traccia si possono scoprire e valutare i mutamenti stilistici, di umore e di espressione, non solo del tempo che fu ma anche dello spirito complesso e turbato del grande Maestro. Ascoltati uno dopo l’altro i movimenti dei diversi Trii tracciano il suo percorso e in noi creano un mondo sonoro infinito e in continuo divenire.

Music Club è un magazine fondato a Fermo nel 1989 ed è stata la prima rivista musicale italiana gratuita con l’intento di trattare di concerti, live set, festival musicali e locali, con una copertura distributiva e informativa a carattere nazionale. Diretto da Luciano Massetti la testata inizialmente viene distribuita solo nelle Marche e poi su tutto il territorio nazionale con la stessa veste grafica anche nella versione digitale di cui oggi parliamo che si sviluppa in circa 50 pagine.
 

Alla fine del 2021 i musicisti dell’ensemble Nevermind, Anna Besson (flauto traverso), Louis Creac’h (violino), Robin Pharo (viola da gamba) e Jean Rondeau (clavicembalo e organo), hanno iniziato a pensare di realizzare la trascrizione per il proprio quartetto delle celebri “Variazioni Goldberg” di Bach. Dopo aver lavorato al progetto, nell’estate del 2024 le hanno registrate per il loro nuovo disco nella Salle de musique di La Chaux-de-Fonds, nel Canton Neuchâtel, scegliendola per le sue qualità acustiche.

L’originalità e la molteplicità delle variazioni bachiane viene messa in risalto dalle voci e i timbri dei loro strumenti e dalle loro personalità musicali, e grazie alla esperienza e conoscenza del linguaggio della musica barocca di ognuno dei musicisti di Nevermind, quest’opera così amata si arricchisce di nuovi colori.

Sì, è strano che un musicista voglia fare tutto da solo: comporre le musiche, scrivere i testi e suonare tutti gli strumenti. E già, perché questo non è un piano o chitarra o sassofono solo, bensì un disco poliedrico, dai colori soul, jazz, rock, anche punk volendo, suonato da una sola persona: Emma-Jean Thackray. La trentanovenne musicista di Leeds, oggi residente a Londra, che ha anche studiato con Keith Tippett, è al suo secondo album da solista, oltre ad aver inciso quattro EP. Questo disco sembra proprio affermare la maturità dell’artista, la sua volontà di creare musica senza badare agli schemi e alle formalità. La sua estrazione, i suoi studi sono jazzistici ma Emma-Jean Thackray non si è mai fermata. Un disco che è la soluzione catartica per il suo lutto e che ci spiega la vera natura dell’artista, che ha vissuto un passato difficile. Non è un semplice disco “fai-da-te” e non solo perché vi è l’intervento di Reggie Watts e Kassa Overall, ma perché c’è tutta l’anima di Emma-Jean Thackray. 

Non è ma troppo tardi per riscoprire una delle voci più vellutate della canzone italiana, quella di Nicola Arigliano. I sing Nicola (Alfa Music) è un omaggio che la vocalist pugliese Elisabetta Guido tributa al suo conterraneo, il grande crooner di cui si è chiuso da poco il centenario della nascita. Con lei la band che lo ha accompagnato per vent’anni: Giampaolo e Michele Ascolese (batteria e chitarra), Elio Tatti (contrabbasso), con l’aggiunto di Mirko Fait al sax. L’album contiene otto brani rivisitati in chiave marcatamente jazzistica, dato che il jazz fu il primo amore di Arigliano, il cui repertorio abbracciava la canzone napoletana, le canzoncine swing di prima della Guerra, gli standard internazionali e soprattutto pezzi originali che ebbe il merito di far conoscere a livello internazionale. Un esempio: Permettete signorina, che Nat King Cole adottò come sigla dei suoi concerti europei col titolo di Cappuccina. I sing Nicola ci restituisce il sapore e l’effervescenza di un’epoca – gli anni del boom economico, a cavallo fra i Cinquanta e i Sessanta – in cui la canzone italiana usciva dalle sabbie mobili sanremesi e trovava nella commistione con ritmi e sonorità straniere una nuova identità, segnalata persino dall’integrazione di parole e modi dire inglesi, che riflettevano, con ironia, la volontà di parlare a una platea internazionale. Il titolo dell’album non a caso fa riferimento a uno dei primi successi di Arigliano, I sing ammore (“do you capire oppure no…”). L’album è dunque una piacevole occasione per riscoprire il repertorio di un protagonista della canzone italiana con i piedi sempre piantati nel jazz, un cantante che sapeva improvvisare ed era a suo agio più con i jazzisti che con le formazioni tipiche della musica “leggera”.

