La Recensione

Una serata speciale, quella dello scorso 17 aprile, ha segnato per l’Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, storica istituzione musicale romana, l’inizio dell’atteso ciclo sinfonico mahleriano firmato Daniel Harding, suo direttore musicale dalla stagione 2024/25. Ma non solo, ad arricchirla la presenza del celebre violinista Joshua Bell, artista in residenza per questa stagione, solista nel Concerto per violino e orchestra in la minore op. 53 di Antonín Dvořák. Il programma ha previsto, quindi, oltre alla performance di Bell (conclusasi con un bis dedicato a Fryderyk Chopin con il suo Notturno op. 20 nell’arrangiamento di Nathan Milstein), una parte dedicata a Gustav Mahler, come accennato prima tappa dell’intero percorso sinfonico mahleriano, iniziata sulle note di Blumine, originale secondo movimento della prima sinfonia, e proseguita nella seconda parte della serata con la Sinfonia n. 1 in re maggiore Titano. Programma, che peraltro la compagine orchestrale romana porterà in tournée, dal 5 al 10 maggio, a Barcellona, Amburgo, Dortmund, Katowice e Francoforte, e che il pubblico di una gremita sala Santa Cecilia ha accolto in modo più che caloroso.
La lettura di Harding e i suoi, delle pagine mahleriane in particolare, ha evidenziato grande solidità e omogeneità, insieme ad un’esaltazione dei chiaroscuri, emblema della densa scrittura del compositore boemo, talvolta penalizzata dalla “dispersiva” acustica della sala. Ma anche scelte agogiche tali da esaltarne la brillantezza e l’inconfondibile carattere. 

«Sarebbe un po’ troppo facile riassumere il sound di Maya Delilah con la risposta alla domanda “E se Norah Jones sapesse suonare la chitarra come Eric Clapton?”, ma il paragone coglie bene le influenze in gioco nel lavoro dell’artista londinese». Una recensione così – letta in rete – non può che stuzzicare la curiosità, soprattutto se poco più avanti si cita un’altra leggenda della chitarra elettrica e acustica, Mark Knopfler, si nomina la prima singer-songwriter, Carole King, si accenna ad atmosfere ballabili e “new jack swing” (una fusione di soul, contemporary R&B, hip hop e doo wop, una cosa dei tardi anni Ottanta), con l’aggiunta del nome dell’etichetta che ha pubblicato il primo album di Maya Delilah, la Blue Note. Così, nel giro di pochi minuti, l’album è stato comprato e scaricato. Mantiene le promesse? Forse il recensore sul web ha calcato un po’ la mano? No, The Long Way Round è proprio un bell’album di debutto, con una brava cantautrice/chitarrista (e bassista) affiancata da valentissimi musicisti e musiciste (Aaron Graham, Aaron Sterling, Annika Bennett, Benjamin Fletcher, Cory Henry, Doug Schadt, Grace Lightman, Greta Isaac, Jesse Singer, John Jones, Josh Grant, Martin Luke Brown, Peter Miles, Samm Henshaw, Seth Tackaberry, Stephen Barnes, Tom Higham, Trey Campbell: ma quanti sono?). Meriterebbe un ascolto panoramico, saltando da una traccia all’altra, non prima di aver assaporato la varietà e il fascino di ciascuna. I guai vengono dopo, quando – cercando di ottenere qualche informazione in più – si trova che Maya Delilah ha studiato nello stesso istituto, la BRIT School for Performing Arts & Technology, frequentato da Adele e da Amy Winehouse, che a 24 anni è presente su tutti i social media e ha un sito web pieno di informazioni, nel quale brilla una pagina ricchissima dedicata al merchandising. Insomma, Maya Delilah è perfetta. È il prodotto che ogni discografico e ogni promoter vorrebbe avere. E ha anche un contratto di endorsement con la Fender. Troppo?

Ci sono territori del mondo dove le impronte ultramillenarie del passato sono più profonde. E in molte di esse suona stridente il contrasto fra un’antichità magari leggendaria e un presente fatto di declino, di sofferenze, di guerre. Il Caucaso è sicuramente uno di questi luoghi che, nella vecchia antropologia, diede il nome ai caucasici, ossia le popolazioni di pelle chiara. Subito a sud della catena montuosa si stende la Georgia che, affacciata sul Mar Nero, include l’unica pianura della regione: Kolkheti è chiamata, nome che a tutti naturalmente evoca la mitica Colchide dove Giasone e i suoi Argonauti si spinsero alla ricerca del “vello d’oro”. Fra leggenda e storia, dunque, la Georgia vanta anche un singolare primato musicale: l’aver dato origine, già in età precristiana, alle più antiche forme di canto polifonico, da cui derivò, verosimilmente, anche la polifonia europea.

