La Recensione

Il 17 febbraio 1965, in uno scantinato del quartiere Coppedè della Capitale, veniva inaugurato il Piper Club, un locale destinato a fare la Storia per aver dato forma alla prima rilevante cultura giovanile in Italia, plasmata attorno alla musica beat che funzionò da collante in grado di catalizzare speranze e utopie della generazione nata dopo la guerra. Fucina dei nuovi fermenti musicali, il Piper ha lanciato artisti, mode e balli in grado di contagiare anche i cosiddetti “matusa” giunti a curiosare e mescolarsi, beati, nella calca. Il Piper Club – Tempio del Beat dal 1965 (le immagini, le storie, i protagonisti), a firma di Corrado Rizza (Ed. Volo Libero), racconta i primi sessant’anni della mitica proto-discoteca che ha battezzato la nascita del rock in Italia. Il libro è un ricco catalogo di testimonianze, documenti d’epoca, aneddoti e immagini (oltre 200) quasi del tutto inedite che rendono un doveroso omaggio a un’istituzione centrale nella storia del costume italiano e lo fa a ritmo di shake: testi brevi, leggeri ed evocativi che danno sostanza a un racconto fotografico sorprendente. Un “come eravamo” commovente, un album di famiglia per chi ha frequentato le cronache della popular culture di casa dai tempi di Bandiera Gialla (Arbore e Boncompagni erano assidui frequentatori del locale di via Tagliamento) ai primi vagiti della moda hippy e della psichedelia. Da Patty Pravo a Mita Medici (“le ragazze del Piper”), dai Rokes all’Equipe 84 (i primi a esibirsi), dai Procol Harum agli allora sconosciuti Pink Floyd, sul palco del Piper hanno sfilato – da protagonisti o da avventori (Gene Kelly, i Rolling Stones) – gli artisti di belle speranze che facevano capo alla RCA, il gotha del cinema italiano, i VIP, la Roma bene e la meglio gioventù di allora, con il codazzo di paparazzi intenti a immortalare gesti e sguardi che oggi ritroviamo nel libro assieme a gustose playlist preparate dai deejay di allora. E se l’inaugurazione del locale fu contestata dalle donne comuniste come “un mastodontico ingranaggio commerciale” che spacciava per ribellione quel che altro non era che “rivolta prefabbricata” (così si esprimeva la rivista Noi donne), l’Amarcord curato da Rizza spegne definitivamente quelle fiamme che di lì a poco avrebbero appiccato il fuoco a ben altre istituzioni. 

Risale allo scorso 5 marzo il concerto sinfonico che, alla Tonhalle Zürich, ha visto protagonisti l’omonima orchestra, Tonhalle-Orchester Zürich, e il suo direttore musicale Paavo Järvi, in un programma comprendente il Concert Românesc di György Ligeti, il celeberrimo Doppio concerto per violino e violoncello, op. 102 di Johannes Brahms, solisti Christian Tetzlaff e Tanja Tetzlaff, e la Sinfonia n. 3 in mi bemolle maggiore, op. 97 Renana di Robert Schumann. Una serata che conferma l’ormai consolidato sodalizio tra la compagina orchestrale elvetica ed il direttore di origine estone, alla sua guida per la sesta stagione. Ad ospitarli la Tonhalle Zürich, monumentale edificio dalle grandi vetrate vista lago, sede dell’orchestra dal 1895. Che, realizzato tra il 1892 e il 1895 e situato nel centro storico della città, ha rivisto la luce nel settembre 2021, dopo 4 anni di restauro. La stagione 2024/25, inoltre, vede la Tonhalle-Orchester Zürich e Järvi impegnati nella prosecuzione del ciclo dedicato alle sinfonie di Mahler, comprendente le registrazioni per l’etichetta francese “Alpha Classics”, come già avvenuto per autori tra cui Mendelssohn, Tchaikovsky e Bruckner. Il 14 marzo ha infatti segnato l’uscita del primo cd del ciclo sinfonico mahleriano dedicato all’amatissima Sinfonia n. 5 in do diesis minore. 