Con un’esecuzione mozzafiato della Sinfonia n. 1 in re maggiore di Gustav Mahler dei “padroni di casa”, dei trascorsi 9 e 10 maggio, la Royal Concertgebouw Orchestra diretta dall’attuale Artistic Partner - direttore principale dalla stagione 2027/28 - Klaus Mäkelä, ha dato inizio all’esecuzione dell’intero ciclo sinfonico mahleriano prevista dal Mahler Festival 2025. Attesissima kermesse che fa ritorno, finalmente, al Royal Concertgebouw di Amsterdam. Dove nel 1920 fu realizzata la prima edizione, voluta da Willem Mengelberg per celebrare - proprio con un festival dedicato a Gustav Mahler, suo amico e “idolo” - il suo venticinquesimo anniversario come direttore dell’Orchestra del Concertgebouw. Il Mahler Festival 2025, della durata di 10 giorni, dall’8 al 18 maggio 2025 ha segnato la sua terza edizione, 105 anni dopo la prima, e visto protagoniste prestigiose orchestre provenienti da tutto il mondo riunite ad Amsterdam per un grande omaggio a Gustav Mahler. L’esecuzione della Sinfonia n. 1, a cui ho potuto assistere, preceduta da Hell Mountain - A Mahler homage for orchestra (2024) del compositore Anders Hillborg, è stata sublime. La lettura della RCO sotto la guida di Mäkelä, straordinaria per qualità dell’orchestra in cui non una sezione appare meno che eccellente: gli ottoni e legni irraggiungibili, gli archi in file di una compattezza tale da esser percepiti come unica voce. E l’espressività li rivela capaci di una tavolozza di colori che va da estremi pianissimo fino a grandi sonorità senza mai calare di tensione e “perdere” la direzione. Il carattere della scrittura pare un faro da cui mai è distolta l’attenzione… A concludere la serata, tra applausi scroscianti e immediata standing ovation, l’entusiasmo debordante di una “Grote Zaal” gremita.  

Savina Yannatou è una delle cantanti più note nella Grecia contemporanea. Appartiene alla generazione successiva a quella delle protagoniste iniziali della “canzone popolare d’arte”, come Maria Farantouri e Nana Mouskouri, che furono lanciate dai due principali compositori greci dagli anni Cinquanta in poi, Theodorakis e Chatzidakis. Caratteristica della scena musicale greca della seconda metà del Novecento è una certa fluidità fra i generi musicali (non a caso Xenakis, compositore d’avanguardia, scrisse nella sua tesi di laurea – relatore Olivier Messiaen – che i generi sono come le nuvole, che si compenetrano, che si trasformano). Così Yannatou – come anche Eleftheria Arvanitaki, Eleni Tsaligopoulou, Melina Kaná – si è mossa tra collaborazioni con compositori e poeti, ricerca etnomusicologica, progetti sperimentali e canzone d’autore (o meglio, éntechno). Ciò che le è parzialmente mancato in termini di popolarità nazionale (e di classifiche pop) è stato compensato dalla fortuna internazionale dei suoi album pubblicati dall’etichetta bavarese ECM, nota per la qualità del suono e dell’immagine, e per aver pubblicato alcuni capisaldi del jazz contemporaneo, a cominciare dal Concerto di Colonia di Keith Jarrett. Non a caso i brani di Savina Yannatou che circolano in rete sono quasi sempre etichettati come jazz, anche se col jazz hanno poco o niente a che fare. Insieme al suo gruppo, Primavera en Salonico, Yannatou mette insieme raccolte tematiche, con un repertorio e un sound che tenderebbero a classificarla come una protagonista della world music: canti sefarditi, nelle varie articolazioni che li hanno portati a formare un repertorio multilinguistico nell’Est del Mediterraneo, musica popolare greca, canzoni di vari luoghi ed epoche legate da un tema unificante. È quest’ultimo il caso dell’album appena uscito, Watersong, che, come suggerisce il titolo, ha a che fare con l’acqua, nelle sue più diverse manifestazioni. Sempre brava Savina, e bravi gli accompagnatori, tra i quali brilla Kyriakos Gouventas, “il” violinista, che – come nessun altro in Grecia – fa cantare e piangere il proprio strumento. In quasi tutto l’album alla voce di Yannatou si aggiunge quella della cantante tunisina Lamia Bedioui.   

