La Recensione

Molti si chiedono, e a ragione, da cosa nasca la crescita costante del favore di cui gode, da alcuni decenni a questa parte, l’opera “barocca”. Un genere che dopo essere stato per decenni appannaggio del mondo anglosassone, in virtù di un genius loci quale George Frideric Händel, ha via via sfondato tutte le frontiere geografiche. Le ragioni sono sicuramente molteplici e tutte molto opinabili. Quel che è certo è che il mercato globale dell’opera ha una fame insaziabile di novità. Una fame che i compositori di oggi, volenti o nolenti, non possono soddisfare, a fronte di un grande o grandissimo repertorio sempre più esausto. È un appetito non solo di titoli, ma anche o forse soprattutto di interpreti, artisti da lanciare sul mercato e possibilmente “brandizzare”, in una competizione fra “ugole”, nei cui territori, da secoli, sembra proprio che non tramonti mai il sole. Ed è qui che si innesta uno dei fenomeni più appariscenti della vita musicale degli ultimi anni: il proliferare dei cosiddetti controtenori, contraltisti e sopranisti che davvero sui palcoscenici di mezzo mondo danno vita a una competizione senza respiro. Entusiasmante, sì, ma solo a tratti, e qualche punto interrogativo è d’obbligo.
Grazie a quell’instancabile fucina musicale e teatrale che è l’Accademia Bizantina di Ottavio Dantone, proprio di Handel si rappresenta in queste settimane in alcuni teatri italiani, con una puntata all’estero, Giulio Cesare in Egitto (per gli amici Giulio Cesare e stop). Quest’opera, che debuttò a Londra il 20 febbraio di 201 anni fa, non è solo uno dei capolavori di Händel e, di conseguenza, un vertice assoluto dell’opera del primo Settecento. Per varie ragioni è anche un compendio, delle luci e di qualche ombra, di questa che si può considerare ormai come una vera e propria fase storica della ricezione operistica. L’abbiamo ascoltata al Teatro Comunale di Modena nei giorni scorsi.

Finalmente un libro su uno dei trombettisti più considerati e magistrali del secolo scorso: Maurice André (1933-2012). Di lui per anni e anni si è ascoltato attraverso radio e discografie, il suo modo inconfondibile ed esperto di suonare la tromba: non c’era trasmissione che non lo celebrava. Poi, la nuova generazione se ne è dimenticata e si è virato su altre sponde. Va invece ricordata, non solo con affetto perché maestro generoso e interprete moderno, soprattutto la via che ha aperto alla conoscenza e alla diffusione del suo strumento. Lo fa bene uno dei suoi eccellenti allievi, Thierry Caens, che ne celebra la memoria!

La musica sacra di Antonio Vivaldi risente della sua grande esperienza di operista, e questo si percepisce dalla varietà della sua produzione artistica legata anche all’attività presso l’Ospedale della Pietà come insegnante di violino, poi maestro dei concerti e compositore.

Con l’agilità della sua voce, il controtenore Carlo Vistoli sottolinea il carattere cangiante e affascinante del Salmo Nisi Dominus, simile ad una cantata in nove movimenti, nel quale ogni verso viene modellato in una alternanza di affetti e colori timbrici grazie anche alla presenza della viola d’amore.

Oltre al salmo il cantante interpreta lo Stabat Mater, che Vivaldi musicò solo a metà, e il mottetto In furore iustissimæ iræ dai toni marcatamente teatrali, con le sue due arie nettamente contrastanti separate da un recitativo e il virtuosistico Alleluia conclusivo.

In questo programma vivaldiano, la Akademie für Alte Musik Berlin che accompagna Vistoli esegue anche due concerti e una sinfonia anch’essi legati alla dimensione sacra.

