Trio féminin londonien au style vintage assumé, les Puppini Sisters célèbrent deux décennies de carrière avec The Birthday Party, leur septième album. Entre swing flamboyant, harmonies ciselées et clins d’œil pop, elles ont su imposer leur univers hors du temps, séduisant aussi bien les stars du rock que la famille royale britannique.

 

Prenez un train à destination d’un univers loin du mainstream : celui des Puppini Sisters. Depuis 20 ans, ce trio féminin basé à Londres revisite avec élégance et panache les grands standards du jazz, mais aussi des classiques de la pop, dans une esthétique résolument rétro.

À l’origine du groupe, une Italienne : Marcella Puppini. Née à Bologne, elle découvre le piano dès l’âge de 5 ans et rêve de devenir chanteuse d’opéra. Son parcours la mène finalement à Londres, où elle étudie la mode, travaille chez Vivienne Westwood, puis obtient un diplôme au Trinity College of Music. C’est là qu’elle rencontre deux chanteuses britanniques et lance les Puppini Sisters.

À leurs débuts, le swing n’est plus vraiment à la mode. « Le swing, c’est tellement fun. Et quand on a commencé, ça ne se jouait presque nulle part. On était vraiment un peu l’avant-garde de la nouvelle scène jazz », se souvient Marcella Puppini. Un pari audacieux, mais gagnant.

Aujourd’hui, les Puppini Sisters cumulent Disques de platine et admirateurs de prestige. Parmi leurs fans de la première heure : Cyndi Lauper, Robbie Williams, Hugh Laurie - le célèbre Dr House -, mais aussi la famille royale britannique. Lors du Royal Variety Show en 2006, le prince Charles, lui-même, les félicite pour l'un de leurs albums reçu en cadeau d’anniversaire.

Depuis, le trio sillonne les scènes du monde entier. D’Istanbul à Moscou, du Moulin Rouge à Malibu, ces « Spice Girls du jazz » enchantent le public avec leurs voix étincelantes et leurs harmonies soigneusement ciselées, tout en proposant également leurs propres compositions.

Fidèles à leur identité, elles n’oublient jamais leurs influences, glissant ici ou là un clin d’œil à l’Italie. Leur dernier album, The Birthday Party, en est une nouvelle preuve, avec notamment une reprise de « Parole, Parole ».

Les Puppini Sisters seront en concert au New Morning à Paris en fin d’année. Une occasion de célébrer, en musique, 20 ans d’un swing intemporel.

Acid Arab, artisan mondialement  reconnu de l’alliage entre électronique et musiques arabes, revient avec Resonance, quatrième album désormais signé par un trio.

Resonance sonne comme une reprise de souffle dans un monde étouffant. Après presque quinze ans à brouiller les pistes entre techno et traditions musicales du monde arabe, le projet parisien mené par Hervé Carvalho et Guido Minisky confirme sa trajectoire ascendante. Une machine de club, capable d’absorber des voix, des langues, des rythmes et des styles   venus d’ailleurs sans jamais perdre son axe : la fête comme langage commun.

Né en 2012, Acid Arab a gagné ses galons dans le sillage de morceaux devenus phares, dont « Stil » en 2016, avant d’élargir encore son spectre. Ici, seize titres et une constellation de quinze invités  comme autant de voyages à découvrir.  

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Avec Yasmine Hamdan, Sofiane Saidi ou encore Ghizlane Melih, le disque dessine une cartographie sonore où chaque timbre ouvre une porte vers l'autre. Et puis, il y a ce titre  « Zid Mazzika », déflagration techno arabisante , pile dans l'ADN d'Acid Arab.

De la Syrie au Maroc, du Liban à la Turquie et d'autres territoires musicaux du Moyen-Orient, Resonance crée un espace sans frontières a coups de synthés puissants et envoutants. Chez Acid Arab, la politique n’est pas déclarée, elle s’entend dans la porosité des mondes, dans cette évidence répétée que la musique, elle, n'a pas besoin de visa. 

Resonance, quatrième album d'Acid Arab, sorti le 19 juin 2026. En tournée française annoncée jusqu’en janvier 2027.

Direction l'île de la Réunion pour le Choix Musical du jour, avec la chanteuse Maya Kamaty qui dévoile son nouvel EP Dann Tournan. Après Santié Papang, Pandiyé et Sovaz, voici le quatrième projet de cette chanteuse née à Saint-Clotilde, au nord de l’île, dans une famille d'artistes.

