Live Jazz

Live Jazz 


martes 9pm (podcast) 
lunes 3 pm www.radioactivatx.org 

JACO PASTORIUS  

Nacido el 1 de diciembre de 1951, Jaco Pastorius, que estaría cumpliendo 71 años, fue un meteoro que irrumpió con fuerza en la escena en los años 70, para luego extinguirse trágicamente en los 80. Con una técnica brillante y ágil y una fértil imaginación melódica, Pastorius hizo que su bajo eléctrico sin trastes saltara de las profundidades de la sección rítmica a la primera línea con pasajes fluidos y potentes que exigían atención. Además, lucía un estilo interpretativo pavoneante, bailable y extravagante y representaba una triple amenaza como talentoso compositor, arreglista y productor. Él y Stanley Clarke fueron las influencias más destacadas de su instrumento en los años 70. El primer instrumento al que Jaco se volcó, tal vez siguiendo los pasos de su padre, fue la batería, pero una ruptura de muñeca, ocurrida a los 13 años, le hizo fijarse en el bajo eléctrico como nuevo instrumento. La primera banda en la que participó como bajista, con apenas 15 años de edad, se llamaba «Las Olas Brass». Luego vinieron otras bandas como «Soul Incorporated», «Woodchuck» y los «C.C. Riders Band». Uno de los primeros trabajos de cierta envergadura en los que participó fue el grupo «Bachelors III», liderado por el trombonista Peter Graves.   Nacido en Pensilvania, Pastorius creció en Fort Lauderdale, donde tocó con artistas visitantes de R&B y pop siendo aún adolescente y se forjó una reputación como leyenda local. Todo empezó a encajar rápidamente para él cuando empezó a tocar con otro maestro de la fusión novato, Pat Metheny, alrededor de 1974. Para 1976, fue invitado a unirse a Weather Report, donde permaneció hasta 1981, convirtiéndose gradualmente en la tercera voz principal junto a Joe Zawinul y Wayne Shorter. Fuera de Weather Report, fue constantemente solicitado como músico de sesión y productor, tocando en álbumes de Joni Mitchell, Blood Sweat and Tears, Paul Bley, Bireli Lagrene e Ira Sullivan y su primer álbum homónimo en solitario, lanzado en 1976, fue aclamado como una hazaña. De 1980 a 1984 realizó giras y grabaciones con su propia banda, la innovadora Word of Mouth, que osciló en tamaño desde un gran combo hasta una big band.   Lamentablemente, Pastorius se vio abrumado por problemas mentales, agravados por las drogas y el alcohol a mediados de los 80, lo que le llevó a varios incidentes públicos povo agradables (uno de ellos fue una violenta crisis nerviosa en el escenario del Hollywood Bowl a mitad de una actuación en el Festival de Jazz Playboy de 1984). Estos episodios lo convirtieron en un paria en la industria musical y hacia el final de su vida, se había convertido en un hombre de la calle, al que se le veía en bares del centro, infestados de drogas. Murió en 1987 a causa de una paliza recibida al intentar entrar en el Midnight Club de Fort Lauderdale. Casi totalmente olvidado al momento de su muerte, Pastorius fue canonizado inmediatamente después. Marcus Miller compuso la melodía "Mr. Pastorius" en su honor, al igual que muchos otros a lo largo de los años.     Así como Charlie Parker con el saxo alto o Jimi Hendrix con la guitarra eléctrica, la misión de Jaco Pastorius en el universo de la música fue revolucionar el rol de un instrumento durante mucho tiempo infravalorado como el bajo eléctrico. “Para mí, Jaco fue el Sid Vicious del jazz”, sentenció Stanley Clarke, virtuoso bajista estadounidense. Nada más falaz que esa definición, Sid Vicious era un pésimo bajista, al que le apagaban el equipo en vivo porque no acertaba una nota. La vida salvaje y el instinto rebelde de Jaco no tapan la génesis de un genio, de un virtuoso. En su caso, condimentan la leyenda de una figura irrepetible.

