To Whom This May Concern, en français, « à ceux que cela intéresse » est le sixième album de la diva nu-soul Jill Scott qui revient à la musique après une décennie d'absence. A 53 ans, Jill Scott n'a rien perdu de sa verve, de sa voix et de son inspiration.

 

Dix années, c'est temps qu'il a fallu à la reine du « phily sound », le son de Philadelphie sa ville natale, pour peaufiner son retour fracassant. Celle qui, il y a 25 ans, propulsait la musique soul dans le XXIe siècle, aux côtés d'Erykah Badu, a marqué son époque avec cinq albums, restés comme autant de pépites dans le cœur de ses admirateurs, et puis la chanteuse à la voix magnétique était parti explorer d'autres univers. Les studios de télévision, la littérature, la poésie.

Elle est de retour à ses premières amours, en proclamant haut et fort sa résilience et sa joie de vivre. « Je ne suis pas ici pour vivre dans la peur ou juste pour exister. Je vais aller de l'avant et être géniale », chante-t-elle sur le titre « Be Great », le plus explosif des seize que compte l'album. Un album dans lequel Jill Scott rend hommage à ses influences, magnifie ses racines musicales. Soul, funk, hip hop, jazz. Grande amatrice de spoken word, ce slam version américaine, elle passe du rap au chant avec une aisance peu commune. 

L'autre particularité de ce retour réussi, c'est la profusion de nouvelles voix qui l'accompagnent. Tierra Whack. J.I.D, Ab-Soul, voilà quelques-uns et quelques-unes des rappeurs et rappeuses actuels qui jettent des ponts entre les générations. Du haut de ses 53 ans, Jill Scott réchauffe son expérience à la lumière des plus jeunes. Ce qui lui permet de rester en phase avec son époque.

Et de dénoncer, par exemple, les dangers qui guettent les ados, comme le diktat de la beauté et de ses codes nocifs, ou de rendre hommage à sa communauté. Sa version personnelle du « Black is beautiful » s'intitule « Beautiful People », les belles personnes. « Notre amour est plus grand que le temps ou la race. Notre amour est rythme et charme, il résonne ». Voilà les belles paroles prononcées par cette belle personne. 

Le dandy rock Marlon Magnée, cofondateur du groupe La Femme, passe en solo et branche les amplis avec Dark Star, son premier album solo, publié le 6 mars 2026.

Dark Star est un disque radical, électrique, sans vernis. Pour ses débuts en solitaire, Marlon Magnée retourne aux sources du rockabilly, guitares chauffées à blanc.

Avant ce virage, il a passé quinze ans sur les routes du monde entier avec La Femme. Résultat : 400 000 albums vendus et une Victoire de la musique en 2014. Le groupe a aussi signé des morceaux devenus cultes, comme « Paradigme ».

Aujourd’hui, Magnée met La Femme entre parenthèses et file se reconnecter aux années 50. L'esthétique rock’n’roll est là : chemise à franges violette, jean et blouson de cuir noir.  Mais pas de nostalgie ni de banane gominée non plus pour lui. Son projet est clair : faire exploser le rockabilly.

Sur « Opération Destruction », le mélange rockabilly-punk paraît improbable, mais l’étincelle prend. Le disque avance avec l’énergie féline des Stray Cats et les influences fusent : de The Velvet Underground à The Stranglers et Serge Gainsbourg, jusqu’à Motörhead.

Ce n'est pas un revivaliste pour autant. Marlon Magnée est bien un musicien de son époque. Son âge d’or n’est pas derrière lui. Il commence maintenant en 2026. Et franchement il assure ! 

Dark Star, premier album solo de Marlon Magnée qu’il défend déjà sur scène. La tournée passe notamment par le festival Supersonic le 26 mars, avant une série de dates en Europe et en Amérique du Nord.

Vingt-cinq ans après sa naissance dans l’imaginaire de Damon Albarn et du dessinateur Jamie Hewlett, Gorillaz revient avec l’une des premières grandes superproductions musicales de l’année. Le groupe virtuel britannique publie son neuvième album, The Mountain, sorti le 27 février 2026. 

 

The Mountain est un disque incandescent de quinze titres électro-pop où surgissent, à contre-courant, des touches indiennes inattendues. Lorsque Damon Albarn — alors chanteur de Blur — imagine en 2001 avec Jamie Hewlett ce collectif animé inspiré du street art et des mangas, l’idée relève presque de la farce pop. Pourtant, le projet prend une ampleur inédite : en un quart de siècle, le groupe de cartoon-pop vend des millions d’albums à travers le monde et enchaîne les tubes planétaires, dont l’incontournable « Clint Eastwood ».