Maya Kamaty est la fille de la conteuse Any Grondin et du musicien Gilbert Pounia, leader du groupe de maloya Ziskakan. Mais contrairement à son père, elle ne se revendique pas du maloya traditionnel. Elle fusionne ce maloya à de la folk, de la pop et de l'électro.

« C'est un peu l'héritage du travail de mes parents d'abord, mais aussi des gens que j'écoute et que j'écoutais aussi beaucoup à ce moment-là. Alain Péters, René Lacaille, Danyel Waro, Gramoun Lele, Gramoun Baba, Gramoun Bebe. Les vieux sega lontan, de Michou, Françoise Guimbert, Benoîte Boulard. Je m'imprègne de tout ça. Maintenant, cette évolution, pour moi, elle est logique parce que je n'écoute pas du maloya et du sega 24 heures sur 24. J'écoute du rap, du rock, du hip-hop, de la trap. J'écoute Radiohead, Rosalia, j'écoute de la musique classique indienne. Je me nourris de tout ça. »

Son tout premier album, Santié Papang, était composé de ballades folks en acoustique, où l'on retrouvait tous les instruments traditionnels du maloya comme le kayamb et le roulèr. Puis son deuxième album, Pandiyé, a quitté l'organique pour prendre une direction plutôt électronique, que Maya Kamaty définissait alors comme de l'électro-pop maloya. Son troisième album Sovaz a ensuite bifurqué vers les musiques urbaines, qu'elle explore à nouveau dans Dann Tournan.

Une grande liberté dans l'écriture des textes

Sur cet EP, Maya Kamaty est en collaboration avec le beatmaker Sskyron. Il met en musique les textes de la chanteuse, qui prend de plus en plus de libertés au niveau des paroles. Le morceau « Dann Tournan » évoque la pression de prendre la relève quand les personnes autour de soi ont beaucoup d'attentes. Maya Kamaty critique ce voyeurisme malsain et préfère aller justement là où ne l'attend pas. Le morceau « Curvy » dénonce les propos grossophobes et les injonctions sur le corps des femmes. Il prône l'acceptation de nos corps tels qu'ils sont.

La chanteuse évoque aussi l'île intense et la préservation de sa culture : « Le morceau "Tourné Viré" parle de néocolonialisme, de ces choses qui dérangent, ces gens qui arrivent à La Réunion sans trop regarder où ils arrivent, sans trop s'intéresser aux gens et à la culture autour, et qui piétinent un peu tout ça. Quand tu viens à La Réunion et que tu dis "oui, moi je suis là pour aller dans le Zion", en fait La Réunion, ce n’est pas que le Zion. Il y a des vrais gens, il y a une vraie culture. Voilà, il faut mettre des patins sans trop salir. On est fiers de notre culture et on est fiers de la partager, mais il ne faut pas venir l'écraser. »

Représentante d'une ère multiculturelle et plurielle

Avec sa musique, Maya Kamaty espère faire du créole un langage universel. Aujourd'hui, elle lutte contre l'effacement de toutes les langues régionales, comme le créole mais aussi l'occitan ou le breton. Elle chante quasiment toujours en créole réunionnais, et peu importe si une partie du public ne comprend pas toutes ses paroles.

« On m'a toujours dit qu'il fallait que je chante en anglais pour que ce soit plus international. Moi j'aime bien chanter en anglais, j'aime bien chanter en français, mais j'adore chanter en créole. Parce que les mots viennent facilement, les sonorités, les rythmes... Ce sont les autres qui se posent cette question de la compréhension. Est-ce que quand on écoute de la K-pop, on se pose la question de la compréhension des paroles ? On entre dans cette ère multiculturelle, qu'on le veuille ou non. C'est là. Cette pluralité, c'est une force incroyable. » sourit Maya Kamaty.

Dann Tournan, le nouvel EP de la chanteuse réunionnaise Maya Kamaty, à retrouver en tournée des festivals partout en France hexagonale jusqu'à la mi-juillet.

Infinity song est le troisième album du groupe éponyme sous le label Roc Nation. La fratrie Boyd atteint la maturité artistique après dix ans de carrière avec un mélange soft-rock, soul et gospel qui met en valeur les voix exceptionnelles de cette famille d'artistes venue du Michigan. 

