Live Jazz

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Se llama Jazz Rock a la fusión de instrumentos y elementos sonoros propios del jazz y la experimentación con los ritmos e instrumentos eléctricos del rock. Este movimiento comenzó a finales de los años 60 en las cabezas de músicos como Miles Davis, John MacLaughlin, Herbie Hancock y por el lado del rock se debe a grupos como Cream, Grateful Dead y Frank Zappa. En esta emisión nos vamos a enfocar en el  rock-jazz del que tocaban bandas como Chicago, Blood, Sweat & Tears, Cold Blood y otras bandas, un subgénero que tuvo un impacto importante en México, manifestado en una cantidad importante de agrupaciones de este tipo, al grado de impulsar un movimiento musical que duró varios años. 

lunes 3 pm 
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con Octavio Echávarri

LIVE JAZZ
Con Octavio Echávarri 


SHEILA JORDAN  

Las malas noticias para el mundo de la música siguen llegando: la cantante Sheila Jordan falleció la tarde del lunes 11 de agosto, una devota de toda la vida por el bebop y el jazz. Maestra de Jazz de la Asociación Nacional de Educación y vocalista pionera, la voz y el espíritu de Sheila contribuyeron a dar forma al sonido del jazz moderno, dejando un legado perdurable que seguirá inspirando. Jordan siempre estuvo comprometida con la música y la cultura negra, lo que siendo blanca, le ocasionó graves problemas con los prejuicios raciales en los Estados Unidos. Sheila Jordan tuvo el privilegio de ser la primera cantante de jazz en grabar un disco Blue Note, sello jazzístico de  gran importancia; el resultado fue un excepcional álbum titulado «Portrait of Sheila», que está considerado como uno de los discos de jazz vocal mas importantes de toda la historia. Jordan fue una de las intérpretes más creativas de todos los tiempos y una de las pocas que podía improvisar  letras lógicas que a menudo rimaban y fue también una magnífica cantante de scat y una emotiva intérprete de baladas. Su legado permanece vivo en sus grabaciones y en la influencia que tuvo sobre el desarrollo del jazz vocal. Sheila Jordan será recordada como una pionera que enriqueció la música del siglo XX con su voz y creatividad. “Sólo quiero mantener viva esta música inspirando a otros a amarla tanto como yo”, dijo en una de sus últimas entrevistas.

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Live Jazz

con Octavio Echávarri

Lunes 3 pm por www.radioactivatx.org (http://www.radioactivatx.org/)
Podcast disponible martes 9 pm en Spreaker Conexión Dispersa
Nacida en la Ciudad de México y actualmente radicada en Nueva York, Magos Herrera es una de las voces más reconocidas en la escena internacional del jazz. Cantante, compositora, productora y educadora, ha sido descrita por The Latin Jazz Network como “una de las más grandes intérpretes contemporáneas de la canción”.
En este episodio recorreremos su trayectoria y su vibrante estilo, justo antes de sus próximas presentaciones en México:
 • 21 de agosto, 7 pm – Pabellón Escénico del INBA (atrás del Auditorio Nacional) – Entrada libre
 • 23 de agosto, 7:30 pm – Master class y concierto en Pannela Callejón, Oaxaca
Sintoniza y déjate llevar por la voz única de Magos Herrera.
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EDDIE PALMIERI

