La Lausannoise Marie Jay impose sa pop électro francophone sur les scènes suisses. Autrice-compositrice, véritable « boss » de son projet, la Suissesse de 24 ans vient de signer avec un label français et enchaîne les festivals, avec un univers frais qui parle à une génération en quête de repères.

En Suisse romande, les artistes émergents sont nombreux, mais tous ne choisissent pas la langue française. La Lausannoise Marie Jay, elle, s’y tient avec conviction. Pour la situer dans la francophonie, on pourrait la rapprocher d’Iliona en Belgique, d’Adèle Castillon en France ou de Charlotte Cardin au Québec.

Elle a fait ses premiers pas, il y a cinq ans, en direct sur RTS Option Musique. Marie Jay était seule avec sa guitare, les cheveux noués en couettes, et chantait ses premiers titres écrits et composés seule dans sa chambre. C’était fragile et sensible, mais on sentait déjà qu’on tenait là une future grande.

C’est une guitare rouge vif offerte par sa grand-mère qui déclenche tout. Après ses études, Marie Jay part à Londres, au BIM Music Institute, pour travailler la composition. De retour à Lausanne, elle choisit la langue française pour sa cadence, son rythme, son sens des mots. La jeune fille de 24 ans s’est faite seule et a trouvé dans la chanson un moyen de canaliser ses émotions et ses propos.

Elle développe un univers électro-pop qui parle à beaucoup de jeunes aujourd’hui. Sur scène, elle s’approprie l’espace, interpelle son public. Son univers frais, coloré, vivant reflète une génération en quête de jalons.

Une « boss » autodidacte

Très vite, Marie Jay comprend qu’elle doit compter avant tout sur elle-même pour aller au bout de ses rêves. Elle est à la fois chanteuse, autrice, interprète, productrice, administratrice, community manager, styliste : tout ce qui existe autour d’elle, c’est elle qui l’a créé. Une véritable « boss ».

Des Tataki Awards jusqu'au Radar, parcours obligé en Suisse romande, elle trace un sillon qui s’impose. Après une signature avec un label français, rare pour une artiste suisse, elle accède aux plus belles scènes des festivals d’été : Montreux Jazz festival, le Caribana, et cette année, le Paléo. Marie Jay s’affirme ainsi comme l’une des figures montantes de la pop électro francophone suisse.

Marie Jay Le rose c'est has been (Wagram music) 2026

Le trio Lovana, dont le nom signifie « héritage » en malgache, dévoile son tout premier album intitulé Jiro, soit « lumière ». Un disque très dense, porté par un mélange de chants traditionnels, de rythmes tribaux et de sonorités électroniques, où chacun des membres du trio apporte sa patte musicale.

Originaire du sud-est de Madagascar, la chanteuse Golly Miantsa est au cœur du projet. Elle apprend le chant dès l'enfance avec sa grand-mère Kouna et le pratique lors des cérémonies du culte tromba : un rite de possession spirituelle lié aux morts où la musique convoque les ancêtres.

A la fois chanteuse et guérisseuse, Golly Miantsa participe aux évènements traditionnels de la région de Midongy du Sud, puis elle se fait remarquer comme choriste et danseuse de mangaliba, genre malgache, une fusion d'influences africaines de l'Est, pacifiques et asiatiques. Après plusieurs tournées dans l'île rouge, elle part pour la France et fonde Lovana.

La voix de Golly Miantsa s'entrelace avec celle de Bema Ratovondrahery, chanteur et percussionniste malgache originaire d'Antsirabe, territoire volcanique dans le centre du pays. Lui qui a commencé les percussions dans la rue avec ses amis a, petit à petit, rejoint plusieurs groupes. Il a dirigé des chorales gospel et travaillé à maîtriser les polyrythmies des répertoires de l'île jusqu'à devenir intervenant musical et spécialiste des rythmes et sonorités de Madagascar.