Infinity Song, le groupe américain de soft rock est de retour avec un album éponyme, deux ans après leur album Metamorphosis complete qui était l'album de la consécration pour le quatuor familial venu du Michigan. Infinity Song, ce sont quatre frères et sœurs, Abraham, Angel, Israel et Momo Boyd. Les enfants Boyd ont grandi dans une famille où la musique est un art de vivre. Leur père, John, les emmenait chanter à la chorale de l'église et le soir, il leur faisait écrire et composer des chansons.

Vers 2010, l'incubateur familial déménage à New York et les enfants - déjà grands - commencent à se produire dans des lieux comme Central Park. Ils sont repérés en 2016 par le rappeur Jay-Z qui les fait signer sous son label Roc Nation. C'est le début d'une ascension fulgurante. Jusqu'à ce troisième album qui porte le nom du groupe, et ce pour souligner l'aboutissement du processus de maturation de la fratrie. Leur soft rock familial est en effet devenu d'une efficacité redoutable.

Dans cette dynamique familiale, ce sont les voix qui donnent le tempo. Les quatre artistes se succèdent souvent au micro quand ils ne chantent pas ensemble. Cette priorité explique la relative discrétion des instruments lourds comme la batterie ou la basse, le but étant d'exploiter à fond l'émotion procurée à l'écoute de ces chanteurs hors pair.

Avec ses harmonies vocales et ses arrangements doux, le soft rock d'Infinity Song est un hommage au rock des années soixante-dix. Ainsi la pochette de l'album rappelle sciemment celle de Rumours, disque culte de soft rock seventies de Fleetwood Mac, groupe londonien. Fleetwood Mac, grande référence artistique pour nos quatre Américains qui par le passé ont repris plusieurs de ses titres.

Leur rock est cependant un peu différent. Il est traversé d'influences soul, gospel et folk, ce qui fait dire à Jay-Z, qu'ils ont inventé le « Black soft rock ». Les thématiques sont celles que l'on attend d'un groupe où l'harmonie est le maitre mot. Les chansons évoquent les relations humaines, les difficultés de se comprendre, les diktats de la mode et de l'argent ou encore la répétition des mêmes discours de séduction. 

The Coral, formé il y a trente ans, célèbre son treizième album, 388, preuve d’une longévité rare. Depuis son premier opus en 2002, le groupe britannique a marqué la scène pop/rock par son énergie nostalgique des années 60, son succès immédiat (Mercury Prize) et une créativité intacte. Après une pause salutaire et une quête d’authenticité, il revient aux sources avec un album enregistré en live sur une console vintage, mêlant spontanéité et magie intemporelle.

The Coral, un groupe à la longévité exceptionnelle, puisqu’il s’est formé il y a trente ans et que l’album 388, qui vient donc de sortir, est déjà leur treizième.

Leur carrière discographique démarre avec un album simplement appelé The Coral en 2002. Ils se démarquent par une musique pop/rock acidulée aux accents et l’on sent déjà chez eux une forme de nostalgie pour les années 60.

Le succès est immédiat. Les mélodies sont entraînantes, la voix puissante, l’énergie communicative. Ils se hissent très vite en haut des classements et remportent même le Mercury Prize, qui est une sorte de « meilleur album de l’année » au Royaume-Uni. A ce moment-là, le morceau qui les fait connaître est « Dreaming of you ».

Après ça, ils vont continuer à creuser leur sillon et le succès ne se dément pas. Ils se produisent dans le monde entier et, surtout, ils continuent à sortir des disques très régulièrement, grosso modo un par an. Ce qui est remarquable, c’est que les disques sont toujours intéressants et que leur créativité ne semble pas s’épuiser.

Une pause pour éviter l’essoufflement

Au bout de dix ans de carrière, ils sentent que l’inspiration n’est plus vraiment là. Le rythme effréné – enregistrements, tournées, promotion non-stop – est en train de les épuiser, et ils risquent de perdre leur mojo.

Ils prennent alors une décision très sage : faire une pause à durée indéterminée. Cette pause va durer quatre ans avant qu’ils se réunissent à nouveau. Les disques sont toujours bons, mais ils ont perdu de leur spontanéité. Le groupe se lance dans des projets plus complexes, plus ambitieux, comme une trilogie sortie entre 2021 et 2023, jusqu’à ce qu’ils se remettent à nouveau en question.

Ils se posent alors question simple : quel est le point commun des membres du groupe, qu’est-ce qui les rassemble ? Et la réponse est simple : c’est l’amour qu’ils ont tous pour les musiques des années 60, le doo-wop, la soul américaine, voire le ska et le rock-steady jamaïcain.