Avec cet album, Gorillaz confirme sa capacité à se réinventer et s’impose d’emblée comme une œuvre foisonnante, à la fois spectaculaire et profondément personnelle.

Un casting cinq étoiles

Pour ce nouveau projet, Damon Albarn convoque une véritable constellation d’invités. Près d’une vingtaine d’artistes participent à l’aventure, de la virtuose du sitar Anoushka Shankar à Paul Simonon, bassiste historique de The Clash, en passant par les groupes Idles et Sparks. Les langues se mêlent comme les styles : anglais, yoruba, hindi, arabe ou espagnol. Damon  Albarn agit en chef d’orchestre et brille par son éclectisme et le mélange des générations. La surprise surgit aussi des voix d'outre-tombe, ici ressuscitées, dont celle du mythique batteur nigérian Tony Allen, disparu en 2020, qui plane sur l’album comme un fantôme bienveillant.

The Mountain est hanté par la mort. Il est né après le décès du père de Damon Albarn, artiste lui aussi et passionné d’art hindou. Sa mémoire irrigue l’album, notamment dans « The Shadow Light », un duo avec la légende de Bollywood, Asha Bhosle, 91 ans, qui éclaire le morceau d’une grâce crépusculaire.

Un manifeste pour le brassage des cultures

Enregistré entre l’Inde, les États-Unis, l’Angleterre et même la Syrie, The Mountain voyage autant qu’il mélange. Virtuel dans sa forme mais  profondément ancré dans le réel, Gorillaz y raconte un monde en tension, porté par des artistes engagés comme le chanteur syrien Omar Souleyman.

Plus qu’un simple album, il défend une idée : celle d’un multiculturalisme vibrant, d’un dialogue permanent entre les peuples. Avec The Mountain — « la montagne » — Damon Albarn prend de la hauteur et atteint de nouveaux sommets artistiques. Dans un monde qui vacille, ce disque dense et audacieux célèbre le dialogue des nations.  

Gorillaz entame sa tournée le 13 mars au Royaume-Uni avant de faire escale à Paris, le 6 juin, sur la scène du festival We Love Green. 

Délicieusement rock, profondément mélancolique, indubitablement savoureux : le huitième album de Mitski, Nothing's About To Happen To Me, est sorti le 27 février dernier. En onze titres, l'autrice-compositrice-interprète américano-japonaise plonge ses auditeurs dans un univers aussi sombre que jubilatoire, orchestré avec brio. 

Plus qu'une collection de chansons, le huitième album studio de Mitski, Nothing's About To Happen To Me, est un récit : celui d'une femme recluse dans sa maison peuplée de chats et autres bestioles. Dans le monde extérieur, elle est moquée, voire considérée comme déviante. Son monde intérieur, lui, est celui de la liberté. 

Toute ressemblance avec la réalité n'est que pure coïncidence – même si la chanteuse américano-japonaise est connue pour vivre une vie solitaire et surtout à l'écart des caméras et de ses 23 millions d'auditeurs mensuels sur Spotify. 

Il n'empêche, Mitski a créé, pour cet album, un univers complet, sombre et légèrement oppressant – complété d'un clip mi-horrifique, mi-burlesque pour accompagner le single « Where's My Phone ? », douce moquerie d'une femme à la recherche de son téléphone portable. 

Une orchestration réussie 

La thématique a été respectée jusqu'au bout, puisqu'une bonne partie de l'album a été enregistrée directement au domicile de l'artiste de 35 ans. Avec une nuance : les prises de son des parties orchestrales ont, elles, été réalisées au mythique studio Sunset Sound de Los Angeles. 

Car si Mitski chante la solitude. Celle que l'on choisit, dans « In A Lake ». Celle que l'on ressent, surtout entouré d'inconnus, dans « I'll Change for You ». Surtout, celle que l'on subit dans les turpitudes amoureuses, elle la chante en étant bien accompagnée. L'habituelle trinité rock est bien sûr de la partie : batteries, basses et guitares électriques saturées résonnent à foison dans l'album.

Mais certains convives plus rarement invités font aussi leur apparition au gré des chansons : de l'accordéon, de l'orgue, du violon, du trombone, du banjo ou même du vibraphone. Chacun sert avec brio les influences de tel ou tel titre, ici folk, ici plutôt bossa nova, parfois carrément punk. 

