En espagnol, en anglais ou en français, Tracy de Sà, rappeuse de 34 ans, réinterprète les codes du rap américain pour encourager les femmes à prendre plus de place. D’origine indienne et espagnole, Tracy de Sà vient de sortir le single « Estoy Mejor ». Elle sera vendredi au Banana Festival à Labenne dans les Landes.

Telle une guerrière, Tracy de Sà est toujours dans un esprit de battle. Nourrie par des figures fortes, comme la chanteuse de flamenco Buika et les rappeuses Lauryn Hill et Lil' Kim, ses refrains sont des slogans d'affirmation de soi. Dans « Estoy Mejor », elle clame : « Quand je suis célibataire, je vais mieux ! » Elle assume de parler crûment du désir féminin avec son look de femme fatale rouge sang et sa gestuelle ancrée dans la culture de la rue.

Pour Tracy de Sà, être une femme dans la musique est une force, et ce, malgré les remarques et comportements sexistes qu'elle subit dans l'industrie : « Quand j’ai commencé la musique, je m’habillais de manière très masculine, avec des baggys ; je ne voulais pas de rapports ambigus avec les gars, mais ce n’était pas moi », raconte-t-elle. Elle ajoute : « Quand j'ai compris ça, j’ai commencé à faire ce que je voulais, sans me soucier de l’avis des autres. »

Avec le morceau « Brown and Proud », sorti en 2024, Tracy de Sà rend hommage aux femmes de sa culture d'origine. « Brown » signifie littéralement « marron », mais désigne aussi la communauté indienne en anglais.

La jeune artiste est née dans l'État de Goa en Inde. Sa mère a subi un mariage arrangé et s'est réfugiée au Portugal avec ses enfants pour pouvoir divorcer, avant de s'installer en Espagne. C'est en partie de là que Tracy de Sà tire son engagement féministe. Le rap lui permet de prendre le contrôle de son destin.

Dans le clip de « Brown and Proud », Tracy de Sà met en scène des épouses et des petites filles indiennes qui dansent. Une manière de dire que ces femmes, très éloignées à l'origine du rap, ont leur place.

La même année, la rappeuse collabore avec des stars indiennes : la rappeuse Reble et la chanteuse Rashmeet Kaur sur le titre « Bediyan ».

Depuis son premier album en 2019, Tracy de Sà enchaîne les concerts. Aujourd'hui, c’est en quelque sorte une mentor du rap. Elle a fondé le Pussy Club, association qui aide d'autres jeunes femmes à se lancer dans cette industrie. Partageant ses contacts et ses conseils, elle offre un espace sécurisant où les femmes peuvent parler, entre elles, de leurs expériences.

Plus déterminée que jamais, la rappeuse est maintenant diplômée d'un master en études de genre et continue d'écrire pour donner de la force aux autres femmes.

Dans le courant revivaliste des musiques traditionnelles françaises, elles sont à l'avant-garde : le duo occitan Cocanha se produit dans de nombreuses villes de France cet été, quelques mois après la sortie de leur quatrième album, Flame Folclòre. Un disque dans lequel elles revendiquent avec une radicalité sans concessions, leur identité occitane, mais surtout l'ouverture à l'autre. 

Des chants en occitan en Suisse, en Allemagne ou en Bretagne, c'est peut-être bien une première. Cet été, le duo Cocanha emmène sa langue régionale sur les routes, pour la faire découvrir ou redécouvrir - et surtout pour la faire vivre. Il faut dire qu'après plus de 10 ans de travail, le quatrième album du duo, Flame Folclòre, apparaît comme leur plaidoyer le plus vibrant et le plus abouti en faveur des traditions régionales et de leur identité. 

Faire repartir la flamme de l'occitan, cela fait plus de 10 ans que Cocanha y travaille. Depuis 2014, le duo composé de Caroline Dufau et Lila Fraysse réinvestit le patrimoine de l'Occitanie, cette région du sud de la France qui, historiquement, s'étend de Bordeaux à Nice.