LIVE JAZZ 

Episodio Especial 

Verónica Ituarte

Martes 9 PM por Conexión Dispersa · Repetición lunes 3 PM por Radioactiva TX

Verónica Ituarte, reconocida jazzista mexicana, pionera del scat en México, falleció la tarde del 23 de octubre a los 68 años. La voz de Verónica Ituarte se apagó, pero su legado continúa vibrando en cada una de sus interpretaciones, en los escenarios donde dejó huella y en la memoria de las generaciones que formó como maestra de canto y scat  en la Escuela Superior de Música del INBAL. Verónica alcanzó una madurez impactante, su voz clara y suntuosa daba a cada tema los elementos necesarios de tensión, dinámica y arte para canalizar los sentimientos que el mismo material contenía. Con el canto se permitía sacar lo que traía dentro: un déjà vu, con el cual se internaba en otras dimensiones y vislumbraba sus realidades. El suyo fue un estilo cálido y llegador extraído preponderantemente de las raíces del canto jazzístico tradicional, con influencias negras directas, llenas de color y sensaciones. En sus interpretaciones había vida, había experiencia y una voz para trasmitirlas. La cantante nacida en la Ciudad de México, había sido diagnosticada con cáncer en 2023, el cual ya había superado y por eso se dio su regreso a los escenarios el 9 mayo de 2025, con el concierto Jazz- Blues-Fusión, que se llevó a cabo en el Multiforo Alicia, donde estuvo acompañada del armonicista Lalo Méndez, quien también era su pareja.  Verónica estudió cantó clásico en la Escuela Nacional de Música de la UNAM y posteriormente se matriculó en la Escuela Superior de Música del INBAL para especializarse en jazz y formó parte del Coro de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México. Su primeros pasos en el género del jazz los dio con Juan José Calatayud, con quien estuvo colaborando constantemente hasta 2003, cuando se dio el fallecimiento del músico. Como solista pisó diversos escenarios como el Palacio de Bellas Artes, la Sala Manuel M. Ponce, el Auditorio Nacional, la Sala Nezahualcóyotl, el Centro Nacional de las Artes y el Zócalo, entre otros. También tuvo participación en festivales como el Cervantino, Sólo Jazz Internacional '89, Festival de Noche de Primavera de la Ciudad de México, Festival Cultural Internacional Zacatecas, 3er Festival de Jazz Real de Catorce, Festival Internacional de Jazz de Quéretaro, por mencionar algunos. Abrió conciertos de figuras internacionales como el pianista Oscar Peterson, el clarinetista Eddie Daniels, y B.B. King; también compartió escenario con importantes artistas del mundo del jazz en México entre ellos, Iraida Noriega, Vicente Garrido, Enrique Nery, Baldomero Jiménez, Patricia Carrión y Tere Estrada.  
 

Live Jazz
con Octavio Echávarri 
martes podcast Conexión Dispersa
lunes 3pm www.radioactivatx.org

ANTHONY JACKSON  


El pasado 19 de octubre falleció Anthony Jackson, quien ayudó a redefinir el bajo eléctrico y fue un pionero en el contrabajo de seis cuerdas; además, ayudó a enaltecer innumerables grabaciones con su inconfundible groove y tono. Jackson, que ha dejado una huella imborrable, fue una gran influencia que abarcó varios géneros, generaciones y continentes. Anthony Jackson no fue solo un bajista: fue un arquitecto del groove moderno y una de las mentes más creativas de la música, desde la inconfundible introducción que acabamos de escuchar en "For the Love of Money" de The O'Jays hasta su trabajo con grandes figuras que destacaron en diversos géneros musicales. Su forma de tocar redefinió el sonido y el mensaje del bajo. Nacido en la ciudad de Nueva York, Jackson comenzó tocando el piano y la guitarra antes de encontrar su sonido en el bajo. Nunca satisfecho con lo convencional, cuestionó por qué el instrumento se limitaba a cuatro cuerdas y diseñó y promovió el contrabajo de seis cuerdas. Esa innovación cambió el panorama para los bajistas de todo el mundo. Su tono —preciso pero cálido, firme pero imponente— lo convirtió en un favorito entre artistas del jazz, el R&B, el pop y la fusión. Escucharlo tocar era escuchar disciplina y soul profundo.   El influyente músico fue más reconocido como acompañante que como líder, Su enfoque se centró en ser un músico al servicio de la música. Como músic de sesión, Anthony trabajó con cientos de artistas y participó en más de 500 álbumes. Incluyendo notables colaboraciones con Michel Camilo, Al DiMeola, Paul Simon, Steely Dan, Chick Corea, Al Jarreau, Hiromi, Donald Fagen, Michel Petrucciani, Lee Ritenour, Steve Khan, Roberta Flack, Madonna y Chaka Khan, entre muchos otros-. Sus líneas de bajo no sólo acompañaban la canción, sino que contaban una historia propia. Su toque y tono contribuyeron a moldear el sonido de una generación. Jackson fue mucho más que un gran bajista y músico. Era una pesona culta, un escritor talentoso, de opiniones firmes, totalmente dedicado a su oficio y con poca tolerancia a los tontos. Sus principales influencias fueron el bajista de Motown, James Jamerson; Jack Casady, de Jefferson Airplane y el compositor modernista francés, Olivier Messiaen. Demostró ser un innovador incansable en la década de 1970, cuando trabajó con el luthier Carl Thompson para desarrollar lo que Jackson llamó el contrabajo de 6 cuerdas. Jackson siempre tocaba sentado, rara vez hacía solos, no hacía slap, nunca tocó el bajo sin trastes y tenía cero tolerancia a las modas pasajeras. Trascendió el virtuosismo musical al ser también un virtuoso intelectual.

