La Recensione

Al Bunduqiyya è il nome della città di Venezia in arabo, l’unica ad averne uno in Europa ed è anche il titolo del nuovo progetto di Sollima in collaborazione con il violinista Federico Guglielmo e l’orchestra Il Pomo d’Oro, progetto che da un anno gira per i teatri proponendo pagine vivaldiane ricostruite, una citazione di Tartini, brani popolari mediterranei albanesi e ciprioti e un’opera dello stesso violoncellista. Un’ennesima occasione per porre attenzione a questo notevole musicista.

I jazzisti amano la musica di Bach, e più in generale la musica del periodo Barocco, perché con i suoi bassi ostinati e le sue armonie si presta ad alimentare la creatività della improvvisazione, ma nel caso del trio Tenor Madness il rapporto con la musica antica è più profondo e intenso.
Sia David Gordon che Sandy Burnett hanno studiato ed eseguito per molto tempo la musica di Bach e di altri compositori del XVII e del XVIII secolo e insieme al batterista Tom Hooper hanno formato il trio con il quale reimmaginano nel XXI secolo lo slancio dell’improvvisazione ispirandosi alla musica rinascimentale e barocca.
Nel corso del Valletta Baroque Festival, che è iniziato il 9 gennaio e proseguirà fino al 25 di questo mese, hanno presentato nello storico Teatro Manoel il loro nuovo programma intitolato Preludes and Grooves; Bach Reimagined che non riguarda il solo Johann Sebastian, ma anche altri due rappresentanti della grande dinastia di musicisti tedeschi.

Nero a metà è il terzo album in studio del cantautore italiano Pino Daniele; pubblicato nel 1980 è il lavoro della definitiva maturazione e al contempo, affermazione a livello nazionale del grande cantautore e musicista partenopeo. Quell’album vendette tantissimo ed è presente nella classifica dei 100 dischi italiani più belli di sempre - secondo Rolling Stone Italia - alla posizione numero 17.
Da qui gli ideatori del bellissimo docu-film che porta lo stesso nome dell’album, partono per raccontare il talento multiforme di un artista che ha fatto evolvere la tradizione napoletana innestando in essa le radici del blues, del jazz e di altre forme musicali.
Enzo Avitabile, Tony Cercola, Tullio De Piscopo, Teresa De Sio, Tony Esposito, Enzo Gragnaniello, Pietra Montecorvino, James Senese, Fausta Vetere, Gigi De Rienzo, sono solo alcune delle voci che raccontano la loro esperienza, stimolate da Stefano Senardi, amico di Pino Daniele e produttore di tre album (L’uomo in blues, Sotto o’ Sole e E sona mo’ ).
Ci racconta il film Claudio Farinone

Anche per il 2025 il Lucerne Festival si prepara ad ospitare nella sede del KKL, edificio adagiato sulle rive del Lago dei Quattro Cantoni, un cartellone incredibilmente ricco di star del panorama musicale internazionale. Tre i consueti appuntamenti: si parte da aprile con lo Spring Festival, dall’11 al 13, periodo in cui protagonisti saranno la Lucerne Festival Orchestra guidata dal suo direttore musicale Riccardo Chailly e i giovani talenti degli ottantotto tasti Mao Fujita e Alexander Malofeev; si prosegue con il Piano Fest, dal 29 maggio al 1° giugno, che prevede in apertura e chiusura due concerti di Igor Levit con la LFO.  Infine “Open End” è il tema del Summer Festival 2025, previsto tra il 12 agosto e il 14 settembre, ultima edizione estiva che vede Michael Haefliger direttore esecutivo ed artistico. Sul podio della Lucerne Festival Orchestra si alterneranno Riccardo Chailly, i direttori ospiti Andrés Orozco-Estrada, Yannick Nézet-Séguin e, per la prima volta, Sir Simon Rattle. La violista Tabea Zimmermann e l’artista e compositore Winnie Huang saranno “artistes étoiles” e il compositore Marco Stroppa compositore in residenza. Insieme a loro si alterneranno sul palco del KKL alcuni tra i più celebri solisti e blasonate orchestre.

