La légende du rock américain, Bruce Springsteen, fait son retour avec un nouvel album riche en inédits. Tracks II : The Lost Albums, un coffret de 83 chansons, propose une plongée dans l'univers musical de l'artiste, de 1983 à 2018, et invite à redécouvrir ses pépites.

Le nouvel album de Bruce Springsteen, Tracks II : The Lost Albums, se compose de 83 titres dont 74 inédits. Ce projet fait suite à l'album Tracks sorti en 1998, qui avait déjà revisité les archives de l'artiste. Springsteen s'inscrit ainsi dans une tradition initiée par d'autres légendes, comme Bob Dylan avec ses Bootleg Series.

Parmi les morceaux présents, on retrouve « Idiot’s delight » et le célèbre « Streets of Philadelphia », extrait de la bande originale du film de Jonathan Demme. Ce coffret est une belle occasion de redécouvrir la richesse de l'œuvre du Boss.

La musique de Bruce Springsteen ne se limite pas à un seul genre. Bien qu'il ait un lien fort avec la musique country, comme en témoigne son album Nebraska, il explore également d'autres styles. Dans « Somewhere North of Nashville », il démontre cette diversité. Son dernier album propose par ailleurs des titres surprenants, comme « Little Girl like you » qui montre la polyvalence de l'artiste. Il y a aussi « Adelita », un hommage aux femmes ayant joué un rôle clé durant la révolution mexicaine et un écho à l'engagement politique de l'artiste.

Les fans peuvent s'attendre à un Tracks III dans le futur. En attendant, un biopic sur Bruce Springsteen est prévu pour sortir fin octobre, offrant une nouvelle perspective sur la vie de cette icône du rock.

Le multi-instrumentiste Mádé Kuti, vient de sortir son deuxième album, Chapter 1 : Where Does Happiness Come From ?. Petit-fils de Fela Kuti, fils de Femi Kuti, neveu de Seun Kuti, Mádé Kuti ne se laisse pas écraser par cette hérédité et parvient à perpétuer l'héritage famillial de l'afrobeat tout en lui donnant une nouvelle lecture. 

Fela Anikulapo Kuti, musicien nigérian et désormais figure incontournable du 20e siècle, a donc inventé un style musical à lui tout seul. L'afrobeat, mélange de rythmes traditionnels nigérians, de highlife ghanéen et de funk américain. Une musique vive et entrainante agrémentée de lignes de cuivres puissantes qui illustre bien l'ambiance du Nigéria des années 70. Une époque durant laquelle la population est exaspérée face à la succession de régimes tyranniques, de la corruption, du népotisme. C'est notamment le cas du célèbre morceau « Zombie » sur lequel Fela compare les militaires au pouvoir à des zombies, brutaux et décervelés.

À écouter aussiNigeria: «Zombie», la fronde de Fela Kuti contre Obasanjo

Trente ans après la disparition de Fela, le nom des Kuti, n'a jamais cessé de briller, puisque les enfants de Fela ont repris le flambeau. Il y a Seun Kuti, le cadet, avec un style très proche de l'afrobeat original. Il y a aussi Femi, l'ainé de la fratrie, qui propose un style moins brut, moins radical que celui du père, plus accessible, mais toujours aussi entrainant, comme sur le morceau « Beng Beng Beng », sorti en 1998.

Mádé Kuti, le fils de Fémi, emboite le pas de ses aînés. Il a même étudié la musique au Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance de Londres, comme son grand-père. Et puis, il a fait ses classes sur la scène du Shrine, le club créé par Fela à Lagos, en jouant avec l'orchestre de son père, Positive Force. S'il ne renie pas l'idée de rébellion propre à la musique de Fela, les morceaux de Mádé Kuti sont plus doux, plus sereins, certainement plus en phase avec sa génération et la société nigériane d'aujourd'hui.

À écouter aussiFemi Kuti, héritier de l'afrobeat, en concert au Cabaret Sauvage

Ce nouveau disque est introspectif et il est amusant de voir comment l'esprit de l'afrobeat peut se décliner de manières inattendues. Là où Fela considérait la musique comme une arme, Mádé Kuti aborde la sienne de façon philosophique. Il se pose des questions existentielles, met en lumière les contradictions sociales et invite chacun d'entre nous à consacrer tout son esprit à trouver des réponses. Mais il invite aussi à se poser les bonnes questions, comme sur le morceau « I Won't Run Away ».