Vivaldi | Sacro furore | Carlo Vistoli, Akademie für Alte Musik Berlin

Probabilmente, è l’opera per violino più conosciuta del repertorio. Le Quattro Stagioni, che in realtà sono quattro brevi concerti per violino, scritte nel 1720 non sono invecchiate in 292 anni. Ogni stagione, composta da tre movimenti, immerge lo spettatore in paesaggi, stati d’animo, nel cuore degli elementi della natura, rappresentativi di Primavera, Estate, Autunno, Inverno. Ogni stagione ha 3 movimenti e dura circa 10 minuti ed è una delle opere musicali più popolari mai composte. Parallelamente, Vivaldi scrisse quattro sonetti per descrivere ciascuna delle stagioni. Sulla partitura, il compositore specifica le corrispondenze con le poesie, arrivando persino a descrivere alcuni dettagli come il canto e il volo di uccelli o lo scrosciare della pioggia. Una bella premessa che rende ragione della popolarità delle “Stagioni” vivaldiane e della innumerevole quantità di incisioni. Di questa però veramente non ne avevamo proprio necessità e vogliamo aiutarvi a spendere meglio i vostri soldi evitando di cadere nella “trappola” che da qualche tempo il nome Savall costituisce. Il musicista catalano pensa di poter affrontare qualunque repertorio con la scienza e la coscienza di uno specialista e, da tempo, snocciola accattivanti cd-libro. Il pubblico lo osanna e riempie le sale da concerto applaudendo l’ormai stantio guru della musica antica. Risparmiate ed evitatevi di ascoltare il violino stonato di Alfia Bakieva, interprete di origine tartara che attualmente vive a Salisburgo. È una polistrumentista, in particolare nel campo della musica popolare, suonando il violino, il violino popolare, il kylkobiz, il ghizzhak e altri strumenti simili. Queste caratteristiche per Savall hanno fatto della violinista l’interprete ideale, mentre sono proprio il limite evidente di chi non ha idea di ciò che sta realmente facendo. Per di più imbracciando un violino di Francesco Ruggeri, costruito a Cremona nel 1680. Una vera offesa a Vivaldi che Savall aggrava con una anacronistica orchestra tutta al femminile, come se questo bastasse a riprodurre la realtà di Vivaldi e delle sue “ragazze” dell’Ospedale della Pietà. Insomma siamo di fronte all’ennesima e inutile registrazione de Le Quattro Stagioni di Vivaldi. Un disco immaturo, inconsistente e privo di consapevolezza artistico-interpretativa che Savall autopubblica per la sua etichetta AliaVox col beneplacito dei contributi pubblici del Governo catalano. L’era Jordi – se mai è esistita – è, speriamo, al tramonto, per la gioia di chi ha motivazioni serie per proporre la musica del passato.

Endlessness è il secondo e nuovissimo lavoro discografico della polistrumentista e compositrice belga, con residenza a Londra. Un disco particolarmente accattivante, perché mette insieme le sonorità che hanno contraddistinto il precedente lavoro (Space 1.8) con l’elettronica molto più calda, a tratti acida. L’arpista – e non solo – belga/caraibica rimette in gioco uno strumento che, soprattutto nel jazz e nella musica popular, sembrava aver perso visibilità. Il debito nei confronti di Alice Coltrane è chiaro e dichiarato, ma qui Nala Sinephro mette in campo tutto il suo scibile elettronico, accasando anche i sintetizzatori in un contesto apparentemente cameristico. L’occasione è grata anche per parlare del ruolo dell’arpa, visti i successi di Brandee Younger e Amanda Whiting e dell’ambient jazz, “genere musicale” al quale viene ricondotta la vena compositiva di Sinephro.
 
