La compositrice, interprète et rappeuse martiniquaise Meryl sort son deuxième album, intitulé La dame. Elle y raconte son combat pour se faire une place dans la musique et son amour pour son île, la Martinique.

« La Dame » est une référence au film La dame de Katwe réalisé par Mira Nair et inspiré de l'histoire de Phiona Mutessi, une jeune joueuse d'échecs ougandaise qui quitte son bidonville pour devenir championne nationale de l'Ouganda.

Ce récit d’une jeune femme qui n’était pas prédestiné à la gloire et qui a dû se battre pour se hisser au sommet, fait écho au parcours de Meryl. En effet : femme, noire, queer et martiniquaise, le succès n'était pas gagné d'avance pour la rappeuse.

Avant de se lancer dans la musique, Meryl a fait ses gammes en composant pour d’autres artistes. Elle a ainsi travaillé avec des artistes tels que SCH, Soprano, Timal et Niska. La chanteuse fait aujourd’hui partie des rares artistes de rap martiniquais reconnue dans l’Hexagone et à l’international.

Elle est bien déterminée à inscrire les Antilles dans le paysage musical mondial. Une volonté qu'elle ne se contente pas d'exprimer mais met aussi en action. Meryl a ainsi créé un label, doublé d'une maison d'éditions, en Martinique pour héberger ses albums et promouvoir à terme d'autres artistes martiniquais, afin que les talents de l’île n’aient plus à aller chercher ailleurs de quoi produire leurs albums.

La chanteuse vit aujourd'hui entre la métropole et la Martinique, mais cherche à passer un maximum de temps sur son île, sa source d'inspiration première.

Dans cet album, Meryl mélange shatta, dancehall, bouyon, pop et trap martiniquaise, pour raconter son histoire et cette rage de construire qui ne l’a jamais quittée, tout cela en français, parfois en anglais et en créole martiniquais.

Autre particularité de ce deuxième album, il est essaimé de collaborations : sur les dix-sept titres de La dame, douze sont des collaborations, et pas des moindres. En effet, on y entend R2, Eva et Theodora... qui participe non pas à un mais à deux titres : « Instructions » et « Paparazzi ».

Moins de deux mois après sa sortie, La dame est déjà un succès. La preuve en est que le concert de Meryl prévu à l’Accor Arena en octobre 2026, est déjà plein. Meryl est une artiste complète, une citoyenne engagée qui met en musique le multiculturalisme si caractéristique de son île.

Boy & Bear, groupe phare de la scène néo-folk australienne, revient avec son sixième album Tripping Over Time. Onze titres aux accents pop rétro, new wave et rock psychédélique qui explorent le chaos et la beauté du présent.

Le dernier Choix Musical de cette année 2025 met à l'honneur Bopol Mansiamina, légendaire artiste congolais disparu en 2021. Le label colombien Palenque Records dévoile deux nouveaux morceaux posthumes, enregistrés par l’auteur-compositeur et guitariste lors d’une session à Bogota en 2017.  

Aux côtés de Bopol Mansiamina, on trouve le producteur colombien Lucas Silva, fondateur du label indépendant Palanque Records. Créé en 1996, ce label construit des ponts musicaux entre l'Afrique et la Colombie, en collaborant notamment avec des artistes du Nigeria, du Congo, du Ghana et du Sénégal pour fusionner sonorités africaines et rythmes traditionnels colombiens. L’objectif : amener ensuite cette musique afro-colombienne vers quelque chose de nouveau.

« On voulait faire un hommage à ce grand artiste qu'est Bopol Mansiamina. Il a commencé dans les années 1960 à Kinshasa avec Dr Nico, puis il a eu plusieurs orchestres. Il a fondé le groupe Quatre étoiles du Zaïre, et il a joué avec de grands musiciens du Congo comme Pepe Kallé ou le groupe Empire Bakuba. Ce musicien avait un style unique. Il faisait partie des Congolais qui se sont rassemblés à Paris dans les années 1980, et popularisé le soukouss, le ndombolo, tous les rythmes à la mode au Congo. Ces musiques congolaises nous ont beaucoup influencés en Colombie. Pour nous c'est une très belle histoire, c'est renouer les liens avec la Mère Afrique », explique Lucas Silva.

