La Recensione

Esce il nuovo lavoro per l’ottimo pianista islandese che dopo le fatiche delle Variazioni Goldberg, incise sempre per la Deutsche Grammophon e con le quali ha suonato nelle sale di tutto il mondo: si tratta di cinque cantate e di un canto sacro per voce sola e basso continuo di Johann Sebastian Bach scritto per il Musicalisches Gesang-Buch di Georg Christian Schemelli. Quasi tutti arrangiati per pianoforte dallo stesso Ólafsson e, in un caso, con la versione per 4 mani di György Kurtág eseguito con la moglie Halla Oddný Magnúsdóttir. Come sempre magnifica occasione, davvero da non perdere. 

Il primo disco solista di Albane Imbs è dedicato a due musicisti enigmatici, anche se per ragioni diverse. Il primo è il tiorbista modenese Bellerofonte Castaldi, un bizzarro artista dalla vita avventurosa che oltre ad essere un virtuoso del proprio strumento si dilettava anche nella composizione di versi dalla vena satirica, e la cui raccolta musicale più importante è Capricci a due stromenti cioè tiorba e tiorbino stampata a Modena nel 1622. Il secondo, anche dal punto di vista cronologico, è il chitarrista bolognese Domenico Pellegrini del quale si conosce solo la raccolta di composizioni, intitolata Armoniosi concerti sopra la chitarra spagnola stampata a Bologna nel 1650 e poco più.

Nel titolo completo che appare frontespizio della originale antologia di Castaldi è specificato «per sonar solo varie sorti di balli e fantasticarie» e vi compare solo il suo nome di battesimo scritto al contrario e seguito, sempre al contrario, dalla parola latina ludebat. La raccolta delle musiche di Pellegrini, è più convenzionale sotto tutti gli aspetti, anche se è provvista come la precedente di un piccolo apparato didattico che risponde alle stesse esigenze di istruire i destinatari di questo tipo di libri di musica nei quale si spiegano i principali aspetti esecutivi, in questo caso relativi al modo di suonare la chitarra secondo le regole dell’intavolatura con il particolare sistema alfabetico con il quale si indicavano gli accordi.

Sulla copertina del CD compare anche il prestigioso nome di Rolf Lislevand, che è stato uno dei maestri della giovane musicista e la accompagna con la tiorba nella esecuzione di alcuni capricci di Castaldi la cui parte principale è affidata al tiorbino che suona all’ottava superiore.

Sognatrici (Musica Lavica Records) è il nuovo album della cantautrice, compositrice e autrice teatrale catanese Gabriella Lucia Grasso dedicato alle donne oppresse, indomite e ribelli che attraverso i loro gesti, pubblici e privati, hanno provocato piccoli e grandi terremoti in grado di smuovere coscienze, creare empatia favorendo movimenti d’opinione a difesa del genere femminile. Sognatrici è la colonna sonora dell’omonimo spettacolo creato dalla cantautrice con Valeria Benatti, scrittrice e conduttrice radiofonica e autrice del testo teatrale. Dieci storie emblematiche: dalla poetessa Mariannina Coffa, vittima del patriarcato, alla protofemminista Graziosa Casella, da Franca Viola la cui determinazione promosse l’abolizione del matrimonio riparatore al dramma delle spose bambine, per toccare figure note come Rosa Balistreri e Alda Merini.
Le canzoni, tutte a firma di Gabriella Lucia Grasso (a eccezione di una Bella Ciao corale), rivelano una profonda sintonia con la tradizione dei cantastorie, la cui memoria è ancora viva specie in Sicilia e si avvalgono degli arrangiamenti essenziali di Denis Marino, con la chitarra al centro e un occasionale contorno di mandolino, flauto, basso e percussioni appena accennate.

Torna, dal 16 luglio al 3 agosto 2025, il Verbier Festival. Attesa kermesse che alle meraviglie paesaggistiche della nota località sciistica svizzera accosta concerti “unici”, che vedono protagoniste stelle del panorama musicale internazionale, in formazioni cameristiche o accompagnate dall’orchestra in residenza, la Verbier Festival Orchestra. Ad ospitare la programmazione denominata “Mainstage”, infatti, due luoghi: per i concerti cameristici l’Église de Verbier, dalla capienza di circa 430 posti, mentre per i concerti sinfonici, alcuni Recital, le opere e non solo, la Salle des Combins, 1419 posti distribuiti in una struttura non permanente. Tanti, quindi, i celebri volti che si alterneranno sul palco della Salle “vista alpi”: si parte dall’opening concert, che prevede sul podio della VFO, il 17 luglio, Barbara Hannigan, per proseguire con artisti tra cui Gábor Takács-Nagy e Kristóf Baráti, Klaus Mäkelä, Yunchan Lim, Daniil Trifonov, Teodor Currentzis and Alexandre Kantorow per citare solo alcuni dei coinvolti nella programmazione sinfonica. Mentre quella cameristica conterà nomi come Leonidas Kavakos, Ilya Gringolts, Ksenija Sidorova, Antoine Tamestit, Julien Quentin, Renaud e Gautier Capuçon, Martha Argerich, Mischa Maisky, Edgar Moreau e Daniel Lozakovich. 

