Música para Gatos

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Joyce Silveira Moreno, más conocida en el mundo del jazz como Joyce, nació muy cerca de la playa de Copacabana, al sur de Rio de Janeiro, en Posto 6, el día 31 de enero de 1948. Sus padres se separaron antes de que ella naciera y fue registrada por su madre, Zemir, como hija de su primer matrimonio. Zemir, funcionaria pública, cuidó sola de ella y de dos hijos más de su anterior matrimonio. Joyce aprende a tocar la guitarra a los 14 años, observando a su hermanastro Newton, 13 años mayor que ella. Por casa de la pequeña Joyce pasaban de forma habitual gente como Roberto Menescal y Eumir Deodato, amigos de Newton, además de Leny Andrade y los hermanos Castro-Neves. Ella se limitaba a mirar y a abrir bien los oídos.

En 1964, con 16 años, hace su primera grabación en estudio, “Sambacana”, invitada por Roberto Menescal. A los 18 inicia estudios de música y al año siguiente comienza la carrera de periodismo. Ese mismo año clasifica la canción “Me disseram” para el Segundo Festival Internacional da Cançao de Rio. La letra, que incluye el verso “ja me disseram que meu homem nao me ama” (me dijeron que mi hombre no me quiere) causo gran revuelo en Brasil tan sólo por que estaba escrita en 1ª persona del femenino. Algunos periodistas calificaron la letra de “vulgar e inmoral”, acusándola de feminista un concepto que Joyce que ni siquiera conocía en aquel momento. Brasil estaba sumergida en una terrible dictadura. Ella misma cuenta, “Cuando clasifiqué “Me Disseram” en el festival fue un gran escándalo y hubieron sonoros abucheos. Cuando salió mi primer LP en 1968 hubo críticos que dudaron de mi autoría, diciendo que las canciones eran demasiado buenas para haber sido hechas por una mujer. “Joyce” que así se llamó su primer larga duración estaba compuesto por 11 temas; 5 suyos y 6 más de gente entonces desconocida. Eran Paulino da Viola, Marcos Valle, Francis Hime, Caetano Veloso, Jards Macalé, Toninho Horta y Ronaldo Bastos. Al año siguiente graba su segundo disco producido por Nelson Motta, con arreglos de Luis Eça, titulado “Encontro Marcado” y hace su primera gira fuera de Brasil. Con el grupo Sagrada Familia de Luiz Eça, grabaría un nuevo trabajo en 1970 y ese mismo año lanzaría un doble compacto con el grupo A Tribu, formado por ella, además de Toninho Horta, Novelli, Nana Vasconcelos y Nelson Angelo, con quien se casaría meses después. En 1975 Joyce se separa de Nelson Angelo y se queda sin trabajo y con dos hijas que mantener. Afortunadamente Vinicius de Moraes la invita para substituir a Toquinho. Un año después graba en Italia el trabajo “Passarinho Urbano” donde interpreta temas de nuevos artistas censurados por la dictadura militar, entre ellos Chico Buarque, Milton Nascimento, Caetano Veloso, Edu Lobo, Maurício Tapajós o el mismo Vinicius. En 1980 despega definitivamente la carrera de esta polifacética artista, con el lanzamiento del excelente trabajo “Feminina”. A la etapa previa Joyce la denomina “el yo antes del yo” . Y es que ella jamás quiso ser tan solo una cantante. Joyce quería componer y arreglar sus propios temas para tener el control creativo total sobre su obra.

Joyce es para los gatos una de las grandes dentro de la música brasileña. Excepcional vocalista, guitarrista y compositora, brillante letrista, escritora y, si nos lo permitís, un ser humano muy interesante. Hoy le vamos a dedicar un programa aunque ya sabéis lo que opinamos al respecto. Para un músico que tiene 40 discos en el mercado una hora de música es tan sólo una simple presentación aunque os garantizamos una hora de altísimo nivel musical.

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¿Qué es un standard de jazz?. La definición más acertada que se nos ocurre es que un standard de jazz es una pieza musical que con los años se convierte en una composición aceptada y valorada por la comunidad jazzística quienes en muchos casos deciden incorporarla a su repertorio habitual.