La sala grande dell’Auditori di Barcellona ha ospitato, una settimana fa, un concerto dell’Orchestra Sinfonica di Barcellona e Nazionale della Catalogna, con un programma molto interessante e vario, che ha attirato un gran pubblico, da tutto esaurito. Il pezzo forte era la Sinfonia delle Alpi di Richard Strauss, che probabilmente sollecitava i gusti di una città notoriamente wagneriana, e una tradizione esecutiva che anche di recente si era soffermata sulla musica orchestrale di Richard Strauss, e più in generale sul sinfonismo tardoromantico. Ma, quasi in contraddizione, l’altro brano che caratterizzava il programma era un Concerto per clavicembalo, archi e percussione, una composizione del 1955-56 di Robert Gerhard, catalano di nascita (a Barcellona il suo nome si pronuncia Roberto Gerárd). Dopo i primi studi a Barcellona si spostò a Vienna e fu allievo di Schönberg, per poi trasferirsi, in esilio, a Londra.
Il titolo del suo Concerto è certamente bartokiano, ma la data e l’uso del clavicembalo come strumento solista rimandano alla musica nuova degli anni Cinquanta, quella non compromessa dal fascino per il serialismo integrale e dai dibattiti di Darmstadt, che emergeva lontano dalla sfera di influenza franco-tedesca: pensiamo a Frank Martin, Martinu, Ligeti o Elliot Carter.
Certo il clavicembalo fatica a emergere in un contesto orchestrale novecentesco: nella sala era piazzato proprio di fronte al pubblico, più vicino di qualsiasi altro strumento. Ma soprattutto era suonato da uno dei clavicembalisti più noti e apprezzati ora, l’iraniano-americano Mahan Esfahani. Anche se notoriamente il clavicembalo è insensibile all’energia della pressione dei tasti (non a caso Bartolomeo Cristofori lo trasformò nel fortepiano…), Esfahani suonava con tanta foga che il suo strumento sembrava riuscire a sovrastare il “tutti”. Accoglienza calorosissima, per una musica asciutta, scultorea, certamente non pensata per blandire le orecchie più pigre. I bis che Esfahani ha concesso hanno ricevuto applausi sterminati.
Prima, all’inizio del concerto, era stata la volta di un’altra solista, Jaha Lee, concertino (primo violino) dell’orchestra, impegnata nella Fantasia in Do maggiore per violino e orchestra, op. 131, di Robert Schumann, un brano del 1853, fresco e adatto ad aprire un concerto impegnativo, che si segnala più che altro per il fatto che Joseph Joachim, il violinista più autorevole della seconda metà dell’Ottocento, si concesse per eseguirlo, dopo aver rifiutato il Concerto per violino che lo stesso Schumann gli aveva dedicato.
Infine la Alpensinfonie di Strauss, diretta – come il resto del concerto, naturalmente – dal francese Ludovic Morlot, attuale direttore musicale dell’orchestra catalana e un curriculum di grande prestigio. Morlot dirige con un gesto asciutto, essenziale, spesso solo con la mano destra e la bacchetta, limitando la sinistra a qualche attacco. Ricorda molto il modo in cui dirigeva Richard Strauss. Risultato potente, emozionante, come era quasi inevitabile con un’orchestra gigantesca che occupava tutto lo spazio del grande palcoscenico dell’Auditori, e anche oltre.
Applausi a non finire al direttore, all’orchestra e alle sue prime parti, fra le quali una bravissima prima tromba, Mireia Farrés, accolta da un’ovazione. 

Se lo sapesse, Erik Satie forse commenterebbe con una delle sue battute irresistibili, o magari si offenderebbe, oppure riderebbe a crepapelle o chissà cos’altro. Fatto sta che, giusto cento anni fa, Erik Alfred Leslie Satie è passato a miglior vita. E per varie ragioni viene da pensare che le commemorazioni o le ricorrenze in generale non gli fossero molto simpatiche.
Però ben venga il centenario se vedrà moltiplicarsi le uscite discografiche delle sue composizioni. Satie, beninteso, da Vexations alle Musiques d’ameublement, ci ha lasciato anche pagine di cui - se non per il gusto del paradosso o del bizzarro (attitudine che tuttavia faremmo sempre bene a tenere in esercizio) - non si sente certo la mancanza, quel tipo di languore che magari ci spinge a riascoltarci per l’ennesima volta le Mazurke di Chopin. Ma l’album che gli dedica Alain Planès, pianista e interprete a denominazione di origine controllata del primo Novecento francese, è un piccolo gioiello: un programma curiosamente impaginato, che ci racconta Satie nell’arco di un trentennio, dal diciannovenne già anticonformista, al maître à penser delle avanguardie.