Madé Kuti Chapter 1 : Where Does Happiness Come From ?, (Mádé Kuti) 2025

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Le choix musical nous embarque dans de nouvelles musiques traditionnelles, entre les Pouilles en Italie et la Galice en Espagne, pour découvrir le groupe Radio Tutti qui sort son troisième album Twang Club.

Après huit ans d’existence et plus de 250 concerts, Radio Tutti, le combo à géométrie variable pose un nouveau jalon avec son troisième album, Twang Club. Le twang est une technique vocale qui permet de chanter fort, surtout dans les aigües, sans esquinter sa voix. Cette façon de chanter n'est pas réservée aux chanteuses dites traditionnelles : Édith Piaf l'utilisait aussi.

Les frontières de l’électro et de l’acoustique sont toujours repoussées dans ce pays imaginaire au folklore azimuté, avec un son d’ensemble qui tend toujours plus vers la rugosité des musiques traditionnelles : les pieds sur la terre du labeur quotidien et la tête dans l’infinité des étoiles.

Les musiques traditionnelles du sud de l'Italie et de la Galice viennent se télescoper avec les arrangements épiques dont le groupe a le secret, insufflant de nouvelles influences rétrofuturistes venues de musiques de transe du monde entier. Et la recette s’applique également avec bonheur à un soupçon de lingua franca (ancienne langue véhiculaire parlée dans le pourtour méditerranéen) proposé par la plume de Djé Baleti.

Le binôme Pauline Rivière et Pierre-Alexis Lavergne est devenu le noyau dur autour duquel gravite la galaxie Radio Tutti. Ils signent Twang Club avec la complicité en studio d’un sorcier du son, Colin Buffet. En insatiables têtes chercheuses des répertoires populaires, ils parviennent ensemble à donner une dimension exceptionnelle à ces voix qui évoquaient le quotidien, en leur administrant une forte dose d’additifs venus des musiques globalisées.

Radio Tutti Twang Club, (Lamastrock) 2025

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Né en 2021 de la rencontre entre Louise et Gauthier, le duo La Nuit Américaine dévoile son premier EP éponyme, plongeant l'auditeur dans un univers sensible et rêveur. Avec des influences allant de la new wave au rock, leur musique marie des sonorités modernes à des références cinématographiques des années 80.

Ils n'en sont qu'à leurs débuts et déjà, il y a du niveau. Ce duo, aux influences multiples, naît en 2021 de la rencontre de Louise et Gauthier : Louise, c'est cette voix cristalline biberonnée toute son enfance à la musique new wave. Et Gauthier, c'est ce musicien polyvalent mordu de rock et formé en ingénierie du son. Le mélange de leurs deux personnalités a créé cet EP à l'univers sensible, très doux, rêveur et un poil mélancolique.

Mais avant d'en arriver à ce résultat, Louise et Gauthier ont fait leurs armes des DJ sets pendant trois ans. « On s’est d’abord enfermés dans pleins de styles. C'est pour ça qu’on a mis autant de temps à sortir un EP dont on soit vraiment fiers. Il doit bien y avoir trois albums qui ne sont jamais sortis avant ça », estime Gauthier.

« Chéri », l'un des titres de cet EP, avait déjà valu au duo de se faire remarquer en novembre dernier. Le morceau retrace la poursuite d'un amour perdu sur un rythme groovy et électro-pop. On y trouvait déjà cette ambiance vaporeuse qui donne l'impression de voyager dans les étoiles. La Nuit américaine nous projette dans un futur d'après l'apocalypse.

Par ses textes, Louise veut dédramatiser une potentielle fin de l’humanité et nous projeter dans un après, comme un flottement métaphysique dans l'univers : « C’est l’histoire du monde après la fin. J’ai toujours eu une obsession pour la mort, pas dans un sens négatif, mais dans une forme de renouveau. Il y a beaucoup d’artistes de notre génération qui parle de malédiction, d’une génération qui doit tout sauver, mais qui en même temps n’a pas les épaules pour cela. Dans ce monde très étroit et très noir, on va essayer de créer une fenêtre un peu lumineuse. C’est comme s'il y avait eu l’apocalypse et il restait une dernière maison. Les derniers échos du temps après la fin. »

Le duo nous fait voyager dans le futur, mais aussi dans le passé. D'ailleurs, ce nom, La nuit américaine, est une double référence au cinéma et aux années 1980. C'est d'abord à un procédé au cinéma qui consiste à créer une nuit artificielle en plein jour. Puis aussi une référence à un film du même nom, réalisé par François Truffaut et sorti en 1973. Le film raconte la passion amoureuse d'un homme pour sa belle-fille avec qui il s'enfuit : ambiguïté, amour et fuite, on y retrouve les grands thèmes de cet EP.