Considéré comme l'un des pères fondateurs de la champeta, Bopol Mansiamina a joué un rôle clé dans la naissance de ce genre musical né dans les années 1970. Fruit d’un dialogue entre rumba congolaise, soukouss et highlife, c'est la bande-son urbaine des communautés afro-colombiennes de la côté caribéenne, véritable symbole de métissage culturel.

L’un des nouveaux morceaux, « Esta Tierra No Es Mia », est aussi un hommage à la côte caraïbe de la Colombie. Il s’agit d’une reprise d’un morceau du groupe afro-colombien Sexteto Tabala, originaire de San Basilia de Palenque, premier village libre en Amérique latine, fondé pendant la colonisation par des esclaves africains marrons. La chanson célèbre cette communauté rebelle, installée dans la jungle des Caraïbes colombiennes, où l'on parle encore la lengua palenquera, un créole mêlant des langues bantoues du Congo et de l'Angola, preuve de l'héritage africain de la Colombie.

Sur cet EP, Bopol Mansiamana est entouré de stars congolaises comme le guitariste Caien Madoka et le grand chanteur de rumba Nyboma, ancien membre de Kamalé Dynamiques et de Kékélé, véritable légende vivante comparable à Papa Wemba. Côté « Afrocolombie », selon l’expression de Lucas Silva, on trouve les chanteurs Nicoyembe et Victor Hugo Rodriguez. Le meilleur du Congo et de la Colombie réunis pour célébrer la vie musicale de Bopol Mansiamina.

« Les fans me demandaient de sortir ces morceaux depuis deux ans. Chez nous, c'est un vrai évènement. Pour tous les amateurs de musiques africaines ici, c'est quelque chose de super important et dans ses morceaux, Bopol Mansiamina rend hommage justement à tous ses fans en Colombie. Les gens adorent vraiment beaucoup la musique africaine, on est tout le temps au courant de ce qui sort en Afrique noire. C'est une sortie très importante, un pont musical qui existe depuis les années 1970 jusqu'à aujourd'hui » se réjouit Lucas Silva.

Les Colombiens ont toujours apprécié Bopol Mansiamina, et il leur rendait bien. Amoureux du pays, il a d'ailleurs composé le morceau « La Cintura », également présent sur l’EP,  spécialement en l'honneur de la ville de Barranquilla connue pour son immense fête de carnaval. Et en plus des deux morceaux déjà sortis, trois autres sont prévus pour le mois d’avril prochain.

Surnommé le « Golden boy », Kiko est l’enfant chéri du Togo. À 27 ans il est considéré comme l’un des artistes les plus prometteurs de la scène togolaise. Après trois EPs, il sort un premier album intitulé Bleus.

C'est le premier projet d'ampleur de Kiko, mais l'artiste a déjà trois EPs à son actif. Komivi King Fiagno, de son vrai nom, est né en 1998 à Lomé et son nom de scène est l'assemblage de ses deux prénoms King et Komivi. Son album de quatorze titres, enregistré entre Paris, Lagos et Lomé, s'intitule Bleus, jeu de mots entre les bleus au sens des blessures et le style musical du blues. Une combinaison qui reflète bien le voyage introspectif de l'artiste de 27 ans.

Kiko est considéré comme l’un des jeunes artistes émergents les plus prometteurs de la scène togolaise. Son style éclectique mélange pop, r'n'b, rap et afropop séduit de même que sa voix et sa capacité à chanter en plusieurs langues. En effet, en plus du français et de l'anglais, Kiko porte fièrement son héritage togolais et chante en éwé, langue nigéro-congolaise, parlée au Ghana et Togo et au Bénin. En outre, il s’affiche régulièrement en habits traditionnels dans ses clips.

Influencé par les géants de la pop américaine tels que Chris Brown, Usher, Justin Bieber et Michael Jackson. Kiko revendique une musique qui veut rassembler et dans laquelle chacun peut se reconnaître. Et à la différence de projets précédents, dans cet album, l'artiste dévoile ses émotions, ses doutes, une certaine désillusion de la célébrité. Mais on entend aussi la quête d'une forme de paix intérieure.

