La Recensione

Giulio Caccini è stato uno dei principali artefici del nuovo stile musicale del recitarcantando, che all’inizio del Seicento ha reso possibile la nascita dell’opera.

Con le sue doti vocali e la sua sensibilità artistica ha contribuito a trasformare il linguaggio musicale dell’epoca dando particolare risalto all’espressione degli affetti nel cantare a voce sola con l’accompagnamento del basso continuo.

Nicolas Achten, direttore dell’ensemble Scherzi Musicali, ne ha fatto un ritratto che abbraccia anche gli altri esponenti della sua famiglia, accostando le arie di Giulio Caccini a quelle delle figlie Francesca e Settimia, cantatrici e compositrici che si esibivano insieme al padre. Al Concerto Caccini partecipavano anche la moglie del compositore e il figlio Pompeo, e per evocare la varietà delle loro voci Achten ha composto un cast di numerosi cantanti.

Il ritratto sonoro della famiglia Caccini è diviso in due dischi. Il primo contiene principalmente le musiche di Giulio, accompagnate da strumenti prevalentemente di epoca tardo rinascimentale come il liuto basso e il chitarrone, mentre nel secondo disco figurano anche le arie delle due figlie, accompagnate da diversi strumenti tra i quali ci sono l’arpa tripla e la tiorba.

Forse era nella testa di Możdżer l’idea di ridisegnare il piano trio jazz, abbandonando – ma non dimenticando – la tradizione, mescolando le carte con il sapere classico di tutti e tre i componenti e mettendo in un angolo la batteria, qui sostituita dalle percussioni di Zohar Fresco.

Un sodalizio che ha visto l’alba nel 2004 ed è sempre stato capace di rinnovarsi, di affettare la vena folclorica e di mettere in chiaro che il jazz non arriva solo dagli States.

Beamo è un nuovo capitolo del trio, perché associa alla bellezza delle melodie una sperimentazione sonora di particolare intensità e bellezza. L’affiatamento è evidente e non si discute. Ma ciò che affascina è che Możdżer utilizza tre pianoforti a coda, ognuno accordato in modo diverso: uno con lo standard moderno di La = 440 Hz, un altro con La = 432 Hz e un terzo con accordatura decafonica, che divide l’ottava in dieci intervalli uguali. Anziché rifiutare la tonalità, questo approccio la reinventa, creando un’instabilità armonica al tempo stesso intrigante e di profonda bellezza. Questa “decafonia” funge da filo conduttore attraverso l’album e, per chi non è abituato a paesaggi sonori così vari e avventurosi, può a volte risultare disorientante.

Fra il 25 e il 28 giugno del 1965 i Beatles effettuavano una tournée in Italia che toccava Milano, Genova e Roma per un totale di otto concerti, due al giorno: una sessione pomeridiana e una serale. Esibizioni attorno alla mezzora, in un contesto di voci in delirio, ragazzine urlanti, dispiegamento di forza pubblica e mobilitazione dei media come nei tanti precedenti già sperimentati in giro per il mondo. A sessant’anni da quell’unica esperienza nel Bel Paese, un libro ne ricostruisce le dinamiche: l’attesa dell’evento sulla stampa, la sua organizzazione, gli spostamenti dei Fab Four da una città all’altra, l’atmosfera elettrizzante all’interno degli spazi deputati, le reazioni dei media e la memoria di ciò che fu attraverso le parole di chi c’era. Tutto questo e molto di più si trova in Beatles in Italy. I Beatles in Italia 1965 (De Ferrari), a firma di Ferdinando Fasce, storico di lungo corso – ex-Ordinario di Storia Americana all’Università di Genova – che nei panni dell’aca-fa (il fan accademico) vestiti già da tempo (cf. il seminale La musica nel tempo. Una storia dei Beatles, Mondadori 2018) fornisce una fotografia inedita di una tournée destinata a cambiare le sorti della musica italiana. Frullando notizie tratte da giornali, Archivi di Stato e testimonianze anche inedite con la più autorevole letteratura beatlesiana nel più ampio contesto degli studi culturali, Fasce offre uno spaccato di storia del costume che aiuta a comprendere modi e ragioni di una cultura giovanile in nuce, dai caratteri planetari. Ben oltre l’evento in sé le quattro giornate dei Beatles, rilette a sessant’anni di distanza, mettono al centro una piccola rivoluzione nei comportamenti che interessa le relazioni familiari, i rapporti fra i sessi, la centralità della musica e delle apparenze per la generazione dei baby boomers.

