À propos de la place des femmes dans la musique

La place des femmes dans le monde de la musique est une question de plus en plus soulevée, même si elle suscite parfois des controverses, voire des réactions épidermiques. Les femmes ont depuis très longtemps exercé professionnellement dans de nombreux domaines artistiques (comme chanteuses, danseuses, instrumentistes, compositrices ou encore pédagogues). Mais si la présence de femmes en musique est largement attestée, on se doit de constater que leur accès professionnel est freiné par de nombreuses barrières. Je me propose donc d’évoquer de manière général cet état de fait en illustrant mon propos par la réalité que peuvent vivre les femmes musiciennes au XIXe siècle.

Ouvrages consultés :

Clio. Histoires, femmes et sociétés, 25 (2007), « Musiciennes ».

Caroline Giron-Panel et al. (dir.), Musiciennes en duo. Mères, filles, sœurs ou compagnes d’artistes, Rennes, Presses universitaires de Rennes, 2015.

Guillaume Kosmicki, Compositrices. L’histoire oubliée de la musique, Marseille, Le mot et le reste, 2023.

Florence Launay, « Les musiciennes : De la pionnière adulée à la concurrente redoutée. Bref historique d’une longue professionnalisation », Travail, genre et sociétés, 19 (avril 2008), p. 41-63.

Mariateresa Storino and Susan Wollenberg (éd.), Women Composers in New Perspectives. 1800-1950 : Genres, Contexts and Repertoire, Turnhout, Brepols, 2023.

Delphine Vincent et Pauline Milani (dir.), Les silences de la musique. Écrire l’histoire des compositrices, Genève, Staline Éditions, 2024.

Qu’est-ce que la musique ?

La musique est une chose que nous pensons tous connaître. Elle nous accompagne tout au long de notre vie, de notre naissance jusqu’à notre mort, parfois même sans que nous nous en apercevions. Mais si elle semble omniprésente, la musique est bien plus complexe et variable qu’on ne le pense. Avant d’être une réalité sonore, elle est avant tout un concept. C’est ce que je me propose de vous expliquer dans cet épisode.

Ouvrages consultés :

Jean-Jacques Nattiez (dir.), Musiques. Une encyclopédie pour le XXIe siècle. 2. Les savoirs musicaux, Paris, Actes sud/Cité de la musique, 2004.

Jean-Jacques Nattiez (dir.), Musiques. Une encyclopédie pour le XXIe siècle. 4. Histoire des musiques européennes, Paris, Actes sud/Cité de la musique, 2006.

Jean-Jacques Nattiez « Pluralité et diversité du savoir musical », Jean-Jacques Nattiez (dir.), Musiques. Une encyclopédie pour le XXIe siècle. 2. Les savoirs musicaux, Paris, Actes sud/Cité de la musique, 2004, p. 17-45.

L’opéra baroque français : la Tragédie lyrique

Lorsqu’on s’intéresse à l’opéra, on retient assez facilement l’opéra baroque italien. On retient moins facilement le fait qu’il a existé un art opératique spécifiquement français. La Tragédie lyrique est le genre d’opéra le plus important en France pendant une grande partie de l’époque baroque. Dans une volonté de se démarquer de l’opéra italien, alors en vogue dans toute l’Europe, Jean-Baptiste Lully et Philippe Quinault inventent le genre ; genre qui sera magnifié par Jean-Philippe Rameau.

Œuvres musicales citées par ordre d’apparition :

Jean-Baptiste Lully, « Le Ciel qui m’a fait vitre Roi », Roland

Jean-Baptiste Lully, « Dans ce palais, Bravez l’Envie », Phaëton

Jean-Philippe Rameau, « Trio des Parques », Hippolyte et Aricie

Jean-Philippe Rameau, « Rentrez, rentrez dans l’esclavage », Castor et Pollux

Giovanni Battista Pergolesi, « Sempre in contrasti con te si sta », La serva Padrona

Jean-Jacques Rousseau, « Ouverture », Le devin du village

Ouvrages consultés :

Jean-Michel Bardez, « Les débats sur la musique au siècle des Lumières », Jean-Jacques Nattiez (dir.), Musiques. Une encyclopédie pour le XXIe siècle. 4. Histoire des musiques européennes, Paris, Actes sud/Cité de la musique, 2006, p. 873-891.

Michael Fend, « An instinct for parody and a spirit for revolution: Parisian opera, 1752-1800 », Simon Keefe (ed.), The Cambridge history of Eigtheenth-Century music, Cambridge, Cambridge university Press, 2009, p. 295-330.

Raphaëlle Legrand, « La musique du roi et des philosophes de Lully à Rameau », Jean-Jacques Nattiez (dir.), Musiques. Une encyclopédie pour le XXIe siècle. 4. Histoire des musiques européennes, Paris, Actes sud/Cité de la musique, 2006, p. 823-842.