La definición nos sirve para introducir un nuevo capítulo de uno de aquellos programas a los que solemos llamar “Cuerpo de jazz, alma de fusión”. En ellos lo que hacemos es seleccionar una colección de standards del jazz y escoger una versión producida unas cuantas décadas más tarde y realizada por nuevos músicos de jazz que la reinterpretan de acuerdo a sus gustos personales ofreciéndonos así un nuevo punto de vista que en algunas ocasiones pueden llegar a mejorar la idea original, cosa que en nuestra opinión no hace más que contribuir a enriquecer la composición original de forma notable. Si os interesa el tema deciros que ya nos ocupamos de ello en capítulos anteriores de Música para Gatos, concretamente en los episodios 17, 28 y 47.

Clásicos como Body and Soul de Johnny Green o The Way you Look Tonight de Jerome Kern, o Night and Day de Col Porter o Blue Moon de Richard Rodgers o Corcovado de Jobim han sido interpretados por gran parte de la comunidad jazzística y forman ya parte de la cultura popular. Seguro que los habéis escuchado en películas, series y programas de televisión, en la radio y habéis leído algo sobre ellos pero en la mayoría de los casos no acertamos a saber de quién son, a que época pertenecen y cual es su nombre. Hoy en el tejado nos vamos a ocupar de ello.

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¿Qué es un standard de jazz?. La definición más acertada que se nos ocurre es que un standard de jazz es una pieza musical que con los años se convierte en una composición aceptada y valorada por la comunidad jazzística quienes en muchos casos deciden incorporarla a su repertorio habitual.

La definición nos sirve para introducir un nuevo capítulo de uno de aquellos programas a los que solemos llamar “Cuerpo de jazz, alma de fusión”. En ellos lo que hacemos es seleccionar una colección de standards del jazz y escoger una versión producida unas cuantas décadas más tarde y realizada por nuevos músicos de jazz que la reinterpretan de acuerdo a sus gustos personales ofreciéndonos así un nuevo punto de vista que en algunas ocasiones pueden llegar a mejorar la idea original, cosa que en nuestra opinión no hace más que contribuir a enriquecer la composición original de forma notable. Si os interesa el tema deciros que ya nos ocupamos de ello en capítulos anteriores de Música para Gatos, concretamente en los episodios 17, 28 y 47.

Clásicos como Body and Soul de Johnny Green o The Way you Look Tonight de Jerome Kern, o Night and Day de Col Porter o Blue Moon de Richard Rodgers o Corcovado de Jobim han sido interpretados por gran parte de la comunidad jazzística y forman ya parte de la cultura popular. Seguro que los habéis escuchado en películas, series y programas de televisión, en la radio y habéis leído algo sobre ellos pero en la mayoría de los casos no acertamos a saber de quién son, a que época pertenecen y cual es su nombre. Hoy en el tejado nos vamos a ocupar de ello.

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En Estados Unidos la gran depresión que se generó tras el crack de la bolsa del año 1929 significó para el jazz el comienzo de la era del Swing. El público necesitaba olvidar las penurias económicas con una música desenfadada y apta para el baile. En ese contexto aparecen dos grandes figuras de la guitarra a partir de las cuales se ha desarrollado toda la evolución posterior del instrumento. Sus lenguajes y propuestas técnico-estéticas son tan antagónicas y los resultados sonoros tan dispares, que podemos hablar de los dos pilares básicos de la forma de tocar y entender la guitarra en el mundo del Jazz. Ellos eran Charlie Christian y Django Reinhart.

Charlie Christian, nace en Dallas en 1919 y muere en 1942 a la temprana edad de 24 años. A pesar de su corta carrera su influencia ha sido enorme hasta el punto que resulta difícil encontrar aún en la actualidad un guitarrista de jazz que sea ajeno a ella. En los años 30 y precedentes la guitarra no podía ser considerada como un instrumento solista, su sonido era débil y no podía competir en un escenario con la potencia de otros instrumentos como la trompeta, el piano o la batería con lo cual estaba limitada a ser un simple instrumento de acompañamiento, muchos veces substituido por el banjo. Todo cambió en el año 1937, momento en el cual Christian adopta un invento revolucionario al acoplar un resonador magnético a manera de micrófono a la boca del instrumento de forma que permitía su amplificación. Se acababa de inventar la guitarra eléctrica y Charlie Christian estaba así preparado para competir con cualquier otro solista, tanto musicalmente como en volumen sonoro de manera que sus líneas resultaban superiores a cualquier otro guitarrista de su época y su fraseo sugería al oyente una nueva experiencia auditiva. Christian fue simplemente un genio innovador. Sus increíbles improvisaciones adelantaron el bebop, un estilo que comenzaría a ser popular unos cuantos años más tarde de la mano de gente como Charlie Parker, Dizzy Gillespie o Miles Davis.

