La Recensione

Un dvd dal titolo “Bello tiempo passato. The earliest neapolitan intermezzo”, dedicato all’intermezzo comico datato Napoli 1673 e inserito nell’opera “Il disperato innocente” del compositore Francesco Antonio Boerio, è il recente frutto del lavoro di ricerca di Antonio Florio. Un progetto per l’etichetta Dynamic che insieme alla Cappella Neapolitana, su strumenti originali, vede protagonisti, nei panni di quattro maschere tipiche della Commedia dell’Arte partenopea, un Napoletano, un Calabrese, uno Spagnolo e un Ragazzo, prototipo dello scugnizzo, Pino De Vittorio, Giuseppe Naviglio, Rosario Totaro e Olga Cafiero. Che recitano e cantano nelle rispettive lingue, tranne il Ragazzo che si esprime in italiano. La storia degli intermezzi comici conduce al primo Settecento con i teatri veneziani quando cantanti buffi, coinvolti nel canovaccio di un’opera seria, intrattenevano il pubblico tra un atto e l’altro del dramma. Ma la tradizione risale a tempi ben più lontani, partendo dai drammi religiosi del Cinquecento… In Bello tiempo passato si alternano arie solistiche, duetti e brevi ritornelli strumentali mentre la vicenda è ambientata tra i vicoli della Napoli spagnola del secondo Seicento. 

‘L’espressione “world music” è stata in uso dagli anni Sessanta del Novecento nei testi di etnomusicologia, semplicemente per indicare – letteralmente – la musica (o le musiche) del mondo. Di tutto il mondo. Ma negli anni Ottanta ha cominciato ad assumere altri significati, sottintendendo un “noi” (la musica del mainstream popular angloamericano) e un “loro” (le musiche del resto del pianeta). Paradossalmente, il brano “We Are The World” – registrato da un supergruppo di star nel 1985 e destinato a raccogliere fondi per l’Etiopia colpita dalla carestia – assunse un valore politico proprio per la rivendicazione da parte di quelle star angloamericane di essere “anche loro” parte del mondo. Un’ovvietà, sembrerebbe: ma non era così. Dall’inizio di quel decennio si era diffuso un interesse verso le culture musicali africane: diversi artisti avevano coinvolto musicisti africani nei loro progetti, alcuni erano andati in Africa a registrare i propri dischi, e nelle discoteche di alcuni paesi i dj facevano ballare al suono di dischi di artisti africani. Peter Gabriel aveva fondato un’etichetta per accogliere produzioni di artisti di vari paesi extraeuropei. Accadde, però, che i nuovi appassionati di quelle musiche avessero difficoltà a trovarle nei negozi di dischi, perché nella sezione dedicata alla musica etnica si confondevano in mezzo ai dischi di interesse etnomusicologico, e in quella dedicata alla popular music annegavano in mezzo a migliaia di dischi pop e rock. Così, nell’estate del 1987, fu convocata a Londra (in un pub dal nome suggestivo: Empress of Russia) una riunione di critici musicali, titolari di piccole etichette, importatori di dischi, che alla fine concordarono di suggerire ai negozianti di creare un nuovo scaffale, destinato a quelle produzioni che si volevano promuovere, intitolandolo “World Music”. Fu la sanzione di un nuovo genere, ed ebbe successo. A un orecchio attento si delineavano filoni diversi: la popular music emersa dopo la decolonizzazione di paesi come il Senegal, il Ghana, la Nigeria, e dell’India, del Pakistan, e così via; la popular music del mondo non anglofono in generale (includendo il Medio e l’Estremo Oriente e l’America Latina, ma anche i paesi europei non anglofoni); la musica nata dalla collaborazione tra musicisti del Primo e del Terzo mondo, spesso basata sull’incorporazione di strumenti e tecniche non appartenenti al mainstream popular. Il sito worldmusiccentral.org è uno strumento utile per esplorare quell’universo musicale, e offre risorse di qualità: segnalazioni e recensioni di prodotti discografici, biografie di musicisti, un glossario degli strumenti musicali, una ricostruzione della storia del concetto di world music (con un link al verbale della famosa riunione del 1987), un elenco di locali, di festival, di agenti e promotori. Dietro a tutto questo c’è un fondatore e senior editor, Angel Romero y Ruiz, e una manciata di collaboratori. Davvero un bel lavoro.