Son jeu de percussions en cycles répétitifs crée cet état de transe propre aux cérémonies traditionnelles. A eux deux, Golly Miantsa et Bema Ratovondrahery forment de belles polyphonies de voix qui rappellent la puissance des chants d'Afrique du Sud et de la Réunion.

Un vernis électronique sur les traditions malgaches

Le dernier membre de ce trio, le producteur français Aurèle Guibert, amène toutes les textures synthétiques présentes dans Lovana. Il évolue derrière une batterie hybride, acoustique et électronique, et apporte les samples, les basses profondes, les rythmiques trip-hop influencées par la techno berlinoise.

Il fond ses beats électro dans les cadences des musiques de transe et y incorpore des sons d'instruments traditionnels comme le kabossy, une petite guitare carrée à quatre ou six cordes faite de bambou et de peau de zébu. Un instrument notamment mis en avant sur le morceau, « Damany ».

L'afro-électro de Lovana sera à retrouver sur scène en France. Ce sera le 21 août à Champagnat, le 22 août à Toulouse et le 29 août à Rostrenen.

Il se fait rare, mais jamais discret. Tricky, l'Anglais insaisissable passé par le groupe culte Massive Attack, brise le silence avec un douzième album solo, Different When It's Silent.

On l'a désigné inventeur d'un son, le trip hop. Mais Tricky, refuse catégoriquement d'être réduit a une étiquette. Chez lui, c'est toutes les musiques  : une hybridation fluide de rock, soul, jazz, pop, rap, dub, skank reggae, électro.

En 1988, le Britannique émerge avec les désormais célèbres Massive Attack, collectif de Bristol, militant, pacifiste, altermondialiste, politique. Trois ans plus tard, en pleine guerre du Golfe, le groupe sort son premier album, Blue Lines. Un genre musical inédit vient de naître et il fait l'effet d'une bombe

Alors qu'il connaît la gloire avec Massive Attack, Tricky quitte le groupe en 1994 pour se lancer en solo. Dès l'année suivante, il dégaine Maxinquaye. Et c'est le jackpot : premier album solo, premier coup de tonnerre. Dédié à sa mère, qui s'est suicidée quand il avait quatre ans, il se vend à plus de 500 000 exemplaires. Un exploit pour un disque à l'esthétique aussi oppressante, pleine de tensions et d’une violence sourde. Avec ce chef-d'œuvre imprévisible, Tricky crée son univers insaisissable et s'impose sur la scène mondiale.

Sur son douzième album, Different When It's Silent, Tricky invite de nouvelles voix.

La quête de timbres est un sport pour cette grande figure iconoclaste de la musique contemporaine depuis plus de trente ans. La sienne, caverneuse, se met ici souvent en retrait, laissant la lumière à celle, androgyne, de Mitch Sanders, lui aussi originaire de Bristol. En toile de fond, une blessure qui ne le quitte pas : le suicide de sa fille en 2019.

Son absence hante cet album de quatorze titres, d'une mélancolie envoûtante. À 58 ans, Tricky n'a pas rangé ses fantômes au placard, transfigurant sa douleur en chansons habitées. Sur le bouleversant « Out Of Place », il confie : « Je chante pour ma fille / Et grandis comme un agneau en direction de l'abattoir. »

Endeuillé mais jamais apprivoisé, Tricky, éternel antistar devenu superstar malgré lui, signe un grand disque, souvent électro-rock, parfois blues. Un retour en grâce après six ans de silence discographique.

Different When It's Silent, sortie le 17 juillet 2026 (False Idols / !K7). Tricky en concert à Bristol le 29 août, avant une tournée américaine jusqu'à fin septembre.

Direction l’Amérique du Sud avec Maria Mulata dont la tournée en Europe vient tout juste de s'achever. Chanteuse, compositrice, mais aussi chercheuse, elle travaille depuis deux décennies sur les expressions et les traditions musicales de différentes régions de Colombie.