En esos mismos años aparece en Francia Django Reinhart. Django nace en el carro de sus padres en el año 1910. A los 18 años, el incendio de su carromato casi le cuesta la vida, quedándole mutilada la mano izquierda. Este hecho le obliga a “inventar” una nueva técnica que le permitiría seguir tocando. Su carrera musical está ligada de forma indisoluble a la figura del violinista Stephane Grapelly, formando en los años 30 el “Quinteto del Hot club de Francia”, que convierte a Django en uno de los más grandes guitarrista de la historia. Su fama llega a América y el gran Duke Ellington le ofrece una oportunidad única, sin embargo, Django la desaprovecha al no adaptarse a unas formas de vida muy diferentes a la suya. De vuelta a Europa, abandona la música para dedicarse a la pesca y la pintura, muriendo en 1953 cuando se disponía a iniciar su lanzamiento a nivel mundial. Con solo dos dedos en la mano izquierda Django consigue solos llenos de swing, extraordinariamente expresivos y repletos de lirismo.

Tras Christian y Reinhart llegaron muchos otros. Hoy en el tejado nos vamos a ocupar de ellos.

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En Estados Unidos la gran depresión que se generó tras el crack de la bolsa del año 1929 significó para el jazz el comienzo de la era del Swing. El público necesitaba olvidar las penurias económicas con una música desenfadada y apta para el baile. En ese contexto aparecen dos grandes figuras de la guitarra a partir de las cuales se ha desarrollado toda la evolución posterior del instrumento. Sus lenguajes y propuestas técnico-estéticas son tan antagónicas y los resultados sonoros tan dispares, que podemos hablar de los dos pilares básicos de la forma de tocar y entender la guitarra en el mundo del Jazz. Ellos eran Charlie Christian y Django Reinhart.

Charlie Christian, nace en Dallas en 1919 y muere en 1942 a la temprana edad de 24 años. A pesar de su corta carrera su influencia ha sido enorme hasta el punto que resulta difícil encontrar aún en la actualidad un guitarrista de jazz que sea ajeno a ella. En los años 30 y precedentes la guitarra no podía ser considerada como un instrumento solista, su sonido era débil y no podía competir en un escenario con la potencia de otros instrumentos como la trompeta, el piano o la batería con lo cual estaba limitada a ser un simple instrumento de acompañamiento, muchos veces substituido por el banjo. Todo cambió en el año 1937, momento en el cual Christian adopta un invento revolucionario al acoplar un resonador magnético a manera de micrófono a la boca del instrumento de forma que permitía su amplificación. Se acababa de inventar la guitarra eléctrica y Charlie Christian estaba así preparado para competir con cualquier otro solista, tanto musicalmente como en volumen sonoro de manera que sus líneas resultaban superiores a cualquier otro guitarrista de su época y su fraseo sugería al oyente una nueva experiencia auditiva. Christian fue simplemente un genio innovador. Sus increíbles improvisaciones adelantaron el bebop, un estilo que comenzaría a ser popular unos cuantos años más tarde de la mano de gente como Charlie Parker, Dizzy Gillespie o Miles Davis.

En esos mismos años aparece en Francia Django Reinhart. Django nace en el carro de sus padres en el año 1910. A los 18 años, el incendio de su carromato casi le cuesta la vida, quedándole mutilada la mano izquierda. Este hecho le obliga a “inventar” una nueva técnica que le permitiría seguir tocando. Su carrera musical está ligada de forma indisoluble a la figura del violinista Stephane Grapelly, formando en los años 30 el “Quinteto del Hot club de Francia”, que convierte a Django en uno de los más grandes guitarrista de la historia. Su fama llega a América y el gran Duke Ellington le ofrece una oportunidad única, sin embargo, Django la desaprovecha al no adaptarse a unas formas de vida muy diferentes a la suya. De vuelta a Europa, abandona la música para dedicarse a la pesca y la pintura, muriendo en 1953 cuando se disponía a iniciar su lanzamiento a nivel mundial. Con solo dos dedos en la mano izquierda Django consigue solos llenos de swing, extraordinariamente expresivos y repletos de lirismo.

Tras Christian y Reinhart llegaron muchos otros. Hoy en el tejado nos vamos a ocupar de ellos.