Le résultat de ce voyage dans le temps et l'espace est un véritable film sonore en cinq titres. Qui s'ouvre avec « Personne ne court plus vite que moi », un mélange d'aujourd'hui et d'hier entre synthé et rythme poreux. « Je l’ai écrite parce que j’étais trop lente, trop sensible aussi. Dans cette idée du trop, je cours après moi-même dans tout le titre. Je m’adresse aussi à ma moi d’avant en lui disant : "Il faut te réveiller. Il faut que tu sois encore plus forte que cela" », raconte Louise

Finalement, La Nuit Américaine, loin d'opérer une nuit en plein jour comme le procédé cinématographique du même nom, cherche à créer un peu de lumière dans l'obscurité d'un monde et d'une actualité pas toujours joyeuse.

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La Nuit Américaine, Nuit Américaine (Louise Gandilhon, Gauthier Havel) 2025

Voici une Américaine de la trempe de Madonna ou Lady Gaga : elle en a l'étoffe musicale, la capacité aussi à fabriquer un personnage public, des mélodies accrocheuses et des thématiques actuelles. C'est Chappell Roan, actuellement en tournée aux États-Unis. Elle sera en Europe du Nord dans quelques jours avant d'être la vedette de Rock en Seine le 20 août prochain. Et c'est un phénomène.

C'est même la sensation du moment qui a remporté en février dernier le Grammy Award de la meilleure artiste émergente. À 27 ans, cette rousse flamboyante explose donc depuis quelques mois. Le succès est fulgurant, même s'il a mis des années à advenir. C'est tout le paradoxe.

Car Chappell Roan, née Kayleigh Rose Amstutz dans le Missouri, fait de la musique depuis son adolescence. Elle n'a que 17 ans quand elle signe son premier contrat avec une maison de disque qui a repéré ses créations musicales sur Youtube. Elle quitte son village natal de Willard pour s'installer à Los Angeles. Et, pleine d'espoir, elle compose ce titre, « Pink Pony club », inspiré d'un bar gay de West Hollywood.

Cet hymne club, sort en avril 2020, en pleine pandémie donc, le pire moment comme elle le reconnaîtra plus tard et c'est un four. La maison de disque l'abandonne. Chappell Roan retourne dans le Missouri. Et, une fois son échec digéré, retourne à Los Angeles. Elle sort en 2023 son premier album : The Rise and Fall of a Midwest Princess (« l'ascension et la gloire d'une princesse du Midwest »), un album kaléidoscope qui mêle disco et pop. Et aussi de belles ballades (comme « Casual ») qui prouvent que la jeune chanteuse peut aussi compter sur sa voix et un talent certain de compositrice.

Le succès de Chappell Roan doit aussi beaucoup au personnage qu'elle interprète sur scène.

On retrouve chez elle en effet un goût de la performance, de la représentation qui tient de l'esthétique queer et du cabaret burlesque. On parle même d'esthétique « camp », tant elle joue sur l'exagération, le grotesque, la provocation et l'ironie. Un jour, Chappell Roan apparaît en statue de la Liberté, un autre en papillon, en Reine des Neiges ou Jeanne d'Arc, soignant son maquillage, outrancier... 

Chappell Roan appartient à la communauté LGBTQIA+ et en est fière, elle se produit sur scène avec des drags queens, et dit d'ailleurs que son personnage est la version drag d'elle-même, une sorte de version augmentée donc, amplifiée, exacerbée.

Mais au-delà de la théâtralité revendiquée, Chappell Roan assume ses opinions, qu'elle se mobilise pour les Palestiniens ou s'insurge contre la précarité des artistes. Et elle refuse d’être à disposition du public, dénonçant les comportements problématiques de certains fans.

Même s'il a tardé à venir, le succès a fini par être assez fulgurant. Notamment avec le tube « Good Luck Babe » sorti l'été dernier. Un tube dans lequel elle parle de son homosexualité, achevant donc d'être l'icône queer de sa génération.

Depuis sa disparition il y a bientôt 10 ans, des titres, voire des albums posthumes de Prince, refont surface. Le dernier en date est une version acoustique de «Free», un titre poignant et épuré qui fait partie de la playlist RFI.

