La Recensione

Storia di radicalismo, di adolescenza sofferta, di società che non comprende... siamo abituati alle regie di Federico Ferrone (ricordiamo il bellissimo Il treno va a Mosca ), con soggetti che hanno da una parte la cruda realtà come base e l’umanità della richiesta di aiuto dall’altra. La cosa migliore, quanto al titolo, è un successo appena presentato al Festa del cinema di Roma 2024 che comprende eccellenti coautori e attori: Luca Zunic, Abdessamad, Fabrizio Ferracane e altri grandissimi e le incredibili musiche di Simonluca Laitempergher.

Nata nel 1946 a Roma la IUC è una delle maggiori associazioni concertistiche italiane che si presente per questo appuntamento, l’ottantesimo compleanno, con una stagione ricca di occasioni da non perdere offrendo come sempre la possibilità di godere di molti generi musicali, grazie a ottimi talenti in diverse formazioni con il giusto intento di rivolgersi a un pubblico differenziato. E dunque musica classica e jazz, barocca e contemporanea, della tradizione e di avanguardia.

La collana Scoprire la musica – Scritture, strumenti, pratiche, saperi promossa dalla Società italiana di musicologia, curata da Marco Mangani e Francesco Rocco Rossi e pubblicata dalla Libreria Musicale Italiana, con il suo taglio divulgativo si rivolge a lettori non specialisti, ma curiosi, che desiderano avere chiavi di lettura per comprendere i principali aspetti storici e teorici delle culture musicali nel quadro generale del contesto europeo.

Uno dei volumi di questa collana, Scrivere a più voci - Alla ricerca della notazione perfetta, curato da Michele Epifani e Francesco Rocco Rossi, racconta lo sviluppo e l’evoluzione della storia della scrittura musicale che ha consentito di tramandare musiche di differenti periodi storici a partire dal Medioevo fino alla fine del Rinascimento, con particolare riferimento alle diverse forme di polifonia.

Gli autori, che si sono divisi a metà i venticinque paragrafi di cui è composto il libro, hanno selezionato le più importanti forme di notazione legate a specifici repertori musicali, illustrate anche attraverso la riproduzione di pagine di alcuni codici, e hanno proposto a conclusione del volume una playlist di brani musicali associati alle diverse fasi della evoluzione della notazione e allo sviluppo di generi e forme musicali.

Il 16 aprile del 1924 nasceva a Cleveland Enrico Nicola Mancini, meglio noto con Henry Mancini. Cento anni dalla nascita di uno dei più grandi compositori del Novecento, un artista a tutto tondo che è riuscito a coniugare linguaggi musicali differenti e metterei insieme diverse generazioni di musicisti: tutti d’accordo nel ritenerlo un genio della composizione e, soprattutto, della musica da film. Un anniversario non molto celebrato, forse passato inosservato rispetto a tante celebrazioni fatte per altri musicisti, di pari livello: o anche meno.
Monica Mancini, figlia di Henry, eccellente cantante e depositaria – con la sua famiglia – dell’eredità anche artistica del compositore dalle origini abruzzesi, ha voluto tributare il centenario dalla nascita del padre con un disco di particolare pregio e fattura: Henry Mancini The 100th sessions.
Un disco prezioso, perché le splendide melodie disegnate dal compositore statunitense, dalle chiare origini italiane, sono qui eseguite e rilette da alcuni tra i più grandi musicisti in circolazione, come Herbie Hancock, Arturo Sandoval, Lizzo, John Williams, Take 6, Snarky Puppy, Stevie Wonder, Pat Metheny, Quincy Jones, Michael Bublé, Audrey Hepburn e la stessa Monica, tra gli altri.