Maria Mulata associe une maîtrise académique en musique à l'université Javeriana de Bogota, et un apprentissage direct auprès des maîtres de la tradition orale, porteurs des savoirs ancestraux. Parmi les figures importantes de sa formation, on trouve par exemple la maestra Etelvina Maldonado, l'une des grandes chanteuses colombiennes de bullerengue, ce genre musical afrocolombien venu des communautés de marrons formées dans des localités comme San Basilio de Palenque. Le chant est souvent dirigé par des femmes, les cantadoras, et la structure alterne entre une voix soliste et des renforts en harmonies par un chœur de femmes.

Tisser les musiques de toute la Colombie

Avec toutes ses connaissances musicales, Maria Mulata tisse des liens entre les musiques des Caraïbes, du Pacifique, de la cordillère des Andes, des plaines des Llanos et des peuples ancestraux de Colombie. D’un côté elle rend hommage à l'influence vocale et à la mémoire de grandes cantadoras comme Totó la Momposina et Petrona Martinez, et de l’autre elle est dans une quête créative permanente vers un nouveau folklore. Aujourd'hui Maria Mulata se fait l'ambassadrice culturelle des sonorités afrocolombiennes indigènes et des territoires ruraux, et elle valorise la richesse sonore de la Colombie dans le monde entier.

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Sur son dernier album sorti en avril, Etérea y Terrenal, Maria Mulata propose une rencontre entre les musiques traditionnelles latino-américaines, et de nouvelles explorations sonores. Elle y chante en espagnol mais aussi en créole sanandresano et en portuñol, mélange de portugais et d'espagnol. Ses paroles célèbrent la force créative des femmes, la connexion avec la nature, la mémoire et les territoires. De toutes façons, même sans forcément comprendre toutes les paroles sa musique transporte immédiatement. Le marimba et les tambours se mêlent au saxophone soprano, au ukulélé et au tiple, cette petite guitare colombienne à 12 cordes, le tout sublimé par ses magnifiques chants tribaux revisités.

En lice pour les Latin Grammys 2027

Maria Mulata a déjà été nommée à trois reprises aux Latin Grammys... Et la quatrième nomination arrivera peut-être très bientôt, car le 10 août sera annoncée la sélection officielle 2027, et son dernier album est en lice. On croise les doigts pour cette artiste qui a consacré sa vie à écouter, apprendre et partager toutes les voix qui habitent son pays.

C'est l'un des groupes de rock les plus emblématiques des années 2000 : les Strokes sont de retour cet été, avec leur septième album, Reality Awaits. Un disque très attendu, six ans après The New Abnormal, très largement salué par la critique. Dommage : malgré la profusion de moyens de production déployés par le groupe, le disque reste brouillon et globalement décevant.

Il y a 25 ans, les Strokes étaient catapultés sur le devant de la scène dès leur premier disque, Is This It ?, avec ses accords de guitare saturés, ses mélodies en forme de bolide lancé sur une grande ligne droite, et le charisme un peu étrange du chanteur Julian Casablancas.

Un demi-siècle plus tard, la potion magique ne prend plus, sûrement car le dosage des ingrédients a un peu trop changé : beaucoup plus de titres contemplatifs, beaucoup plus de synthétiseurs, et surtout, beaucoup plus d'autotune (« Falling Out Of Love », « Psycho Shit »). La distorsion de voix a toujours fait partie de l'ADN de ces enfants terribles du rock new-yorkais, mais sur ce septième disque, le curseur a été poussé à fond. Sûrement trop, car alors même que l'autotune n'est pas présent sur tous les titres, c'est la seule impression qui reste durablement à l'issue de l'écoute.

Un album plus expérimental 

On peut pourtant saluer la volonté du quintet new-yorkais de se renouveler. Dans ce nouveau disque, les tentatives ne manquent pas : des transitions volontairement brutales, des synthétiseurs qui sonnent comme des orgues, quelques légères influences country et même des bruits tirés de jeux d'arcade à la fin d'une chanson... le tout grâce au concours de pas moins de treize ingénieurs du son, ce qui explique peut-être aussi cet effet fourre-tout. 

