La Recensione

In un Piermarini sold out si è tenuta l’attesa inaugurazione milanese di Mito settembre musica, lo scorso 4 settembre. Un’edizione, quella del 2025, che segna il termine dell’impegno di Giorgio Battistelli in veste di direttore artistico e il cui tema è Rivoluzioni. Il programma si è aperto con l’Ouverture da Candide di Leonard Bernstein per poi proseguire con il Secondo Concerto per pianoforte di Sergej Prokof’ev con solista la star sud-coreana degli ottantotto tasti Seong-Jin Cho, e dopo un breve intervallo, è terminato con la Terza Sinfonia di Aaron Copland. Un programma che potremmo definire “insolito”, che ha esaltato la notoria duttilità della compagine orchestrale britannica. I cui contenuti riportano all’opera di tre grandi autori del XX secolo che uniscono nuovo e vecchio continente. Partendo dall’overture di Candide tratta dall’operetta comica in due atti di Leonard Bernstein basata sull’omonimo romanzo di Voltaire. Ma anche nel linguaggio con cui Prokofiev segna l’evoluzione della letteratura per pianoforte con i suoi 5 concerti per pianoforte e orchestra risalenti agli anni tra il 1911 e il 1932. Per terminare con la terza sinfonia di Copland considerata uno dei capolavori dell’autore e del repertorio sinfonico statunitense del XX secolo.

In un Piermarini sold out si è tenuta l’attesa inaugurazione milanese di Mito settembre musica, lo scorso 4 settembre. Un’edizione, quella del 2025, che segna il termine dell’impegno di Giorgio Battistelli in veste di direttore artistico e il cui tema è Rivoluzioni. Il programma si è aperto con l’Ouverture da Candide di Leonard Bernstein per poi proseguire con il Secondo Concerto per pianoforte di Sergej Prokof’ev con solista la star sud-coreana degli ottantotto tasti Seong-Jin Cho, e dopo un breve intervallo, è terminato con la Terza Sinfonia di Aaron Copland. Un programma che potremmo definire “insolito”, che ha esaltato la notoria duttilità della compagine orchestrale britannica. I cui contenuti riportano all’opera di tre grandi autori del XX secolo che uniscono nuovo e vecchio continente. Partendo dall’overture di Candide tratta dall’operetta comica in due atti di Leonard Bernstein basata sull’omonimo romanzo di Voltaire. Ma anche nel linguaggio con cui Prokofiev segna l’evoluzione della letteratura per pianoforte con i suoi 5 concerti per pianoforte e orchestra risalenti agli anni tra il 1911 e il 1932. Per terminare con la terza sinfonia di Copland considerata uno dei capolavori dell’autore e del repertorio sinfonico statunitense del XX secolo.

Sarà forse un’impressione fallace, una sorta di rigurgito postmodernista. Eppure più passano gli anni, più il modo - sempre più disinvolto e meno ingessato - in cui gli specialisti, ma non solo loro, si accostano e ripropongono i repertori musicali anteriori al Settecento (la cosiddetta “musica antica”), sempre più sembra corrispondere a come forse si faceva musica all’epoca. Il xxi secolo che riscopre o rilegge la musica dell’età barocca o del Rinascimento sembra sempre più accentuare una cifra comune, in parte, anche al Cinquecento o al Seicento.

Il discorso vale – se vale – soprattutto per la musica strumentale di corte, solistica o d’assieme, quindi essenzialmente cembali, liuti, archi, fiati in tutte le loro innumerevoli varietà, in un’epoca che ne vide una fioritura a dir poco travolgente e provvidenziale. La concomitante metamorfosi della vocalità trovò infatti nei nuovi strumenti un supporto prezioso e al tempo stesso un contrappeso.

La cifra comune alla quale mi riferisco è essenzialmente la disinvoltura, la “sprezzatura”, la libertà cioè dell’approccio a una musica che all’epoca era musica d’uso, intrattenimento per i sempre più numerosi dilettanti e, di pari passo a loro, i virtuosi che su di essi svettavano e si imponevano.