«Cosa resterà di questi anni Ottanta», cantava Raf sul finire del decennio chiuso con la caduta del Muro e la protesta di Piazza Tienanmen a Pechino. Se la gioventù di allora aveva trovato vari modi per farsi ascoltare, una minoranza aveva deciso invece di farsi vedere, manifestando il proprio dissenso con scelte di stile ostentate, associate a un certo tipo di musica. Neri, non per caso: l’elemento centrale era infatti il colore nero, adottato in tutte le sue possibili declinazioni, da cui prendeva forma una sottocultura (dark in Italia, goth in Inghilterra) nella quale confluivano suoni, umori, atteggiamenti e prese di posizione in grado di affascinare moltitudini sparse un po’ ovunque nell’emisfero occidentale. Quella che l’autorevole rivista The Face definì « l’internazionale del tempo libero», mise radici anche in Italia ed ebbe in Roma e Firenze i suoi centri propulsori. A distanza di 40 anni la mostra 80’s Dark Rome, allestita al Museo di Roma in Trastevere, è un’occasione per sfogliare l’album dei ricordi, ripensare l’impatto di una stagione che per prima promosse il look a strumento simbolico di comunicazione, nonché soppesarne l’eredità. Ed è un pretesto per riprendere in mano dischi di gruppi che fecero epoca (Joy Division, Bauhaus, Siouxsie and the Banshees, Cure, Nick Cave, Bauhaus, Jesus and Mary Chain) delineando una musica che, pur contigua a new wave, rock metallaro, post-punk e pop elettronico, si smarcava nettamente da tutti quei generi. In mostra sono duecento fotografie scattate da Dino Ignani nelle discoteche e altri locali della capitale a giovani che ne animavano la vita notturna e include ritratti di poeti, critici e musicisti in sintonia con la movida del tempo, da Roberto Agostino a Diamanda Galas. La mostra, a cura di Matteo Di Castro, promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura, Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, con i servizi museali di Zètema Progetto Cultura, resta aperta fino al 12 gennaio 2025.

L’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, storica istituzione musicale romana, ha di recente inaugurato la sua “nuova era”. A celebrarne l’inizio il nuovo direttore musicale, Daniel Harding, successore di Antonio Pappano (divenuto dopo ben 18 anni direttore emerito), che lo scorso 21 ottobre, in replica il 24 e 26, in una gremita Sala Santa Cecilia dell’Auditorium del Parco della Musica, ha aperto la stagione 2024-25 con Tosca in forma di concerto. Un omaggio a Giacomo Puccini, di cui ricorrono i cento anni dalla morte, ma anche alla “città eterna” : romana è la prima rappresentazione dell’opera, al Teatro Costanzi, il 14 gennaio 1900, così come l’ambientazione, nella Roma del giugno 1800. Protagonista sul palco, oltre ad Orchestra e Coro dell’Accademia, un cast vocale stellare che ha visto Eleonora Buratto nel ruolo di Tosca, Jonathan Tetelman, in quello di Cavaradossi, e Ludovic Tézier, di Scarpia. Ma l’acclamata lettura pucciniana firmata Harding non è la sola ragione per cui tanto si parla dell’Accademia nelle ultime settimane: è infatti recentissima la notizia dell’elezione di Massimo Biscardi, attualmente sovrintendente del Teatro Petruzzelli di Bari, come presidente-sovrintendente dell’istituzione, successore di Michele Dall’Ongaro. Tornando alla stagione 2024-25, a segnare l’inizio di questo nuovo corso un ricco cartellone che ospita grandi nomi del panorama internazionale: acclamati solisti come Martha Argerich, Beatrice Rana, Lisa Batiashvili, Daniil Trifonov, Viktoria Mullova ed eminenti bacchette come Kirill Petrenko, Gustavo Dudamel, Reinhard Goebel, Sir Antonio Pappano, Jakub Hrůša, Daniele Gatti, Teodor Currentzis e Myung-Whun Chung, solo per citarne alcuni. Mentre Joshua Bell sarà artist in residence.