Le 21 avril 2016, lorsque Prince s’éteint dans sa résidence de Paisley Park à Minneapolis, il a 57 ans et trône sur un catalogue monumental. Plus de 30 albums studios, des tubes qui résonnent encore aujourd’hui, on pense à « Kiss », « Purple Rain » ou « I Wanna Be Your Lover », mais aussi beaucoup d’expérimentations et de recherches. Véritable bête de travail, il laisse derrière lui un héritage colossal d’inédits, de maquettes et autres chutes de sessions.

Depuis sa mort tragique, une longue bataille juridique entre les ayants droits se poursuit, mais on découvre régulièrement quelques titres « from the vault », sortis du coffre-fort. Ce coffre n’est autre que les archives de Paisley Park, un complexe mythique mêlant studios, salle de concert, club et lieu de vie, devenu aujourd’hui un musée. Parmi ces inédits, une version acoustique de « Free » sortie en juin dernier et que l’on peut retrouver en bonne compagnie dans la playlist de RFI.

Le titre originel fait partie de l’album 1999, sorti en 1982, quelques semaines après Thriller de Michael Jackson, son éternel rival. Avec ce premier succès mondial, Prince grave sa légende de producteur visionnaire, celle d’un virtuose parfois sulfureux qui propulse la pop vers de nouveaux horizons. Multi-instrumentiste et arrangeur obsessionnel, il s’aventure aussi vers des territoires plus minimalistes.

Dénuée de presque tous ses artifices, cette version de « Free » enregistrée en 2008 révèle toute la mesure du génie princier, une déflagration d'intensité et de sincérité. Un micro, une guitare, quelques effets de reverb et de delay… Ne reste que l'essence de la chanson. La voix est comme susurrée, à la fois écorchée et soyeuse, habitée et hors du temps, exubérante et intimiste.

Selon ses propres mots, « Free » a été écrit comme un hommage à la liberté de dire non. Face au monde qui est le sien, lorsqu’il enregistre cette chanson en 1982, Prince cherche à apporter de l’espoir. Les paroles racontent l’importance de se battre pour le droit de rester libre, et surtout de ne jamais prendre cette liberté pour acquise. Quand on connait ne serait-ce qu’un peu la vie complexe de Prince, son indépendance artistique férocement défendue face à l’industrie du disque et du streaming naissant, on saisit toute la portée de ce texte. Lorsqu’il l'interprétait sur scène en version acoustique à la toute fin de sa vie lors de sa tournée Piano And A Microphone, il est arrivé que l'icône pop s’arrête de jouer pour sécher une larme.

En écho à cette facette acoustique vers laquelle il s’était tourné à la fin de sa vie, on pense à l’album Piano and a Microphone, son premier album posthume paru en 2018 et qui rassemble quelques joyaux à l’instar de « Mary Don’t You Weep » et son clip en hommage aux enfants victimes de violences aux armes à feu aux Etats-Unis. 

En attendant la sortie d’autres trésors depuis le très convoité coffre-fort de Minneapolis, on peut toujours naviguer à travers l’œuvre tentaculaire de Prince, une œuvre qui a manifestement encore des choses à dire, et à transmettre.

C'est un album intergénérationnel comme l'on en voit rarement dans le paysage du reggae français actuel. Mon Frère réunit les voix et les vécus de YaniSs Odua, icône du reggae martiniquais, et FNX, jeune talent niçois de 30 ans son cadet, partagé entre la musique et le football. Ensemble, ils dévoilent douze titres entre reggae roots et influences urbaines qui font rimer engagement social avec énergie nouvelle.

Éperdument, l'enfant d'Alep au bord de la Seine est le récit d'Abed Azrié, musicien, compositeur, interprète, traducteur et écrivain de langue française et arabe. Après une vingtaine d'albums à chanter les poètes, d'Ibn Arabi à Adonis, la poésie étant sa langue, il raconte sa vie depuis la Syrie.

Abed Azrié est un érudit né en Syrie en 1945, dans une fratrie de dix enfants. C’est un solitaire qui a envie d’ailleurs et quand il arrive à Paris en 1967, il comprend qu’il est arrivé chez lui. Curieux de tout, cet amoureux du cinéma, de la musique et surtout de la poésie a traduit l’Épopée de Gilgamesh en français, l'un des récits les plus anciens de l'humanité.