Tutto questo viene in mente ascoltando Rolf Lislevand, il grande liutista norvegese, eseguire i brani di un recentissimo album edito da ECM e intitolato Il Libro primo. Qui però Lislevand non suona il liuto, ma due suoi parenti stretti: arciliuto e chitarrone, alias tiorbe. Ma prima trascrive, quindi suona e poi improvvisa. Cioè proprio quel che facevano i nostri antenati, prendendosi delle libertà che si fatica a immaginare.

La filologia applicata alla pratica strumentale sempre di più si risolve in un’antinomia: definire i modi della libertà. Uno sforzo forse illusorio, ma felice nei suoi risultati. E forse è proprio questo ciò che conta davvero.

Si annuncia un autunno intenso per la label britannica capitanata da Dave Stapleton che, tra le altre novità, annovera una tripletta di artisti che gettano i ponti verso la nuova declinazione del jazz.

Due proposte-novità arrivano dal freddo scandinavo: una è appannaggio del ben noto trombettista norvegese Nils Petter Molvær, che porta in dono un suo album datato 1997 – Khmer -, qui interamente rivisto e rielaborato in un live tenutosi a Bergen in Norvegia; album che sarà disponibile su tutte le piattaforme e in forma fisica dal 12 settembre.

Dalla Svezia arriva il nuovo lavoro del quarantaduenne contrabbassista di Göteborg Petter Eldh, pronto a sdoganare il secondo volume del suo Projekt Drums, che incarna il suo amore per i beat più pesanti, i suoni psichedelici, l’elettronica e le collaborazioni musicali. L’album sarà disponibile dal 10 ottobre.

Chiude la terna, scelta per questo appuntamento con la Recensione, il ventottenne pianista scozzese Fergus McCreadie, che si sta attestando sempre più tra le stelle nascenti del jazz britannico. The Shieling, che sarà disponibile dal 24 ottobre, mette in chiaro la bravura di McCreadie ed è anche l’album che segna un cambiamento nel suo percorso artistico e per il suo trio di lunga data.

Il titolo di questo disco si riferisce a un verso di un canzoniere della tradizione ottomana conservato in una antologia del XVII secolo, e fa parte del bagaglio culturale di Mehmet Ali Sanlıkol, musicista di origine turca naturalizzato statunitense che è l’autore delle due composizioni eseguite da Blue Heron. Nella prima, commissionata lo scorso anno dall’ensemble vocale e intitolata “The Triumph”, il gruppo è accompagnato da strumenti tradizionali turchi suonati dal collettivo DÜNYA formato da Sanlıkol per sviluppare la sua eclettica idea di linguaggio musicale cosmopolita. I suoi versi sono di un poeta della seconda metà dell’Ottocento, Edip Harabi, affiliato all’ordine Bektashi, una delle più importanti confraternite islamiche, e sono stati scelti dal compositore per sottolineare l’immanenza divina e la pregnanza del misticismo sufi.

La seconda composizione esclusivamente vocale composta nel 2017 è intitolata “Devran”, ed è basata sui versi di due inni devozionali trascritti dal poligrafo di origine polacca Ali Ufki al servizio della corte ottomana del XVI secolo, ed è concepita come un mottetto che richiama la tradizione rinascimentale europea.

Blue Heron è un ensemble specializzato nella esecuzione storicamente informata del repertorio della polifonia del XV e XVI secolo, in particolare della scuola franco fiamminga, e ha sede a Boston nello stato del Massachusetts, dove è attivo anche il collettivo DÜNYA, formato da musicisti amici di diverse nazionalità, culture ed esperienze che si esprimono attraverso la combinazione e fusione di diversi stili musicali.

Ispirato a una celebre raccolta di racconti a firma di Francis Scott Fitzgerald, Tales of the Jazz Age (pubblicato dall’etichetta La Dolce Volta) è una rievocazione della Parigi anni Venti, cuore musicale d’Europa e laboratorio artistico in grado di attirare i migliori talenti d’oltreoceano che contribuirono ad avvicinare il Vecchio e il Nuovo Continente sotto il segno del jazz. L’album porta la firma di Florian Noack, giovane pianista belga che vanta già una cospicua produzione discografica in cui affianca alla musica russa, primo amore, la riscoperta di pagine poco note se non del tutto dimenticate di autori che hanno fatto grandi i Ruggenti Anni Venti. Da questo dialogo serrato fra Europa e America, fra autori ebrei e afroamericani, emerge un racconto diverso, se non inedito – molte le prime registrazioni mondiali di trascrizioni per pianoforte di standard dell’epoca – di una pagina tra le più esuberanti e creative del Novecento, controversa e foriera di innovazioni che avrebbero lasciato il segno sui decenni a venire.