Inaugurata ufficialmente un mese fa con un concerto dedicato a Rachmaninov e a Stravinsky, e con un’anticipazione all’inizio di ottobre che ha coinvolto anche il coro della Radiotelevisione svizzera, quella di cui parliamo oggi è l’ottantesima stagione dei Pomeriggi Musicali, istituzione concertistico-orchestrale la cui creazione risale all’immediato secondo dopoguerra, per iniziativa dell’impresario teatrale Remigio Paone e del critico musicale Ferdinando Ballo. L’elenco dei compositori che hanno ricevuto commissioni dai Pomeriggi, dei solisti che si sono esibiti insieme all’orchestra, dei direttori che sono saliti sul podio è impressionante: il mondo musicale degli ultimi ottant’anni è passato dai Pomeriggi, è risuonato nelle sale da concerto di Milano e della Lombardia, e infine al Teatro Dal Verme, restituito all’attività concertistica nel 2001 dopo la distruzione nel 1943, il restauro nel 1946, un lungo periodo passato come cinematografo e poi nell’abbandono. Oggi è una bellissima sala da concerto, aperta a tutti i generi musicali, ed è la sede ufficiale dei Pomeriggi.
“Ottant’anni suonati” è lo slogan scelto per pubblicizzare questa stagione, accompagnato da una foto con strumentisti e strumentiste di diverse generazioni, rappresentative della lunga carriera dell’orchestra e anche della sua continua crescita. Il programma offre un buon compromesso, non banale, fra l’obbligatoria presenza dei classici, un po’ di rarità, qualche composizione nuova (forse se ne poteva aggiungere qualcun’altra). Incontriamo una Tzigane per violino e orchestra d’archi di Roberto Di Marino già nei concerti del 14 e 16 novembre, Festa! di Christian Carrara il 6 e 8 febbraio, Bouquet di Francesco Antonioni il 27 febbraio e il primo marzo. Fra i concertisti di grandissima fama troveremo Alexander Lonquich (concerti di Mozart, il 9 e 11 gennaio), Misha Maisky (Dvořák, il 6 e 8 marzo), Viktoria Mullova (Beethoven il 10 e 12 aprile), e già si è ascoltato un formidabile Mikhail Pletnëv nel terzo concerto di Rachmaninov, nella serata inaugurale. E fra i direttori Diego Fasolis, lo stesso Lonquich, Donato Renzetti, George Pehlivanian, e molti giovani di fama già consolidata, fra cui tre direttrici: Yi-Chen Lin, Gianna Fratta, Beatrice Venezi.
L’orchestra dei Pomeriggi suona davvero bene, con un entusiasmo visibile e ascoltabile soprattutto fra i membri più giovani. Anche per questo non va per nulla trascurato il programma del Concerto di Natale (il 19 e 21 dicembre) diretto da Alessandro Bonato e dedicato ai valzer della famiglia Strauss: niente da invidiare, credeteci, al concerto di Capodanno del Musikverein con la Filarmonica di Vienna, ma più vicino, molto più a buon prezzo, e davvero divertente, non solo per il battimani durante la Marcia di Radetzky.

Il 13 novembre 1973, cinquantuno anni giusto domani, moriva cinquantatreenne Bruno Maderna. Fu una perdita grave per la musica italiana e non solo. Non solo per quella musica che a turno viene chiamata contemporanea, d’avanguardia, sperimentale, bensì musica in generale, di tutte le epoche e di tutti i generi. Perché Maderna non fu solo compositore, ma da Gabrieli a Monteverdi da Mahler a Kurt Weill, da Stockhausen a Domenico Modugno, passando per Verdi o Scarlatti, Maderna fu anche un grande direttore d’orchestra, revisore e arrangiatore. È questa la figura, che è persino banale definire poliedrica, e che si delinea pagina dopo pagina in un volume uscito l’anno scorso, cinquantesimo della scomparsa, curato da Valerio Tura per l’editrice Lim, e intitolato Mon vieux...! Bruno Maderna un ritratto a più voci.

Una collezione di 71 interviste quasi tutte raccolte dallo stesso Tura nell’arco di oltre dieci anni, per raccontare questo protagonista affascinante e difficilmente inquadrabile della vita musicale italiana del secondo dopoguerra. Al di là del panegirico di prammatica, inevitabile nel genere di monografie come questa che in inglese si intitolerebbe “Bruno Maderna Remembered”, numerose testimonianze convergono su alcuni aspetti che fanno molto riflettere, sia sull’uomo, col suo istinto musicale e umanità strabordanti, ma anche su alcuni aspetti del compositore quantomeno “anomali”, diciamo, per quegli anni.

 Assolutamente Morricone. Ancora Morricone? Sì, ancora e sempre. Perché nella storia della musica per film non c’è mai stato autore più osannato, conosciuto, ricordato, eseguito e amato e dunque interpretato e rivisitato e ri-arrangiato. Ma non solo: diremmo, fischiettato, sognato, immaginato, usato come ninna-nanna per bambini, come ballabile, come tutto ciò che pervade l’immagine dei suoni. E quindi, ancora Morricone, con interpreti eccellenti, suoi fidati musicisti: Luca Pincini, Gilda Buttà, Paolo Zampini in un nuovo CD che ha il sapore dell’eterno!

Walk off the Earth, canale Youtube.

Gruppo canadese di Burlington nell’Ontario, gli Walk off the Earth si sono subito distinti per la grande inventiva proponendo in rete le loro interpretazioni di cover di hit mondiali con la particolarità di suonare strumenti inventati o diversamente utilizzati o, come in qualche caso, suonandone uno solo in cinque come nel caso dell’enorme chitarra per Somebody That I Used to Know presa in prestito da Gotye.