Nei 50 anni dalla scomparsa di Dmitri Shostakovich, avvenuta nel 1975, propone un box di 19 CD in cui è la Boston Symphony Orchestra sotto la guida del suo direttore musicale Andris Nelsons a farsi interprete delle 15 sinfonie, già pubblicate, insieme a nuove registrazioni dei concerti per violoncello con Yo-Yo Ma, dei concerti per pianoforte con Yuja Wang e dei concerti per violino con Baiba Skride, nonché dell’opera Lady Macbeth del distretto di Mtsensk (protagoniste sono le voci di Kristine Opolais, Brenden Gunnell, Peter Hoare e Günther Groissböck). Un omaggio ad un compositore figlio della cultura del XX secolo ed indiscusso protagonista della sua storia. Considerato al suo tempo dissidente e riconosciuto oggi «figura sociale e civile di spicco, artista-cittadino che ha dedicato tutta la sua vita allo sviluppo della musica sovietica». La compagine orchestrale made in USA dà, nella lettura della sua opera, prova di grande compattezza e solidità. E rende con suono brillante e cristallino e versatilità espressiva i tanti chiaroscuri caratteristici della scrittura.

Nel formicolante campo dell’industria culturale, gli anniversari sono macchine da soldi. Ma, a parte il business, gli anniversari sono anche una sorta di grande agenda che ci ricorda gli appuntamenti con la storia e, spesso, implicitamente, un rimprovero per le nostre dimenticanze. In tutte le ricorrenze c’è un fondo di ambiguità. Però, un conto è la celebrazione doverosa, tutt’altra faccenda, invece, la celebrazione affettuosa, festosa, di qualcosa o qualcuno che amiamo o che ci resta indimenticabile. Centocinquant’anni fa, in un paesotto di poche migliaia di abitanti, Ciboure, affacciato sull’Atlantico, proprio lì dove passa il confine tra Francia e Spagna, nasce Maurice Ravel. Un nome che per molti (compreso chi scrive) giustifica qualsiasi anniversario, magari anche il 151°, pur di riascoltare la sua musica. Ravel non può certo dirsi un autore dimenticato e, infatti, c’è una certa vivacità, sempre con l’immancabile minaccia della banalità. A segnalarsi per la sua originalità, c’è però un Ravel Fragments (Erato), un cd concepito e realizzato da un raveliano convinto come il pianista Bertrand Chamayou che ritrae il compositore francese da diverse prospettive. Innanzitutto attraverso lo sguardo dei tanti che a Ravel, indipendentemente dagli anniversari, hanno dedicato omaggi, spesso molto sentiti. Ad esempio Arthur Honegger, Joaquín Nin, Xavier Montsalvatge, Betsy Jolas, Salvatore Sciarrino e altri ancora. E poi il Ravel trascrittore di se stesso, una passione che egli coltivò per tutta la vita e, infine, l’omaggio personale di Chamayou, a sua volta nelle vesti di trascrittore. Risultato: una magnifica galleria di pagine fra cui alcune da portare con sé.

Finalmente un libro necessario – oltre che bello e interessante – e soprattutto diverso, sul pianoforte, il re della musica dalla sua nascita a oggi!

Enzo Beacco, nella sua vita chimico a indirizzo organico biologico ma dedito alla musica come ricercatore e saggista – ha studiato composizione con Giacomo Manzoni – ci regala un imponente lavoro sullo strumento più amato dalla storia, con un titolo, Galassia Pianoforte, che ci porta nell’immenso universo della sua presenza nel tempo (oltre 3 secoli!) e della sua vita interpretata e interpretativa, del suo scorrere attraverso partiture innovative, del suo appartenere alla categoria della costruzione via via artigianale e poi commerciale. Un libro di cui pubblico, organologia, esperti e semplici amatori sentivano il bisogno!  

Appena uscito questo nuovo lavoro di Simone Vallerotonda, chitarrista, tiorbista e liutista romano che vanta oltre a una ricca carriera solistica anche una lunga serie di collaborazioni con orchestre ed Ensemble, propone un cammino che dal ‘500 arriva fino alla contemporaneità ovvero da Giovanni Pierluigi da Palestrina a Claudio Dall’Albero attraversando secoli e generi. In mezzo, autori come Ennio Morricone ma anche Amerigo Marino con una sua celebre canzone dell’inizio del secolo scorso. Il liuto del nostro rende tutto questo repertorio omogeneo individuando un linguaggio comune decisamente romano.