Finalmente da poco pubblicato un libro di qualità sulla magnifica famiglia Strauss: i re dei valzer. Edizione Libreria Musicale Italiana, il libro nasce dalla cura e sapienza di un eccellente musicologo genovese già maestro esperto di cultura del suo territorio nella storia della musica. Roberto Iovíno narra di un tempo viennese dove la musica diremmo “leggera” si fa arte e divertimento, dove l’intrattenimento in tre tempi descrive una fine secolo fra le più significative del genere umano; e dove la scrittura di Strauss padre, con i suoi tre valorosi figli, porta a termine un percorso sociale politico e musicale fra i più originale. Finalmente un libro serio e divertente … come il valzer!

Non sono solo 52 successi in forma di un solo disco, un solo colpo come si dice in gergo, ovvero quando un artista approda e riparte lasciando un’unica opera a propria memoria, ma anche una lunga serie di storie e di personaggi che la maggior parte di noi non conosce. Guido Festinese, autorevole firma musicale, ci accompagna alla scoperta di nomi, luoghi, legami, produzioni, avventure che rendono questa lettura davvero appassionante e illuminante: vi ritroverete a cercare in rete i titoli con la passione di un ricercatore che è poi quella dell’autore.

Un libro promosso dall’Università per Stranieri di Siena fa il punto sull’uso della canzone nell’insegnamento dell’italiano. La canzone italiana di oggi fra lingua, cultura e didattica, a cura di Pierangela Diadori, Giada Mattarucco e Donatella Troncarelli (Franco Cesati Editore) è il secondo volume pubblicato nella collana Lingua, cultura e didattica e raccoglie interventi a firma di specialisti a cavallo fra italianistica, musicologia e didattica. Il volume si rivolge anzitutto agli insegnanti e una buona metà dei saggi contenuti offre spunti, metodologie e vari esempi su come servirsi delle canzoni per arricchire e rendere più stimolante l’apprendimento dell’italiano, non solo come seconda lingua. Il resto fornisce una panoramica di base sulla canzone nella storia d’Italia e sul linguaggio che in essa è stato impiegato. L’impronta scientifica del volume e la vastità delle fonti bibliografiche sono la prova tangibile che anche in Italia gli studi sulla popular music hanno acquisito una maturità e autorevolezza di livello internazionale.

“Wonder in Venice”, un chiaro riferimento nel titolo al “suscitare meraviglia”, intento tutto barocco ereditato in seguito dallo stile Galante, segna il debutto discografico in veste solistica della clavicembalista Arianna Radaelli. L’atmosfera è quella dell’ultimo secolo della repubblica veneziana, dove tra i gioielli della laguna veneta si colloca la piccola e vivace isola di Burano. È qui che tra il 1706 e il 1785 visse Baldassarre Galuppi. “Wonder in Venice”, quindi, attraverso una selezione di sonate solistiche e concerti per clavicembalo e archi, ci riporta alla ricca produzione del compositore, celebre operista e virtuoso della tastiera. All’eclettismo della sua scrittura.
Alla capacità innovatrice della sua immaginazione con cui, catturando lo spirito della città di Venezia, acquistò fama e notorietà in tutta Europa. Radaelli, brillante solista, propone una lettura delle opere tastieristiche di Galuppi fedele alla prassi esecutiva storica ma anche audace e vitale. Lettura in cui - affiancata dall’ensemble d’archi La Filarete nei concerti - efficacemente alterna gli audaci contrasti proposti dalla scrittura, tra attimi di eterea e sognante cantabilità e lampi di travolgente energia. Suo fedele compagno, in questo affascinante viaggio nella “Venezia galante”, un clavicembalo di Andrea Restelli, Milano 2021, ispirato a un originale di Christian Vater, Hannover 1738.