Ebbene, in Georgia, l’impronta di questa antichissima tradizione di canto a più voci con il suo patrimonio di regole tramandate oralmente, è ancora vivissima, praticata a tutti i livelli – in Georgia si dice, tutti cantano in coro – e custodita gelosamente da innumerevoli gruppi vocali alcuni dei quali molto popolari. E nel 2008 l’Unesco ha inserito la pollifonia tradizionale georgiana fra i beni del Patrimonio immateriale dell’umanità. Una ventina d’anni prima, a Parigi, un americano innamorato di questa musica si dette da fare per creare un ensemble che si dedicasse a questa affascinante pratica musicale. Nacque così l’Ensemble Marani, un gruppo cosmopolita, georgiani emigrati ma non solo, che via via ha conquistato un’autorevolezza crescente. Sharatin, da poco uscito per Buda Musique è il loro terzo album.

La casa editrice Feltrinelli pubblica il bellissimo libro di Francesco Lombardi sul grande Nino Rota: un libro da possedere per le infinite notizie che rivelano il quotidiano del grande Maestro, la sua gioventù, i suoi successi e insuccessi, le sue paure e le sue manie. Un libro che Lombardi, e si sente dal tono, dedica con infinito amore allo straordinario compositore con materiali di archivio presi dalla Fondazione Cini che possiede l’opera completa di Rota. Lombardi, musicologo e curatore, ci regala pagine che completano in modo mirabile l’ascolto di alcuni tra i più bei brani della storia della musica per film.

Dopo un trentennio di presenza in edicola dal 2013 Il Blues adesso si può consultare in rete gratuitamente così da mantenere il contatto con una forma musicale che dagli Stati Uniti si è diffusa in tutto il mondo e che ancora oggi attrae e conquista una vasta platea. È un trimestrale che aggiorna su biografie, stili musicali con interviste, recensioni di dischi e di libri. Fondato da Marino Grandi nel 1982 con altri appassionati come Fabio Treves e Guido Toffoletti adesso è diretto dal figlio Davide che prosegue la passione e l’impegno del genitore.

Dal 4 al 6 aprile si è svolta a Spello la seconda edizione della rassegna I suoni del liuto con un programma comprendente concerti, conferenze, seminari e una esposizione di strumenti musicali.

La manifestazione diretta da Patrizia Bovi è stata organizzata dal Centro studi di musica medievale Alfredo Broegg, fondato nel 2009 e intitolato a uno dei fondatori dell’ensemble Micrologus prematuramente scomparso nel 2006, e fa parte di un progetto più ampio chiamato “Suoni e Cantici Internazionali dall’Umbria”.

Gli eventi del programma hanno abbracciato un arco temporale che dal Medioevo arriva fino al Barocco, coinvolgendo numerosi musicisti, in particolare Ariel Abramovich, Eduardo Eguez, Peppe Frana, Katerina Ghannudi, Marc Lewon, Jacob Mariani, Evangelina Mascardi, Luca Piccioni, Danilo Tamburo, Crawford Young e Francesco Zoccali.

Sì, è proprio lei: la figlia di Ravi Shankar, il Gran Maestro del sitar; colui il quale ha sdoganato il cordofono a 18 corde in tutto il mondo. Lei è anche la sorellastra di Norah Jones. Ma non è di questo che parleremo, perché Anoushka Shankar ha delle competenze tecniche (indubitabili, visto il maestro che ha avuto) e compositive illuminanti. È un’artista a tutto tondo, capace di coniugare linguaggi sempre differenti, di mettere insieme la tradizione classica indiana con quelle sonorità più ambient, più chill, più rock se vogliamo, che l’hanno resa famosa in tutto il mondo.

È londinese e, nonostante sia ancora giovane, ha già pubblicato un’autobiografia: Bapi: the love of my life, dedicata al padre al quale Anoushka è molto legata.

La musicista britannica ha saputo carpire tutti i segreti dello strumento, così come è riuscita a coniugare perfettamente il linguaggio classico della musica indiana con le tinte più jazz, soul e pop di matrice occidentale. Sarà per tale abilità che, tra le altre, ha conseguito ben sei nomination ai Grammy Awards e ha già debuttato alla Carnegie Hall di New York.

L’attenzione è per il suo nuovissimo EP, conclusivo capitolo di una trilogia iniziata nel 2023, dedicata al rapporto tra la luce e il buio. Chapter I: Forever, For Now (2023), Chapter II: How Dark It Is Before Dawn (2024, che si fregia anche di una nomination ai Grammy Awards) e il fresco di stampa Chapter III: We Return To Light, tutti pubblicati dalla Leiter.

Il 22 aprile parte la seconda edizione di Seven Springs. Il suono della Holden, il festival ideato da Alessandro Baricco che si svolgerà presso i locali della scuola di scrittura a Torino e proseguirà fino al 10 giugno. I direttori artistici Gloria Campaner e Nicola Campogrande hanno immaginato sette serate, alle sette di sera, al costo di sette euro ciascuna (con una sola eccezione finale). Fra gli ospiti di spicco Viktoria Mullova, Vinicio Capossela, Giovanni Antonini, Anabel Montesinos, Alessandro Carbonare e Giovanni Sollima per un programma variegato che spazia attraverso i principali generi musicali: classica e contemporanea, musica antica e barocca, canzone d’autore, jazz (Sting e Police rivisitati), rock (Zappa) e tango (Piazzolla e Gardel per una serata con milonga finale) all’insegna di contaminazioni fra alto e basso mentre la musica incrocia narrazioni letterarie (una serata dedicata a Carlo Levi nel 50° anniversario della morte), cinematografiche e televisive. La danza diventa ballo di piazza e una Traviata da cortile prelude a una festa di paese con il pubblico che si unirà agli interpreti cantando e brindando. Seven Springs propone un format che invita alla partecipazione, alla conversazione, al racconto, in salutare controtendenza rispetto alle sorti tutt’altro che magnifiche e progressive delle connessioni virtuali che sovrintendono alla comunicazione contemporanea. 