L'artiste considère que sa véritable patrie est la poésie. Pour lui, « ce n'est pas la langue française, ce n'est pas la langue arabe mais c'est la langue de la poésie ». À 16 ans, il passait des nuits blanches à lire Les Fleurs du mal de Baudelaire et Une Saison en enfer de Rimbaud en arabe. Cette passion pour les mots transcende les frontières linguistiques : que ce soit Walt Withman, Pablo Neruda ou Federico García Lorca, la poésie lui parle dans un langage universel.

Azrié ne se contente pas de lire ; il musicalise les mots. C'est le cas, par exemple, des Chants d’amour et d’ivresse d’après les écrits du poète du XIIIe siècle Ibn Arabi. Il est traversé par le dépassement de soi et la spiritualité. Il a composé un Évangile selon Saint-Jean nourri, entre autres, par La Passion selon Saint-Mathieu de Bach et le Requiem de Mozart qu'il écouta six années durant.

Son penchant pour le sacré lui vient des offices de l'Eglise syriaque d'Alep, où il chantait en syriaque et en araméen. À son arrivée à Paris, il remarque une différence dans les mélodies chantées à la messe : « Je me suis dit : "ils ne sont pas chrétiens ces gens-là" ».

Cette expérience lui fait réaliser qu'il existe deux christianismes : celui d'origine, d'Orient, et celui des convertis en Europe. Il comprend alors qu'il lui faut réapprendre. « Bach et Mozart m'ont ouvert la porte, non pas de l'Église, mais de la spiritualité, explique-t-il. Comme disait le philosophe roumain Emil Cioran : "Dieu doit beaucoup à Jean-Sébastien Bach". »

Éperdument : un enfant d'Alep au bord de la Seine d'Abed Azrié est paru aux éditions Al Manar.

Kokoroko est un collectif mêlant jazz et afrobeat de la diaspora afro-londonienne qui s'est frayé un chemin bien au-delà du public des aficionados du genre. Avec Tuff Times Never Last, leur deuxième album, le groupe étend sa recette signature vers d’autres horizons.

Si vous ne vous êtes pas encore plongé dans ce nouvel album, peut-être avez-vous déjà croisé la mélodie d'« Abusey Junction ». Un mélange méditatif fusionnant guitares, cuivres, chœur et clavier Rhodes sur plus de 7 minutes, et qui cumule 60 millions de vues sur YouTube. Ce titre est premièrement sorti en 2018 sur We Out Here, une compilation à l’initiative du DJ et producteur Gilles Peterson et enregistrée sous la direction du musicien Shabaka Hutchings. L’idée derrière ce projet était de mettre en avant l’effervescence de la scène jazz anglaise. Depuis, We Out Here est devenu un festival incontournable du paysage britannique et cette scène s’exporte à travers le monde. 

Fer de lance de cette génération de musiciens, le septuor Kokoroko déploie son jazz teinté d’afrobeat tout en explorant d’autres contrées musicales. De la soul britannique de Loose ends et Sade, aux rythmes décalés de J Dilla ou Questlove, en passant évidemment par le highlife ghanéen – on pense à Ebo Taylor, Kokoroko étend sa palette sans jamais tomber dans la facilité. Chaque écoute dévoile de nouveaux détails, de nouvelles facettes d’une production élégante et méticuleuse. Ici, la complexité devient limpide et la densité des arrangements ne vient jamais étouffer cette sensation de légèreté qui fait la réussite de l’album.

Mais derrière cette légèreté apparente, on trouve un propos puissant, résumé dans le titre manifeste que l'on pourrait traduire par « Les temps difficiles ne durent jamais ». Celui-ci fait écho à une révélation apparue au groupe durant l’enregistrement : l’intensité des moments de joie et de célébration prend racine dans la difficulté des épreuves traversées. On retrouve une envie de célébrer, d’amplifier et de canaliser la joie afin de faire face à l’adversité du monde. En urhobo, une langue nigériane, Kokoroko signifie « être fort ». Ici, la force émane du collectif et permet de répondre au bouillonnement de la vie, quels que soient ses aléas.