Eddie Palmieri, pianista, compositor y director de orquesta cuyas contribuciones a la música afrocaribeña ayudaron a iniciar la edad de oro de la salsa en Nueva York y cuya larga carrera lo consagró como uno de los grandes cerebros musicales del siglo XX —además de ser uno de sus más fieros intérpretes—, murió el miércoles 6 de agosto en su casa de Nueva Jersey, a los 88 años. Su hija menor, Gabriela Palmieri, confirmó el fallecimiento, que dijo que se produjo tras “una larga enfermedad”. Desde el momento en que fundó su primera banda estable en 1961, La Perfecta, Palmieri impulsó muchos de los cambios estilísticos y saltos creativos de la música latina. Esa agrupación aportó nuevos niveles de economía e influencia jazzística a la escena del mambo que empezaba a perder fuerza tras su auge de posguerra y sentó las bases de lo que luego se conocería como la salsa. A partir de ahí, nunca dejó de innovar. En la década de 1970, Palmieri mezcló la salsa con el jazz, el rock, el funk e incluso la música clásica moderna en una serie de álbumes de gran prestigio, como Vamonos Pa’l Monte y The Sun of Latin Music, así como con el grupo de fusión Harlem River Drive. También formó equipo con músicos de jazz de pura cepa, como Cal Tjader, Brian Lynch y Donald Harrison, entre otros, realizando contribuciones esenciales al subgénero del jazz latino. En una entrevista, Palmieri dijo que sus herramientas fundamentales eran los “complejos patrones rítmicos africanos que tienen siglos de antigüedad” y que están en la raíz de la música afrocubana. “Lo intrigante para mí es superponer frases de jazz y armonía a esos patrones”, dijo. Al explicar de dónde sacó su habilidad para las armonías densas y disonantes y su sentido del ritmo, tan alegre e inconformista, citó como inspiraciones a pianistas de jazz como McCoy Tyner y Thelonious Monk. Sin embargo, cuando el historiador y crítico de arte Robert Farris Thompson escribió en 1975 sobre el surgimiento de la salsa, también notó otras influencias. “Mezcla rock vanguardista, Debussy, John Cage y Chopin sin abrumar el sabor afrocubano básico”, escribió sobre Palmieri. “Podría decirse que está naciendo una nueva música del mundo”. Juan Flores, estudioso de la cultura puertorriqueña, escribió en Salsa Rising: New York Latin Music of the Sixties Generation que Palmieri había sido “el pionero y principal innovador” que impulsó el “movimiento cultural” que fue la salsa. Por su parte, a Palmieri nunca le gustó la palabra “salsa”. Describía su música en términos de sus raíces: “Afrocubana”, dijo en una entrevista de 2012 con el Proyecto de Historia Oral del Smithsonian. Afirmó que, gracias a la participación de puertorriqueños y niuyoricans como él, se había convertido primero en “afrocaribeña y luego afromundial”.  

Live Jazz martes 21 horas @conexiondispersa 
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RODOLFO “POPO” SÁNCHEZ
 
La escena musical mexicana está de luto. El 28 de julio se confirmó el fallecimiento del saxofonista (https://oem.com.mx/diariodexalapa/cultura/jose-luis-escobar-brilla-con-su-saxofon-junto-a-la-xalli-big-band-tras-sus-inicios-en-el-jazz-24710955%20/t%20_blank), (https://oem.com.mx/diariodexalapa/cultura/jose-luis-escobar-brilla-con-su-saxofon-junto-a-la-xalli-big-band-tras-sus-inicios-en-el-jazz-24710955%20/t%20_blank) compositor, arreglista y director de orquesta Rodolfo “Popo” Sánchez Vega, uno de los pioneros del jazz en México, a los 86 años de edad. Originario de Uruapan, Michoacán, nacido el 29 de mayo de 1939 y residente desde hace décadas en Xalapa (https://oem.com.mx/diariodexalapa/cultura/jazzuv-entre-las-tres-mejores-opciones-para-estudiar-musica-en-todo-mexico-22539760%20/t%20_blank), (https://oem.com.mx/diariodexalapa/cultura/jazzuv-entre-las-tres-mejores-opciones-para-estudiar-musica-en-todo-mexico-22539760%20/t%20_blank) el maestro deja un legado que es considerado como invaluable para la música nacional. Popo formó los grupos Lucifer y Yasú, el Quinteto Polifonías y Sociedad Organizada en Sonido. 
 
Una larga y fructífera carrera como arreglista, compositor, director, productor y saxofonista lo convirtieron en uno de los músicos más importantes de México.  Durante su  carrera, Rodolfo Sánchez Vega tuvo la oportunidad de compartir escenario con grandes personalidades de la música, como Frank Pourcel, Sammy Davis Jr., Nat King Cole, Sara Vaughn, Henry Mancini, Sergio Méndes, Carlos Lira, Tony Bennet, Barry White, Paul Desmond, DaveBrubeck, Bill Evans, Thelonius Monk y Paquito de  Rivera, entre muchos otros.
 
A nivel nacional e internacional, la carrera de este destacado músico, contó con diversas participaciones en algunos de los eventos musicales más importantes, entre los que se puede mencionar los siguientes: asesor y director de la Orquesta del Reino de Marruecos en 1994;  participación en el “Latin Culture Week 2000” representando a la Universidad Veracruzana en el Berklee Collage of Music en Boston;  su actuación en la Gala de Jazz con Marian Petrescu, celebrada en el 2004 en el marco del 70º aniversario del Palacio de Bellas Artes; participó como director musical y arreglista del “Primer Concurso Internacional de la Música Romántica. Agustín Lara” en 2001; en2005 recibe el nombramiento de “Asesor Artístico y Colaborador en las Artes en el Estado de Veracruz”. 
 