Une écriture sur la brèche, incisive et poétique 

Les chansons de Mitski se sont toujours distinguées par la finesse de leur écriture, et cet album ne fait pas exception. Capable d'une grande poésie, comme lorsqu'elle demande à se réincarner en pluie « pour voir le monde à nouveau, tomber encore » dans le titre « Lightning », elle se montre aussi féroce quand elle interroge un ancien compagnon : « M'aurais-tu mieux aimée morte, pour pouvoir raconter mon histoire à ma place ? » dans le titre « Dead Women ». Ou encore pleine d'humour, lorsqu'elle se lamente « de devoir aller travailler, pour payer le loyer de [s]on chat » dans « This White Cat ».

Avec Nothing's About To Happen To Me, Mitski nous emmène donc un peu plus loin dans son univers, tout en nous tenant sagement à distance. Et si l'on était tenté de franchir la limite, l'artiste nous prévient : attention, chat méchant. 

Mitski sera sur scène au Zénith à Paris le 5 mai 2026 pour promouvoir son album Nothing's About To Happen To Me (Dead Oceans).

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Le quatuor Yotsi fait partie des dix finalistes du Prix Découvertes RFI. Basés à Kinshasa, les quatre membres du groupe mixte ont déjà publié un album, Maisha, dans lequel ils portent leurs influences à la jonction entre tradition mutuashi et références occidentales. 

« Yotsi », en langue kimongo, cela veut dire l'étoile. Car ils sont quatre à briller au sein de la formation. Leah Mbuyamba à la basse, Tychik Sulutemo à la guitare, Jephte Lubungu à la batterie et Linda Tombo au chant. Ensemble, ce groupe mixte – une configuration encore rare dans de nombreux pays africains – écrit et compose des chansons qui sont le fruit de ses  influences variées. 

Des racines solidement ancrées en RDC 

Les références au mutuashi forment le socle des chansons de Yotsi : le rythme traditionnel du Kasaï a bercé les fêtes de famille et autres rassemblements auxquels le groupe participe depuis son jeune âge. Mais les quatre comparses ont aussi grandi avec Internet et les plateformes, et ont donc peu à peu intégré des influences venues de partout dans le monde : de l'afrobeat, du spoken word et même parfois du rock. 

Car la devise du groupe, c'est « no borders » (« pas de frontières », en anglais). Hors de question donc de se limiter dans les genres, et cela vaut aussi pour les langues : Yotsi chante en tshiluba, en kimongo, en swahili et en lingala. 

Des thématiques variées 

Quant aux thématiques, là non plus le groupe ne se réfrène pas. La situation en RDC – dans l'est notamment – influence son travail, d'autant que la chanteuse Linda Tombo est originaire de Bukavu. Mais dans les chansons de Yotsi, il est aussi beaucoup question du quotidien. Ainsi du titre « Otatangia » (« envoie-moi à l'école », en kimongo) : le cri du cœur d'un « tshegue », les enfants des rues de Kinshasa, pour souligner l'importance de l'accès à l'éducation.

L'ADN varié du groupe a déjà attiré de nombreuses collaborations. Le guitariste français Yarol Poupaud, présent sur l'une des chansons du disque Luzingu, a aussi chapeauté le mix. Le pianiste Ray Lema les accompagne sur une autre chanson. Et sur le titre éponyme de l'album, « Maisha », c'est la musicienne Anne Gouverneur qui fait chanter son violon. Des débuts prometteurs, qui ne demandent qu'à être confirmés avec le deuxième album, actuellement en préparation.

 

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Cap sur le Bénin avec le chanteur et rappeur Yewhe Yeton, l'un des dix finalistes du Prix Découvertes RFI 2026. Fils de percussionnistes et chanteurs traditionnels depuis deux générations, il a été initié très tôt à la musique par son grand-père dans la vallée de l’Ouémé. Aujourd'hui, il fusionne les mélodies sacrées des couvents vodun avec des rythmes endogènes béninois, du rock et du rap, pour explorer son style : le vodun-rock.

Issu d'un village de pêcheurs, Yewhe Yeton avait l’habitude d’accompagner son grand-père à la pêche sur le fleuve Ouémé. Son grand-père chantait toute la journée, tandis que lui jouait des percussions avec tout ce qu'il pouvait trouver dans la barque. C'est également sur les rives du Ouémé, haut lieu des rituels vodoun, qu’il puise une partie de son inspiration. 