La tradition dans toutes ses dimensions

C'est en 2014 que, pour la première fois, Caroline Dufau et Lila Fraysse lancent Cocanha. Dès le début, le choix de l'occitan s'impose : « On a vraiment choisi de s'exprimer dans cette langue, pointe Caroline Dufau. C'est une langue que l'on a reçue en héritage, et c'est une façon de se relier aux générations qui nous ont précédées, pour qui l'occitan était la langue maternelle. »

De la même manière, le répertoire de Cocanha rend hommage à cet héritage, soit en réadaptant d'anciennes chansons populaires (« Que Son Aüros »), soit en s'inspirant de légendes tirées du folklore (« Remenanuèch »), soit avec des compositions originales empruntant aux codes traditionnels.

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Toutes les chansons de Cocanha ont en effet cette sonorité particulière, qui doit beaucoup au tambourin à cordes, que les deux femmes brandissent comme un emblème partout où elles vont, ainsi que sur leur pochette d'album. « C'est vraiment devenu notre compagnon de chant » sourit ainsi Caroline Dufau, à l'évocation de cet instrument doté « de six ou huit cordes, sur une caisse de résonance, avec un petit anneau qui produit un grésillement lorsque les cordes vibrent. »

Une intention ouvertement politique

L'usage de l'occitan en lui-même est « un acte politique », pointe Caroline Dufau, tandis que sa comparse Lila Fraysse abonde : « À l'école, raconte Lila Fraysse, dans la génération de nos grands-parents, les enfants étaient punis de parler en occitan. Cela a généré une forme de dénigrement qui a conduit à ce que, petit à petit, les gens, d'eux-mêmes, délaissent leur langue maternelle... » Une histoire douloureuse, que les deux femmes retracent dans « Clam », tandis que dans le très délicat « Forabanda », elles racontent l'exil de l'intérieur et la sensation d'appartenir à une diaspora dans son propre pays.

Au-delà des enjeux locaux, Cocanha porte également des problématiques féministes ou écologistes, loin d'une tradition longtemps accaparée par les mouvances conservatrices, voire d'extrême-droite. « C'est vrai que le folklore a peu à peu été délaissé, car il y a eu trop de compromissions avec l'extrême-droite... C'est quelque chose qui nous préoccupe beaucoup, souffle Lila Fraysse. Mais nous, ce qui nous intéresse dans le folklore, c'est justement toute cette notion de partage et de savoir-vivre ensemble. » Et Caroline Dufau de compléter : « Pour nous, valoriser cette tradition c'est aussi se présenter, en tant qu'occitans et occitanes, aux gens qui voudraient s'installer chez nous, comme une forme d'accueil. »

Bref, une tradition d'ouverture et de partage, un folklore flamboyant comme un grand feu de joie autour du quel se réchauffer, tous ensemble.

La chanteuse congolaise Joyce N’Sana, présente au festival Nuits d’Afrique à Montréal, façonne un style singulier, l’afrobluehop, nourri de reggae, rock, hip-hop et musiques traditionnelles congolaises. Avec son album Telama et des titres comme « Minu Kiami », elle porte une voix engagée pour la paix et les droits des femmes.

Joyce N’Sana a grandi au Congo, dans un contexte de guerre. Son enfance a aussi été marquée par la musique de son père, guitariste et auteur-compositeur, avec qui elle écoutait du jazz.

Plus tard, c’est la communauté reggae qui l’accueille à son arrivée à Montréal. Avec sa sœur, elles font les chœurs et les premières parties de chanteurs jamaïcains et des Antilles. Elle se fait donc d’abord connaître pour son reggae, mais aujourd’hui, elle a un style bien à elle, qu’elle a nommé l’afrobluehop.