Le golden boy togolais prône aussi l'innovation et l'expérimentation. Il va d'ailleurs jusqu'à sampler une célèbre comptine du XVIIIe siècle. Dans son morceau « Ding Deng Dong », Kiko ose la composition d'une chanson sensuelle, qui parle d'amour, sur la mélodie de « Frère Jacques ». L’artiste n’a pas fini de nous surprendre.

Kiko Bleus (Wèrè Wèrè Music/Def Jam Africa) 2025

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Formé en 2020, le quatuor belge a sorti, ce 21 novembre 2025, son second album : Vague Scélérate. Comme ce phénomène marin aussi redouté que mythique, le nouveau disque des quatre musiciens fait l'effet d'un tsunami sonore, aux influences multiples et à l'énergie contagieuse. 

Les vagues scélérates sont longtemps restées un mystère de la vie aquatique, et même une légende de marins. Désormais, ce phénomène est bien documenté : il s'agit de vagues qui apparaissent brutalement en pleine mer, et qui font plusieurs fois la taille des vagues environnantes. Avec son bien nommé deuxième album, Gros Coeur reproduit la même chose : « on aimait bien l'idée de ce tsunami sonore qui s'abat sur les oreilles de nos pauvres auditeurs », lâche, dans un trait d'ironie, le bassiste et claviériste du groupe, Julien Trousson.

« Faire les choses avec légèreté mais sérieusement » : voilà pour la ligne de conduite du groupe, que l'on retrouve dans le nom des projets (Gros Disque en 2023, Vague Scélérate aujourd'hui), dans les textes, et dans les visuels – mention spéciale pour le clip de « La Vague », tourné sur un radeau de la Méduse improvisé et contre un fond vert qui ne cherche pas à cacher ce qu'il est.

Cette légèreté n'empêche pas pour autant de faire de la musique très travaillée. Pas la peine de chercher chez Gros Coeur des morceaux faciles ou des séquences que l'on peut découper en pastilles : sur Vague Scélérate, aucun morceau ne fait moins de 5 minutes, le plus long en fait même 12. Cela tient beaucoup au processus créatif du groupe, essentiellement fait de jams en studio. « On jette très peu de choses, raconte Julien Trousson. Généralement on part d'une idée à quatre, et on développe autour. Et on ne se bride absolument pas, ni sur la direction qu'on emprunte, ni sur la longueur. »

Résultat : des durées gargantuesques au regard des standards actuels, mais qui permettent au groupe de développer de longues plages musicales, et à l'auditeur de se plonger complètement dans l'univers des quatre musiciens. « A cette ère algorithmique, c'est important d'avoir des morceaux qui nécessitent une certaine attention. On aime bien l'idée que se lancer dans ce disque demande une certaine attention, un peu comme se lancer dans un film : c'est assez immersif », insiste encore le bassiste et claviériste. 

Si le projet Gros Coeur a pris vie dans la région de Liège, il n'y a certainement pas pris racine. Les quatre rockeurs chantent en français, s'inspirent de la scène québécoise, font résonner des congas d'Amérique latine et empruntent des sonorités au Moyen-Orient, comme dans « Montréal » : bref, en 45 minutes d'album, on parcourt vingt mille lieues sur les mers.

Les congas, tout particulièrement, donnent leur son spécifique au groupe, d'autant plus qu'elles sont apparues un peu par hasard. « C'était en 2020, pendant le confinement, se souvient Julien Trousson. On était cloîtré dans notre studio baigné de soleil, et on se demandait à l'époque quel était l'avenir de la culture, si on aurait même l'occasion de rejouer sur scène. On s'est dit que si c'était le cas, on aurait envie d'un son festif, qui donne envie aux gens de revenir, de danser, de suer. C'est à peu près à ce moment-là que notre batteur a apporté ces deux congas qui trainaient chez lui. » Ni une, ni deux, les toms de la batterie [les tambours qui produisent le son le plus grave, NDLR] sont remplacés par les congas... un nouvel instrument est né.

