Portoricaine installée à Barcelone, la chanteuse et percussionniste Marina Molina revisite la bomba, un style musical hérité des esclaves africains. Son premier album, Rezo Al Agua, mêle rythmes traditionnels et influences contemporaines, offrant une nouvelle vie à cette musique emblématique de Porto Rico.

La bomba portoricaine, peu connue du grand public européen, connaît aujourd’hui une renaissance inattendue sous le soleil de Barcelone. À l’origine de ce renouveau, Marina Molina, alias Marina y Su Melao, musicienne passionnée, qui puise dans ses racines pour proposer une version moderne et engagée de ce genre ancestral.

Née à Porto Rico, Marina grandit au carrefour de multiples influences. Alors que sa génération est bercée par le rap, le r'n'b ou le reggaeton, c’est pourtant vers la tradition qu’elle se tourne avec Rezo Al Agua, un premier album vibrant où l’on retrouve l’essence même de la bomba. Ce style, né dans les plantations du XVIe et XVIIe siècle, fut un espace d’expression pour les esclaves africains, mélangeant percussions, chants et danses dans un dialogue riche de sens et de résistance.

Marina y Su Melao ne se contente pas de reproduire la tradition : elle la réinvente. Sur la pochette de son album, elle pose en piéta, symbole à la fois religieux et universel de renaissance. « Pour moi, la bomba, c’est une façon de montrer à nos ancêtres que l’on est toujours là, que l’on résiste », explique-t-elle. Les morceaux de l’album abordent des thèmes profonds : l’attachement à la terre, la quête identitaire, mais aussi des sujets du quotidien, comme dans le titre « Dolor de Cabeza » (« mal à la tête »).

Installée en Espagne, Marina Molina fait dialoguer les cultures. À travers ses chansons, elle relie Porto Rico et la Méditerranée, prouvant que la musique peut abolir les frontières et faire vibrer les mémoires. Sa voix, portée par des percussions puissantes, invite à la danse, à la réflexion, mais surtout à l’émotion.

Avec Rezo Al Agua, Marina y Su Melao signe un hommage vibrant à la bomba et à ses origines, tout en offrant à ce genre une actualité inédite. Un album à découvrir pour tous ceux qui aiment les ponts entre les cultures et les histoires de transmission.

Avec Sexy Summer, Folie's revient sur le devant de la scène en injectant une bonne dose de lumière dans le rap français. Un projet joyeux, dansant, où son univers ultra-coloré évoque immédiatement la légèreté et l'insouciance des vacances d’été.

À 27 ans, Folie’s s’impose comme une pop star en devenir. Imaginez le personnage : look flamboyant aux couleurs vives, colliers de perles, ceintures strassées, lunettes de soleil vissées sur le nez et tresses décorées de chouchous multicolores. Une direction artistique décomplexée, insolente, presque enfantine, qui reflète parfaitement l’ambiance de son EP : une bande-son estivale, chaude et festive.

Folie’s pose son flow sur des instrus soul, funk et disco, des genres qu’il connaît depuis l’enfance. « Mon père faisait de la percussion, donc j’ai été plongé dans la musique très tôt. J’ai grandi en écoutant des sons très instrumentaux. Puis je me suis tourné vers le rap, des trucs plus kickés, où la voix et les textes sont beaucoup plus importants. Aujourd’hui, ma musique, c’est un mélange de tout ça : de l’ancien, du groove, de la modernité, et beaucoup de sensualité », explique-t-il.

Parmi ses influences, des géants : Michael Jackson, Quincy Jones, Prince, Fela Kuti ou encore Otis Redding. Mais Folie’s ne se contente pas de les citer : il les réinvente. Il rend notamment hommage à Stevie Wonder avec une relecture de son classique « Superstition », dont il reprend le thème à la basse, dans son morceau « Playboy ». On y retrouve aussi le son typique du clavinet, ce clavier au son proche du clavecin très présent dans le disco et la funk.