Malgré tout, la patte des Strokes reste reconnaissable, surtout sur le très sympathique « Lonely in the Future » : après tout, on n'efface pas 25 ans de collaboration musicale en un claquement de doigts. Le groupe conserve ses petites obsessions : comme sur les deux albums précédents, le chanteur Julian Casablancas dénonce la mainmise des classes dirigeantes sur les ressources ; la destruction de la planète ; l'addiction aux nouvelles technologies. Surtout, le groupe s'en prend à un monde où le capitalisme et roi et où la surconsommation règne en maîtresse (« Going Shopping »). 

Quelques bonnes idées et titres savoureux, est-ce suffisant pour sauver la totalité de l'album ? Le groupe lui-même semble en douter... lui qui chante, en clôture de l'album : « Nous voilà pour un dernier tour, mais ce n'est pas grave, car nous avons fait notre temps. »

Reality Awaits, sorti le 24 juillet 2026 (RCA Records).

Avec Naïve, premier EP de la chanteuse bruxelloise Idyl, la pop francophone belge gagne une nouvelle voix à suivre. Influencée par France Gall, Lio ou Clara Luciani, Idyl raconte les vertiges d’une génération confrontée aux crises écologiques, économiques et sociales.

Déjà remarquée en première partie de Gaël Faye et Lubiana, Idyl se pose sur la scène francophone comme une nouvelle voix à suivre. La jeune chanteuse bruxelloise raconte les vertiges de son temps, celui d’une jeune génération qui grandit dans ce monde marqué par les crises écologiques, économiques et sociales. Face à un présent et un avenir à la fois inquiétant et fascinant, elle flirte avec l’espoir et transforme ses doutes en chansons.

Naïve, son premier EP, met en musique cette période charnière où l’on tente de comprendre et de démêler le vrai du faux des récits et promesses parfois transmis sur la vie d’adulte. Naïve raconte l’ennui, l’abandon, l’espoir, la solidarité aussi.

C’est la métamorphose de ceux qui avancent incertains mais déterminés à tirer leur épingle du jeu, en acceptant le réalisme du doute continu et la douceur de l’idée de lendemains meilleurs. Un parcours semé de déceptions qu’il faut bien traverser.

Entre crises, doutes et espoir

Protégée d’une armure, construite pour protéger malgré toutes les illusions et les rêves, Idyl avance sans mode d’emploi. Son univers sonore est mêlé d’électronique, de french pop vintage et de chanson française ; un peu de sucre pour atténuer l’amertume de la réalité d’un avenir incertain, entre solitude, éco-anxiété et précarité croissante souvent décevante.

C’est une réalité qui vacille comme cette flamme qu’elle conserve soigneusement au cœur de son armure. Influencée par France Gall, Lio ou Clara Luciani, Idyl développe un langage pop sensible, actuel et incarné. L’EP, produit par le Belge Simon Le Saint, perspicace et brillant musicien, entre autres pour Stromae ou Aya Nakamura, apporte à ses chansons une production soignée et puissante, à la hauteur de l’intensité de son message.

Naïve, le premier EP de la jeune bruxelloise Idyl, est sorti le 11 septembre sur le tout nouveau label indépendant et collaboratif du musicien et producteur liégeois Nicolas Michaux, Vérité, hébergé par Capitan Coop.

La musique comme moyen de rallier Madagascar et le pays basque, dans le sud-ouest de la France : c'est comme cela que Juliette Magnevasoa, chanteuse franco-malgache de 27 ans, conçoit son art. À travers son premier EP, Guitare nouée sur corps étanche, aussi bien que son album de reprises (Les routines), la jeune femme retrace son histoire faite de déchirements et de ruptures, toujours avec une grande poésie. 

Juliette Magnevasoa a 27 ans, et déjà dix ans dans la musique derrière elle. Sur scène, cette expérience lui donne une calme assurance lorsqu'elle demande au public de fredonner avec elle ses ballades inspirées de sa vie, de ses proches, ou d'auteurs qu'elle admire. La jeune femme capture l'attention du public, et l'emmène sur les chemins parfois cahoteux qui constituent son parcours. 