Quant à la voix, là aussi, Gros Coeur en fait une utilisation toute personnelle. On a plutôt l'habitude de distinguer la voix du reste de la musique : ici, c'est tout l'inverse. Plutôt que d'être mis en avant, le chant est intégré à l'instrumentation, comme noyé sous les autres nappes de son. « On n'est pas des chanteurs à texte, pointe Julien Trousson. La voix nous sert d'instrument, de ligne mélodique. Souvent, les mélodies sont trouvées sur la base d'un riff de guitare, ou de bass, peu importe. Et on retranscrit ce qu'on a fait en jam à la voix, qui nous sert de conducteur mélodique dans la chanson plus que de vecteur de sens. » 

Le résultat est assurément surprenant, mais complètement entraînant si l'on accepte de se laisser emporter par le courant. Et cela semble marcher : Gros Coeur a le vent en poupe dans le milieu musical. Le groupe participera d'ailleurs, mi-janvier, à l'Eurosonic, le festival de tous les professionnels de la musique.

Compositeur, arrangeur et producteur, Quincy Jones a influencé des générations d'artistes américains au cours de ses 60 ans de carrière. Décédé il y a un an, à l'âge de 91 ans, la maison de production Universal Music lui consacre une anthologie baptisé The legacy of Quincy Jones (« L'héritage de Quincy Jones » en français).

Cet héritage, Universal Music le décline en 20 CD et 406 morceaux, ce qui permet de retracer l'œuvre et l'évolution artistique de cet homme qui résume à lui seul la musique américaine du XXe siècle, du be-bop au hip hop. Et c'est Stéphane Lerouge, grand spécialiste de la musique de film chez Universal Music France qui a conçu cet objet d'un exhaustivité incroyable.

On découvre ainsi des prises alternatives, des inédits, des titres tombés dans l'oubli. « J'aurais tellement aimé lui faire découvrir, et pouvoir partager avec lui ces découvertes et avoir son regard d'aujourd'hui sur ces jalons de son passé, commente Stéphane Lerouge. Cela n'aura pas eu lieu, mais au moins, aujourd'hui, les auditeurs peuvent s'immerger dans, à la fois les visages connus et les évidences du parcours de Quincy Jones, et aussi dans des choses plus méconnues voire obscures. »

Parmi ces visage connu, il y a celui de producteur. Quincy Jones a façonné la trilogie conquérante de Michael Jackson dans les années 1980, à savoir les albums Off The Wall, Thriller et Bad. Et l'on peut affirmer sans risque d'être démenti que c'est lui qui a fait du dernier des Jackson Five le premier des princes de la musique.

Mais Quincy ne se résume pas à cette collaboration. Comme disait le musicien Benny Carter : « son succès a éclipsé son talent ». Et ce talent qui émerge dans les années 1950 va s'exprimer notamment à Hollywood. Quincy Jones réalise un rêve d'enfance en devenant le premier afro-américain à travailler pour Hollywood. Il va composer huit bandes originales, dont cinq pour Sidney Lumet, et surtout celle du film culte de Norman Jewison Dans la chaleur de la nuit, avec Sidney Poitier. Un film jalon dans l'histoire américaine, puisque c'est, par excellence, le film d'émancipation des afro-américains. Le sujet tenait particulièrement à coeur à Quincy Jones qui a débuté sa carrière dans une Amérique ségrégationniste. Ainsi, il n'avait pas le droit de composer pour la section cordes d'un orchestre : c'était interdit aux noirs.

Lorsqu'il arrive en France en 1957, embauché par le producteur Eddie Barclay, il découvre la liberté. Il disait qu'à Paris, il était enfin considéré comme un artiste et non jugé a priori pour sa couleur de peau. Et c'est aussi en France qu'il fait une rencontre décisive, celle de Nadia Boulanger. La célébrissime professeure de piano du conservatoire américain l'initie au contrepoint et à la musique savante, celle de Stravinski notamment, ce qui aura une influence décisive sur son art.