Comme Bruno Mars ou The Weeknd, Folie’s réconcilie la chaleur des classiques avec sa propre culture hip hop. Une culture nourrie d’IAM, NTM, Mobb Deep, Rohff, ou encore Booba. Le résultat, c'est un cocktail hybride, festif et décalé.

« À la base, l’essence du rap était festive. Dans les années 90, il a pris une tournure plus sombre, sauf peut-être sur la côte ouest. Mais même aujourd’hui, dans le sud des États-Unis, il existe encore un rap très festif, analyse Folie's. Moi, j'ai toujours aimé les voix qui surprennent, comme celle d’AZ – il avait un timbre très aigu, j'étais un grand fan de ça. Et récemment, un rappeur qui m’a mis une claque avec sa voix, c’est forcément Diddi Trix. »

C’est justement la même insouciance et énergie enfantine du Franco-Congolais Diddi Trix qu’on retrouve dans Sexy Summer. Folie’s puise aussi dans le rap US et explore notamment le New Jack, ce genre fusion de r'n'b, soul et hip-hop, notamment sur le titre « Toxic ».

L’EP Sexy Summer de Folie’s, à découvrir en live pour son premier concert, ce sera le 22 novembre au Trianon, à Paris.

C'est l’une des collaborations des plus marquantes de la scène rap francophone, Tiakola et Genezio signe un nouvel EP. Fara Fara Gang est le nom de code du nouveau projet, une combinaison musicale et artistique truffée d’hommage : du Paris- Saint-Germain à leur continent d'origine, l'Afrique, en passant par la rue, l’endroit où ils ont grandi, sans oublier cette quête d’ascension sociale qu’ils évoquent dans le titre « Catimini ».

Avec Fara Fara Gang, Tiakola et Genezio signent une véritable proposition artistique. Souvenez-vous de leur très gros succès de 2024, « Pona Nini » ? 

Tiakola, surnommé La Mélo, 26 ans, est un artiste franco-congolais originaire de la cité des 4000 à La Courneuve. Il grandit dans une fratrie de sept, baigné dans une ambiance musicale et des valeurs de solidarité.

Genezio, lui, est né en 2003 et a grandi à Villeneuve-Saint-Georges. Ce Franco-Congolais, marqué par un séjour à Brazzaville, explose en 2023 à seulement 20 ans avec sa série Vibestars, et des guests de renom comme Leto, Dadju ou Guy2Bezbar.

Le Fara Fara, venu du Congo, désigne un duel musical. Mais ici, c’est l’union qui prime. Genezio frappe, Tiakola adoucit. Une fusion qui séduit même les anciens, comme Jacky Brown des Neg’ Marrons, invité sur « Code 187 ». Sur ce morceau, on entend bien la fusion des deux tempéraments : Genezio, un peu chien fou et Tiakola, calme et rassurant.

C'est un hommage à l’Afrique, à la rue, et à leur quête d’ascension sociale, notamment dans le titre « Catimini ». Fara Fara Gang est une déclaration de style. La Mélo rencontre la spontanéité de Genezio, et nous le prouve même sur des sonorités dancehall comme dans « Stellar ».

À travers leurs styles générationnels, ces deux artistes transmettent des messages forts et fédérateurs. Il nous offre un EP dense qui donne envie d’en entendre plus. La suite ? On l’espère très fortement avec qui sait ? du live, de nouveaux projets, ou d'autres talents issus de leurs crew respectives.

En tout cas, Fara Fara Gang, c’est déjà le code du succès. Et pour en juger par vous-même, vous pouvez écouter « Mbifé – i cadie nié », un bel hommage à la femme africaine. Le titre, entre bambara et lingala, veut dire : « Mon amour t’appartient ». C’est l’un des morceaux en playlist sur RFI ce mois-ci.