Lois Sorow, « Opera in Paris form Campra to Rameau », Simon Keefe (ed.), The Cambridge history of Eigtheenth-Century music, Cambridge, Cambridge university Press, 2009, p. 272-294.

Claude Debussy, La mer

L’influence de la mer est très présente chez Debussy lorsqu’on regarde ses œuvres et sa correspondance. L’œuvre, qui a d’abord suscité de l’incompréhension, de la perplexité, voire de l’hostilité, s’est finalement imposée comme une partition canonique, allant jusqu’à effacer les autres musiques sur la même thématique. L’épisode d’aujourd’hui revient sur cette œuvre phare du répertoire orchestral pour en montrant la richesse et la complexité.

La mer, Trois esquisses symphoniques :

« De l’aube à midi sur la mer »

« Jeux de Vagues »

« Dialogue du Vent et de la Mer »

Ouvrage consulté :

Simon Trezise, Debussy: La mer, Cambridge, Cambridge University Press, 1994.

Claude Debussy (1862-1918) : « Je ne vois pas ce qu’on pourrait faire après Tristan »

Claude Debussy est sans nul doute l’un des compositeurs les plus importants de sa génération pour ses propositions musicales et l’influence qu’il a pu exercer et qu’il exerce encore. Il innove en matière d’harmonie, il propose une voix différente au wagnérisme, il crée de nouveaux genres, il s’affranchit des plus anciens, il accorde une place particulière au timbre et à la couleur musicale. L’épisode d’aujourd’hui se propose de revenir sur son parcours d’acteur musical dans l’Europe du tournant entre les XIXe et XXe siècles.

Œuvres musicales citées par ordre d’apparition :

Printemps, Suite pour orchestre et piano à quatre mains

Prélude à l’après-midi d’un faune

Pelléas et Mélisande

« Sirènes », Nocturnes

« La Cathédrale engloutie », Préludes

Ouvrages consultés :

François Lesure, Claude Debussy, Paris, Fayard, 2003.

François Lesure et Roy Howat, « Debussy, (Achille-) Claude », Grove music online,(consulté en janvier 2001).

Simon Trezise (ed.), The Cambridge Companion to Debussy, Cambridge, Cambridge University Press, 2003.

L’orientalisme (Partie 2)

Cette deuxième partie est consacrée à l’imagerie « moderne » de l’Orient. Le Désert de Félicien David, souvent considéré comme la première œuvre reconnue comme « authentiquement » orientalisante, est un tournant dans l’histoire de l’orientalisme musical européen. Cette deuxième partie est consacrée à l’évolution de ce concept tout au long du XIXe siècle en présentant quelques figures clés jusqu’à Claude Debussy.

Œuvres musicales citées par ordre d’apparition :

Félicien David, « L’appel du Muezzin », Ode Symphonie Le Désert

Ernest Reyer, « V. La Dhossa. La Marche des Pèlerins », Le Sélam, Symphonie orientale avec chœur, solistes et orchestre

Camille Saint-Saëns, Une nuit à Lisbonne

Claude Debussy, « Pagodes », Estampes

Ouvrages consultés :

Jean Pierre Bartoli, « L’orientalisme dans la musique française du XIXe siècle : la ponctuation, la seconde augmentée et l’apparition de la modalité dans les procédures exotiques », Revue belge de Musicologie/Belgisch Tijdscrift voir Muziekwetenschap, 51 (1997), p. 137-170.

Yves Defrance, « Exotisme et esthétique musicale en France : approche socio-historique », Cahiers de musiques traditionnelles, 7 (1994), p. 191-210.

Myriam Ladjili, « La musique arabe chez les compositeurs français du XIXe siècle saisis d’exotisme (1844-1914) », International Review of the Aesthetics and Sociology of Music, 26/1 (1995), p. 3-33.

Ralph Locke, « Cutthroats and Casbah Dancers. Muezzins and Timeless Sands: Musical Images of the Middle East », 19th-Century Music, 22/1 (1998), p. 20-53.

Susanna Pasticci, « L’influence des musiques non européennes sur la musique occidentale du XXe siècle », Jean-Jacques Nattiez (dir.), Musiques. Une encyclopédie pour le XXIe siècle. 5. L’unité de la musique, Paris, Actes Sud/Cité de la musique, 2007, p. 182-203.

L’orientalisme (Partie 1)

L’orientalisme est une quête de l’ailleurs. Il s’agit d’évoquer « l’Autre » afin de provoquer un dépaysement face à une civilisation ou société étrangère. Cette évocation, pouvant aller de l’emprunt réaliste à une construction fantasmée, est un réservoir d’images et d’idées dans lequel bon nombre d’artistes vont y puiser leur inspiration. L’Orient est un ensemble vaste dans lequel peuvent cohabiter une grande diversité d’émotions et de représentations. Je vous propose donc de revenir dans cette première partie sur ce concept et d’en présenter quelques éléments clés d’avant le XIXe siècle.