À l'image du clip de « Da Du Dah » réalisé par Akinola Davies Jr, dans lequel on plonge dans l'enfance des membres du groupe jouant dans les rues de Londres, cet album célèbre la communauté et l’amitié. Ce tout est, par essence, pluriel et indestructible. On remarque au passage que la voix est beaucoup plus présente que sur leur album précédent, Could We Be More, où elle n'apparaissait qu’à partir du 5e titre. Ici, elle est centrale, comme une source de chaleur omniprésente et collective. On retrouve d’ailleurs plusieurs invités, comme la chanteuse Lulu sur « Idea 5 », une ballade enveloppante, le chanteur Azekel sur « Three Piece Suit » et ses roulements de batterie digne du regretté Tony Allen, ou encore Damae et sa nu-soul très british sur « Time and Time ».  

En véritable alchimiste, Kokokoro prend nos peines pour les transformer en joie, déplace nos peurs vers l’espoir. Une musique qui invite donc à recharger ses forces, puis à les répandre tout autour de nous. 

« Just Can’t Wait » est à retrouver dans la playlist RFI, sur nos antennes et sur toutes les plateformes de streaming. Ajoutez-la à vos favoris si vous ne voulez pas manquer nos prochaines sélections !

Morgan est une de ces artistes, de plus en plus nombreux, qui percent dans la musique via les réseaux sociaux. À presque 24 ans, elle en est déjà à son deuxième album, La Pomme, une ode féministe à la position complexe des femmes dans la société du XXIe siècle, entre injonctions contradictoires et domination patriarcale.

L'aventure Morgan débute dans sa chambre, d’où elle poste ses premiers freestyles, (des improvisations sur des musiques qu’elle trouve sur Internet), sur Facebook puis sur YouTube. Par la suite, elle intègre un collectif de rap, La Mante Religieuz aux côtés duquel elle découvre la joie de se produire sur scène. Cet épisode marque son entrée dans le monde du rap. Quelques années plus tard, en 2023, elle sort un premier album de rap aux inspirations pop, rock et électro intitulé Racines.

En 2025, son deuxième album, La Pomme, (en référence au péché originel) révèle une Morgan encore plus incisive et déterminée à se faire entendre. Ce nouvel album en 12 titres est l’occasion pour elle de multiplier les aventures collectives avec d'autres jeunes voix de la chanson française. C’est le cas du titre « Diaboliques », où elle est rejointe par les chanteuses Lou et Shaïna Pronzola pour y jouer une virée en voiture où les femmes prennent le volant et le pouvoir sur les hommes. Ces derniers se retrouvent assis à l’arrière de la voiture et soumis au bon vouloir et aux désirs des conductrices. Le titre crée une ambiance de retournement du patriarcat alors que les rires des trois jeunes femmes résonnent dans la nuit.

Une des inspirations du morceau est le film Boulevard de la mort du célèbre réalisateur Quentin Tarantino. Il met en scène des femmes poursuivies par un dangereux tueur et qui finissent par retourner la situation et le poursuivre à leur tour. « Je ne sais pas exactement comment m’est venue l’idée de ce patriarcat inversé, mais ce côté "Boulevard de la mort" me plaisait beaucoup, explique Morgan. Avec ce titre, j’avais aussi en tête l’idée que si cela avait été dans l’autre sens, cela aurait été très problématique. Ce qui veut dire qu’il a un problème et qu’il faudrait peut-être se poser quelques questions. L’idée derrière ce titre, c’est toujours de faire réfléchir. »

Dans un univers du rap français encore largement dominé par les hommes, Morgan fait entendre des rimes féministes et n’épargne personne. « La Louve », titre phare de son nouvel album, en est d’ailleurs la preuve : sur une production très rythmée, mêlant rock et électro, la rappeuse nous fait entendre des rimes aiguisées comme des lames pour tailler le patriarcat en pièces.

La jeune rappeuse est aussi comédienne. Elle a notamment joué dans Molière, une comédie musicale de Dove Attia inspirée de la vie du célèbre dramaturge. Elle y incarne Madeleine Béjart, grande comédienne de son époque et compagne de celui qui s'appelait encore Jean-Baptiste Poquelin. Pour Morgan, rap et théâtre n’ont rien d’antagoniste : « Le rap est à 2025 ce que la poésie a pu être au XVIIe siècle. En tout cas dans le travail du rythme, des vers et des pieds, tout cela est très proche du rap en vérité. »

Morgan parle beaucoup de féminisme, mais la guerrière pose parfois les armes pour évoquer ses doutes et sa santé mentale. Dans le titre « Lettre à MO » elle s'adresse à l'enfant qu'elle a été, entre excuse et appel au bonheur et déclaration d’amour.