La chanteuse et rappeuse Affa dévoile son tout premier album : Underground Music, Superstar Vision. Un opus né pendant une résidence musicale au Maroc, écrit et composé au cœur d'une période d'introspection profonde traversée par cette jeune artiste française d'origine sénégalaise. Aujourd'hui, elle a transformé ses doutes en une force qui la pousse à créer, avec une grande détermination. 

Ces dernières années, Affa s'est beaucoup questionnée sur son avenir et sur les messages qu’elle voulait transmettre à travers son art. Underground Music, Superstar Vision est la réponse à ce poids qu’elle avait sur le cœur. Elle le présente comme le manifeste d’une artiste déterminée à réussir sans jamais se trahir.

« Underground Music, Superstar Vision, marque mon commencement, explique Affa. J'ai commencé dans l'underground. Je viens d'un quartier "populaire". Je n'ai pas eu des moyens fous pour vivre de mon art, mais mon objectif est de réussir. Atteindre un haut niveau, émotionnellement, spirituellement et musicalement. Je pense qu'avec mes bagages, l'underground, je peux réussir à atteindre ce niveau-là. J'ai envie de créer ce lien entre ces deux univers - l'underground et la vision superstar - justement pour créer ma musique, mon art, et atteindre les objectifs que je me suis fixés.»

Fille de parents sénégalais, la chanteuse a grandi bercée par la soul, le r'n'b et les musiques africaines. Elle puise dans cet héritage pour créer une musique profondément ancrée dans ses racines sénégalaises, tout en restant résolument tournée vers les sonorités des musiques actuelles.

« J'aime bien toucher à tout, sans me poser de barrières. Quand on me demande quel est mon style musical, je dis souvent "un peu de néo-soul, un peu d'afro...". En réalité, je touche à tout et je refuse de me mettre dans une case. Je peux écouter de la rumba et être inspirée, écouter de la soul, du r'n'b, de la bossa... Donc le terme "exploratrice sonore", me définit bien » conclut Affa.

Sur cet album, chaque morceau est une exploration stylistique et rythmique, oscillant entre introspection et énergie festive. On y trouve des titres aux influences afrobeat, du rap incisif où le flow précis d’Affa sublime des instrumentaux hip hop, ainsi que des ballades r'n'b douces et intimistes. Le résultat est un album varié, composé de morceaux courts, d’une à deux minutes environ. Chaque titre délivre un message clair et va droit au but, dans une efficacité sans temps mort qui capte l’attention du début à la fin.

Dans ses textes, Affa s’inspire de son vécu et de celui de son entourage. Elle est celle à qui ses proches se confient, cherchant écoute, conseils et réconfort. Cette empathie naturelle se reflète dans ses paroles, qui abordent des thèmes forts : la confiance en soi, le racisme, la justice sociale et l’égalité des genres. Son engagement pour les droits des femmes est également l'un des fils rouges de l'album.

« Je pense qu'en tant que femme aujourd'hui, on veut souvent nous mettre dans des cases. Tu es noire donc tu dois faire de la musique "urbaine", tu es une femme donc fais attention à la manière dont tu te comportes. Il faut être peut-être un peu vulgaire ou te dénuder, ça marchera plus, ça vendra plus. Moi, je suis totalement contre ça parce que je considère que l'art, c'est quelque chose de pur, de sain et d'inné. Et on ne doit pas "travestir" l'art par rapport à ce que la société attend de nous aujourd'hui » estime la chanteuse.

Underground Music, Superstar Vision est un premier album cohérent et engagé, une déclaration artistique prometteuse d’une jeune artiste qui a déjà beaucoup à offrir, avec un message clair : tout est possible à qui travaille dur et se bat pour réaliser ses rêves.

Affa sera à retrouver en concert le 24 septembre prochain à La Maroquinerie à Paris. 