En 2006 es invitado por la Escuela de música de Bellas Artes del Puerto de Veracruz como asesor y creador de los planes y programas de la Lic. en Música Popular de dicha institución. En 2008 Rodolfo Sánchez recibió dos de las distinciones más importantes a las que puede aspirar un músico mexicano: el nombramiento como “Músico del Año” por parte del Consejo Mexicano del Deporte y el Espectáculo Profesional (COMEDEP) y su consecuente ingreso al “Salón de los Inmortales” así como el homenaje que  la  Asamblea Legislativa del Distrito Federal le otorgara en su recinto oficial, además de homenajes por parte de instituciones como la UNAM, la Universidad Veracruzana y la Secretaría de Cultura. En 2024, el estado de Veracruz lanzó el Concurso de Bolero “Maestro Rodolfo Sánchez Vega” en su honor.
Live Jazz martes @conexión Dispersa spreaker 
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martes 9 pm Conexión Dispersa 
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CHUCK MANGIONE
Chuck Mangione, célebre trompetista y compositor, dos veces ganador del Grammy (https://elpais.com/noticias/premios-grammy/%20/o%20https://elpais.com/noticias/premios-grammy/%20/t%20_self), (https://elpais.com/noticias/premios-grammy/%20/o%20https://elpais.com/noticias/premios-grammy/%20/t%20_self) ha fallecido a los 84 años. Su fama internacional surgió en 1977 con su sencillo FeelsSo Good, un tema que se convirtió en un himno del smooth jazz. Aunque la noticia se conoció hasta el jueves24, el artista murió días antes, el martes 22 de julio, mientras dormía en su hogar de Rochester, Nueva York, según confirmó su abogado. Mangione llevaba retirado de la música desde 2015. “La historia de amor de Chuckcon la música se ha caracterizado por su energía desbordante, su entusiasmo sin reservas y la alegría pura que irradiaba desde el escenario”, ha declarado su familia en un comunicado al periódico Rochester Democrat & Chronicle, donde también destaca el aprecio que el músico mostraba por el público, sentándose al borde del escenario después de sus conciertos, firmando autógrafos a los fans que se quedaban para saludar a la banda.
Feels So Good, su mayor éxito, sigue siendo una pieza habitual en las emisoras de jazz contemporáneo. El tema alcanzó el cuarto puesto en la lista BillboardHot 100 y se situó en lo más alto del ranking de adulto contemporáneo de la misma publicación. La melodía fue reconocida en 1980 por la publicación CurrentBiography como “la melodía más reconocida desde Michelle de The Beatles (https://elpais.com/noticias/the-beatles/%20/o%20https://elpais.com/noticias/the-beatles/%20/t%20_self)”. (https://elpais.com/noticias/the-beatles/%20/o%20https://elpais.com/noticias/the-beatles/%20/t%20_self) Mangione ganó dos premios Grammy de un total de 14 nominaciones; el primero fue en 1977 en la categoría de mejor composición instrumental, por Bellavia, una pieza que dedicó a su madre. En 1979 obtuvo el segundo, en la categoría de mejor interpretación instrumental pop, por The Children of Sanchez. Esta última, banda sonora de la película del mismo nombre, también fue galardonada con un Globo de Oro. 
 
En las décadas de los 70 y 80 Chuck Mangione era una celebridad mundial: su música se escuchaba en todas partes. La “fórmula” del éxito del fliscornista y trompetista consistió en hacer una música sumamente accesible, motivo por el cual fue desdeñado por muchos críticos. Pese a ello, estaba en lo más alto, donde prácticamente era intocable. Además, si sus discos se vendían por millones, ¿para qué preocuparse por la crítica? Poco se habla de Mangione como compositor en sus años previos al éxito, a pesar de que algunas de sus piezas fueron tocadas y grabadas músicos como Art Blakey, Cannonball Adderley, Jaki Byard y Woody Herman. “Componer es tan importante para mí como tocar y verdaderamente es un honor que músicos tan importantes toquen mi música”. 
 
No creía en la existencia de etiquetas como smoothjazz y por lo tanto, no se clasificaba en esta tendencia, al respecto declaró: “prefiero que la gente se refiera a mi música como la música de Chuck Mangione porque yo compongo la mayor parte de lo que presentamos y tengo un grupo específico para tocarla. Si la música es honesta y llena de amor, la gente la escucha con la mente abierta y las etiquetas se vuelven innecesarias. Creo que los ingredientes de mi música siempre han sido: un contenido melódico fuerte con buenos fundamentos armónicos y rítmicos. Para mí, la melodía es lo que siempre ha hecho la música memorable”.