À propos de ce style, Joyce N’Sana explique : « L'afrobluehop, c’est "afro", "blues", "hip-hop". Mais on va dire qu’il est saupoudré d’autres influences aussi qui, de toutes façons, ont leurs origines dans les sonorités et les musiques africaines : reggae, et un peu plus de rock ces temps-ci qui est très assumé en ce moment. Tout ça sur base de musiques traditionnelles congolaises. »

Quand le Canada élargit les horizons musicaux

En arrivant au Canada, Joyce N’Sana n’avait, parmi les artistes locaux, que les références musicales connues à l’international : Céline Dion et Corneille. Mais son horizon s’est rapidement élargi. Elle a notamment découvert le rigodon, musique généralement jouée au violon ou à l’accordéon, qui accompagne la danse traditionnelle québécoise du même nom. Elle a aussi découvert le chanteur Gerry Boulet, figure du groupe de rock Offenbach.

Et alors qu’elle teste plusieurs directions artistiques, le Congo reste la base de tout. Joyce N’Sana confie ainsi son inspiration à travers les mots de Papa Wemba : « Je vais reprendre cet artiste-là, Papa Wemba, qui est un grand de la musique congolaise et de la rumba congolaise. Il disait que la musique traditionnelle, en elle-même, c’est l’une des bases des musiques qu’on fait. Quand on arrive à la cerner, on peut tout faire après. Ces mots-là m’ont inspirée, et je pense que c’est ce qui fait que je puisse jongler avec les autres musiques. On retrouvera toujours une partie des musiques traditionnelles ou de la rumba congolaise dans ce que je fais même quand c’est du rock ou du reggae ou du hip-hop. »

Une voix entre Janis Joplin et Selah Sue

Au-delà de sa musique aux rythmes entraînants, ce qui frappe chez Joyce N’Sana, c’est surtout sa voix. Sa tessiture, d’abord, capable de plonger dans les graves comme de s’envoler dans les aigus. Mais aussi le timbre de cette voix, à mi-chemin entre celles de Janis Joplin et de Selah Sue.

Elle-même revient sur ce grain vocal si particulier : « J’ai un background très gospel. J’ai écouté des voix comme ça qui m’ont inspirée. Aretha Franklin, Janis Joplin plus tard… Je dirais simplement que ce côté rock ou cette voix rauque est un peu plus assumée ces dernières années. Parce que parfois, on a besoin de dire des choses qui ne passent pas toujours par la douceur, qui ont besoin de se dire de façon intense. »

Joyce N’Sana chante en lingala, kikongo, kituba, lari, français et anglais. Elle écrit des textes engagés, notamment pour les droits des femmes et pour la paix. Son album le plus récent s’intitule Telama, ce qui signifie « Lève-toi et marche ». Une injonction à se relever, à avancer, qui résume bien l’élan de sa démarche artistique.

Chanteuse congolaise présente au festival Nuits d’Afrique de Montréal, dont la 40ᵉ édition vient de se terminer ce dimanche 19 juillet 2026, Joyce N’Sana poursuit son chemin entre Congo et Québec.

Comme tous les vendredis de cet été, ce sont les Médias francophones publics qui partagent leurs coups de coeurs musicaux. L'organisation fête cette année ses dix ans. Elle réunit les radios publiques de Suisse, de France, de Belgique et du Québec. Et aujourd’hui, nous allons écouter le chanteur Alphonse Bisaillon, coup de cœur de notre consoeur de Radio Canada, Monique Giroux. 

On entend parfois dire que la chanson, la vraie, celle qui s'écoute, qui se lit, est devenue un peu trop sage, un peu trop lisse. Je vous présente ici un remède foudroyant au cynisme ambiant. Mesdames, Messieurs, retenez bien ce prénom d'une autre époque et ce nom qui sonne comme un défi. Alphonse Bisaillon.

Alphonse est originaire de Saint-Hyacinthe, au Québec. Ce garçon-là n'est définitivement pas fait du même bois que les autres. Il se décrit lui-même et je le cite : « comme un monstre, une diva, un bébé qui gazouille ou encore un gorille qui joue avec une branche ». Et croyez-moi, c'est exactement l'effet qu'il fait quand il monte sur les planches d'être tout ça à la fois.