Ces racines l’ont mené au vodoun-rock, un style unique où Yewhe Yeton fusionne les mélodies sacrées des couvents vodun avec des rythmes endogènes du Bénin, du rock et du rap. Bien qu’appartenant au peuple Goun, il a choisi de chanter et de rapper en fongbé, convaincu que lorsque l'on veut exprimer ce qui nous tient à coeur, on ne peut l'exprimer que dans la langue que l'on maîtrise le mieux. A travers sa musique, il cherche donc à valoriser les langues mais aussi les rythmes du Bénin.

Hommage permanent aux rythmes endogènes béninois

Dans ses morceaux, rien n’est laissé au hasard. On y entend le rythme sacré Akpala, d'origine yoruba, joué lors des cérémonies vodun et des mariages traditionnels ; le Gangbo, qui accompagne les Zangbétos, ces gardiens de la nuit au Bénin et au Togo ; le rythme Adja de la divinité yoruba Sakpata, qui gouverne la terre ; ou encore le Tchinkounmè, joué lors des cérémonies funéraires et des réjouissances.

Profondément enraciné dans les traditions de son pays, Yewhe Yeton avance dans les pas de ses ancêtres tout en portant un regard lucide sur les réalités sociales actuelles. Avec une plume militante, il chante le courage, l’amour et la résilience, pour inspirer toute la jeunesse africaine.

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Le Choix Musical vous présente les dix finalistes du Prix Découvertes RFI depuis le 16 février.  Huitième artiste en lice: Tyty Meufapart, 25 ans, née au Congo-Brazzaville.

Tyty pour les intimes. Meufapart pour marquer la différence. Julbertine Karen Yambo, à l’état civil, grandit dans un quartier populaire de la banlieue de Pointe-Noire au Congo-Brazzaville. Très tôt, elle transforme la débrouille en art et comprend que chanter, c’est exister. Rap, soul, rythmes traditionnels : chez elle, les racines africaines percutent la modernité. Résultat : « Underground », titre-manifeste vibrant. 

Son métissage sonore s’est forgé à l’écoute d’artistes engagés comme Lokua Kanza, Angélique Kidjo ou Lauryn Hill. Puis passage par le collectif Kiwissa, textes affûtés sur la vie et les luttes qui l’ont façonnée. Et  surtout, la jeune Congolaise  apprend à  dompter la scène.

En 2023, son EP live Paradisiaque confirme son talent. Le single « Voy-B », en duo avec le rappeur Sky Mecapart — clin d’œil nominal assumé — impose sa signature sonore hybride. 

Tyty Meufapart, bantoue dans les veines, futur en ligne de mire.

L'artiste du Congo-Brazzaville est l’une des dix finalistes du Prix Découvertes RFI 2026. Votez pour votre artiste favori jusqu’au 11 mars 2026 sur notre site. Résultat le 13 mars 2025.  

 

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Il navigue entre les mondes. À la fois batteur et chanteur, né à Cotonou et installé à Dakar, Sym Sam, 32 ans, figure parmi les 10 finalistes du Prix Découvertes RFI 2026. Avec son deuxième EP Fii Laa Yaro – « J'ai grandi ici » en wolof, le Bénino-Sénégalais livre un dialogue engagé et lumineux entre musique urbaine et sonorités africaines.

Sym Sam est batteur, mais c'est sa voix qui frappe en premier : par sa douceur et sa manière de raconter le monde avec simplicité et délicatesse. Que ce soit à travers les yeux d'un chauffeur de taxi qui tombe amoureux d'une cliente, ou dans le titre « Migbe » – « Refuser » où le Bénino-Sénégalais pointe les divisions qui blessent nos sociétés.

Ancré dans la réalité du continent, Sym Sam consacre son premier EP Freedom de 2020 à la liberté, aux contraintes et aux espoirs de la jeunesse africaine. Cinq ans plus tard, il chante le Sénégal avec son deuxième EP Fii Laa Yaro – « J'ai grandi ici » en wolof, le pays où il a fait ses premiers pas en musique : chant et percussion à 5 ans, puis clarinette et saxophone, jusqu’à un concours de batterie qui le révèle à 18 ans.

Aujourd'hui, sa force, c’est le mélange : un mbalax sénégalais teinté de funk, reggae et jazz, la musique du Bénin, le highlife ghanéen et l'amapiano sud-africain, le tout porté par la voix d’un batteur décidé à transmettre du courage et de l'espoir.

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Il fait partie des dix finalistes du Prix Découvertes RFI 2026 : le rappeur et chanteur OPA, originaire du Bénin. Son objectif est très clair : mettre sa musique au service de son pays, et devenir un véritable ambassadeur de la culture béninoise à travers le monde.