Retour aux racines sixties

Ils vont donc se lancer dans la composition de nouveaux morceaux, inspirés de ces genres musicaux. C’est là que l’on reconnaît un grand groupe : ils réussissent à s’approprier chacun de ces styles. Loin d’être caricaturaux, les morceaux ont un son qui leur ressemble, et l’on reconnaît immédiatement la pâte The Coral.

Enfin, ils se sont donné des contraintes techniques : ils enregistrent tous ensemble, dans la même pièce, et le morceau est mixé le jour même. Pour cela, ils utilisent une vieille console Tascam 388 – qui donne son titre à l’album –, du matériel des années 80 destiné aux amateurs et qui a plein de défauts.

Le résultat est concluant. Certes, le disque est plein de petits défauts, mais plutôt que d’offrir un disque lisse, corrigé par l’ordinateur, ils ont su capter un moment de spontanéité.

Le résultat donne un album intemporel, très agréable à écouter de A à Z, un disque sur lequel le groupe a su se renouveler et retrouver la touche de magie de ses débuts.

Direction l'Afrique du Sud, tout en douceur avec l'une des voix contemporaines les plus singulières du pays : le chanteur et musicien Bongeziwe Mabandla. Il dévoile son cinquième album intitulé Ndingubani, et se livre à cœur ouvert notamment sur ses doutes et sur sa récente dépression. 

Bongeziwe Mabandla annonce la couleur dès le titre de l'album : Ndingubani en xhosa se traduit par « Qui suis-je ? » en français. Tout au long du disque de dix-huit titres et de quasiment une heure, Bongeziwe Mabandla tente de répondre à cette question fondamentale et abyssale.

Pour ce faire, il se plonge dans les expériences qui ont façonné sa vie. Sa naissance dans la région rurale de Tsolo, dans le Cap Oriental, son enfance avec une oreille vers les choeurs d'église et une autre vers les chansons bantoues, l'apprentissage de la guitare à 17 ans, l'école de théâtre à Johannesbourg, mais aussi le grand départ d'Afrique du Sud pour poursuivre ses rêves de musique.

Entre doutes et questionnements de légitimité

Dans le morceau « Zama », Bongeziwe Mabandla fait référence à la chanson « Why is it so hard », du chanteur américain Charles Bradley dans laquelle il évoque l'Amérique comme la terre promise et se demande pourquoi il est si difficile de réussir dans un système excluant. Bongeziwe Mabandla s'identifie à ce message, surtout en tant que personne noire, et même encore aujourd'hui, alors qu'il est reconnu à l'international.

Il raconte : « C’est difficile de vivre dans un monde où vous vous sentez toujours comme appartenant à la musique dite "alternative". Pourtant je ne changerais rien. J'aime ce que je fais, c'est la musique que j'aime écouter. Dans un monde rempli de beats et de danse, c'est bien aussi d'aller vers l'intérieur et de faire de la musique sur la condition humaine, sur notre manière de ressentir et de penser le monde. »

Influences Kofifi de Johannesbourg

Sur cet album, Bongeziwe Mabandla retrouve le producteur mozambicain Tiago Correira-Paulo, pour leur quatrième collaboration. Ensemble, ils mêlent folk, néo-soul et traditions africaines. La voix et la guitare de Bongeziwe Mabandla sont au centre, l'électronique de Tiago Correira-Paulo se déploie tout autour. Le chanteur raconte le morceau « Walila » : « Cette chanson est très drôle et très différente de mes autres chansons. En soi, le sujet est assez sombre, parce que j'ai écrit sur le karma et sur la trahison, sur l’idée que tout ce que l’on fait finit par nous revenir. Musicalement, c’est très sud-africain. Ça me rappelle un style appelé "kofifi", qui vient des années 80 dans certains quartiers de Johannesbourg. C'est amusant, très sud-africain, très xhosa. »

Bongeziwe Mabandla aborde des dizaines de thèmes différents dans ses chansons. Il évoque le besoin de justice, la recherche d'identité, la dépression imaginée comme une prison dont les portes peuvent se rouvrir, l'alcool comme poison, la quête de dignité, l'espoir et la guérison. Et après avoir puisé dans son cœur et son vécu, il nous confie le résultat : son album le plus personnel à ce jour.