Le coffret publié par Universal Music France se referme sur le dernier passage en studio de Quincy Jones : c'était en 2023, à l'occasion d'un hommage au compositeur de musique de film Henry Mancini. Quincy Jones a réenregistré le thème musical de Peter Gunn, composé par Mancini pour le film de Black Edwards sorti en 1967. Pour l'occasion il avait réuni John Williams au piano, Herbie Hancock aux claviers et Arturo Sandoval à la trompette.

Voix de la soul française, Ben l’Oncle Soul se fait connaître à la fin des années 2000 en proposant des versions soul de tubes de l’époque. Il sort ensuite plusieurs albums reprenant les codes et l’esthétique de l’âge d’or de la soul américaine. Il était sur la scène de l'Élysée Montmartre pour clôturer la tournée de son dernier album le 19 novembre 2025. Une prestation à retrouver en podcast sur le site de RFI. 

Benjamin Duterde, de son vrai nom, nait en 1984 et grandit entre les murs d'un lycée international où sa mère est intendante et ses grands-parents, chefs cuisiniers. Sa mère possède une belle collection de disques venue des Etats-Unis (avec entre autre Ray Charles, James Brown, Otis Redding…), rapportée par un élève américain.

Ces influences vont jouer un rôle déterminant dans la construction du jeune soulman. Lorsque Benjamin Duterde se lance dans la musique à la fin des années 2000, il multiplie les références à ces mêmes grandes noms de la soul qui ont nourri ses rêves d'enfant. Celui qui prend alors le nom de Ben l'Oncle Soul propose une esthétique et un univers, venus tout droit de la soul américaine des années 1960 et 1970, qui tranche avec la mode de l'époque plutôt tourné vers le r'n'b et la pop.

RFI ConcertsBen L’Oncle Soul à l’Élysée Montmartre: la «Sad Generation» en live à Paris

Le jeune chanteur revisite des tubes, comme « Say you'll be there » des Spice girls, ou « I kissed a girl » de Katy Perry et en fait des versions soul, attirant ainsi un public plus large que celui des passionnés du genre. En 2009, c'est sa reprise de « Seven nations army » des White Stripes, qui le révèle véritablement au grand public. Un an après, il sort son titre phare « Soulman » : un morceau plein de sincérité et de chaleur qui présente le chanteur et son univers.

Dans son dernier album initulé « Sad Generation », Ben l'Oncle Soul explore une ambiance plus jazzy, plus crooner que dans ces albums précédents, avec une voix bien ancrée, posée sur un son patiné parfois saturé. Le résultat est un album entre les âges, qui mélange hier et aujourd'hui. Finalement, Ben l'Oncle Soul, est devenu l'un des parrains de soul française qui la remet au gout du jour et en porte l'héritage.

Ben l’Oncle Soul Sad Generation 2025

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Internet Girl, M.anifest, Greentea Peng, Lola Young, Smerz, voici cinq pépites musicales qui ont jalonné l'année 2025 dans le domaine pop-rock. Un segment où l'Afrique n'est pas absente.

Internet Girl est la sensation des réseaux sociaux. Précisions qu'il n'y a pas plus de « girl » dans ce trio masculin que d'amapiano, de kwaito ou de gkom... Internet Girl nage à contre-courant des standars musicaux sud-africain avec son post-punk mâtiné d'électro. « Pardon My Ennemies », titre sorti fin octobre sur le dernier moyen format de ce boys band du Cap emmené par Ntsika Bungane. Internet Girl n'explore pas seulement les musiques d'Europe, il scrute les marges de la société avec des textes volontiers provocateurs, la dérision étant souvent la meilleure arme pour dénoncer la masculité toxique ou l'argent roi.

M.anifeste livrait en mars dernier son album le plus attendrissant, le sixième déjà, New Road And Guava Trees, (« Une nouvelle route et des goyaviers » en français) d'où est tirée cette chanson d'amour « Ease My Mind ». Réputé pour sa plume, M.anifest évoque la nostalgie de son enfance dans son quartier d'Accra parsemé de ces arbres aux fruits délicieux. Entre highlife, hiplife et afropop. Douceur, bienveillance et nostalgie sucrée. Un fruit suave idéal pour terminer l'année. 