Live Jazz – Episodio Especial: Black Sabbath en Jazz
Martes 9 PM por Conexión Dispersa en Spreaker
Mientras en Estados Unidos y Europa muchos jazzistas —desde leyendas consagradas hasta jóvenes promesas— no dudan en reinterpretar temas de otros géneros como el rock y el pop, en México esta práctica sigue siendo casi inexistente. Sin embargo, la música de Black Sabbath, ícono del heavy metal, ha sido versionada por múltiples músicos de jazz alrededor del mundo. ¿Por qué? Porque Sabbath es una institución: su influencia atraviesa décadas, géneros y generaciones.
El retiro oficial de Ozzy Osbourne el pasado 5 de julio provocó una ola de homenajes. El festival Back to the Beginning reunió a bandas de metal para rendir tributo al llamado Príncipe de las Tinieblas, y marcó algo aún más poderoso: la última reunión de los cuatro miembros originales de la banda.
En este episodio reflexionamos sobre cómo y por qué la música de Sabbath —con sus riffs implacables, sus letras sombrías y su estética brutal— ha encontrado una segunda vida en manos de jazzistas que saben que la verdadera improvisación también nace del riesgo.
He sido el rey,
He sido el payaso.
Ahora las alas rotas no pueden sujetarme.
Soy libre de nuevo.
El bufón con la corona rota.
Esta vez no seré yo.
Amar en vano.
Digo adiós al romance,
Adiós a los amigos.
Adiós al pasado.
Supongo que nos encontraremos al final.
Hoy despedimos a Ozzy, no como el ídolo del exceso, sino como un artista que cambió para siempre el sonido del mundo.
Algunos lo temieron, otros lo difamaron... pero todos lo escuchamos.
Descansa en paz, Ozzy. El mundo fue más libre, más oscuro y más real contigo.
#Livejazz #OzzyOsbourne #blacksabbath #JazzSabbath #RIPOzzy #conexiondispersa #radioactivatx #rtx #podcast

🎙 Live Jazz


con Octavio Echávarri}

MIGUEL PEÑA: UNA VIDA ENTRE CUERDAS Y SENTIMIENTOS El pasado 13 de julio, la música mexicana perdió a una de sus guitarras más sensibles y virtuosas: Miguel Peña, originario de Jalisco, quien falleció a los 77 años. Desde sus inicios en cabarets de la Ciudad de México con guitarra eléctrica, hasta tocar el piano en un pequeño pueblo sonorense para agrupaciones de música tropical, Peña supo adaptarse a todos los terrenos. Su talento lo llevó a colaborar con grandes orquestas y a formar parte de grabaciones históricas, incluyendo las del legendario Francisco Gabilondo Soler, “Cri Cri”. Gracias a su virtuosismo, RCA Víctor lo integró a múltiples producciones clave del siglo XX, acompañando a figuras como José José, Lola Beltrán, Pedro Vargas, José Alfredo Jiménez, Marco Antonio Muñiz, el Mariachi Vargas y Libertad Lamarque, entre muchos otros. Durante más de una década, fue parte esencial del grupo de José José, dejando una huella imborrable. En los años noventa, junto al contrabajista Víctor “Vitillo” Ruiz Pazos, formó el proyecto Duetto, con el objetivo de difundir la música mexicana desde un enfoque contemporáneo. En 2004, junto a Juan Carlos Allende, fundó Los Macorinos, grupo que surgió a partir de la invitación de Chavela Vargas, quien les pidió ser su base musical “para siempre”. Con Los Macorinos, Miguel Peña acompañó también a Natalia Lafourcade, Alexandra Gravas y otras grandes voces del mundo. Su carrera también brilló en agrupaciones como la Orquesta Moderna de Rosino Serrano y en colaboraciones con artistas como Eugenia León, Juan Gabriel y Emmanuel. Hoy lo recordamos no solo como un maestro de la guitarra, sino como un puente entre generaciones, géneros y emociones.