Le chanteur et musicien sud-africain Bongeziwe Mabandla sera en concert le 1er juillet en Suisse, le 11 juillet à Johannesbourg et le 5 août en Espagne.

Né quelque part entre Istanbul, la mer Noire et le sud de la France, le groupe Johnny Makam fusionne les sonorités et les instruments traditionnels turcs avec des influences issues du rock psyché anatolien et de la techno occidentale. Un mélange étonnant et détonant, débordant d'énergie, et dans lequel les revendications politiques ne sont jamais bien loin. 

Johnny Makam, c'est avant tout le fruit du hasard : une rencontre à Istanbul, entre la chanteuse Ebru Aydin et plusieurs musiciens français venus dans la ville turque pour des raisons professionnelles. Le feu a pris et ne s'est plus éteint depuis : un EP, une longue tournée des festivals, et désormais un album, Karadeniz Dreamin'. Ce disque est à l'image du groupe : cosmopolite, riche en influences, dynamique, en tout cas, « pas minimaliste, » sourit Yann Le Glaz, le saxophoniste de la formation. 

La tradition musicale turque comme colonne vertébrale 

Au coeur du projet, il y a les musiques anatoliennes et issues de la mer Noire. Après tout, le groupe ne s'appelle pas Johnny Makam pour rien : ce nom de scène est tiré du maqam, un système de gammes très utilisé au Moyen-Orient. « Pour résumer, c'est un peu le solfège de la Turquie, explique Yann Le Glaz. Il est différent du solfège auquel on est habitués, à la fois par ses rythmes, et par ses intervalles de note. Il faut imaginer par exemple que, sur un piano, entre les touches noires et les touches blanches, il y aurait des notes supplémentaires. Cela permet de faire des variations très subtiles, car la musique turque est vraiment fondée sur la progression dans les mélodies. » 

Voilà pour la petite leçon de musicologie. Chez Johnny Makam, la place de la tradition musicale turque passe aussi par le qanun, instrument dont joue Ebru Aydin, et hérité de l'époque ottomane. 

Des mélanges de genres décomplexés 

La vraie marque de fabrique de Johnny Makam, c'est en fait sa façon de mélanger ces influences traditionnelles avec celles, plus modernes, du rock psychédélique anatolien, et surtout de la techno occidentale. « ​​​​​​​C'est vrai qu'on fait des musiques qu'on pourrait entendre en boîte de nuit ici en France, s'amuse le saxophoniste Yann Le Glaz. Sauf qu'il y a cet héritage turc. » 

Des rythmes syncopés rencontrent donc le çiftetelli, un genre musical venu de la mer Noire (après tout, c'est cela que signifie « Karadeniz » !) ; les kemence (violons turcs) s'entrechoquent avec des synthétiseurs débridés et des guitares endiablées, pour donner lieu à une musique festive... et néanmoins engagée.

« ​​​​​​​Ce n'est pas rare en Turquie d'entendre des chansons qui parlent de thématiques lourdes, sur fond de musique à danser. En France, on n'y est pas habitués, mais le tout, c'est de trouver le bon équilibre, » souligne Yann Le Glaz. C'est ainsi qu'une chanson comme « Halayina Isyan » exhorte à la révolte, tandis que « Hey Ser Yolunda » (« tout va bien ») dénonce la guerre à Gaza et, plus largement, les conflits impérialistes. De la musique festive à la musique cathartique, il n'y a qu'un pas, que Johnny Makam franchit d'un bond. 

Vingt ans d’amitié, cinq albums et un goût intact pour les contrastes : avec Christina, Lilly Wood & The Prick signe un retour électro‑pop à la fois énergique et critique. Le duo donne le coup d'envoi du festival Garden Parvis à La Défense, ouvrant six semaines de concerts en plein cœur du premier quartier d’affaires d’Europe.

Une introduction symphonique ouvre Christina, le cinquième album de Lilly Wood & The Prick. Une manière d’annoncer la couleur : celle d’un duo qui aime brouiller les pistes et jouer des contrastes. Derrière ce nom anglo-saxon un brin provocateur se cache pourtant une formation bien française, née à Paris il y a une vingtaine d’années.