Native de Bruxelles, Camille Yembe vit, à 28 ans, la vie dont elle a toujours rêvé. Son premier EP Plastique, sorti fin juin, a été remarqué par la critique et l’emmène en tournée dans les festivals. La star belge Stromae, connu pour ses mélanges de styles, a salué ses débuts dans un post sur les réseaux sociaux. Avec sa belle voix grave, cette jeune auteure-compositrice-interprète propose une pop enjouée et mélodieuse, parfois mélancolique, qui oscille entre rock et rap.

Les Blackpink, groupe phare de la K-pop, font leur grand retour en France avec deux dates exceptionnelles au Stade de France les 2 et 3 août dans le cadre de leur Deadline World Tour. Découvrez l'histoire de ce quatuor coréen qui a conquis le monde avec leur musique énergique et leur style unique.

Après plus de deux ans d'absence, les Blackpink sont de retour sur le devant de la scène. Le quatuor féminin, composé de Jisoo, Jennie, Rosé et Lisa, a renouvelé son contrat avec son label et prépare un nouvel album, ravivant ainsi l'enthousiasme de leur fanbase. Avec plus de 30 millions d'auditeurs mensuels sur Spotify, leur influence est plus forte que jamais.

Cette longue pause n'a pas été inactive pour autant. Chacune des membres a sorti un album solo et certaines se sont même lancées dans le cinéma. Lisa, par exemple, a fait une apparition remarquée dans la dernière saison de The White Lotus. Leur dernier album, Born Pink, a marqué les esprits avec des titres comme « Pink Venom », premier morceau coréen à atteindre la première place du Billboard 200.

Les Blackpink ont cumulé les premières fois : premier girl-band asiatique à se produire à Coachella en 2019, tête d'affiche du festival en 2023, et premier groupe coréen féminin invité au prestigieux MET Gala. Leur succès planétaire est le résultat d'un mélange unique de rap, r’n’b, pop-rock et électro, avec des paroles en anglais et en coréen.

Leur succès n'est pas le fruit du hasard. Devenir une idole de K-pop demande un entraînement intensif : douze heures par jour, sept jours sur sept, pendant des années. Certaines membres ont suivi une formation de quatre à six ans avant de rejoindre le groupe. Leur discipline et leur rigueur en font de véritables athlètes de la scène musicale.

Les Blackpinl ne sont pas seulement un groupe de musique, elles sont devenues une esthétique à part entière. Élues « Entertainers of the year » par le Time Magazine en 2022, leurs clips approchent souvent le milliard de vues. Leur influence rappelle celle des Destiny's Child, un engouement sans précédent pour un girl-band.

Les Blackpink continuent de marquer l'histoire de la musique avec leur énergie contagieuse et leur talent indéniable. Leur retour sur scène promet d'être un événement incontournable pour leurs fans et pour tous les amateurs de musique.

Cap sur le Niger avec le groupe Etran de l'Aïr : une fratrie unie par la musique depuis trente ans. Ensemble, ils partagent leur rock touareg, ce blues du désert aux racines sahariennes, hérité des traditions nomades et teinté d'influences occidentales. Leur nom signifie « les étoiles de l’Aïr », en référence au massif montagneux situé dans le nord du Niger, leur terre natale.

Dans la lignée du légendaire groupe Tinariwen, fondé dans les années 1980 au Mali, Etran de l’Aïr mêle chants traditionnels en langue tamasheq, guitares électriques et rythmes hypnotiques. À leurs débuts, ils animaient les mariages d’Agadez, leur ville d’origine. Aujourd’hui, ils tournent à l’international.

« Le groupe a été lancé par nos grands frères, dont Moussa, qui le dirige encore aujourd’hui. À l’époque, ils jouaient sur des guitares sèches. Puis un ami leur a offert une guitare électrique, ce qui a permis de faire évoluer leur style. Nous, la relève, on a eu accès à de nouveaux instruments, des enregistrements en studio… C’est comme ça que notre son a évolué, » explique Illa, l'un des membres du groupe.