Alphonse Bisaillon, c'est une collision spectaculaire. C'est la rencontre tout à fait improbable entre la poésie romantique d'un Victor Hugo, l'âme théâtrale de Charles Aznavour et l'énergie brute échevelée d'un Jean Leloup. Il le dit lui-même, il fait de la chanson pour survivre.

Sur scène, Alphonse chante, se donne, crie jusqu'à s'en écorcher la voix, mélange heureux de folie et de redoutable lucidité. Il est formé en musique et en littérature. Bisaillon est un orfèvre qui cisèle ses textes avec une précision maniaque. Avec sa prose fleurie, son registre de langue très soutenu et sa diction fièrement québécoise, le mot « chanson » lui colle littéralement à la peau.

 Ce qui fascine le plus chez Alphonse Bisaillon, auteur-compositeur-interprète, c'est qu'il ose déranger nos habitudes. Dans un monde souvent formaté, il n'hésite pas à intégrer un tango déchirant, du jazz, des trames narratives dignes d'une pièce de théâtre. Bref, tout est là : le mariage parfait entre notre langue crue et la grande nécessité de nommer les choses.

Alphonse Bisaillon nous prouve que la relève n'est pas seulement là. Elle bouillonne, elle est brillante. Elle refuse de s'excuser d'exister. Alors si vous avez envie de vous faire brasser le cœur, si vous avez envie de ressentir quelque chose de vrai, prêtez l'oreille à ce poète débridé, Alphonse Bisaillon. C'est de la chanson qui mord. Et qu'est-ce que ça fait du bien !

 Alfonse Bisaillon t.o.m ou la trajectoire des perséides (Petale musique) 2026

Voix de ténor, blues pop singulier et influences mêlant Rita Mitsouko, Fugees et Wendo Kolosoy : la Franco-Congolaise Anaïs Rosso s’impose comme l’une des révélations des festivals d’été, avant la sortie de son EP Scandale au Paradis, où poésie et non-dits familiaux nourrissent une écriture engagée et intime.

Difficile de situer Anaïs Rosso sur la carte des univers musicaux. Avec sa voix de ténor, la jeune femme se promène entre les styles et les registres. Dans son studio maison situé sur les hauteurs de Paris, véritable laboratoire musical personnel, elle fait cohabiter la basse, les guitares et les claviers ; Les Rita Mitsouko, les Fugees ou Wendo Kolosoy, qu’elle revendique tous comme des inspirations. Résultat : une pop qui ne ressemble qu’à elle, à la fois recherchée et accessible, mélancolique autant que dansante.

Et si Anaïs Rosso parvient à se créer son propre style, c’est peut-être parce que la jeune femme s’est lancée dans la musique sur le tard. Pour elle, tout a commencé par de longues jams, des sessions musicales improvisées qu’elle organisait pour les autres. L’occasion de s’imprégner de différents univers avant d’apporter elle-même sa pierre à l’édifice. Elle se consacre aujourd’hui avec assiduité à la musique et passe quotidiennement huit heures dans son studio.

Mais là où la chanteuse excelle, c’est dans son écriture. Car avec elle, la poésie a autant d’importance que la composition. Avec l’espièglerie d’un Jacques Prévert, elle peuple ses textes de jeux de mots. Mais attention : la forme ne sacrifie jamais le fond. Au contraire, les paroles d’Anaïs Rosso lui servent à affirmer son identité, à mettre les mots sur une forme de malaise, comme dans la chanson « Confidence », ou à s’attaquer aux tabous, comme elle le fait dans le titre « Les Colombes ».

« J’avais envie de parler d’un état de la colonisation aussi, sans attaquer qui que ce soit, explique Anaïs Rosso. Et la force des mots permet ça. Je parle des colombes [jeu de mot avec colons-be, ndlr]. À partir de là, tu dis ce que tu veux, ce qui est innentendable, et j’adore le fait que les colom-bes soient blanches. Je m’amuse avec ça et c’est ma liberté. »

Blues pop métissé entre France et Congo

Chez la chanteuse, cette histoire n’est pas seulement un problème de société. Les textes d’Anaïs Rosso font avant tout écho à une histoire profondément intime : celle d’une jeune femme issue d’une famille métissée, de parents congolais, mais d’un grand-père français et casque bleu, où les non-dits prennent plus de place que les paroles.