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La historia del jazz está plagada de discos que pretenden plasmar la colaboración entre dos grandes artistas, algunas veces porqué quieren colaborar ya que existe un respeto mutuo pero en otras ocasiones también por interés de las compañías discográficas que ven en ello la posibilidad obtener unas ventas suculentas. Existen numerosos ejemplos de ello como la colaboración entre Charlie Parker y Dizzy Gillespie, un trabajo del año 1952 que se llamó Bird & Dizz y que además incorporaba la presencia de músicos tan importantes como Thelonius Monk y Buddy Rich. Del año 1954 es una interesante colaboración la que ofrecieron el trompetista Clifford Brown y el baterista Max Roach en su trabajo homónimo Clifford Brown & Max Roach. Podemos citar también la colaboración entre Ella Fitzerald y Louis Armstrong del año 1956 que contaba con la presencia de Oscar Peterson al piano y Herb Ellis a la guitarra. O las múltiples colaboraciones entre Thelonious Monk y John Coltrane. Famosas también las realizadas entre John Coltrane y Miles Davis. O entre Duke Ellington y Coleman Hawkins en un importante trabajo de 1963 que se llamó Duke Ellington meets Coleman Hawkins. O entre Duke Ellington y John Coltrane, también del año 1963 y que incorpora una de las más famosas versiones del clásico In a Sentimental Moon compuesto por el propio Ellington prácticamente 30 años antes. Podríamos acercaros muchísimas colaboraciones y eso precisamente es lo que vamos a hacer hoy aunque centrándonos en el jazz aparecido a partir de mediados de los años 60. Un menú muy gatuno que esperamos que os guste.

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La historia del jazz está plagada de discos que pretenden plasmar la colaboración entre dos grandes artistas, algunas veces porqué quieren colaborar ya que existe un respeto mutuo pero en otras ocasiones también por interés de las compañías discográficas que ven en ello la posibilidad obtener unas ventas suculentas. Existen numerosos ejemplos de ello como la colaboración entre Charlie Parker y Dizzy Gillespie, un trabajo del año 1952 que se llamó Bird & Dizz y que además incorporaba la presencia de músicos tan importantes como Thelonius Monk y Buddy Rich. Del año 1954 es una interesante colaboración la que ofrecieron el trompetista Clifford Brown y el baterista Max Roach en su trabajo homónimo Clifford Brown & Max Roach. Podemos citar también la colaboración entre Ella Fitzerald y Louis Armstrong del año 1956 que contaba con la presencia de Oscar Peterson al piano y Herb Ellis a la guitarra. O las múltiples colaboraciones entre Thelonious Monk y John Coltrane. Famosas también las realizadas entre John Coltrane y Miles Davis. O entre Duke Ellington y Coleman Hawkins en un importante trabajo de 1963 que se llamó Duke Ellington meets Coleman Hawkins. O entre Duke Ellington y John Coltrane, también del año 1963 y que incorpora una de las más famosas versiones del clásico In a Sentimental Moon compuesto por el propio Ellington prácticamente 30 años antes. Podríamos acercaros muchísimas colaboraciones y eso precisamente es lo que vamos a hacer hoy aunque centrándonos en el jazz aparecido a partir de mediados de los años 60. Un menú muy gatuno que esperamos que os guste.

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El vibráfono es un instrumento musical de percusión que está formado por una serie de láminas metálicas colocadas de forma gradual y que vibran al ser golpeadas con baquetas, una técnica similar a la que utliza el piano. El vibráfono fue inventado hacia 1920 siguiendo el patrón del xilófono uno de los pocos instrumentos musicales que no ha sufrido ninguna modificación desde sus orígenes. Es además el único instrumento que nació para ser tocado en una orquesta de jazz y que ha sido posteriormente incorporado a las orquestas de música clásica. A pesar de ello es un instrumento a menudo ignorado y esa es la razón que nos ha llevado a los gatos a dedicarle un programa en este tejado soleado.