Live Jazz 
con Ocatvio Echávarri 

ANTHONY JACKSON  

El pasado 19 de octubre falleció Anthony Jackson, quien ayudó a redefinir el bajo eléctrico y fue un pionero en el contrabajo de seis cuerdas; además, ayudó a enaltecer innumerables grabaciones con su inconfundible groove y tono. Jackson, que ha dejado una huella imborrable, fue una gran influencia que abarcó varios géneros, generaciones y continentes. Anthony Jackson no fue solo un bajista: fue un arquitecto del groove moderno y una de las mentes más creativas de la música, desde la inconfundible introducción que acabamos de escuchar en "For the Love of Money" de The O'Jays hasta su trabajo con grandes figuras que destacaron en diversos géneros musicales. Su forma de tocar redefinió el sonido y el mensaje del bajo. Nacido en la ciudad de Nueva York, Jackson comenzó tocando el piano y la guitarra antes de encontrar su sonido en el bajo. Nunca satisfecho con lo convencional, cuestionó por qué el instrumento se limitaba a cuatro cuerdas y diseñó y promovió el contrabajo de seis cuerdas. Esa innovación cambió el panorama para los bajistas de todo el mundo. Su tono —preciso pero cálido, firme pero imponente— lo convirtió en un favorito entre artistas del jazz, el R&B, el pop y la fusión. Escucharlo tocar era escuchar disciplina y soul profundo.   El influyente músico fue más reconocido como acompañante que como líder, Su enfoque se centró en ser un músico al servicio de la música. Como músic de sesión, Anthony trabajó con cientos de artistas y participó en más de 500 álbumes. Incluyendo notables colaboraciones con Michel Camilo, Al DiMeola, Paul Simon, Steely Dan, Chick Corea, Al Jarreau, Hiromi, Donald Fagen, Michel Petrucciani, Lee Ritenour, Steve Khan, Roberta Flack, Madonna y Chaka Khan, entre muchos otros-. Sus líneas de bajo no sólo acompañaban la canción, sino que contaban una historia propia. Su toque y tono contribuyeron a moldear el sonido de una generación. Jackson fue mucho más que un gran bajista y músico. Era una pesona culta, un escritor talentoso, de opiniones firmes, totalmente dedicado a su oficio y con poca tolerancia a los tontos. Sus principales influencias fueron el bajista de Motown, James Jamerson; Jack Casady, de Jefferson Airplane y el compositor modernista francés, Olivier Messiaen. Demostró ser un innovador incansable en la década de 1970, cuando trabajó con el luthier Carl Thompson para desarrollar lo que Jackson llamó el contrabajo de 6 cuerdas. Jackson siempre tocaba sentado, rara vez hacía solos, no hacía slap, nunca tocó el bajo sin trastes y tenía cero tolerancia a las modas pasajeras. Trascendió el virtuosismo musical al ser también un virtuoso intelectual.  