 

Alice Brin, meglio conosciuta come Kiki de Montparnasse, è stata una pittrice, scrittrice, modella e cantante che ha lasciato un marchio indelebile sulla Parigi delle avanguardie artistiche. Hemingway, nella prefazione alla sua autobiografia – scritta all’età di 28 anni – la definisce «una Regina, il che, naturalmente, è molto diverso dall’essere una signora». Amante e musa di Man Ray, che la immortalò in un celebre ritratto ove compare nuda, con le effe del violino sovrapposte sulla schiena, Kiki fu una donna libera, incurante delle convenzioni. A lei s’ispira Kiki à Paris (Cypres), un progetto che vede impegnate tre musiciste (Albane Carrère mezzo-soprano, Elsa De Lacerda violino, Magali Rischette chitarra) dirette da Jean-Luc Fafchamps che cura anche gli arrangiamenti. Il trio propone un repertorio di 17 canzoni che ripercorrono il Novecento francese dall’impressionismo alla canzone contemporanea. Da Debussy a Poulenc, da Barbara a Dalida passando per Edith Piaf e Jane Birkin, la scelta cade su testi accomunati da uno spirito di rivalsa che investe le corde più intime dell’amore declinato in chiave struggente, comica, tragica, sensuale, omosessuale, filosofica. Un concept album sofisticato e godibilissimo, dall’originale risultato sonoro frutto di una miscela inedita in campo classico (mezzo-soprano, chitarra e violino), ancor più ardita dal momento che nessuna delle melodie è stata concepita per questo ensemble.

Riccardo Muti torna a parlare di musica attraverso un testo di sua firma. Citando la celeberrima romanza di Tosca, ennesimo omaggio a Puccini nell’anno che ne ha celebrato il centenario della morte, propone il suo modo di interpretare l’arte dei suoni. E, spaziando tra repertorio sinfonico, sacro e operistico, affronta un tema a lui particolarmente caro, quello dell’educazione alla musica. Tra paragrafi dai titoli significativi come “La musica è un’armonia universale”, “L’orchestra specchio della società” o “Il valore sociale della musica”, rimandi a prove d’orchestra e presentazioni al pianoforte - disponibili tra le pagine tramite QR code - e un approfondimento su noti autori della storia della musica, conduce il lettore alla scoperta dell’importanza attribuita alla musica fin dall’antichità. Importanza fortemente sostenuta da maestri del pensiero occidentale tra cui Severino Boezio, nel suo “De institutione musica” e Nietzsche, nel “Crepuscolo degli idoli”. Ribadisce, così, la funzione civile della musica e la sua rilevanza per la crescita del singolo e della società. Quella di un bene che appartiene a tutti e a cui dovremmo essere educati fin dai primi anni di vita. D’altronde ad avvalorare queste tesi, la sua citazione di, pare, un proverbio cinese, in occasione dell’ultimo Concerto di Natale nell’Aula del Senato della Repubblica Italiana alla guida della “sua” Orchestra Giovanile Luigi Cherubini «È a forza di pensare ai fiori che i fiori crescono…».

Il pubblico del teatro No’hma non voleva lasciarle andare via: Karine Benny, Myriam Boiserie, Marie Coumes, Laetitia Dutech, le quattro cantanti e strumentiste della Linguadoca impegnate in uno dei due concerti in programma il 7 e 8 gennaio scorsi. Al No’hma, un teatro da meno di trecento posti a Città Studi, a Milano, ci si va per fiducia, perché gli spettacoli sono sempre sorprendenti e vari, grazie alla direzione di Livia Pomodoro (ex magistrato di prima fila al Tribunale di Milano) e all’efficienza del suo staff, e anche, diciamolo, perché sono gratis! Basta prenotare online, e ormai non è nemmeno necessario sapere se ci sarà un concerto, uno spettacolo di danza, teatro di figura, teatro classico, contemporaneo… Come molti, ci siamo andati domandandoci se “La mal coiffée” fosse il titolo di una commedia, una canzone popolare, o altro. Abbiamo scoperto che era il nome di un gruppo di donne nell’età di mezzo, insieme da una ventina d’anni, quindi navigatissime sul palcoscenico, ma fresche come delle debuttanti, indaffarate con strumenti strani, qualcuno etnico, qualcuno messo insieme da un fabbro o un idraulico, ma intonati con accordatori elettronici e amplificati con microfoni a contatto sofisticati, con un sound tra Harry Partch e Xenakis, per accompagnare un canto a quattro voci a parti strette, come quello al quale ci hanno introdotto le voci bulgare, Värttinä, Tarta Relena, Ganes, e altri gruppi femminili dei quali ci siamo occupati in queste nostre recensioni. Della lingua d’oc delle canzoni non si capisce molto, anche se non sembra lontana dal catalano o dal retoromancio, ma le quattro musiciste di Minervois (cittadina fra Narbonne e Carcassonne) le spiegano con arguzia e orgoglio, e sono forti, rivendicative, come quelle di altre minoranze linguistiche che denunciano l’emarginazione, l’oppressione. Interessante, perché se fossero in italiano il pubblico della borghesia illuminata milanese (che esiste ancora, chissà se solo al No’hma) le troverebbe un po’ fuori moda, invece si infiamma e non finisce di applaudire, come se si fosse a un concerto degli Inti-Illimani nel 1974. Grazie, signora Pomodoro! 