El vibráfono comenzó a usarse como instrumento de acompañamiento, hasta la llegada de Lionel Hampton y Red Norvo. El primero grabó el primer solo de vibráfono en un tema que se llamó Memories of you mientras que Norvo destacó por su musicalidad interpretando swing y ragtime cosa que sin duda influyó en la consagración del Vibráfono como instrumento solista. Con la evolución del jazz, igualmente evoluciona el vibráfono que poco a poco fue tomando un carácter cada vez más solista. En los 50s aparece Milt Jackson, otro vibrafonista fundamental y a mediados de los años 60 gracias a la aportación de Gary Burton, el instrumento tomará un impulso que lo convertirá en un sonido muy identificable para los amantes del jazz de todo el mundo. Burton es el primero en tocar con cuatro baquetas, ya que hasta el momento el vibráfono había sido tocado, al igual que el xilófono, con sólo dos. Más tarde llegaría gente como Bobby Hutcherson, Tito Puente, Roy Ayers, cal Tjader, Bill Molenhoff, Mike Mainieri, David Friedman o Dave Samuels entre muchos otros grandes. Hoy nos vamos a ocupar del vibráfono.

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El vibráfono es un instrumento musical de percusión que está formado por una serie de láminas metálicas colocadas de forma gradual y que vibran al ser golpeadas con baquetas, una técnica similar a la que utliza el piano. El vibráfono fue inventado hacia 1920 siguiendo el patrón del xilófono uno de los pocos instrumentos musicales que no ha sufrido ninguna modificación desde sus orígenes. Es además el único instrumento que nació para ser tocado en una orquesta de jazz y que ha sido posteriormente incorporado a las orquestas de música clásica. A pesar de ello es un instrumento a menudo ignorado y esa es la razón que nos ha llevado a los gatos a dedicarle un programa en este tejado soleado.

El vibráfono comenzó a usarse como instrumento de acompañamiento, hasta la llegada de Lionel Hampton y Red Norvo. El primero grabó el primer solo de vibráfono en un tema que se llamó Memories of you mientras que Norvo destacó por su musicalidad interpretando swing y ragtime cosa que sin duda influyó en la consagración del Vibráfono como instrumento solista. Con la evolución del jazz, igualmente evoluciona el vibráfono que poco a poco fue tomando un carácter cada vez más solista. En los 50s aparece Milt Jackson, otro vibrafonista fundamental y a mediados de los años 60 gracias a la aportación de Gary Burton, el instrumento tomará un impulso que lo convertirá en un sonido muy identificable para los amantes del jazz de todo el mundo. Burton es el primero en tocar con cuatro baquetas, ya que hasta el momento el vibráfono había sido tocado, al igual que el xilófono, con sólo dos. Más tarde llegaría gente como Bobby Hutcherson, Tito Puente, Roy Ayers, cal Tjader, Bill Molenhoff, Mike Mainieri, David Friedman o Dave Samuels entre muchos otros grandes. Hoy nos vamos a ocupar del vibráfono.

Recién llegados de estas extrañas vacaciones nos incorporamos de nuevo para iniciar la tercera temporada de Música para Gatos. Este verano hemos recibido un par de noticias que queremos compartir con los cerca de 1000 seguidores que hemos acumulado desde nuestra edición inaugural, en abril del 2019. La primera es que a partir de ahora Música para Gatos se integra en Esfera Jazz, una idea de nuestro amigo Alex Garcia y que pretende aglutinar toda la información posible relativa a esta música. Os pasamos la dirección de esta web en el texto del programa que publicamos en iVoox. Si os gusta el contenido os podéis hacer seguidores, así estaremos todos algo más cerca.

La segunda noticia que os queremos trasladar también es que Radiocadena Española nos ha pedido permiso para programar Música para Gatos en su emisora, cosa a la que obviamente hemos accedido con gusto. Po la información que tenemos se emitirá dos días por semana a las 0h. Si se trata de dar altavoz a cualquier forma de jazz, aquí estamos los gatos para ayudar en lo que sea necesario.

Y hablando ya del programa de hoy, nuestra edición número 65, hemos creído oportuno iniciarla con un genero musical que nos emociona especialmente. Como a los gatos nos resulta imposible desconectar de la música hemos dedicado algo de nuestro tiempo libre a revisar el listado de programas y las temáticas que os hemos acercado durante el último año y medio y hemos observado con cierta sorpresa que de todos ellos tan solo habíamos dedicado tres de forma integra a la música de Brasil a pesar de que ha estado presente en mayor o menos grado en la mayoría de ellos. Vamos a iniciar nuestra tercera temporada precisamente con eso. Será un capítulo lleno de nombres muy conocidos pero que a buen seguro os deparará alguna sorpresa agradable. ¿te apetece comprobarlo? Si es así busca un lugar cómodo y agradable, tráete un café o una copa, relájate y disfruta de uno de los géneros musicales más influyentes del pasado siglo XX.

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