OPA, Tossou Paoli de son vrai nom, fusionne r'n'b, afrobeats et soul avec des sonorités traditionnelles du Bénin. Ses parents ne sont pas musiciens, mais il les décrit tout de même comme de véritables « amoureux de la musique ». Sa mère lui a fait découvrir les mélodies qui ont bercé sa jeunesse, tandis que son père lui a appris ses premiers pas de salsa. Un terreau familial idéal pour grandir musicalement, et déployer son style à la fois enraciné dans sa culture et ouvert sur le monde, « pour que celui qui l'écoute ne se perde pas » explique-t-il.

Et son inspiration ne s’arrête pas aux rythmes et aux sonorités de son pays. OPA puise aussi dans la réalité du quotidien de ses habitants. Il écrit pour que les Béninois puissent se reconnaître dans ses paroles et dans les messages qu'il partage.

Amour et jeux de séduction « à la béninoise »

L’amour et la séduction occupent une place centrale dans son répertoire, mais toujours « à la béninoise ». Il dépeint les relations amoureuses : la façon dont les hommes et les femmes se séduisent, les promesses de bonheur, les éternels jeux de « suis-moi, je te fuis »... OPA observe, écoute, s’inspire de la vie autour de lui, et bien sûr de ses propres expériences qu’il raconte de sa voix profonde.

Dans le morceau « Fi fi fi », il décrit une danse sensuelle en soirée, tout en soulignant l’importance du respect du consentement pour que la séduction reste un jeu sain. Et pour que le message soit clair, il le chante en français, en anglais et en fon : une triple déclaration d’amour à son pays et à ses langues.

Autre exemple : le titre « Goslow », un egotrip inspiré des embouteillages dans les rues béninoises. Derrière cette métaphore, OPA affirme haut et fort que la nouvelle génération prend le volant : les jeunes prennent le relais, font du beau travail, innovent, et ils iront loin.

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Il fait partie des dix finalistes du Prix Découvertes RFI 2026 : le chanteur et multi-instrumentiste Manu Desroches, originaire de l’île Maurice. Entre jazz, blues, musiques traditionnelles africaines et mauriciennes, son EP Chapter Of Sound est à la fois un hommage à ses racines mauriciennes, et un beau voyage autour du monde.

Passionné depuis l’enfance, Manu Desroches a grandi dans une famille où la musique tient une place centrale. Entouré d’instruments, il découvre le djembé dès l'enfance, avant de recevoir sa première guitare à l’âge de 7 ans. Dès l’adolescence, il joue dans plusieurs groupes de l'île Maurice, tour à tour guitariste et bassiste, avant de se lancer en solo après plusieurs années de scène. En mai dernier, il a sorti son tout premier EP, Chapter Of Sound, fruit de dix années de compositions mêlant jazz, blues, musiques traditionnelles africaines et mauriciennes.

Fidèle à ses racines, Manu Desroches reste profondément attaché aux sonorités de son île. Il chante d'ailleurs en créole mauricien sur l’ensemble de son EP, en hommage à cette culture insulaire métissée. L’île Maurice, tout comme sa voisine La Réunion, a toujours baigné dans de multiples courants musicaux : le traditionnel séga, aux racines rythmiques africaines et malgaches, la musique carnatique venue d’Inde, mais aussi des influences européennes et asiatiques.

Manu Desroches s'inscrit dans cette richesse, inspiré par des figures mauriciennes comme le guitariste pionnier du séga-blues Eric Triton, ou encore le chanteur Menwar, qui modernisé le séga traditionnel. Manu Desroches et lui ont revisité ensemble son titre emblématique « Bain des dames ».

Dialogues entre les sons et les voix du monde

L'une des forces de Manu Desroches, c'est son amour des instruments traditionnels de l'océan Indien. Il utilise la ravanne, tambourin à cadre recouvert de peau de chèvre, et le maravanne, hochet plat en tiges de canne à sucre remplies de graines. Mais il ouvre aussi sa musique à d'autres horizons : la flûte bansuri indienne, des accents afrobeat dans l'esprit de Fela Kuti, et même quelques couleurs caribéennes. Car Manu Desroches travaille avec le percussionniste réunionnais Frédéric Piot, qui lui-même a collaboré avec le big-band du Portoricain Tito Puente. Sur le morceau « Ma », Manu Desroches partage aussi le micro avec le chanteur sénégalais Woz Kali, dans un dialogue entre wolof et créole mauricien.

Un voyage musical à la croisée des cultures, où chaque note raconte un fragment de l’océan Indien.

 

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