Le projet voit le jour sur le ton de la plaisanterie, dans un café, se souvient la chanteuse Nili Hadida – qui, contrairement à ce que suggère le nom du groupe, ne s’appelle pas Lilly : « On ne s’imaginait pas du tout que le groupe allait devenir un succès… À l’époque, les noms très longs, un peu tirés par les cheveux, c’était à la mode. Ça nous faisait surtout rire »

Un duo complémentaire et autodidacte

Lilly Wood & The Prick, c’est la rencontre de deux personnalités complémentaires : Benjamin Cotto, guitariste aux riffs efficaces alias « The Prick », et Nili Hadida, chanteuse à la voix sensuelle et rauque, qui signe les textes et compose les mélodies. Autodidactes, ils cultivent un certain recul, voire une autodérision revendiquée, multipliant les projets – de la production musicale aux bandes-son publicitaires.

Le duo s’impose rapidement dans le paysage musical français. Après un premier EP en 2009, Lilly Who and the What ?, clin d’œil à leur nom, ils publient en 2010 Invincible Friends, un album qui célèbre leur complicité. L’année suivante, ils remportent la Victoire de la musique de la Révélation du public. S’en suivent un deuxième album en 2012 et un film en 2013.

« Christina » : entre énergie pop et critique sociale

Au cœur de leur dernier album Christina, la chanson-titre incarne bien l’univers du duo : une électro-pop explosive, portée par un personnage fictif. Dans le clip, les deux musiciens fusionnent en une seule entité, entourée d’hommes aux corps sculptés. Une mise en scène volontairement excessive, qui pointe le culte contemporain du corps et de l’apparence. Sous ses airs dansants, la musique du duo porte ainsi un regard parfois acide sur la société.

Cette ambivalence se retrouve dans plusieurs titres de l’album, comme « All Night ». La mélodie y est sombre, presque nocturne, tandis que le texte évoque simplement le désir de partager une nuit avec quelqu'un. « On aime jouer sur ces contrastes : des textes légers sur des musiques très intenses, ou l’inverse », explique Nili Hadida. Un procédé devenu une véritable signature : mélanger les tons, déjouer les attentes et créer une tension entre fond et forme.

Une amitié au cœur du projet

Au-delà des thèmes qu’ils explorent – amour, absence, parfois mort –, Lilly Wood & The Prick reste avant tout une histoire d’amitié qui dure depuis vingt ans. Malgré les zones d’ombre que leurs chansons peuvent évoquer, leur musique reste profondément lumineuse, solaire et dansante, à l’image du titre « Imagine ».

Le duo présentera Christina en ouverture du festival Garden Parvis, à Paris La Défense, ce jeudi 18 juin 2026. L’événement transformera pendant six semaines le plus grand quartier d’affaires d’Europe en scène musicale à ciel ouvert. Une manière, pour Lilly Wood & The Prick, de prolonger sur scène ce mélange d’énergie pop, de liberté et de contrepoints qui fait leur identité.

Un ovni vient de s'écraser chez ED Banger. Avec Discordia, album aussi déroutant qu’insaisissable, Tatyana Jane fait irruption sur le mythique label parisien fondé par Pedro Winter, laboratoire historique des mutations électroniques.

Un événement en soi : aucune femme n’y avait signé de disque depuis vingt ans. À 33 ans, la DJ et productrice camerounaise Tatyana Jane rejoint l’écurie qui a révélé Justice et Cassius sans rien abandonner de sa singularité.

L’ascension est fulgurante. En quelques années, la jeune femme collabore avec Thomas Bangalter, cofondateur des Daft Punk, participe à la cérémonie de clôture des Jeux olympiques de Paris et marque les esprits à We Love Green. Pourtant, derrière cette trajectoire, aucun parcours académique ni recette miracle. Pour comprendre Tatyana Jane, il faut remonter à Douala.

« Ma mère, très engagée dans l’Église catholique, nous emmenait à des groupes de prière tous les jeudis. On jouait du djembé, on chantait et on frappait des mains en rythme. J’ai donc grandi dans cette ambiance depuis ma naissance. Et la messe, chez nous, c’était la même chose. Pendant deux heures, il y avait des balafons et une chorale. J’étais un enfant de la chorale. J’étais donc profondément intégré à la vie musicale du Cameroun. Il y a toujours du bruit, de la musique et des gens qui dansent. Je n’ai pas reçu de véritable formation musicale, mais disons que la musique fait partie de moi. Quand nous sommes arrivés en France, je composais des rythmes électro entraînants, faits pour danser, tout en laissant de la place à la voix pour qu’elle puisse s’exprimer pleinement, parce que j’avais besoin de faire sortir quelque chose de moi. »

Tout est déjà là. Une éducation musicale sans conservatoire, façonnée par la rue, les cérémonies religieuses et les traditions populaires. En France, cet héritage devient matière première. Tatyana forge un langage personnel où les rythmes servent autant à faire danser qu’à raconter une histoire.