L’unione personale e artistica di due musicisti attivi da tempo nella variegata scena che abbraccia jazz, pop, elettronica e altri sconfinamenti produce un lavoro intenso, curato nei minimi dettagli e profondo nelle sue intenzioni, intrecciando stimoli provenienti da più ambiti artistici. (R)Evolution (Music Vox) è ispirato alla poetica “rEvoluzionaria” di figure come l’attivista afrobeat Fela Kuti, il fotografo Sebastiao Salgado, i poeti/letterati Dino Buzzati e Charles Bukowski, il cantante David Sylvian e la coreografa Pina Bausch, «rivoluzionari – affermano Antonini e Contini - che attraverso la loro arte, propulsiva, salvifica e sovversiva hanno permesso di Evolvere attraverso una Rivoluzione». Alle voci dei due leader, che firmano anche musiche e arrangiamenti, si affiancano Michele Rabbia alla batteria, Alessandro Gwis al pianoforte e – ospite speciale - il trombettista norvegese Nils Petter Molvaer, un protagonista del panorama jazzistico nordeuropeo degli ultimi 30 anni. I testi, in lingua inglese, sono del sassofonista statunitense Michael Rosen, da tempo residente in Italia. Rispetto alle tendenze mainstream che favoriscono un ascolto frammentato, tipico di quella che Emanuele Bevilacqua in Attenzione e potere ha chiamato “l’era della distrazione di massa”, il disco va in direzione ostinata e contraria nel recuperare il format del concept album – cifra distintiva, peraltro, della poetica di Elisabetta Antonini – e lancia una sfida all’ascoltatore a cui richiede un approccio attivo e concentrato, il solo che possa produrre senso e orientare la scelta del “consumatore” verso una boutique di lusso piuttosto che un grande magazzino.

L’ispirata lettura del repertorio sinfonico di Franz Schubert da parte della Scottish Chamber Orchestra sotto la guida del suo direttore principale Maxim Emelyanychev per l’etichetta scozzese Linn Records - il primo acclamatissimo album era stato dedicato, nel 2019, alla Sinfonia n. 9 in do maggiore “La Grande” D. 944 - prosegue con le Sinfonie n. 5 e n. 8 “Incompiuta”. La loro lettura della Quinta, composta nel 1816, ne ripropone con efficacia il carattere brillante, tratto che perfettamente si adatta all’approccio dinamico del giovane direttore di origine russa, ma anche lirico. Mentre dell’Ottava “Incompiuta” colpisce la tangibile quanto ferma volontà di condurre verso un “estremo sentire”, così come quel carattere teatrale che continuamente si alterna a momenti di ricercato intimismo. Una sorta di trasposizione del mondo liederistico schubertiano per una scrittura che, certamente, rappresenta una coraggiosa rottura rispetto alle sinfonie precedenti. A conclusione del programma monografico proposto, il Rondò in la maggiore, D. 438, con il primo violino della Scottish Chamber Orchestra, Stephanie Gonley, nel ruolo di solista.