martes 9 pm Conexión Dispersa @spreaker 
lunes 3 pm www.radioactivatx.org

Live Jazz 
con Octavio Echávarri 
martes 9 pm Spreaker 
lunes 3 pm www.radioactivatx.org 


KLAUS DOLDINGER/PASSPORT    


El tema principal del programa de televisión alemán "Tatort", compuesta por Klaus Doldinger, quien falleció el jueves 16 de octubre a los 89 años, rodeado de su familia. Doldinger reconocido como uno de los músicos de jazz más importantes de Alemania, escribió una de sus composiciones más famosas para la televisión: la melodía de "Tatort". Con su banda "Passport", Doldinger hizo historia en el jazz internacional, actuando en vivo hasta poco antes de su muerte, ofreciendo más de 5000 conciertos en más de 50 años de carrera. El álbum de Passport, "The First Fifty Years of Passport", se lanzó en 2021 para conmemorar el 50.º aniversario de la banda y repasó la evolución musical del grupo. Entre los muchos compañeros de banda de Doldinger se encontraba Udo Lindenberg, quien fue el primer baterista de Passport en 1971 y elogió a su antiguo jefe como un "maestro del jazz".   Nacido en Berlín, la carrera de Doldinger comenzó a principios de la década de 1950. Se graduó del bachillerato en 1957 y posteriormente estudió musicología e ingeniería de sonido. Mientras aún estudiaba piano y clarinete en Düsseldorf, formó parte de la banda de dixie "The Feetwarmers" y adquirió sus primeras experiencias musicales. Unos años más tarde, fundó su primera banda, "The Oskar's Trio". En 1960, Doldinger realizó su primera gira por Estados Unidos y fue galardonado con la ciudadanía honoraria Nueva Orleans, la cuna del jazz. Finalmente, la carrera del músico berlinés había despegado internacionalmente. En 1969, fundó su nueva banda, "Motherhood", a la que siguió "Passport" en 1971. La música de Doldinger se inspiró en el jazz, el rock, el blues y el soul, así como en sonidos electrónicos experimentales y ritmos latinoamericanos. Su segundo álbum, "Second Passport", fue un éxito en las listas de popularidad en 1973. En 1976 y 1981, el grupo fue elegido "Artista del Año" en la categoría Ensemble Pop National por el jurado de los Premios Discográficos Alemanes.   Por esa época, compuso también para producciones de cine y televisión. Aportó la música a éxitos populares como "La Historia Sin Fin", "El Maletero", "Sal en mi Piel" y "Querido Kreuzberg". La melodía de "Tatort" se convirtió en un clásico. Con motivo de su 85º cumpleaños en 2021, el presidente federal Frank-Walter Steinmeier lo felicitó y rindió homenaje al músico como un espíritu creativo "que constantemente aporta a la música improvisada nuevas formas de expresión independientes, un compositor y arreglista que ha trabajado con innumerables músicos de jazz de renombre internacional y un profesor y artista cuyo trabajo ha influido en la música improvisada durante décadas". Doldinger recibió la Orden Maximiliano de las Ciencias y las Artes de Baviera y la Orden del Mérito de Baviera.   El ministro-presidente bávaro, Markus Söder, rindió homenaje al saxofonista, fallecido a los 89 años, como una "verdadera leyenda de la música". "Klaus Doldinger conmovió a millones de personas con su música. El mundo se ha vuelto un lugar más pobre con su fallecimiento. Baviera llora a una verdadera leyenda de la música. Nunca lo olvidaremos ni a él ni a sus himnos» declaró Söder. Por su parte, Katrin Vernau, directora general de WDR declaró: «Casi ningún músico ha marcado la televisión alemana tanto como Klaus Doldinger». «Durante más de 55 años, su inconfundible melodía ha dado origen a la serie Tatort. El hecho de que esta melodía haya perdurado tanto tiempo en la dinámica industria televisiva habla por sí solo de la extraordinaria calidad de la composición», mientras Jörg Schönenborn, director de programación de WDR dijo: “con Doldinger, Alemania ha perdido a un gran músico y compositor cinematográfico. La música de Doldinger es el elemento aglutinante que, desde el principio, ha convertido los diversos capítulos de la serie Tatort en un todo y por lo tanto, en un evento televisivo reconocible e inconfundible».      