Greentea Peng aime le voyage, la littérature, la musique, mais par dessus-tout, elle voue un culte au dub, variante du reggae. Son deuxième album Tell Dem Its Sunny (« Dites leurs qu'il fait soleil » en français) explore le trip hop patrimonial, la soul fondamentale et le rap dominant qui forme l'ADN musical de la Londonienne. Son ADN humain, lui, croise l'Europe, l'Afrique et le Proche Orient. À 31 ans, Aria Wells, de son vrai nom, impose sa voix trainante et son style séduisant. Oui, il fait soleil quand on écoute ce titre « Nowhere Man ». 

Sur ce titre intitulé « Dealer », Lola Young explique qu'elle a essayé toute la journée de rester sobre avant de proclamer que son dealer va lui manquer... Mais attention, elle ne fait pas la promotion des substances illicites, du moins nous voulons le croire, l'addiction en question est une métaphore de l'amour. Lola Young n'a pas son pareil pour parler ouvertement de ses amours toxiques, de ses failles, de ses troubles mentaux, de ses désirs, parvenant à hisser le tout au rang d'hymnes générationnels. Young ou le miroir d'une jeunesse sans tabous.

Catharina Stoltenberg et Henriette Motzfeldt sont originaires d'Oslo, elle forment le duo Smerz, et leur album Big City Life sorti fin mai a été encensé par les critiques européennes. Big City Life (« La vie dans les grandes villes » en français) est une déambulation ironique et mordante dans l'enfer de la modernité urbaine. L'architecture sonore varie entre dream pop, électro, trip hop. Un soupçon d'élégance nordique parfait pour l'ambiance fraiche mais relax des fêtes de fin d'année...

Après Monsieur Saudade, sorti l'année dernière, le rappeur et chanteur franco-sénégalais Abou Tall est de retour avec son nouvel album Monsieur Saudade II. Celui qui s’était d’abord fait connaître dans le rap se tourne désormais de plus en plus vers des sonorités venues du Brésil.

Le public l’a découvert au sein du duo The Shin Sekaï, formé avec le rappeur franco-congolais Dadju, actif de 2012 à 2017. Depuis, Abou Tall a navigué entre rap et r'n'b, avant de s'ouvrir progressivement aux musiques brésiliennes et plus précisément à la bossa nova.

Il raconte : « C'est une évolution qui n’a pas eu de point de bascule, parce que j'ai toujours écouté beaucoup de musique brésilienne, mais sans savoir comment l'intégrer à ma musique. Donc, au fur et à mesure, déjà, j'ai commencé à chanter. ​Ça a commencé par ce que je faisais en groupe, un peu plus r'n'b. Puis un jour, j'ai commencé à apprendre la guitare, je l’ai l'incorporée à ma musique. Et vu que ce que j'aime avec la guitare c'est la musique brésilienne, ça s'est infusé directement dans ma musique. »

À lire aussi«Monsieur Saudade II» d’Abou Tall: le juste équilibre entre r'n'b et bossa nova

Cette ouverture vers les musiques brésiliennes a finalement transformé son approche artistique. Habitué à rapper avec beaucoup d'énergie, Abou Tall a appris à canaliser cette énergie pour mieux correspondre à la douceur de sa guitare. Il s'inspire des plus grands, comme João Gilberto et Antônio Carlos Jobim. Il sample également Jorge Ben Jor et son morceau popularisé par la reprise de Sergio Mendes, Mas que Nada, sur Ronaldinho, en featuring avec le chanteur soul et afrobeats Warren Saada.

Entre sa vie passée en France et son intérêt pour le Brésil, Abou Tall n'oublie pas ses racines. Le Sénégal influence profondément sa manière d'être, et donc sa musique.

« Le garçon que je suis est sénégalais, donc de facto mon parcours, le fait d’avoir vécu là-bas, mes propos et ma mentalité sont influencés par le Sénégal. Dans ce projet je parle beaucoup de famille, et mon sens de la famille vient du Sénégal. Donc dans le propos, ma "sénégalité" est bien présente. Je viens d'une région qui s'appelle la Casamance, et j’ai toujours aimé la musique de là-bas. J'aimerais bien lui rendre hommage à un moment dans ma carrière », espère-t-il.