Glenn Gould, una leggenda senza fine! Un personaggio che ancora oggi si colloca nell’empireo dei grandi pianisti: per tecnica e interpretazione, per carattere, per originalità di pensiero e progettualità di esecuzione. Amato ma anche discusso, in ogni caso pietra miliare della storia del pianoforte. Ma, come raccontarlo alle giovane generazioni? La casa editrice Curci Young - sempre attenta alla musica e alla diffusione e divulgazione per i giovani e per i bambini - crea questa meravigliosa biografia a fumetti, nella quale sono narrati con dovizia di particolari gli aspetti più curiosi del genio. Disegni sognanti e spiegazioni chiare fanno di questo testo un gioiello per l’infanzia! 

Finalmente un volume di più di 500 pagine con un indice di nomi che occupa venti pagine che riesce a ripercorrere l’epopea della canzone italiana in un quadro completo che inserisce autori e titoli in una serie di scuole e movimenti raccontati nello scorrere del tempo, dei luoghi e delle mode. Felice Liperi, critico musicale di lungo corso, professore di Storia della canzone italiana e Popular Music in vari atenei e giornalista d Repubblica, non a caso la prefazione è di Gino Castaldo, riesce nell’impresa non facile di raccontare questa forma d’arte popolare ma rivelatrice di una cultura più complessa di quanto si pensi.

Con questo nuovo disco Lucile Boulanger esplora le potenzialità della viola da gamba, non soltanto del passato, attraverso le pagine musicali degli autori dell’epoca d’oro dello strumento, primo fra tutti Marin Marais e i suoi immediati predecessori, ma anche in una prospettiva odierna, grazie alla creazione di nuove opere scritte da alcuni compositori contemporanei. Tra questi spicca il nome di Philippe Hersant, con il quale la gambista ha collaborato a più riprese, e che per lo strumento nel 2008 ha scritto L’ombre d’un doute per un film documentario su due quadri attribuiti a Caravaggio conservati a Loches, un comune francese della Valle della Loira. Nel disco i cinque brevi movimenti di questa composizione ispirata all’Orfeo di Monteverdi sono distribuiti tra differenti titoli, tra i quali ci sono anche quelli di altri due autori contemporanei, uno di Claire-Mélanie Sinnhuber e l’altro di Gérard Pesson.

María Isabel de la Cinta Quiñones Gutiérrez, in arte Martirio, è una cantante spagnola. La sua carriera inizia all’interno di gruppi (Jarcha, Veneno) molto popolari nell’epoca della transizione dalla dittatura franchista alla democrazia (i primi anni Ottanta, quelli della cosiddetta movida), della quale lei stessa diventa uno dei simboli quando, nel 1986, adotta il suo nome d’arte e inizia a esibirsi e a registrare come solista. La sua immagine sul palcoscenico e nei media si presta a rappresentare metaforicamente la transizione dal vecchio al nuovo: una donna severa, elegante, come una cantante di flamenco o di copla dei tempi andati, ma con un paio di occhiali neri molto glam, new wave. Il suo stile viene descritto come una fusione di copla andalusa, flamenco, bolero, jazz, tango, rock, guaracha, con una particolare attenzione ai generi sudamericani, centroamericani e caraibici, all’interno di quel repertorio che in spagnolo viene descritto come “cantes de ida y vuelta”, cioè brani e generi che hanno attraversato l’Atlantico in entrambe le direzioni.