Live Jazz
con Octavio Echávarri y Germán Palomares Oviedo 

martes 21 hrs Conexión Disepersa en spreaker 
repetición lunes 3 pm www.radioactivatx.org 

TIGRAN HAMASYAN/THE BIRD OF A THOUSAND VOICES    

Tigran Hamasyan es considerado uno de los pianistas/compositores de jazz-meets-rock más notables y distintivos de su generación. Un virtuoso del piano con poder groove, Hamasyan fusiona a la perfección la potente improvisación del jazz y el rock progresivo con la rica música folclórica de su Armenia natal . Ganó el Concurso Internacional de Piano de Jazz Thelonious Monk, fue galardonado con un Victoires de la Musique (el equivalente a un premio Grammy en Francia); y recibió el premio internacional Deutscher Jazzpreis en la categoría de Piano/Teclados en 2021.  

Además de premios y elogios de la crítica, Hamasyan se ha ganado una fiel base de seguidores en todo el mundo, además de recibir elogios de Herbie Hancock, Brad Mehldau y el fallecido Chick Corea. «Con sorprendentes combinaciones de jazz, minimalismo, electrónica, folk y elementos de composición… Hamasyan y sus colaboradores recorren vastas extensiones musicales marcadas por ritmos potentes, voces etéreas, una interpretación de piano impecable y melodías antiguas. No escucharás nada igual». (NPR)  

El nuevo álbum conceptual de Hamasyan, "El pájaro de las mil voces", se lanzó en agosto de 2024. Tigran compuso, musicalizó y arregló este esperado proyecto. El álbum está inspirado en un antiguo cuento armenio en el que un héroe viaja a reinos invisibles para encontrar y traer de vuelta a un pájaro mítico, cuyos mil cantos diferentes despertarán a la gente y traerán armonía al mundo. La obra de teatro musical transmedia "El pájaro de las mil voces", una intrigante instalación de luz inmersiva con juego de sombras, voces programadas digitalmente, música en vivo y libreto armenio-inglés, se estrenó en el Festival de Holanda en junio de 2024.

La historia original del Pájaro de Fuego se ha transmitido oralmente a través de siglos y culturas. Este cuento popular requiere un enfoque multidisciplinario y multidimensional para apreciar plenamente su contexto artístico. El místico pájaro de las mil voces sirve como una hermosa metáfora de nuestros tiempos: un mundo que busca conexión y armonía, pero que se enfrenta a crisis ecológicas, psicológicas y espirituales. Tras un triple estreno mundial con entradas agotadas en el Festival de Holanda de Ámsterdam (junio de 2024), El Pájaro de las Mil Voces sigue en vuelo. En 2025, regresa a los escenarios en una gira mundial que lo traerá a México.

SACBÉ   Sacbé se formó en 1976, en la ciudad de México por los hermanos Eugenio, Enrique y Fernando Toussaint, junto al saxofonista Alejandro Campos.

La idea original en la integración del grupo fue la creación de un proyecto musical que, a la vez que representara lo que en ese momento se hacÍa en el jazz contemporáneo, tuviera una identidad propia, latinoamericana, que reflejase un movimiento musical importante y fresco. Esto se llevó a cabo, fundamentalmente, con la presentación de un repertorio original que, sin negar sus múltiples influencias, pudiera representar de manera sólida su propuesta musical del grupo.

Uno de los mayores logros del grupo fue la fundación de su propia compañÍa discográfica y consecuentemente, la realización de proyectos discográficos independientes que hacia finales de la década de 1970 no existían en México, con excepción de un par de compañías dedicadas a la difusión de música folclórica latinoamericana.

A lo largo de su historia musical, Sacbé experimentó varios cambios tanto de sus miembros, como de lugares de residencia.

La discografÍa del grupo Sacbé incluye los siguientes discos: Sacbé (1977), Selva Tucanera (1978), Street Corner (1982), Aztlán (1983), Dos Mundos (1986), Los Pintores (1996), Todo Sacbé (2001), Tri Neo (2007), Tri Neo Dimensiones (2021).