« Je surfe sur le non-dit. Si ma famille avait un nom, ce serait “Non-dit”. Et ce que j’adore faire, c’est déranger cette famille qui est aussi universelle, parce qu’il y a énormément de familles où le non-dit réside et persécute aussi l’entourage. Et ce que j’adore faire, c’est vraiment parler de ce qui gêne », dit-elle.

Son histoire, c’est aussi celle d’une jeune femme qui a perdu son père très petite, coupée donc d’une partie de son histoire. Comme cette langue, le lingala, qu’on ne lui a jamais transmise et qu’elle se réapproprie dans certains textes de son futur EP, fort à propos intitulé Scandale au Paradis, comme un clin d’œil à cette volonté qu’elle a de bousculer autant que de réconcilier.

La chanteuse malienne Mah Damba et le violoniste français Clément Janinet unissent leurs univers dans Mah Under The Repetitive Skies, un album où la tradition mandingue dialogue avec les textures du jazz minimaliste. Un voyage contemplatif et habité, à découvrir également sur scène au festival Rhizomes, à Paris, le 17 juillet 2026.

Entre héritage mandingue et exploration sonore contemporaine, Mah Under The Repetitive Skies réunit deux artistes que tout semblait séparer, sinon le goût du voyage et de la transmission. D'un côté, Mah Damba, grande voix de la tradition griotique malienne. De l'autre, Clément Janinet, violoniste français formé auprès de Didier Lockwood et au Conservatoire national supérieur de musique de Paris.

À l'origine du projet, une envie : déplacer le chant mandingue vers de nouveaux horizons sonores. Aux côtés de son trio La Litanie des Cimes - violon, violoncelle et clarinette -, Clément Janinet construit un écrin musical inspiré par les compositeurs minimalistes américains tels que Steve Reich, Philip Glass ou John Adams. Des motifs répétitifs, des mouvements lents et une attention particulière aux nuances donnent son titre à l'album : Mah Under The Repetitive Skies.

Des récits transmis depuis des siècles

Dans cet espace sonore à la fois épuré et ample, la voix grave et puissante de Mah Damba déploie tout un patrimoine oral transmis depuis des siècles. Chantés en bambara, les sept titres de l'album puisent dans la mémoire du monde mandingue : épopées guerrières, récits historiques, conseils de sagesse ou histoires d'amour.

Ainsi, « Jelibaba » célèbre l'héritage d'un grand guerrier tout en appelant la jeunesse à avancer avec noblesse et confiance. « Jarabi », l'un des grands classiques du répertoire mandingue, reprend quant à lui cette vieille vérité universelle : l'amour est une maladie contre laquelle il n'existe pas de remède. Plus sombre, « Kumbe » évoque la bravoure des guerriers, mais aussi la question plus délicate de la désertion.

Une musique suspendue entre deux mondes

Mystique, méditative et pourtant profondément vivante, la musique de Mah Damba et Clément Janinet navigue constamment entre lumière et gravité. Les arrangements minimalistes de La Litanie des Cimes mettent en valeur la richesse expressive du chant tout en ouvrant un espace de dialogue entre traditions africaines et création contemporaine.

Mah Damba, Clément Janinet et La Litanie des Cimes présenteront Mah Under The Repetitive Skies en concert aux Arènes de Montmartre, à Paris, dans le cadre du festival Rhizomes le 17 juillet. Une invitation à lever les yeux vers le ciel et à écouter les histoires qu'il continue de porter.

La jeune Britannique Sienna Spiro est le nouveau phénomène de la néo-soul. Elle cumule plus de 27 millions d'écoutes mensuelles sur Spotify et sort son tout premier album, intitulé Visitor. Sienna Spiro cartonne sur Tik Tok auprès de la gen Z en chantant des mélodies inspirées du jazz des années 60. La chanteuse sera à Paris à la Salle Pleyel en mars 2027.