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Live jazz 
con Octavio Echávarri 



Elogios del Rock: Rockeros hablando de Jazz  


Pregúntale a un aficionado promedio del rock and roll sobre el jazz, ya sea mainstream, progresivo o de cualquier otro tipo y puede que recibas una mirada vacía o una referencia balbuceante a algún jazzista muy popular. Pero hazles la misma pregunta a muchos intérpretes que esos mismos aficionados al rock idolatran y obtendrás una respuesta muy diferente. De hecho, el jazz es la música predilecta de una gama inusualmente amplia de artistas de rock, pop y hip-hop, aunque su propia obra rara vez revele rastros de jazz. Y muchos de estos intérpretes aprovechan la oportunidad para elogiar a los grandes del jazz que admiran. Los comentarios que escucharemos, extraídos de entrevistas realizadas por George Varga para la revista Jazz Times, dejan claro que no es necesario tocar jazz para sentir pasión por él.  

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LALO SCHIFFRIN  


El músico y compositor argentino Lalo Schifrin murió el pasado jueves a los 93 años en Los Ángeles, California, según confirmó su familia. A lo largo de sus más de seis décadas de carrera, Schifrin, nacido en Buenos Aires en 1932, compuso bandas sonoras para más de 100 filmes y series de televisión. El gran público lo recuerda por la inolvidable melodía que creó en 1966 para la serie de televisión "Misión Imposible", que luego siguió siendo utilizada para la saga de películas del mismo nombre protagonizada por Tom Cruise. Suya es también la música de series míticas como Mannix o "Starsky y Hutch" y de películas como The Cincinnati Kid, Cool Hand Luke, Bullitt o "Harry el sucio". Entre otros reconocimientos, Schifrin —quien además de compositor era pianista y director de orquesta— estuvo en seis ocasiones nominado a los Oscar de la Academia de Hollywood y ganó cuatro premios Grammy. En 2018 recibió un Oscar honorífico por su trayectoria en la música para cine y televisión. Fue el tercer compositor en la historia de la Academia en recibir ese galardón. Al entregarle el premio, el actor y director Clint Eastwood alabó a Schifrin por "su estilo musical único, su integridad en la composición y sus influyentes contribuciones al arte de la composición de bandas sonoras". El músico respondió a los halagos y a la ovación del público diciendo que componer bandas sonoras para el cine había sido "una vida llena de alegría y creatividad".   De joven, viajó a estudiar a París, donde se sumergió el mundo del jazz, un género que se convertiría en una de sus grandes pasiones y que influenciaría gran parte de su obra. Como músico de jazz, compartió el escenario con artistas como Dizzy Gillespie, Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Stan Getz y Count Basie, entre otros. Con Gillespie, una leyenda del jazz, construyó una relación artística que se prolongó por varios años. Schifrin se mudó a Nueva York, formaron un quinteto y obtuvieron un gran éxito. Fue a partir de 1963, cuando ya se había construido una reputación, que empezó su camino como compositor en Hollywood. Y fue pionero en fusionar la música para cine y televisión con elementos tanto de su formación clásica como del jazz. A partir de entonces, como afirmó en otra entrevista, empezó a recibir muchas más ofertas de las que podía aceptar.   Su época dorada se ubicó entre las décadas de 1960 y 1970, periodo en el que su capacidad para fusionar géneros y estilos lo catapultó a la fama tanto en Hollywood como en el ámbito televisivo estadounidense. Las bandas sonoras de Schifrin aportaron identidad y carácter a obras que hoy son consideradas clásicas, confirmando su influencia en la industria del entretenimiento. En Estados Unidos, su nombre está grabado en una estrella del Paseo de la Fama de Hollywood, un símbolo del reconocimiento de la industria del entretenimiento estadounidense y recibió el prestigioso Premio Max Steiner, que distingue la excelencia en composición de música para cine. Su talento fue contemplado en numerosas ocasiones por la Academia del Cine de Hollywood, que lo nominó varias veces a los premios Oscar. En 2016 fue galardonado por el Ministerio de Cultura de Francia como Comandante de las Artes y las Letras y años después pasó a integrar el Comité de Honor de la Unión de Compositores de Música para Cine.   Aunque continuó escribiendo para películas y TV, Schiffrin regresó parte de su enfoque a las obras clásicas durante los años 90, cuando lanzó los primeros tres de una serie de álbumes de jazz orquestal llamados Jazz Meets Symphony. Apenas dos meses antes de su fallecimiento, estrenó una nueva obra en el Palacio Libertad, acompañado por Rod Schejtman, reconocido compositor y pianista conocido por sus fusiones de música sinfónica con bandas sonoras de películas. La sinfonía, titulada “¡Viva la Libertad!”, contó con la interpretación de la Orquesta Sinfónica Nacional bajo la dirección del maestro Emmanuel Siffert. La composición fue presentada como un homenaje al estóico espíritu de los argentinos, celebrando la perseverancia como un valor universal.  

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La Radio Alternativa