SNARKY PUPPY Tras una década de giras y grabaciones incansables en un olvido casi absoluto, este cuasi colectivo, nacido en Texas y radicado en Nueva York, se vio repentinamente reconocido por la prensa y el público como una de las figuras más importantes del jazz. No es una banda de fusión y definitivamente no es una banda de jam. Probablemente sea mejor seguir el consejo de Nate Chinen, del New York Times, en una discusión en línea sobre el grupo: "hay que aceptarlos por lo que son, en lugar de juzgarlos por lo que no son". La banda fue formada por el bajista y compositor principal Michael League en 2004, comenzando discretamente como un grupo de amigos universitarios en el programa de Estudios de Jazz de la Universidad del Norte de Texas. Tres años después, una coincidencia fortuita con la comunidad gospel y R&B de Dallas transformó la música en algo más funky, directo y visceral. Fue en esta época que el grupo incorporó a músicos como Robert "Sput" Searight (batería), Shaun Martin (teclados) y Bobby Sparks (teclados), y recibió una fuerte influencia del legendario teclista Bernard Wright (Miles Davis, Chaka Khan, Marcus Miller). Cada presentación de Snarky Puppy, una fuerza revolucionaria en la escena musical actual, es una celebración de la creatividad, la improvisación y la conexión entre músicos y público. No podemos dejar pasar la oportunidad de vivir la energía y la maestría de uno de los colectivos más revolucionarios de la música contemporánea. Todo esto lo podremos comprobar y disfrutar el próximo 27 de septiembre, cuando la banda realice una presentación que promete ser una clase magistral de virtuosismo, groove y libertad sonora en el Auditorio BlackBerry, a partir de las 21:00.


🎧 Live Jazz disponible en podcast por Conexión Dispersa en Spreaker.
🔁 Repetición lunes 3 PM en www.radioactivatx.org

Live Jazz 
Invitada: ERIKA GOEZ
En esta edición del Live Jazz contamos con la presencia de Erika Goez, compositora y cantante mexicana con más de 20 años de trayectoria en la industria de la música. Desde la CDMX ha destacado por su voz, talento y perseverancia, consolidando un estilo que fusiona pop, jazz y elementos de la mexicanidad.
Conversaremos sobre su más reciente producción “Ella”, dirigida por el Mtro. Marcos Milagres, en la que explora una paleta de ritmos y colores que viajan del jazz al bolero y el folklore. Además, Erika nos compartirá detalles del concierto especial que ofrecerá el domingo 21 de septiembre en la Sala de Conciertos Elisa Carrillo, dentro de las Actividades Culturales Gratuitas del Estado de México.
Músicos que la acompañan:
Marcos Milagres – dirección musical, arreglos, bajo y contrabajo
Fernando Acosta – piano
Vladimir Alfonseca – guitarra
Erick Carrillo – batería
Luiz Gutiérrez – violín
🎧 Estreno del podcast: martes 9 PM en Conexión Dispersa por Spreaker (canal Live Jazz).
🔁 Repetición: lunes 3 PM en www.radioactivatx.org
 (Live Jazz Radio).
🔗 Sigue a Erika Goez:
Instagram y Facebook: @eri_goez
YouTube: youtube.com/@erikagoez685 

Live Jazz
con Octavio Echávarri 

Iraida Noriega, una de las intérpretes más representativas del jazz en México.
Con raíces en México y Cuba, Iraida nombra su nuevo disco Ríos como metáfora de las corrientes musicales que la han formado: el bolero, el feeling, la herencia afrocubana, lo mexicanista y la libertad del jazz.
Acompañada por el trío Blanco–Cupich–Nandayapa —Roberto Blanco al piano, Israel Cupich en el contrabajo y Tavo Nandayapa en la batería— Iraida presenta un proyecto que es fusión y fluir: composiciones propias que se entrelazan hasta desembocar en un mismo mar.
El álbum estará disponible en plataformas digitales a partir de septiembre de 2025, bajo el sello Fonarte Latino, y también en formato físico con un micrositio interactivo.
Podcast por Conexión Dispersa en Spreaker, los martes a las 9 PM. 
Escúchanos en www.radioactivatx.org
Lunes, 3 PM (CDMX)