Martirio è stata invitata a tenere un concerto – insieme al figlio, il chitarrista Raúl Rodríguez – inserito nelle celebrazioni del trentennale di Barnasants, il festival della canzone d’autore fondato da Pere Camps (Premio Tenco per l’operatore culturale nel 2021) che è intervenuto a presentare lo spettacolo. Il sito era il Teatro Joventut, all’Hospitalet, nella periferia di Barcellona, un teatro dove ogni artista del canto vorrebbe esibirsi, perché è della misura giusta (né troppo piccolo, né troppo grande), con un’acustica eccellente, con una grande visibilità del palco da ogni ordine di posti. Vorremmo avere dappertutto un teatro così. Era gremito, e l’accoglienza per Martirio e il suo accompagnatore trionfale. Il repertorio comprendeva brani appartenenti a vari periodi della carriera e della discografia di Martirio, con un omaggio particolare a Chavela Vargas, cantante messicana di origine costaricana. Martirio ha tenuto l’intero concerto, compresi i bis, in modo impeccabile; il pubblico ha apprezzato con applausi e acclamazioni anche Raúl Rodríguez, un chitarrista degno della tradizione dei grandi chitarristi andalusi, nonostante si sia avvicinato alla chitarra flamenca dopo aver iniziato come chitarrista elettrico rock-blues e batterista. 

L’ECM non ha bisogno di presentazioni. In Europa è una leader indiscussa, ma anche nel Resto del Mondo si attesta tra le migliori, anche per la sua lunga storia (fondata nel 1969) e per il suo «comandante» Manfred Eicher, da sempre attento alle sonorità jazz e classiche. Non solo, perché la casa discografica di Monaco di Baviera è attenta alla declinazione di diversi idiomi musicali, costruiti intorno al jazz e ad altri linguaggi appartenenti a tradizioni folcloriche diverse. Tra le nuove produzioni jazz di ECM puntiamo i riflettori sul nuovo disco del sessantanovenne pianista norvegese Jon Balke, Skrifum, che tiene a cuore il folclore e mette insieme tutte le sue molteplici esperienze artistiche.

D’altra pasta è fatto After The Last Sky di uno dei maestri indiscussi dell’oud Anouar Brahem. Il musicista tunisino coniuga perfettamente gli stilemi del jazz con le sonorità magrebine e attinte dal maqam arabo.

La triade si chiude con un fratello d’arte: il sassofonista israeliano Yuval Cohen (fratello di Avishai, il trombettista) e il suo debutto per l’ECM con il disco Winter Poems.

Tutti conoscono la storia della quattordicenne francese che l’11 febbraio 1858, nel paesino di Lourdes, ai piedi dei Pirenei, vede una “Signora vestita di bianco”. Lo scetticismo degli adulti non riesce a scoraggiarla dal ribadire la verità di ciò che afferma di vedere e presto le diciassette apparizioni verranno certificate dalla Chiesa, che riconoscerà come “miracolose” alcune guarigioni prodotte nel frattempo fino a che, nel 1933, Bernadette Soubirous sarà proclamata santa. Il musical si concentra sugli inizi della vicenda, mettendo al centro il conflitto che la pastorella analfabeta, una vita di miseria e privazioni. Vive confrontandosi con la famiglia, l’opinione pubblica, le autorità civili e religiose. Ne esce l’immagine di una giovane determinata a difendere le proprie convinzioni, senza recedere di un passo né sfruttare a proprio vantaggio la popolarità che si è creata attorno a lei. Una storia senza tempo, dunque, che prescinde dai contenuti di fede e può rappresentare un modello per le nuove generazioni. Bernadette de Lourdes è una produzione francese- Regia e libretto sono di Serge Denoncourt, le musiche composte da Grégoire, i testi firmati da Lionel Florence e Patrice Guirao, l’adattamento e la traduzione sono a cura di Vincenzo Incenzo. Lo spettacolo, il primo in calendario per il Giubileo, ha debuttato lo scorso gennaio all’Auditorium della Conciliazione di Roma facendo il tutto esaurito. Bernadette de Lourdes è solo l’ultimo capitolo di una saga europea in grado di competere con i mostri sacri di Broadway, dove non a caso approderà prossimamente apportandovi quel marchio distintivo fatto di eleganza, creatività e professionalità a cui il musical Made in France ci ha abituato da tempo.