Sans jamais renier leurs racines, les musiciens modernisent leur répertoire, mêlant les percussions nerveuses à des influences venues du Mali ou du Congo. Leur ville d’origine au Niger reste un fil conducteur dans leur musique. D’ailleurs, Agadez est le titre de leur deuxième album, sorti en 2022, mais aussi de leur dernier single, dévoilé en avril dernier.

« Agadez, c’est une ville historique et très culturelle. Il y a beaucoup d’artistes là-bas, et les jeunes se mettent de plus en plus à la musique. C’est ce qui nous a inspirés à chanter pour notre région. » confie Alamine, un autre membre du groupe.

À travers leurs textes en tamasheq, Etran de l’Aïr porte des messages de paix et de cohésion sociale. Leur musique s’inscrit dans une démarche militante, dénonçant par exemple les mariages forcés et défendant les droits des femmes. Ils se considèrent comme des citoyens du monde, déterminés à faire de leur art un vecteur de liberté.

Le groupe sera en concert ce soir 31 juillet à Bordeaux, puis en tournée en août en Allemagne, en Pologne, en Suède et en Norvège. 

Elle fait vibrer les Alpes au rythme de l'afro-house. Awen, chanteuse et DJ aux origines sénégalaises, maliennes et françaises, s'est munie de ses platines et de sa voix soul pour présenter son deuxième album Revolution en avant-première au Gstaad Menuhin Festival en Suisse. Toujours en quête de nouveaux horizons, ce festival s’étend sur plus de sept semaines avec 70 concerts et présente Awen dans le cadre de sa série « Mountain Spirit », à plus de 1550 mètres d'altitude. 

Awen, dont le son surnom est d'inspiration celtique, a un parcours fascinant. Bien qu'elle ait grandi bercée par les chansons de Nina Simone et de Bob Marley, sa carrière a débuté de manière classique. Dès l'âge de 8 ans, elle fréquente le conservatoire, où elle développe ses compétences musicales à travers la clarinette, la danse et la chorale. Mais sa passion pour la musique prend un tournant décisif lorsqu'elle abandonne le droit international pour se consacrer pleinement à sa vocation artistique.

Avec son titre « Your Voice », sorti en 2020, Awen a su s'imposer sur la scène musicale, notamment lors de festivals emblématiques comme Coachella et devant 20 000 spectateurs à Nancy, dans l'Est de la France. Ce morceau, véritable déclaration d'amour à son enfant à naître, résonne avec une émotion palpable, permettant aux auditeurs de ressentir les battements du cœur de l'artiste.

Au Gstaad Menuhin Festival, Awen a pris part à la série de concerts « Mountain Spirit », un dispositif innovant qui vise à élargir la programmation du festival en intégrant des genres musicaux variés, dont l'électro. Son style unique et sa capacité à fusionner des influences africaines avec des sonorités contemporaines en font une artiste incontournable.

Dans son album à venir, Revolution, Awen abordera des thématiques profondes, comme en témoigne son morceau « Dark Gospel », qui évoque les luttes intérieures que chacun peut ressentir. Awen s'affirme ainsi comme une voix puissante dans le paysage musical actuel, unissant son héritage à des messages universels et touchants.

La légende du rock américain, Bruce Springsteen, fait son retour avec un nouvel album riche en inédits. Tracks II : The Lost Albums, un coffret de 83 chansons, propose une plongée dans l'univers musical de l'artiste, de 1983 à 2018, et invite à redécouvrir ses pépites.

Le nouvel album de Bruce Springsteen, Tracks II : The Lost Albums, se compose de 83 titres dont 74 inédits. Ce projet fait suite à l'album Tracks sorti en 1998, qui avait déjà revisité les archives de l'artiste. Springsteen s'inscrit ainsi dans une tradition initiée par d'autres légendes, comme Bob Dylan avec ses Bootleg Series.