Œuvres musicales citées par ordre d’apparition :

Karl Dieters von Dittersdorf, Symphonie en la majeur (Sinfonia Nazionale Nel Gusto Di 5 Nazioni)

Giulio Cesare Barbetta, Moresca quarta detta la Bergamasca

Johann Joseph Fux, « I. Turcaria », Partita ex C K 331

Franz Schubert, Mélodie hongroise en si mineur D 817

Ouvrages consultés :

Jean-Pierre Bartoli, « Orientalisme et exotisme de la Renaissance à Debussy », Jean-Jacques Nattiez (dir.), Musiques. Une encyclopédie pour le XXIe siècle. 5. L’unité de la musique, Paris, Actes Sud/Cité de la musique, 2007, p. 155-181.

Philippe Bohlman, « The European Discovery of Music in the Islamic World and the “Non-Western” in the 19th-Century Music History », The Journal of Musicology, 5/2 (1987), p. 147-163.

Stefano Leoni, « Western Middle-East Music Imagery in the face of Napoleon’s Entreprise in Egypt: From Mere Eurocentric Exoticism, to very Organized Orientalistic Ears », International Review of the Aesthetics and Sociology of Music, 38/2 (2007), p. 171-196.

Eve Meyer, « Turquerie and Eighteenth-Century Music », Eighteenth-Century Studies, 7/4 (1974), p. 474-488.

Derek Scott, « Orientalism and Musical Style » The Musical Quarterly, 82/2 (1998), p. 309-335.

L’air (aria) baroque

L’aria est une forme vocale qui se développe à l’époque baroque. On en trouve dans les opéras, les oratorios ou encore les cantates… Souvent précédé d’un récitatif, l’aria remplit un rôle capital à l’époque baroque, rôle que je vous propose d’examiner aujourd’hui au travers de l’exemple d’un aria très célèbre When I am laid in earth du compositeur anglais Henry Purcell.

Œuvres musicales citées par ordre d’apparition :

Antonio Vivaldi, « Agitata da due venti », Griselda

Henry Purcell, « When I am laid in earth », Dido and Æneas

Ouvrages consultés :

Michael Burden, « The lure of aria, procession and spectacle: opera in eighteenth-century London », Simon P. Keefe (ed.), The Cambridge history of eighteenth-century music, Cambridge, Cambridge University Press, 2009, p. 203-271.

Margaret R. Butler, « Italian opera in the eighteenth century », Simon P. Keefe (ed.), The Cambridge history of eighteenth-century music, Cambridge, Cambridge University Press, 2009, p. 385-401.

Reinhard Strohm, « Aria et récitatif, des débuts jusqu’au XIXe siècle », Jean-Jacques Nattiez (dir.), Musiques. Une encyclopédie pour le XXIe siècle. 4. Histoire des musiques européennes, Paris, Actes sud/Cité de la musique, 2006, p. 592-605.

La Basse continue

Lorsque l’on s’intéresse à la musique baroque, on peut remarquer une distinction entre une ligne de basse et une mélodie dans les parties les plus aigües. Cette basse, qu’on appelle « basse continue » est un des fondements de l’écriture musicale qui traverse toute l’époque baroque. C’est ce que je vous propose d’examiner dans cet épisode.

Œuvres musicales citées par ordre d’apparition :

Guillaume Dufay, Super rostrum flores

Frédéric Chopin, Prélude no 20 en do mineur

Francesco Cavalli, « Dammi morte », L’Artemisia

Johann Pachelbel, Canon en ré majeur

Ouvrages consultés :

Denis Morrier, « Les sources de la basse continue. Une pratique protéiforme, héritière de traditions et de contextes socioculturels divers », Filigrane. 3. La société dans l’écriture musicale (consulté en avril 2026).

Peter Williams et David Ledbetter, « Continuo [basso continuo], Grove music online (consulté en avril 2026).

Eugène Ysaÿe (1858-1931) : « Les oiseaux chantent — lui joue du violon ! Quelle nature !! »

Le violoniste belge Eugène Ysaÿe ne fut pas qu’un virtuose s’exhibant dans des concerts remplis de pirouettes techniques flamboyantes, mais marqua profondément la musique belge et européenne de son temps. C’est ce que je vous propose de découvrir dans l’épisode qui lui est consacré présentement.

Œuvres musicales citées par ordre d’apparition :

Exil, poème symphonique pour cordes op. 25

« I. Obsession “Prélude : Poco vivace”, Sonate pour violon no 2 op. 27

Poème élégiaque op. 12

Ouvrages consultés :

Michel Stockhem, Eugène Ysaÿe et la musique de chambre, Liège, Pierre Mardaga, 1990.

Michel Stockhem, « Ysaÿe, Eugène (-Auguste), Grove Music online (Consulté en juin 2019).