Era il 1984. Walter Yetnikoff, presidente della CBS Records, un bel giorno si trovò sul tavolo il master del nuovo album di un suo artista già navigato. Ma quella volta disse: «Ah no, non se ne parla proprio. È un disastro, questa roba è impubblicabile». Cose del genere, nel mondo dell’editoria, siano libri o musica o altro, succedono regolarmente. Un ventina d’anni prima qualcosa di analogo era successa a un certo Frank Zappa. Ma Zappa era un esordiente, quel cinquantenne cantautore invece aveva sulla groppa ben sei album usciti a partire dal 1967 e che, quanto a vendite, erano andati via via uno peggio dell’altro. Negli Usa quindi niente da fare. E così Various Positions, questo il titolo dell’album, uscì solo in Canada l’11 dicembre 1984, giusto quarant’anni fa. Solo nel 1985 l’album, acquistato dalla Passport Records, un’etichetta indipendente, vide la luce anche negli Stati Uniti. Anche stavolta, comunque quanto a successo di vendite, solita storia. A parte alcune recensioni positive, nessuno sembrò accorgersene. Eppure quell’album includeva alcune canzoni che oggi sono letteralmente idolatrate come capolavori assoluti nella storia del pop d’autore: Fra queste Dance Me to the End of Love e Hallelujah, proprio quella, perché è di Leonard Cohen che stiamo parlando. In occasione del quarantesimo compleanno di Hallelujah, questa canzone tanto amata quanto fraintesa, vale forse la pena di riparlarne.

Joni Mitchell – Archives Volume 4: Asylum Years (1976-1980), Rhino Records
È il quarto volume degli archivi che la cantante e autrice canadese ha aperto a tutti noi e in questo box di 6 cd si conservano delle perle di inestimabile bellezza. Come recita il sottotitolo si tratta degli anni di collaborazione con l’etichetta Asylum che forse sono tra i più interessanti della sua magnifica carriera. La maggior parte del materiale si riferisce a esibizioni live e a tracce alternative di registrazioni in studio: in entrambi i casi si possono ascoltare altre interpretazioni che confermano la grandezza di questa icona della musica del XX° secolo e oltre.

Le linee guida del curioso accostamento di alcune musiche di John Dowland e di John Cage creato dall’ensemble Thélème in questo progetto discografico, derivano principalmente dalla dimensione di intimità e dalla sobrietà espressiva che caratterizzano l’estetica dei due compositori, nonostante la loro profonda diversità e la grande distanza epocale che separa le loro vite.

Il gruppo che dichiara di coltivare un “anacronismo fecondo” ha selezionato alcune delle canzoni di Dowland contenute nel suo Second Booke of Songs pubblicato nel 1600, e una piccola parte di quelle di Cage che appartengono alla collezione dei Song Books del 1970. La misteriosa copertina del disco rappresenta una sintesi di alcuni degli oggetti suggeriti dal compositore americano per l’esecuzione di questa sua affascinante raccolta nella quale si manifesta tutta la sua filosofia sonora.

Il legame tra la musica tardo rinascimentale del primo e quella moderna del secondo è creato dal timbro del liuto suonato o percosso, ma mentre questo è lo strumento prescritto nelle partiture di Dowland, nel caso di Cage si tratta anche della sostituzione del piano preparato. Tra gli strumenti c’è anche la viola da gamba, e l’elettronica del sintetizzatore è protagonista in due canzoni di Cage e in quella di Sting che accompagnato dal liuto e dalle voci di Thélème canta una delle sue più famose canzoni nell’ultima traccia del disco.