World Music. Fino a una quarantina d’anni fa, pronunciata da un musicologo o da etnomusicologo, l’espressione si riferiva all’insieme delle culture, delle attività musicali o dei musicisti di tutto il mondo. Ma nei decenni a seguire, il senso originario è stato non cancellato, ma surclassato da una diversa accezione a indicare un vero e proprio genere musicale. Al punto che alla fine degli anni Novanta, un grande etnomusicologo come Simha Arom, alla domanda «Che cosa pensa della World Music?», rispose lapidario: «La World Music è una pattumiera». Sappiamo bene quel che era successo: l’industria e il mercato discografico avevano scoperto non solo la ricchezza inesauribile del serbatoio intercontinentale delle musiche tradizionali, folkloriche, d’arte, ma anche la golosa prospettiva di combinare insieme, in cocktail musicali altamente appetibili, musicisti, suoni e stilemi i più diversi e distanti geograficamente. In sostanza una replica postmoderna e molto più sgamata di quell’esotismo che già dal tardo Ottocento aveva letteralmente ammaliato la vecchia Europa. Uno dei protagonisti, se non l’artefice maggiore del successo di questo nuovo genere è stato Peter Gabriel che, dopo aver lasciato i Genesis, fondò nel 1987, Real World, l’etichetta discografica forse più nota e fortunata in questo ambito musicale. E ancora una volta da Real World, ecco una recente uscita che quasi riassume il destino di questo mondo, reale sì, ma anche artificiale. “The Sky Is The Same Colour Everywhere” vede insieme due grandi musicisti: Kayhan Kalhor, iraniano di origini curde e uno dei massimi interpreti di kamancheh (l’equivalente del violino diffuso in una vastissima area del Medio Oriente) e Toumani Diabaté, maliano, anch’egli uno dei più celebrati virtuosi di kora, l’arpa-liuto tipica delle regioni occidentali dell’Africa subsahariana e purtroppo scomparso nel luglio scorso. La maestria dei due interpreti, la ricchezza delle tradizioni di cui sono portatori, la raffinata tecnologia audio generano un esito tanto affascinante quanto, come sempre, grondante di interrogativi.

Ci si muove nel meraviglioso mondo delle corti di fine Cinquecento: Alfonso II duca d’Este e Margherita Gonzaga a Ferrara e Lucrezia della Rovere a Urbino. In quei luoghi e a quel tempo se ne fa tanta di musica, di eccelso livello, il Concerto delle dame e musica per organo. Ma soprattutto emerge Vincenzo Bonizzi autore, secondo il libro sacro di Praetorius, di bellissimi lavori per questo enigmatico strumento: la viola bastarda appunto. Difficilissimo da suonare al tempo e ancora oggi, per caratteristiche e ampiezza di canto che strega non solo gli addetti ai lavori. Paolo Biordi si cimenta in questa ammirevole registrazione con l’accompagnamento al clavicembalo di Andrea Perugi. Un mondo tutto da scoprire.