Parmi les morceaux présents, on retrouve « Idiot’s delight » et le célèbre « Streets of Philadelphia », extrait de la bande originale du film de Jonathan Demme. Ce coffret est une belle occasion de redécouvrir la richesse de l'œuvre du Boss.

La musique de Bruce Springsteen ne se limite pas à un seul genre. Bien qu'il ait un lien fort avec la musique country, comme en témoigne son album Nebraska, il explore également d'autres styles. Dans « Somewhere North of Nashville », il démontre cette diversité. Son dernier album propose par ailleurs des titres surprenants, comme « Little Girl like you » qui montre la polyvalence de l'artiste. Il y a aussi « Adelita », un hommage aux femmes ayant joué un rôle clé durant la révolution mexicaine et un écho à l'engagement politique de l'artiste.

Les fans peuvent s'attendre à un Tracks III dans le futur. En attendant, un biopic sur Bruce Springsteen est prévu pour sortir fin octobre, offrant une nouvelle perspective sur la vie de cette icône du rock.

Le multi-instrumentiste Mádé Kuti, vient de sortir son deuxième album, Chapter 1 : Where Does Happiness Come From ?. Petit-fils de Fela Kuti, fils de Femi Kuti, neveu de Seun Kuti, Mádé Kuti ne se laisse pas écraser par cette hérédité et parvient à perpétuer l'héritage famillial de l'afrobeat tout en lui donnant une nouvelle lecture. 

Fela Anikulapo Kuti, musicien nigérian et désormais figure incontournable du 20e siècle, a donc inventé un style musical à lui tout seul. L'afrobeat, mélange de rythmes traditionnels nigérians, de highlife ghanéen et de funk américain. Une musique vive et entrainante agrémentée de lignes de cuivres puissantes qui illustre bien l'ambiance du Nigéria des années 70. Une époque durant laquelle la population est exaspérée face à la succession de régimes tyranniques, de la corruption, du népotisme. C'est notamment le cas du célèbre morceau « Zombie » sur lequel Fela compare les militaires au pouvoir à des zombies, brutaux et décervelés.

À écouter aussiNigeria: «Zombie», la fronde de Fela Kuti contre Obasanjo

Trente ans après la disparition de Fela, le nom des Kuti, n'a jamais cessé de briller, puisque les enfants de Fela ont repris le flambeau. Il y a Seun Kuti, le cadet, avec un style très proche de l'afrobeat original. Il y a aussi Femi, l'ainé de la fratrie, qui propose un style moins brut, moins radical que celui du père, plus accessible, mais toujours aussi entrainant, comme sur le morceau « Beng Beng Beng », sorti en 1998.

Mádé Kuti, le fils de Fémi, emboite le pas de ses aînés. Il a même étudié la musique au Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance de Londres, comme son grand-père. Et puis, il a fait ses classes sur la scène du Shrine, le club créé par Fela à Lagos, en jouant avec l'orchestre de son père, Positive Force. S'il ne renie pas l'idée de rébellion propre à la musique de Fela, les morceaux de Mádé Kuti sont plus doux, plus sereins, certainement plus en phase avec sa génération et la société nigériane d'aujourd'hui.

À écouter aussiFemi Kuti, héritier de l'afrobeat, en concert au Cabaret Sauvage

Ce nouveau disque est introspectif et il est amusant de voir comment l'esprit de l'afrobeat peut se décliner de manières inattendues. Là où Fela considérait la musique comme une arme, Mádé Kuti aborde la sienne de façon philosophique. Il se pose des questions existentielles, met en lumière les contradictions sociales et invite chacun d'entre nous à consacrer tout son esprit à trouver des réponses. Mais il invite aussi à se poser les bonnes questions, comme sur le morceau « I Won't Run Away ».

Madé Kuti Chapter 1 : Where Does Happiness Come From ?, (Mádé Kuti) 2025

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