La Scala. Architettura e città, questo il titolo del volume firmato da Pierluigi Panza, scrittore, giornalista e critico d’arte e d’architettura, edito da Marsilio Arte, dedicato alla storia architettonica del Teatro alla Scala. Un vero e proprio omaggio, presentato a poco più di due settimane dall’attesissima Prima del 7 dicembre, a quello che Stendhal definiva «il più bel teatro del mondo». Il volume, arricchito da schizzi, disegni, bozze di progetti, fotografie degli esterni e degli interni - indispensabili per comprendere l’evoluzione dell’edificio dalla nascita con Giuseppe Piermarini agli scenari attuali con Mario Botta - ripercorre la storia del Teatro dai tempi di Maria Teresa d’Austria a quelli di Napoleone, poi del Regno d’Italia e della Repubblica. Muovendo dall’assunto che «il teatro è sempre stato specchio delle trasformazioni della città, della società, del gusto e le ha, a sua volta, determinate», il volume, introdotto da Mario Botta, si articola in 11 capitoli. Che ripercorrono più di tre secoli di storia, con riferimento alle tappe fondamentali e alle vicissitudini del Teatro, passando per l’epoca risorgimentale e romantica, il Novecento fino alla contemporaneità. E con esse le trasformazioni strutturali, tecniche ed estetiche che lo hanno mantenuto fedele alla propria identità, pur modernizzandosi e modellandosi ai riti e ai costumi dei tempi.

Miguel Ángel Zotto, leggenda vivente del tango, è tornato a Roma con la sua compagnia Tango x 2 e la Zotto Tango Academy per riproporre lo spettacolo sulla vita di Astor Piazzolla, da lui diretto, danzato – con la compagna Daiana Guspero – e coreografato dopo aver debuttato del 2021 a Trani, città di origine della famiglia del musicista argentino. È un’occasione per ripercorrere una carriera straordinaria, che svetta nel Novecento per la capacità di forzare gli argini entro i quali il tango si muoveva da sempre e condurlo in territori apparentemente distanti – avanguardia, jazz, opera – che grazie alle sue creazioni hanno ampliato i confini del genere nazionale per eccellenza trasformandolo in musica d’arte. Lo spettacolo, in scena al Teatro Olimpico, è concepito come un film-documentario dove una voce narrante introduce immagini proiettate su grande schermo che ritraggono momenti importanti nella vita del musicista, a partire dalla grande migrazione che portò milioni di italiani a trasferirsi nell’America del Sud e soprattutto in Argentina. Mentre scorrono le immagini, coppie di ballerini danzano al suono dell’orchestra Tango Sonos, attori impersonano figure anonime ricreando il brulichio dei barrios della Buenos Aires d’inizio Novecento, la città dove l’incontro fra diverse comunità diede vita a quello che Discepolin definì «un pensiero triste che si balla».

Icelandjazz.is sintetizza il movimento musicale jazzistico in Islanda, che è fervido e in continuo movimento. In generale, l’Islanda rappresenta una bella anomalia nel sistema artistico mondiale, perché a fronte di poco meno di 400.000 abitanti, vi è un numero considerevole di musicisti: molti di loro sono anche parecchio noti. Questo sito si apparenta con Icelandmusic.com ma si occupa solo del jazz prodotto nelle terre islandesi.

Dall’altra parte dello stretto di Danimarca, vi è jazzinbelgium.be, che ci racconta la bellezza del jazz in Belgio, le novità discografiche, gli appuntamenti, le nuove uscite discografiche. Sito web che s’apparenta con il festival jazz par excellence della terra Fiamminga: flagey.be/brusselsjazzfestival, che ci ricorda cosa succederà al prossimo festival di Bruxelles, così come il passato di una rassegna che mette in chiaro quanto sia innovativo il jazz europeo.

Due website che mettono in rilievo le novità discografiche, i prossimi eroi del jazz targato Europa.