Il Mahler Festival torna, finalmente, al Royal Concertgebouw di Amsterdam. Dove nel 1920 fu realizzata la prima edizione, voluta da Willem Mengelberg per celebrare - proprio con un festival dedicato a Gustav Mahler, suo amico e “idolo” - il suo ventesimo anniversario come direttore dell’Orchestra del Concertgebouw. Il 2025 segna, quindi, l’atteso ritorno di un festival che, giunto alla sua terza edizione, testimonia il profondo legame dell’orchestra olandese con il compositore boemo e la sua musica. Dall’8 al 18 maggio 2025, il Royal Concertgebouw ospiterà il terzo Mahler Festival della sua storia. 105 anni dopo la prima edizione, prestigiose orchestre provenienti da tutto il mondo si riuniranno ad Amsterdam per un grande omaggio a Gustav Mahler. Durante la kermesse, della durata di dieci giorni, verranno eseguite tutte le sinfonie e i Lieder del compositore. Le sinfonie saranno eseguite da blasonate orchestre guidate da alcune tra le più apprezzate bacchette del panorama internazionale, in ordine dalla numero 1 alla numero 10. Così da rendere il festival una sorta di viaggio cronologico unico attraverso la vita e l’opera sinfonica di Mahler. L’Orchestra del Concertgebouw, guidata dal suo futuro direttore principale Klaus Mäkelä, eseguirà per il concerto di apertura la Sinfonia n. 1 di Mahler. Mentre i Berliner Philharmoniker concluderanno il festival con la Sinfonia n. 10 (l’Adagio). 

Uscito da qualche settimana, The Overview è l’ottavo album pubblicato da Steven Wilson, cantante, autore, chitarrista e polistrumentista, produttore britannico quasi cinquantottenne. È nato, infatti, nel 1967, anno di un certo valore simbolico per un musicista la cui carriera discografica è iniziata nel 1991 insieme ai Porcupine Tree, gruppo che viene annoverato tra i protagonisti del revival del progressive rock. Il gruppo esiste ancora, e la sua pubblicazione più recente risale al 2022. Nel frattempo, Wilson si è dedicato ai suoi album da solo, e anche ad altri sei gruppi, non sottraendosi alla proliferazione di “progetti” diversi che ha caratterizzato il lavoro delle generazioni di musicisti rock dopo gli anni Ottanta-Novanta. Ultimamente, Wilson si è anche dedicato al remissaggio di “classici” del progressive rock e del rock psichedelico, tra i quali due album degli Yes (Fragile e Close to the Edge), uno dei Jethro Tull (Aqualung) e uno dei King Crimson (In the Court of the Crimson King). Che a un “giovane” come lui sia stato concesso di mettere le mani sul materiale originale di gruppi come quelli, tra i più severi e puntigliosi sul proprio lavoro, è indice della stima che Wilson si è guadagnato in quegli ambienti. Tra l’altro, l’album dei King Crimson è quello a proposito del quale i critici iniziarono a usare l’etichetta di genere “progressive rock”: avveniva quando Steven Wilson aveva da poco compiuto i due anni.

In alcune delle numerose interviste che ha concesso a proposito di The Overview, Wilson ha tenuto un atteggiamento ambivalente in relazione al genere, forse per la preoccupazione di essere catalogato come un epigono: in alcuni casi ha sostanzialmente negato che la musica dell’album sia “prog” (termine postumo, fra l’altro, che ha cominciato a circolare nell’epoca del revival e che non si usava nel periodo “classico” dei primi anni Settanta), in altri ha affermato che l’essenza del genere è l’apertura delle forme, la lunghezza dei brani, una caratteristica che però non è esclusiva – in ambito popular – del progressive. Sia come sia, The Overview accontenterà i vecchi e nuovi fan del progressive con ben altro che la sola estensione dei brani (uno per facciata nella versione su vinile). Il titolo si riferisce allo stupore provato dagli astronauti quando per la prima volta osservano la Terra dallo spazio: una sensazione molto musicale, evidentemente, se è vero che Adorno ne scrisse a proposito del Lied von der Erde nel suo saggio su Mahler del 1960, parlando non di un astronauta (non ne era esistito ancora nemmeno uno) ma di un “pilota stratosferico”. Rileggere per credere (T.W. Adorno, Wagner, Mahler, Einaudi, Torino, 1966, p. 275).