Presentato all’inizio del 2024 al Sundance Festival, negli Stati Uniti, il documentario del regista belga Johan Grimonprez ha attirato una crescente attenzione verso la fine dello stesso anno, dopo la proiezione in altri festival, fino a ottenere una candidatura come miglior documentario agli Academy Awards del 2025; nel frattempo ha iniziato a circolare in altre rassegne, anche in Europa (e in Svizzera: a Zurigo, a Basilea), e da poco è approdato sulle piattaforme di streaming. Da qualche giorno è visibile su Prime. Quasi tutte le recensioni sono entusiastiche, e molte suggeriscono che sia proiettato nelle scuole: il che, per un film che dura due ore e mezza, costituisce una sfida eccezionale. Come mai? Grimonprez ha messo insieme una grande quantità di documenti visti molto raramente in precedenza, che risalgono a un’epoca di grandi tensioni internazionali, rispetto alle quali anche il nostro presente appare in una luce diversa. Si tratta di uno dei periodi più duri della guerra fredda, culminato con la crisi dei missili a Cuba, e che coincide con la fase più intensa del processo di decolonizzazione che investì soprattutto l’Africa, con il raggiungimento dell’indipendenza da parte di molte ex-colonie. Patrice Lumumba, leader dell’indipendenza del Congo, e Kwame Nkrumah, del Ghana, promotore di un’ipotetica fondazione degli Stati Uniti dell’Africa, e Nasser, e Nehru, con gli altri esponenti del movimento dei paesi non allineati, compaiono nel documentario, alternando le loro voci con quelle dei leader delle potenze occidentali e di quelle del blocco contrapposto, con una forte evidenza di Nikita Chruščëv (noi scrivevamo Krusciov), ripreso nelle tumultuose riunioni dell’Assemblea dell’ONU, inclusa quella in cui si tolse una scarpa e la batté sul banco, attirando l’attenzione del mondo intero. In quelle occasioni si parlava molto dell’Africa, e delle mosse di alcune potenze e di importanti società minerarie per frenare l’indipendenza del Congo, e le aspirazioni rivoluzionarie di Lumumba. Il Congo era il paese che aveva fornito agli USA l’uranio necessario per le bombe di Hiroshima e Nagasaki, e ne possedeva ancora circa millecinquecento tonnellate: gli USA non volevano che cadessero in mani sovietiche. Oggi sappiamo (ma lo si sapeva anche allora) che in Congo ci sono grandissimi giacimenti di cobalto, di coltan, e di altri minerali indispensabili per l’elettronica, le batterie delle auto elettriche, eccetera. Grimonprez, nell’affrontare un tema così delicato, ha un’idea geniale. Intreccia quella storia con quella del jazz, negli stessi anni, partendo da due aspetti altrettanto importanti: 1. l’uso del jazz, da parte degli USA, come ambasciatore della cultura statunitense, inviando jazzisti noti in giro per il mondo (a cominciare da Louis Armstrong, spedito in Congo proprio in quel periodo), e 2. la funzione del jazz nelle lotte per i diritti civili degli africano-americani, e nella loro solidarietà con i popoli dell’Africa. Con un accorgimento suggestivo, quello di impaginare le sequenze di jazz con la grafica delle copertine della Blue Note di quel periodo, il regista costruisce la sua affascinante colonna sonora per un colpo di stato (come nel titolo), raccontandoci anche con la musica una storia che quasi riesce a far impallidire le follie attuali della politica internazionale.   