Plus engagé, le titre « Les gens comme moi », est sans doute le morceau le plus politique de l'album. Pour l’écrire, Abou Tall s’est inspiré des nombreux conflits politiques et sociaux actuels, et de ses réflexions sur le racisme et la place du « Sud » dans le monde. Pourtant, il cherche tout de même à y transmettre de l'espoir. Et cet optimiste transparaît sur chacun des morceaux de l’album, comme une douce mélancolie qui parcourt tout Monsieur Saudade II.

Abou Tall sera en concert le 16 janvier à Argenteuil, en Île-de-France.

Abou Tall Monsieur Saudade II (Colombe Noire / Play Two) 2025

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Avec son premier EP intitulé Au singulier, Plume s’affirme comme une révélation de la dream pop française. Entre douceur et mélancolie, la jeune artiste explore la complexité du processus créatif, livrant des chansons intimes, inspirées par des influences variées. Plume captive par sa sensibilité, son univers éthéré et son écriture poétique, faisant de chaque morceau une lettre adressée à elle-même ou à ceux qui l’entourent.

Le premier morceau de Plume, « En ce temps-là », donne le ton : une ambiance empreinte de nostalgie, qui parcourt l’ensemble de son EP Au singulier. Tout au long des sept titres, la jeune chanteuse installe une atmosphère à la fois douce et amère, fil conducteur de son univers musical.

Plume évolue dans la dream pop, un genre éthéré et introspectif puisant ses racines dans le rock alternatif. Sa musique invite à la rêverie et à la poésie, portée par une voix légère et sensible, comme en témoigne le morceau « Plume », un titre présentaiton qui porte son nom.

Les inspirations de Plume sont multiples : variété française, rock, électro, et même métal. Fille de musiciens, elle grandit au rythme des concerts et répétitions de ses parents, forgeant son identité au gré des rencontres et des scènes. Un événement marquant en 2007, alors qu’elle n’a que 10 ans, fait naître en elle un véritable désir de composer et de chanter : « J'avais accompagné mon père qui était invité en backstages. Je me mets devant la scène, et il y avait un chanteur qui était là, que je ne connaissais même pas, qui s'appelait Danyel Gérard. Il joue sur une petite guitarre bleue. J'étais à fond. Et il lance sa guitarre à quelqu'un du public : c'était moi. Je n'avais pas d'instrument à l'époque, je pianotais mais je ne savais pas très bien faire. Le soir-même, je suis devenue un peu folle. Je me suis enfermée dans ma chambre, j'ai cherché des tutos sur YouTube, et j'ai appris la musique comme ça. »

Dans Au singulier, Plume revendique sa solitude et son originalité. Elle dévoile la dualité du processus créatif : des moments de doute et de galère, mais aussi des instants de grâce.  Son écriture met en lumière la part d’ombre et la force qui réside dans le sentiment d’être unique.« Finalement, on comprend aussi qu'on a des portes de sortie qui sont là, et aussi de la lumière qui est là. Ces parts d'ombre font partie aussi de ce processus créatif, qui peuvent plus me permettre de sortir après. »

Chaque morceau de l’EP se lit comme une lettre : à un absent, à un être cher, à un amour perdu ou à elle-même. Pour Plume, écrire et mettre en musique ses émotions est un besoin, une manière de ne pas se laisser dévorer par elles. Dans « De la terre à la lune », elle utilise le langage des étoiles pour raconter la fin d’une histoire d’amour, sur une mélodie d’abord brute, puis de plus en plus aérienne à mesure que la chanteuse se laisse emporter.

En guise de conclusion, Plume propose « Goodbye », l’unique titre en anglais de l’album, qui clôt en douceur ce premier voyage introspectif.

Avec Au singulier, Plume signe un premier EP intime et aérien, et s’impose comme une artiste à suivre de près sur la scène dream pop française.