Parafrasando Luciano Berio e la sua indimenticabile serie di trasmissioni televisive (“C’è musica e musica”), si può argomentare che non tutto l’universo della popular music sia uguale. È un’ovvietà, ma spesso chi non conosce la popular music tende a fare di ogni erba un fascio. Intanto: pop o rock? Pop erano i Beatles, i Pink Floyd, le musiche nuove che circolavano alla fine degli anni Sessanta. Per confondere le carte, anche il progressive rock, all’inizio, era chiamato pop. E pop era il Brit Pop, che emerse negli anni Novanta, e che riaffiora oggi con l’annunciata tournée degli Oasis. Anche nel pop ci sono diverse articolazioni, e un’avanguardia: l’art pop o avant pop, per chi si accontenta di queste etichette. Sicuramente ne fanno parte i Field Music, il duo dei fratelli di Sunderland, nel Nord dell’Inghilterra, Peter e David Brewis, arricchito di volta in volta da altri strumentisti. Un critico britannico ha iniziato così la sua recensione dell’ultimo album: «… se mi domandassero di scegliere un gruppo che io abbia preferito in continuazione negli ultimi vent’anni, decisamente indicherei i Field Music». Un nome che pochi conoscono fuori dalle cerchie di esperti, ma certamente noti sono i nomi che in quella recensione vengono citati per suggerire delle similitudini: i Genesis dell’epoca-Gabriel, La Yellow Magic Orchestra, gli Steely Dan, Prince. E aggiungiamo gli XTC, la primissima immagine che viene in mente ascoltando gli album dei Field Music, compreso quest’ultimo. Le stesse forme sghembe, le sequenze di accordi che suonano facili (finché non si prova a riprodurle), le sovrapposizioni ingegnose di riff, le voci a parti strette al limite del falsetto, un uso raffinato e allo stesso tempo giocoso dello studio di registrazione e della stereofonia, indubbiamente erede di Sgt. Pepper’s, ma senza fare appello alla psichedelia. Come il pop di sessant’anni fa, o quasi (ricordiamoci di “Help!”, 1965), anche questo richiede ascolti ripetuti per essere compreso. Ma quasi subito è una festa per le orecchie e il cervello.

Il gap culturale fra Italia ed Europa continentale riguardo alla ricerca, alla diffusione e all’apprezzamento della musica vocale di età tardo-rinascimentale e barocca – vale a dire proprio le epoche che conobbero il dominio della musica italiana – è ben lungi dall’essere colmato. Ma rispetto alla scena di 50-60 anni fa, la situazione odierna ha fatto passi letteralmente da gigante, nonostante le difficoltà e i veri e propri ostacoli dovuti alle inadeguatezze assortite di strutture, normative e politiche culturali. Se dunque decenni fa quel repertorio era appannaggio di interpreti e ensemble “oltremontani”, molto spesso oggi sono proprio i migliori interpreti italiani a dettare gli standard di eccellenza a riguardo.
Quando Ottavio Dantone alla testa dell’Accademia Bizantina offre al pubblico una nuova produzione, di regola sono proprio questi i pensieri che vengono alla mente. È accaduto anche nei giorni scorsi al Teatro Alighieri di Ravenna dove con il titolo Eroi erranti è andata in scena una Trilogia d’autunno. Tre spettacoli, i primi due affidati all’Accademia Bizantina: Il ritorno di Ulisse in Patria di Monteverdi e il dittico Dido e Aenea nel giorno di Santa Cecilia su musiche di Purcell. Infine un recital di musiche di vari autori del controtenore Jakub Józef Orlinski con l’ensemble Il pomo d’oro.
Qualche tempo fa, Ottavio Dantone pronunciò una frase divenuta subito una sorta di refrain nei commenti relativi all’interpretazione del Ritorno di Ulisse in Patria offerta dall’Accademia Bizantina e approdata nel 2022 su cd e dvd: «l’opera più bella mai scritta». Difficile pronunciarsi nel merito, ma a Ravenna, in effetti, la sensazione è stata quella di aver riascoltato un’opera sottovalutata.