 

À tout juste 20 ans, la Londonienne Sienna Spiro explore l'héritage de ses ancêtres divas du jazz, comme Nancy Sinatra et Etta James. Tout son univers nous fait voyager dans le temps, jusqu'à son brushing ultra volumineux à la Priscilla Presley.

En 2024, Sienna Spiro se démarque sur les réseaux sociaux grâce à sa voix rauque et puissante. Elle sort le titre « Die on this Hill »  (« Mourir sur cette colline » en français) en octobre 2025. La chanson devient virale en quelques mois et est reprise par des milliers d'utilisateurs sur Tik Tok.

De la chambre d’ado au studio d’enregistrement

Avant ce succès, Sienna Spiro est une adolescente comme les autres, qui aime se filmer en train de chanter dans sa salle de bain, rêvant de se produire sur scène. En sweat large et en jogging, elle publie des reprises acoustiques de tubes comme « Billie Jean » de Michael Jackson ou « Redbone » de Childish Gambino. 

La jeune fille se donne corps et âme à la musique. Elle s'inscrit à la prestigieuse école East London Arts and Music, mais abandonne ses études à 16 ans pour composer et tenter de lancer sa carrière. Seulement quatre ans plus tard, elle sort son premier album.

Éternelle romantique

Les paroles aux accents mélancoliques de Sienna Spiro, décrivent la difficulté à faire le deuil d'un amour de jeunesse ou à trouver sa place dans des relations éphémères. Dans le titre « Time, You and Me », elle s'adresse à son amant et lui reproche de laisser filer le temps sans profiter des instants avec ceux qu'il aime. 

À l’heure, où tout s'accélère, où l'on consomme massivement des vidéos de vingt ou trente secondes, Sienna Spiro veut inciter à retrouver une certaine forme d'authenticité et d'intemporalité dans nos rencontres, mais aussi à travers la musique qu'elle offre à son public.

C'est l'une des plus grandes voix du Canada… La chanteuse Molly Johnson dévoile un nouvel album, son neuvième, intitulé Talk To Me. Après avoir passé les deux dernières décennies de sa vie à sortir des disques, la chanteuse de 67 ans n’a pris aucune ride musicalement parlant. Elle qui a déjà chanté devant le prince Charles, la princesse Diana, Nelson Mandela et Quincy Jones, s'adapte tout naturellement aux changements de notre époque. 

Ces dernières années, Molly Johnson composait principalement des chants engagés, des protest songs. Aujourd'hui, elle sent que son public a un besoin de calme, de danse et de joie. Dans l'actualité négative et anxiogène,Talk To Me apparaît comme un moyen de regarder vers l'avenir avec confiance.

La chanteuse a débuté sa carrière dans des groupes de rock, mais après un rapide détour par la pop, c'est grâce à ses morceaux jazz et blues qu'elle a vraiment séduit son public. Dans ce nouvel album, elle a un pied dans le passé et un autre dans le futur. D'un côté, elle reste fidèle à ses musiciens de longue date et rend hommage à plusieurs figures majeures de la musique canadienne en reprenant leurs chansons, comme The Tragically Hip, Jacksoul, Haydain Neale et Shawne Jackson. Et de l'autre, elle collabore avec toute une nouvelle génération d'artistes, comme le producteur émergent de 20 ans à peine, CUBE.

Elle raconte : « J'aime les jeunes artistes. J'aime interagir avec eux et connaître leurs idées pour l'avenir. C'est très inspirant, très émouvant. Avec CUBE, la première fois que je l'ai rencontré, je lui ai demandé ce qu'il pensait de l'intelligence artificielle et il m'a dit que c'était juste un outil. Nous sommes passés de l’encrier à l’IA. C'est un crayon : si vous ne l'utilisez pas, si vous n'y mettez rien, ça reste là et ça ne fait rien. Et j'aime cette vision. Parce que nous, les vieilles personnes, nous sommes tellement inquiètes pour nos enfants dans ce monde. Mais les enfants vont bien. »

Un dialogue intergénérationnel entre artistes

C'est sûrement en partie grâce à ses collaborations avec la jeune génération que ce nouvel album ne sonne pas vieillot du tout, bien au contraire. Molly Johnson a beau garder ses racines ancrées dans le blues et le rock des années 1990 et l'exacte même voix rauque mezzo-soprano qu'à ses débuts, son cœur est ouvert à la nouveauté.