Une vie perchée entre Madagascar et la France

Car si aujourd'hui Juliette Magnevasoa a le léger accent chantant caractéristique du sud-ouest de la France, c'est bien à Madagascar qu'elle est née, avant d'être adoptée, à l'âge de 4 ans, par une famille du pays basque. Aujourd'hui, cette fracture et cette double identité habite les chansons de la jeune femme, comme lorsqu'elle chante « Madagascar, tu n'es pas loin, et ça fait de moi quelqu'un d'immense » dans « L'effet mère ». « La musique pour moi, c'est vraiment rallier mes deux terres, confirme-t-elle. D'ailleurs, "Juliette Magnevasoa", c'est exactement cela : je suis Juliette depuis que je suis arrivée en France, mais j'étais Magnevasoa à Madagascar. »

C'est aussi dans cette histoire qu'elle puise ses compositions, inspirées tout à la fois des grands standards de la chanson française (Barbara, Anne Sylvestre ou Georges Moustaki en tête) que des artistes malgaches qui l'ont bercée, d'Erick Manana à D'Gary. Un mariage heureux et sans obstacles : « étonnamment, il y a beaucoup de ponts entre la musique basque et la musique malgache, juge la chanteuse. C'est-à-dire, des voix tout à fait centrales, et des accompagnements assez minimalistes d'instruments souvent harmoniques, comme la guitare. »

Le couple guitare/voix, une forme « d'hypnose » 

Il faut dire qu'en studio comme sur scène, Juliette Magnevasoa ne s'accompagne (presque) que de sa guitare, qu'elle pratique d'ailleurs tous les matins pendant deux heures et demie. « Je ne peux pas vraiment l'expliquer mais, lorsque je joue de la guitare, c'est presque de l'hypnose, confie l'autrice-compositrice-interprète. Ce n'est presque plus moi, la guitare devient comme une extension de mon corps. » Ce n'est pas pour rien si son premier EP s'intitule Guitare nouée sur corps étanche.

Cet accompagnement sans fioritures permet à la voix cristalline de Juliette Magnevasoa de s'exprimer pleinement et surtout de porter ses mots – « mes textes portent ma vie », pointe-t-elle d'ailleurs. Car la poésie est une partie essentielle de son travail : « ​​​​​​​Chaque jour, j'essaie d'écrire pendant 1h30. J'essaie de cultiver une poésie de rien et, à force, cela devient un prisme à travers lequel je regarde le monde. Et c'est plus léger comme ça aussi ​​​​​​​! » 

Avec sa chevelure de rock star et son violon de virtuose, David Garrett brouille les frontières entre musique classique et culture pop. 32 Disques d'or, 14 de platine et plus de cinq milliards d'écoutes : le musicien germano-américain est devenu l'un des ambassadeurs du violon les plus populaires de la planète. Actuellement en tournée avec son dernier album crossover Millennium Symphony, il fait étape au 70e Menuhin Festival de Gstaad, dans les Alpes suisses, aussi comme collectionneur et passionné d'instruments historiques, pour un rendez-vous exceptionnel autour de violons de légende.

 

Dans la station alpine de Gstaad, à plus de 1 000 mètres d'altitude, David Garrett a réuni pour la première fois les membres d'un club très exclusif qu'il a fondé il y a cinq ans : le Del Gesù Club, qui rassemble les propriétaires de violons italiens d'exception des XVIIe et XVIIIe siècles.

Au total, 26 instruments mythiques étaient exposés et joués dans l'église de Saanen, bâtie en 1604. Parmi eux, figuraient plusieurs Stradivarius et Guarneri del Gesù, considérés comme le sommet de la lutherie italienne. La valeur de l'ensemble est estimée à quelque 340 millions d'euros.

Loin d'un simple rassemblement de collectionneurs, l'événement avait pour vocation de faire vivre ces instruments à travers la musique. Au programme : des œuvres majeures du répertoire classique, mais aussi du George Gershwin et des musiques de film, à l'image de la démarche artistique de David Garrett.