Questo disco prodotto dal Museo Regionale del Tirolo di Innsbruck, noto anche come Ferdinandeum, rappresenta un affascinante condensato delle musiche liturgiche e devozionali che rappresentano la connessione tra l’ambiente romano e la corte imperiale di Vienna della metà del Seicento. Anche se il titolo indica che si tratta di composizioni legate all’Ufficio delle Tenebre che si recita negli ultimi tre giorni della Settimana Santa e si riferisce alle tre lamentazioni del profeta Geremia, due attribuite a Giacomo Carissimi e una di Pietro Cesi, e al Pianto della Madonna di Giovanni Felice Sances, nel disco sono presenti molte altre musiche vocali, come mottetti e madrigali spirituali a voce sola, e alcune musiche strumentali per organo.

Tra i compositori italiani attivi a Vienna e soprattutto a Roma, figurano anche nomi meno noti come per esempio Orazio Michi, e nella varietà di questa selezione risalta lo stile recitativo caratteristico della fioritura musicale barocca, ricco di contrasti, cromatismi, dissonanze e fioriture.

Per la maggior parte si tratta di composizioni registrate per la prima volta e molto probabilmente anche di prime esecuzioni in epoca moderna, perché provenienti da differenti fonti a stampa e da un interessante manoscritto conservato a Bologna (I-Bc Q.43) che contiene molta musica per la Settimana Santa e anche madrigali morali, sacri e devozionali, eseguiti con un continuo brillante e ricco di colori timbrici.

La Florida Capella che accompagna il tenore Riccardo Pisani è diretta da Marian Polin all’organo, ed è formata da Franziska Fleischanderl (salterio), Alessandro Baldessarini (chitarrone), Margret Köll (arpa barocca), e Mauro Colantonio (viola da gamba e Lirone).

Il jazz e l’arpa non sono mai andati completamente sottobraccio, anche se vi sono state – e tutt’ora ci sono – delle esperienze di particolare importanza e pregio. Da Dorothy Ashby ad Alice Coltrane, passando per Adel Girard e Pearl Chertok, fino a giungere alle note più vigorose dell’arpa colombiana di Edmar Castaneda, il cui duo con Hiromi ha incantato mezzo mondo.

Di recente codesto strumento dalle origini antichissime (i Sumeri furono i primi a usarlo) sembra essere intriso di nuova linfa vitale, visto il crescente numero di musiciste che ne hanno fatto un leader in ambiti musicali jazzistici e viciniori.

Quest’oggi parleremo di tre nuove uscite, di altrettante arpiste: l’ucraina Alina Bzhezhinska, con il suo nuovo singolo, con al suo fianco il producer di Ibiza Tulshi, dal titolo Whispers of Rain.

A seguire la statunitense Brandee Younger, che presenta anche lei il nuovo singolo Unswept Corners, in versione ambient mix.

Chiude la terna l’arpista gallese Amanda Whiting, con la deluxe edition di The Liminality of Her.

Tre donne, tre diverse declinazioni dell’arpa, della musica, del jazz e della fluidità compositiva, scevra da marchi di fabbrica. Assolutamente da non inscatolare in un solo genere musicale. 

Attore, regista e autore teatrale, in oltre quarant’anni di attività Enzo Moscato ha saputo rinnovare la drammaturgia napoletana innestando sulla nobile tradizione di Eduardo e Scarpetta stimoli provenienti dalle avanguardie europee fecondati da riferimenti filosofici che lo accomunano a un altro grande “diverso” quale fu Carmelo Bene. Il canto è stato una delle forme espressive di un artista che ci ha lasciati poco più di un anno fa. Hotel de l’Univers (Squilibri) ripropone le musiche di uno spettacolo che nel 2003 inaugurava il Teatro Stabile di Napoli, con la direzione musicale di Pasquale Scialò. Lo fa in una veste elegante che sfoggia in copertina un dipinto di Mimmo Palladino e aggiunge due canzoni affidate alla voce di Enzo Gragnaniello. Il filo conduttore dello spettacolo sono le canzoni del cinema, che rivelano un personale percorso di formazione nel quale si alternano celebri melodie di Nino Rota, Nicola Piovani, Libero Bovio e Charlie Chaplin a brani originali dedicati a Marilyn, Pasolini, Resnais e Tennessee Williams, su testi dello stesso Enzo Moscato e musiche di Pasquale Scialò.