Elle a notamment collaboré avec la jeune rappeuse Haviah Mighty sur le morceau qui donne son titre à l'album, « Talk To Me », dont elle raconte l'inspiration : « J'ai vu une œuvre d’art composée de deux petites sculptures : une vieille femme, assise, avec ses mains sur ses oreilles, et une jeune fille qui lui parlait. Et en tant que parent, je comprends parfaitement cette situation. Je dis toujours à mes enfants : "mais parlez-moi, dites-moi ce qui se passe". Et quand ils commencent à me parler, moi évidemment en tant que parent, je me sens obligée de parler par-dessus ce qu’ils disent (rires). Nous, les vieilles personnes, nous devons apprendre à écouter. Voilà de quoi parle cette chanson. »

Talk To Me, le nouvel album de la chanteuse Molly Johnson venue de Toronto. 67 ans et l'envie, par-dessus tout, de créer un dialogue intergénérationnel entre artistes.

Comme tous les vendredis de cet été, ce sont les Médias francophones publics (MFP) qui partagent leurs coups de cœur musicaux. L'organisation fête cette année ses dix ans, elle réunit les radios publiques de Suisse, de France, de Belgique et du Quebec. Et aujourd'hui, nous allons écouter le rappeur A6EL, coup de cœur de notre consœur de la Radio-Television Suisse (RTS), Karine Vouillamoz. 

C'est sans doute le plus gros coup de cœur de l’année 2026 de Karine Vouillamoz. C’est A6el. 

Avant de vous parler de lui, il faut dire un mot de l’histoire du rap en Suisse romande. Elle débute dans les années 90, à Renens, tout près de Lausanne, avec un groupe qui s’appelle Sens Unik. Grâce à eux, non seulement le rap suisse existe mais en plus, il s’exporte. Aujourd’hui, depuis quatre ou cinq ans, c’est surtout la scène de Genève qui marque les esprits et, encore une fois, qui réussit à taquiner le public étranger. Les représentants de ce rap genevois s’appellent Di Meh, Slimka, et puis Makala.  

A6el, lui, habite à Lausanne, et se pose des questions de légitimité. Est-ce qu’on a le droit de faire du rap dans un pays riche ? Il constate que la nouvelle garde genevoise est fière, au contraire, de ses origines. Lorsqu’ils montent sur scène, ces artistes font même flotter le drapeau genevois. Ça le fait réfléchir, lui qui parle notamment du Lac de Renens. Et puis un jour, sa psy lui annonce qu’elle n’a plus de temps à lui consacrer, alors il n'a pas le choix, il décide de se confier… à son téléphone. C’est comme ça que naissent ses premières chansons. Plus pop que hip hop, très profondes, très ancrées dans son quotidien, dans son vécu, des chansons qui nous parlent directement. A6el, c’est comme un pote qui nous appelle pour nous raconter ses histoires. Il y a une connexion immédiate. 

A6el, ça s’appelle « Soleil » et ça pèse plus de 12 millions d’écoutes sur Spotify, et plus d’un million de vues sur Youtube. Pour un artiste suisse, cela fait une jolie performance... dans les chansons d’A6el, il y a le style, le phrasé, la voix, en un mot l’interprétation, il y a la qualité de l’écriture. Mais s’il nous touche autant, c’est aussi parce qu’il raconte des histoires universelles. On n’a peut-être pas traversé exactement les mêmes épreuves, mais ça nous rappelle forcément quelque chose. Par exemple, lorsqu’il s’adresse à sa maman. 