Il titolo è piuttosto suggestivo e anche azzeccato: The Age of Extremes, pubblicato dall’etichetta Arcana. In questo nuovo album, l’Ensemble Il Pomo d’Oro diretto da Francesco Corti al clavicembalo, propone una bella scelta di pagine provenienti da quell’angolo in ombra della musica settecentesca, che è stato per lungo tempo una sorta di faccia nascosta della luna, ma che, via via, ha rivelato sorprese a non finire. L’ombra, naturalmente, come scrive Peter Wollny nelle note, è quella di promontori giganteschi quali Bach e Handel da una parte e, dall’altra, Mozart e compagni. In mezzo c’è quel territorio per lungo tempo nebbioso e sottovalutato che i manuali di storia etichettano come età dello “Stile galante” e che molti recepiscono come luogo della superficialità, in parallelo col declino dell’arte contrappuntistica. Ma quello stile, il suo bisogno di liberarsi dalla precettistica secentesca, il gusto delle melodie carezzevoli, è solo una faccia di una più generale ricerca di libertà espressiva che proprio nella seconda metà del Settecento sfocia in effetti in qualcosa di “estremo”, cioè l’iper-drammaticità, l’imprevedibilità, i soprassalti emotivi del cosiddetto Empfindsamer Stil, lo Stile sensibile. All’epoca, nel campo della musica strumentale, il campione indiscusso e più acclamato di questa tendenza fu Bach, ma non Johann Sebastian, bensì suo figlio Carl Philipp Emanuel. Tra il 1740 e il 1780, se dicevi Bach, tutti pensavano a lui o tutt’al più, a suo fratello più giovane, Johann Christian, non certo al padre. Oggi C.P.E. sono iniziali ben conosciute e ammirate, ma non c’era solo lui. Questo album ci dice proprio questo e ci propone anche una sinfonia del fratello maggiore, Wilhelm Friedemann, molto meno fortunato, e incornicia il tutto con due concerti di un altro grande sottovalutato, ammirato da Mozart che fu letteralmente sedotto dai suoi melologhi: Jiří Antonín Benda, ma i tedeschi lo chiamano Georg Anton.

L’opera di Michelangelo Rossi è fra le più note del periodo tastieristico del 1600, soprattutto a Roma città di accademie, concerti e celebrazioni. Non tutti sanno però che le esecuzioni per arpa – l’arpa doppia, cioè cromatica a tre file di corde – erano particolarmente apprezzate. Dal punto di vista organologico sono ricche le testimonianze di questi repertori che svolgevano attività intense sotto il papato di Urbano VIII. Arparla, per le eccellenti registrazioni di Stradivarius, ci offre esempi di qualità imperdibili!

Nato nel 1984, Guitar Club è stato il primo magazine italiano specializzato nella pubblicazione di materiale informativo legato al mondo della chitarra in tutte le sue forme e anche a quello del basso. Dunque l’anno scorso ha festeggiato felicemente un quarantennale ricco di interviste, editoriali, test di prodotti, news e speciali dedicati al mondo della chitarra. Ovviamente disponibile anche online tramite le piattaforme ISSUU e Readly, con il portale guitarclubmagazine.com e tramite il canale YouTube.

La data del 21 marzo è considerata quella dell’inizio della primavera, ma è anche il giorno nel quale è nato Johann Sebastian Bach, e dunque è stata scelta da REMA (Réseau Européen de Musique Ancienne) come Giornata della Musica Antica. La sua istituzione risale al 2013 grazie all’iniziativa di Peter Pontvik, ex presidente del network, e della ex commissaria europea per la cultura Androulla Vassiliou.

Oggi REMA / Early Music in Europe riunisce centottantasette membri, tra festival, associazioni, gruppi e operatori musicali appartenenti a ventotto paesi, e la programmazione della celebrazione di mille anni di musica si è progressivamente arricchita grazie all’adesione di numerosi partecipanti.

Gli oltre cento eventi che compaiono sul sito dell’Early Music Day, giunto alla sua tredicesima edizione, si svolgono anche nei giorni precedenti e successivi attorno al 21 marzo, e dal 2017 i coordinatori della celebrazione scelgono un musicista come ambasciatore rappresentante di questo mondo musicale che è un prezioso patrimonio culturale. Dopo René Jacobs, Skip Sempé, Jean Rondeau, Rachel Podger, Olga Pashchenko, Carlo Vistoli, Amandine Beyer, Dorothee Oberlinger, il ruolo simbolico di ambasciatrice quest’anno è spettato a Franziska Fleischanderl, che con il suo salterio incarna lo spirito di ricerca e di creatività che distingue chi si dedica alla interpretazione ed esecuzione musicale storicamente informata.

È in scena in queste settimane all’Opernhaus di Zurigo Agrippina di Georg Friedrich Händel, una produzione che ha già conquistato il pubblico, grazie soprattutto all’eccellente livello musicale dell’orchestra, del maestro al clavicembalo e dei cantanti.

Sul podio, Harry Bicket dirige l’Orchestra La Scintilla, specializzata nell’esecuzione su strumenti d’epoca, offrendo una lettura elegante dell’opera seria scritta su libretto del cardinale Vincenzo Grimani per il Carnevale di Venezia del 1709-1710.

In scena, sotto la regia di Jetske Mijnssen, un cast d’eccezione: Anna Bonitatibus è un’Agrippina astuta e carismatica, Lea Desandre incarna una Poppea affascinante e sfuggente, mentre Jakub Józef Orliński e Christophe Dumaux danno vita a un Ottone e un Nerone ricchi di contrasti emotivi e virtuosismo vocale.