Cette double culture nourrit également une ambition plus vaste. Convaincue que les scènes africaines contemporaines restent sous-exposées, elle souhaite développer un projet inspiré des Boiler Room à Douala. L’idée n’est pas d’importer un modèle occidental mais d’offrir une vitrine aux créateurs locaux, un espace d’expérimentations, de rencontre et de diffusion pour les DJs, producteurs et artistes, bien au-delà des frontières camerounaises.

Entre Douala et les clubs européens, Tatyana Jane brouille les cartes sur cet album. Baile funk brésilien, bend-skin bamiléké, gqom sud-africain et bass music occidentale se percutent dans des compositions aux rythmes fracturés. Les genres s’y croisent sans hiérarchie, les frontières deviennent poreuses.

Au cœur de ce tumulte électronique, elle choisit de ne pas chanter. Les machines occupent le premier plan tandis que les voix de ses invitées, les rappeuses  Kay The Prodigy et Lala Ace surgissent avec des barz éclatants au milieu de ryhtmes coup de poing. .

Discordia, une expérience sonore d’avant-garde portée par la  Camerounaise du futur qui envoie valser les clichés des musiques du monde et dessine les contours d’une nouvelle scène africaine.

Publié le 4 juin 2026 chez ED Banger Records, Discordia marque l’entrée fracassante de Tatyana Jane au sein du légendaire label parisien.

Cry baby, en français « pleurnichard », c'est le titre du septième album du rappeur américain Vince Staples. Pleurnichard, comme cette Amérique capricieuse et infantile dont il dénonce les dérives racistes et la fascination pour la violence. Un album mené sur un rythme rock effréné. Politique jusque dans la musique, Vince Staples prend le contrepied du rap traditionnel de la côte Ouest des États-Unis.  

Un rappeur qui fait du rock, c'est le choix totalement assumé tout au long des dix pistes et des 35 minutes enregistrées dans les conditions du live par Vince Staples. Le surdoué de 33 ans, inventif et réputé pour son ironie mordante a fait le choix de parler à l'Amérique blanche avec la musique qu'elle connait le mieux, à savoir le rock. Un rock bouillonnant de colère et d'énergie, une musique subversive révoltée... quoi de mieux, en somme, pour dénoncer les ravages du trumpisme et ses effets sur les minorités, notamment les minorités noires. 

Dès les premiers titres (« Blackberry marmelade » et « Go ! Go ! Gorilla »), il stigmatise l'hypocrise d'une certaine Amérique, soi-disant sensible à la cause des Afro-Américains mais qui fait tout pour les invisibiliser, il pointe un doigt accusateur sur le racisme systémique de la police. « Pourquoi est-ce que je vis dans la peur d'une arme et d'un insigne ? C'est l'ennemi le plus redoutable que nous ayons jamais eu » chante-t-il. 

Violences policières, violences économiques, l'Amérique est bâtie sur un mensonge et repose sur un désir de domination. Un pays qui se veut le phare du monde, mais qui est pourri de l'intérieur, incapable d'autocritique, accuse-t-il dans « Only In America », titre clé de l'album.

La pochette de Cry Baby, où l'on peut voir le croquis d'un nourrisson grassouillet, avec une mèche blonde en couches-culottes aux couleurs du drapeau américain est une évocation de cette Amérique pleurnicharde et capricieuse, à l'image selon Vince Staples, de son dirigeant Donald trump qui considère ce pays comme un jouet.

Qu'on ne s'y trompe pas, le nonchalant Vince Staples qui manie souvent l'ironie et l'humour est ici d'une gravité à la mesure du malaise culturel qui envahit son pays. Cet album noisy et souvent punk va directement au but. Vince le nihiliste regarde la violence structurelle droit dans les yeux avec l'espoir qu'en refusant de fuir ses responsabilités, il aidera ses compatriotes à prendre conscience des combats à mener.

Tant sur la forme que sur le fond, Cry baby est un jalon essentiel dans la carrière multi forme de Vince Staples qui est aussi le créateur d'une série à succès sur Netflix, The Vince Staples show, comédie grinçante sur la condition des afro-américains aux USA.