Et puis il n’y a pas que le nombre de streams dans la vie. A6el est déjà prophète en son pays. Ici en Suisse, on l’a repéré du côté des Tataki Awards, des récompenses décernées par le jeune public. La Radio Télévision Suisse en a fait un artiste radar, donc un artiste à suivre de très près. Mais ça va déjà plus loin : en France, il a été invité sur France Inter et sa tournée fera escale à Paris, à la Cigale (27 octobre 2026). Le rap suisse s’exporte, une nouvelle fois. Et cette fois grâce à celui qu’on appelle déjà le Prince suisse : A6el.

Des mélodies grecques, des rythmes brésiliens, des influences congolaises et des sonorités électroniques : avec son premier EP Néon, le trio franco-gréco-congolais Elektre revisite le rébétiko, ce blues urbain né dans les ports et les quartiers populaires grecs. Un voyage musical métissé et envoûtant, entre mémoire, modernité et cultures en mouvement.

Des sonorités orientales portés par des rythmes brésiliens et une voix soul qui chante en grec : dès les premières notes, Elektre affirme une identité musicale à part. Le trio réunit la chanteuse et percussionniste franco-grecque Maïlys Mallet, la guitariste et chanteuse gréco-congolaise Monika Kabasele et le bassiste breton Clément Buffière.

Même le nom du groupe raconte cette volonté de mêler les références. « Elektre » renvoie certes à la mythologie grecque, mais pas à la célèbre héroïne tragique. Maïlys Mallet préfère évoquer une autre figure : celle des filles de l'Harmonie, créatures mi-oiseaux, mi-sirènes. Le nom joue également sur l'idée d'une musique « électrique », traversée d'éclairs sonores et d'expérimentations contemporaines.

Sur les traces des cafés « néon » de Smyrne

L'EP tire son titre d'une histoire familiale. Dans le morceau « Eubée », du nom de la grande île grecque, on entend la voix de la grand-mère de Maïlys Mallet. Ancienne professeure d'histoire de la Grèce antique à l'université Paris-Sorbonne, elle a transmis à sa petite-fille sa passion pour l'histoire et la culture grecques.

Parmi ces récits figure celui des cafés néon de Smyrne, dans l'ancien Empire ottoman. Ces établissements occupent une place particulière dans la mémoire culturelle grecque. Les femmes pouvaient y chanter et les musiciens y mêlaient influences savantes et populaires, contribuant à l'émergence du rébétiko.

Le rébétiko, chronique musicale des marges

Aussi qualifié de « blues grec », le rébétiko est né dans les quartiers populaires, les ports, les tavernes et même les prisons. Il raconte la vie quotidienne, les joies, les peines, l'exil, l'amour, mais aussi les activités illégales et les petits trafics.

Elektre reprend notamment « Kokaini », un célèbre rébétiko des années 1930. Comme de nombreux morceaux du genre, il fut victime de la censure. Ces chansons fonctionnaient comme de véritables chroniques urbaines, témoignant sans filtre de la réalité sociale de leur époque.

Un laboratoire musical métissé

Plutôt que de reproduire fidèlement ce patrimoine musical, Elektre choisit de le faire dialoguer avec des influences contemporaines et internationales.

Les racines congolaises de Monika Kabasele apportent les couleurs de la rumba. Clément Buffière navigue entre instruments traditionnels, comme le bouzouki et le baglama, et les possibilités offertes par les machines électroniques. Maïlys Mallet accompagne parfois son chant avec des cuillères en bois venues de Cappadoce en Turquie.

Le résultat est un univers que le groupe revendique comme gréco-rétrofuturiste, où se croisent rébétiko, trap, reggaeton, sonorités arabes traditionnelles et expérimentations électroniques.

Une célébration collective

L'EP s'achève avec « Sta Tria », morceau inspiré des panigiria, ces grandes fêtes populaires qui rythment encore la vie de nombreux villages grecs. Des rassemblements où toute une communauté se retrouve dans la danse, le chant et le partage.

Une conclusion festive et fédératrice pour un disque qui célèbre les circulations entre les cultures, les époques et les territoires.