Del Alma è il terzo album nato dalla collaborazione fra il pianista minorchino Marco Mezquida, il chitarrista catalano Juan Gómez “Chicuelo” e il percussionista Paco de Mode. Lo hanno presentato con un successo trionfale il 20 dicembre scorso, in una serata dedicata a loro del Festival Jazz di Barcellona, nella sala grande dell’Auditori (a proposito: il prossimo ospite sarà Brad Mehldau, il 7 febbraio). Per i nostri ascoltatori più attenti Mezquida non deve essere un nome sconosciuto: l’abbiamo sentito qualche anno fa come accompagnatore di Sílvia Pérez Cruz in un concerto al Blue Note di Tokio, e a qualcuno sarà arrivata la notizia dei concerti di Mezquida con Salvador Sobral, il cantautore portoghese vincitore a suo tempo dell’Eurofestival, che anche abbiamo seguito con le nostre recensioni. Mezquida è uno dei musicisti più in vista della scena jazz iberica, dove inevitabilmente sono frequenti i contatti con le musiche di tradizione orale, e soprattutto il flamenco. Gli storici del jazz, del resto, sono stati più volte tentati dall’idea che alle origini della musica africano-americana ci sia stata anche la tradizione secolare della musica andalusa, e il trio Di Meola-McLaughlin-De Lucia ha richiamato l’attenzione mondiale, decenni fa, su quella relazione. Peraltro, Juan Gómez “Chicuelo” è uno dei chitarristi flamenchi più apprezzati oggi, uno dei non pochi artisti del genere che sono nati e cresciuti lontano dall’Andalusia (Chicuelo è catalano, di una cittadina appena fuori Barcellona). Ma Mezquida e Chicuelo precisano che la loro collaborazione non deve intendersi come il tentativo di mescolare un po’ di jazz con un po’ di flamenco, anche se Mezquida confessa di aver imparato quasi tutto sul flamenco proprio da Chicuelo, che gli ha insegnato a riconoscere i palos, i sottogeneri del flamenco. Dei brani compresi fra i nostri ascolti di oggi, Najando’ è una bulería trepidante, dove « il piano e la chitarra conversano e ti portano a una catarsi» (parole di Mezquida); De ida y vuelta è una guajira, «che sembra un valzer cubano o di Brahms»; Carrer del perill è una rumba, dedicata dal pianista alla sua via. Completa il trio, molto discretamente ma con virtuosismo all’altezza di quello degli altri due, il percussionista Paco de Mode. 

Resilienza è diventata una parola alla moda. Troppo. Ma se c’è qualcosa cui questo termine si attaglia, questo qualcosa sono le tradizioni musicali folkloriche. Da decenni etichette come “folk revival”, “world music”, “roots” ecc. sono dilagate.
Fenomeni disparati, ma che verosimilmente vanno al di là delle ondate modaiole che via via si susseguono con i loro neologismi. Sono in particolare quelle regioni, quelle culture, o enclave che si identificano nelle minoranze linguistiche ad alimentare questi fenomeni. E molto spesso, ci si stupisce per l’insospettata vitalità e originalità di tante musiche e musicisti.
In Europa, una di queste culle, fra le tante, è l’Occitania. Un nome millenario ed evocativo il cui statuto particolarissimo è evidente persino nell’asettico linguaggio amministrativo che, in Francia, la definisce come la regione incastrata fra Nouvelle-Aquitaine e Provence. Siamo infatti in quella culla linguistica da cui, in epoca medievale è scaturito quel che sappiamo, ossia grandissima parte della tradizione musicale e poetica dell’Europa del Sud.
Ed ecco allora, oggi, Les Mécanos, un ensemble vocale del quale è uscito il primo album intitolato Usures. Nuovo capitolo di una scena musicale vivacissima, che coltiva e reinventa la memoria della polifonia in lingua occitana. Ma Les Mécanos lo fanno vestiti da operai con la loro brava tuta blu, in un originale connubio di cultura industriale e operaia con una ben più antica tradizione di canto popolare.

In una Praga dolcissima e misteriosa si consuma uno degli atti più incredibili del grande genio mozartiano: nasce in una sola notte la splendida Ouverture del Don Giovanni. Si alternano personaggi importanti della scena musicale internazionale: Casanova, Dussek, Da Ponte, il conte Waldstein in un contesto magico, cioè la residenza di Bertramka. A tutto si aggiunge la struggente presenza di un giovane copista, muto dalla nascita. che collaborerà a quel miracolo straordinario. Tra fantasia e realtà, tra invenzione e documenti certi e attentamente analizzati, Rossella Rossi fa nascere una bella “fiaba” della storia della musica!

Finalmente tradotto da Anna Lovisolo e pubblicato dalla meritoria casa editrice EDT arriva il libro che racconta attraverso immagini e testimonianze l’esistenza di una donna davvero eccezionale che è stata amica e supporto dei più importanti musicisti jazz afroamericani degli anni ’60. Fu lei a ospitare nel 1955 nella nella suite dell’hotel Stanhope Charlie Parker nella quale verrà trovato morto e a lei sono stati dedicati molti brani di autori come Sonny Clark, Kenny Dorham, Tommy Flanagan, Horace Silver, Kenny Drew e Duke Jordan che naturalmente ascolteremo nella Recensione di oggi.