Un enfant prodige du violon

Né d'une mère ballerine américaine et d'un père allemand, commissaire-priseur spécialisé dans les violons, David Garrett découvre son instrument très tôt. Il reçoit ses premières leçons à l'âge de quatre ans et remporte déjà un concours un an plus tard.

À 10 ans, il donne ses premiers concerts officiels. Deux ans plus tard, il devient le plus jeune artiste à signer un contrat exclusif avec une grande maison de disques. Son parcours le mène ensuite au Conservatoire de Berlin, puis à la prestigieuse Juilliard School de New York.

La virtuosité de Garrett lui vaut également un record du monde grâce à une interprétation fulgurante du célèbre « Vol du bourdon », exécuté en seulement une minute et six secondes.

Du classique au crossover

Malgré une carrière toute tracée dans le monde du classique, David Garrett refuse rapidement de se laisser enfermer dans un seul univers musical.

Avec son allure de rock star, il défile pour Armani, pose pour Vogue et incarne même Niccolò Paganini, le légendaire « violoniste du diable », au cinéma. Surtout, il développe le style qui fera sa marque de fabrique : l'adaptation de titres pop, rock ou r'n'b pour violon, orchestre symphonique et guitare électrique. Une formule qui lui permet de faire dialoguer les grandes œuvres classiques avec la culture populaire contemporaine.

Millennium Symphony, les tubes des 25 dernières années revisités

David Garrett alterne aujourd'hui albums classiques et projets crossover. Son dernier opus, Millennium Symphony, revisite quelques-uns des plus grands succès des 25 dernières années. 

De Kylie Minogue à Coldplay, de David Guetta à Rihanna, en passant par Taylor Swift, Ed Sheeran ou Beyoncé, le violoniste s'approprie des tubes mondialement connus pour leur offrir une nouvelle dimension orchestrale. Avec lui, le violon quitte les salles de concert traditionnelles pour investir les stades, les festivals et même les églises, sans jamais perdre son pouvoir émotionnel.

Une tournée mondiale et déjà un nouvel album en préparation

L'artiste regarde déjà vers la suite. Son prochain album, intitulé Immortal, marquera un retour à un répertoire purement classique. Sa sortie est annoncée pour l'automne.

À 45 ans, David Garrett continue ainsi de suivre sa propre partition, faisant dialoguer les siècles, les styles et les publics, sans jamais choisir entre la musique classique et la culture pop.

C'est une vague afro-caribéenne qui déferle avec le groupe colombien Systema Solar, venu tout droit des rues de Medellín. Un collectif créé à l’origine après le tournage d’un documentaire sur la culture hip-hop en Colombie.

Il y a 20 ans, la réalisatrice Vanessa Gocksch préparait un documentaire sur le hip-hop colombien. Elle a voyagé partout dans le pays pour interviewer des musiciens, des DJs, des rappeurs et, sans le savoir, tous les futurs membres de Systema Solar. Une fois rassemblés, ils ont eu l'occasion de monter un set pour ouvrir la Biennale des arts de Medellín, et ils ne se sont plus jamais quittés. L'un de leurs premiers tubes ensemble est un chant sur la joie de la pêche dans la région de Sierra Nevada, intitulé « Yo voy ganao ».

Rapidement le système solaire colombien trouve sa patte musicale : un mélange de cumbia, de fandango et de bellerengue avec des musiques électroniques. Ils appellent leur style le « berbenautica », littéralement : « un tour dans la fête ». « La berbena, c'est une fête populaire sur la côte caribéenne, identifiée par des pikos : des systèmes son colorés. Notre tradition, c’est de mélanger nos musiques colombiennes avec les chansons du monde. Nous faisons une fusion entre les sons connus mondialement comme le hip hop et les musiques électroniques, et le vallenato, la cumbia, la champeta, qui sont les musiques les plus présentes dans les berbenas. C'est la clé pour rendre notre musique accessible et compréhensible dans le monde entier. » raconte le collectif.