Watersong, di Savina Yannatou & Primavera en Salonico, ℗ 2025 ECM Records GmbH, under exclusive license to Deutsche Grammophon GmbH, Berlin

Da quando fece la sua comparsa a Parigi, l’11 luglio 1889, all’Esplanade des Invalides, in occasione della fatidica e indimenticata Exposition Universelle per il centenario della Rivoluzione (e per la quale fu inaugurata la Tour Eiffel), il gamelan indonesiano divenne – e forse resta tutt’ora - l’emblema stesso, il non plus ultra dell’alterità musicale, di ciò che sta agli antipodi della musica europea. Musiques pittoresques le si chiamava allora, World Music diciamo noi con troppa faciloneria. Anche se di certo il gamelan di Giava o di Bali, così come la musica indonesiana in genere, non è paragonabile quanto a successo e diffusione alle musiche arabe, indiane, africane che da decenni sono ormai moneta corrente nella grande industria musicale. Questo per tante ragioni. E un po’ di queste ragioni ce le fa intuire Peni Candra Rini un’artista indonesiana che, dopo alcune produzioni che non hanno circolato in Occidente, ha pubblicato da poco Wani, il suo secondo album (solo digitale) per la New Amsterdam Records, etichetta newyorchese appartenente a quella esigua schiera eroica di case indipendenti che ancora resistono alle logiche – ora seduzione, ora ricatto – del mercato e della vendibilità. Ascoltando Wani, connubio quantomai azzardato, ma qui risolto genialmente, fra tradizione colta della musica giavanese e radicalismo “all’occidentale”, questa diversità la si tocca con mano. Peni Candra Rini, formazione accademica, virtuosa acclamata di sendhi (lo stile vocale più nobile della musica giavanese), Ph.D, e poi docente presso il prestigioso Institut Seni Indonesia Surakarta, ha riunito qui una band cosmopolita di 20 elementi. Il risultato è stupefacente.

Conta 107 anni l’Associazione Alessandro Scarlatti di Napoli con una ragguardevole Stagione musicale ogni anno attiva e brillante. Inoltre, si festeggiano i 300 anni dalla morte di Scarlatti (1660-1725), padre del grande Domenico, con uno dei bellissimi quaderni della Scarlatti, il numero 5, che porta come sempre saggi e curiosità interessantissime sulla vita e la ricerca costante degli eventi attuali e storici di una delle città più geniali d’Italia. La cura dei quaderni è affidata come sempre alla musicologa Daniela Tortora, Presidente Oreste de Divitiis e la direzione artistica tenuta ormai storicamente dall’eccellente Tommaso Rossi.

Fotografo dalla lunga e proficua carriera in un spazio temporale dagli anni ’70 agli anni ’90 ha potuto immortalare momenti, concerti e ritratti di grandissimi della musica jazz e non solo Mirko Boscolo raccoglie in questo volume non solo gli scatti che lo hanno portato sulle copertine di riviste e su quelle degli album che uscivano al tempo ma anche i ricordi, le impressioni e gli entusiasmi di quel tempo.

2. Archie Shepp, “You Don’t Know What Love Is” da Don Raye, Gene DePaul  Ballads for Trane Denon Jazz – YX-7567-ND.  5,45.

3. Sun Ra da Sun Ra Arkestra, “Hours After”, Black Saint – 120 111-1. 5,00.