Entre engagement politique et shows colorés

Côté paroles, Systema Solar navigue entre des textes joyeux qui célèbrent la fête et la joie, et d'autres plus engagés politiquement. Certains évoquent la nécessité de protéger la nature, ou encore la violence policière. Dans un registre toujours très ironique, le collectif se moque des forces policières et s'impose comme les plus grands gangsters sur le morceau « Quien es el patron ».

Le groupe a également un univers très coloré visuellement, autant dans leurs clips que sur scène. En concert ils portent des chemises tropicales, des ponchos multicolores, et à seulement un batteur, un dj et deux chanteurs ils sautent partout, interagissent énormément avec le public et sont de véritables bêtes de scène. Une apparente légèreté derrière laquelle se cache une vraie fierté quant à l'évolution de la scène musicale colombienne.

« Il y a de plus en plus de nouvelles générations qui se réconcilient avec les valeurs et les richesses de la musique colombienne. Là d’où l’on vient, il y a de plus en plus de groupes et de personnes qui connaissent de mieux en mieux comment fonctionne et comment évolue la scène colombienne. Côté administratif on peut encore s’améliorer pour comprendre les défis de l’industrie musicale aujourd’hui avec la distribution, la circulation, l'intelligence artificielle... Mais ce que nous avons toujours c'est le talent, et le pouvoir de lui donner un chemin. » estime le groupe.

Le groupe Systema Solar sera à retrouver en concert le 31 juillet 2026 au festival du Bout du Monde à Crozon en France, le 4 août à Berlin en Allemagne et le 9 août à Barcelone en Espagne.

La chanteuse Filiz sort son premier album, intitulé La folle du bus. À 27 ans, cette musicienne et chanteuse française d'origine turque et vietnamienne s'inspire de la K-pop et tourne en dérision son quotidien en région parisienne.

 

Filiz a grandi en Seine-et-Marne en faisant, tous les jours, des allers-retours entre Paris et sa ville en RER. Autrement dit, beaucoup de temps pour s'imaginer des scénarios qui sortent de la grisaille. Dans cet album intitulé La folle du bus, Filiz nous fait voyager dans un univers urbain coloré, complètement délirant, inspiré par One Piece, L'Attaque des Titans, et d'autres animés japonais qui ont bercé son enfance.

La santé mentale au premier plan 

Dans le titre « Burn out BB », morceau aux sonorités très pop qui pourrait être un générique de dessin animé, Filiz aborde le sujet de la santé mentale et de la surcharge de travail. Pas commun de parler d'un tel sujet sur un beat pop survitaminé. Elle pose sa voix kawaii avec énergie sur des mélodies au synthé. Elle rappe presque sur certains couplets. Ce style lui permet de créer une connexion avec son public, qui pourra s'identifier à ses problèmes tout en souriant.

Filiz se décrit elle-même comme un petit clown. Sa pire phobie : l'ennui. En témoigne le titre de l'album : La folle du bus, une expression très utilisée sur les réseaux sociaux qui, pour elle, « fait partie de sa personnalité ». Elle affirme : « une folle du bus, c'est cette fille qui se fait remarquer et qui ne voit pas le regard des autres comme un danger ». Ce serait d'ailleurs le surnom que lui donnent certains de ses amis. 

Filiz s'est forgé cette personnalité en osant jouer devant des inconnus dans les centres commerciaux, dès ses 14 ans. Alors qu'elle est étudiante, la jeune chanteuse se fait renvoyer de son école de dessin, parce qu'elle manque des cours pour participer à l'émission La France a un incroyable talent. Sans regrets, car seule la musique la fait vibrer. À l'époque, elle doit se présenter à l'émission avec une amie guitariste qui la laisse tomber à la dernière minute. Malgré le trac, elle tente sa chance en solo et atteint la demi-finale.

Avec son premier album, Filiz dévoile sa personnalité positive et hyperactive, qui fonce pour réaliser ses rêves tout en assumant son syndrome de Peter Pan.