Música y significado

Empezamos a analizar las inmortales Cantatas de Bach. Nos servimos del Coral de la Cantata 147 (1723) para introducirnos en sus símbolos musicales: un símbolo para la permanencia, otro para la alegría ("Jesús permanece como mi alegría"). Cantata 140 (1731): figuración rítmica para describir al vigía de la torre, melodía ascendente para "alzad la vista", melismas para el Aleluya. Y, para el Coral del tenor, una suerte de "danza del alma". Cantata 213 (1733, "La elección de Hércules"): símbolo para las alas del águila ("sobre mis alas te balancearás"), notas que se elevan (como el águila), una circulatio para el ondeo de las alas en las alturas. Cantata 208 (1713, "Cantata de caza"): la misma música que el Concierto de Brandenburgo nº1, con trompas para darle un aire de montería al cumple de Christian de Sajonia. Y, para el aria, dos flautas "pastorales" en "Las ovejas pueden pastar seguras donde un buen pastor vigila". Cantata 11 (1735): trompetas y timbales para un himno de gloria, ritmo lombardo como símbolo de festividad. Cantata 170: ritmo pastoral, sosegado, a causa de sus palabras clave: "placentero sosiego"; y para la palabra "Ruh" ("descanso"), una larga prolongación en el aria de contralto. Seguiremos con más cantatas. Hoy terminamos con música contemporánea: Guillermo Alonso Iriarte y su Nocturno "Lidio", una ráfaga desde la delicadeza hasta la turbulencia, y siempre abundante en memorias a punto de ser descifradas. Música apasionante, de cierto "atonalismo consonante".

Sonidos mañaneros y canciones de corro (auténticas) en la Villa Borghese, gregorianos profundos (auténticos) en las Catacumbas, pájaros impresionistas y un ruiseñor (auténtico) en la colina del Janículo, y un amanecer con neblina contemplando cómo caminan las implacables legiones romanas por la Vía Apia, tipo Ben-Hur, que inspiró el tema de Krypto de John Williams (auténtico)...

Todo esto contienen los Pinos de Roma de Ottorino Respighi (1924). Visitamos en detalle sus temas encantadores, las canciones que le cantó su esposa Elsa, su exquisitez para la orquestación, su evocación de una Roma legendaria y quizá eterna, resonada en los ecos infantiles, los sonidos de la naturaleza, los graves monjes medievales y los presagios de batalla.

Y repasamos su relación (o no relación) con el fascismo, al contrario que otros ilustres de la época (Stravinsky, Webern...).

Modernismo y empatía, podríamos decir...

A propósito de ello, finalizamos con música contemporánea, como siempre: Andrea Casarrubios y su Obertura y Coral (2020). Felices memorias,,,

Saludamos ¡¡la Temporada 13!! con el frescor que nos es consustancial, y conjuramos la triscaidecafobia de Schönberg con el hermosísimo Concierto para violín y orquesta de Eric Korngold. Lo compuso en 1945 porque se lo pidió Heifetz. Metió en él temazos de sus pelis: Otro amanecer (1937), Juárez (1939), Anthony Adverse (1936), Príncipe y mendigo (1937). La gente, claro, aplaudió a rabiar y batió el récord de aplausos en la historia de San Luis. Por que es que Korngold iba para sinfonista, alabadísimo de joven por Mahler, Richard Strauss, Puccini oSchnabel. Pero el antisemitismo germano lo llevó hastaHollywood, donde (casi) fundó la técnica moderna de las bandas sonoras (cuya influencia llega hasta John Williams). Usó el leitmotiv wagneriano en sus pelis (comentamos rápidamente cómo lo usa en Lobo de mar, 1941). Y comprueba lo que dijo John Mauceri: la herencia sinfónica europea se fue a Hollywood y brilló históricamente allí. En fin. Feliz año nuevo, queridos-as. Lo celebramos con el Zortziko sinfónico de otro gran autor de bandas sonoras: Fernando Velázquez, heredero en cierta manera de la empatía expresiva de Korngold. Y este Zortziko brilla con hechicería en el finale de su Concierto para violonchelo y orquesta. Saludo muuuy amistoso,,,

Llevamos invocando a Schönberg ¡¡12 temporadas!!... Sin él la vida no habría sido lo mismo. Hoy vindicamos a Schönberg como un magnífico compositor, romántico post-wagneriano, o post-mahleriano (Pelleas y Melisenda, por ejemplo). Examinamos por qué abordó el atonalismo en 1908, y después el dodecafonismo en 1921. Un extraordinario compositor, dotado para la expresión exacerbada y para la seducción del público, que ejerció de profeta, como en Moses und Aron, y como Superviviente de Varsovia. Sus profecías, magnificadas y potenciadas por Pierre Boulez, no gozaron de un cumplimiento inmediato (si por inmediato entendemos los siguientes 115 años): examinamos a sus exitosos contemporáneos Puccini, Rachmaninov, Prokofiev, Gerswhin, incluso Hubert Parry... Escuchamos la música de Los Seis franceses, representados por Germaine Tailleferre. Escuchamos incluso a John Williams, contemporáneo de PIerre Boulez. Y examinamos de dónde venía su idea de la "evolución musical": Wagner, Houston Chamberlain, relacionado con Gobineau el "padre del racismo", su maestro David Bach, el supremacismo cotidiano que se respiraba en aquel contexto. Examinamos la idea misma de "evolución", y la dirección o manejo de ese concepto en esa especie de "darwinismo socio-musical". Os podéis imaginar... Y feliz verano luminoso y revelador, queridos-as. Cerramos la temporada con la preciosa canción "I'll bid my heart be still" de Rebecca Clarke. Hasta siempre,,,

El Bach casero, hogareño, que sentía la responsabilidad detransmitir el don de la Música a sus 10 hijos e hijas (10 sobrevivieron a la infancia, otros 10 fallecieron muy pequeñitos) y a su amada jovencísima segunda esposa, Anna Magdalena Wilcken, que era una excelente soprano en la corte. Contamos cómo se conocieron (Köthen, 1721) unos meses después de la muerte repentina de María Bárbara (julio de 1720). Contamos cómo se casaron, y lo ilustramos con las cantatas de aquellos días: Cantata 199 (aria "Qué alegre está mi corazón") y Cantata 202 (aria "Partid, sombras afligidas"). Allí en Köthen Bach le regala a Anna el primer Libro de Notas, con las cinco Suites Francesas (escuchamos una Giga y un Minueto) y alguna pieza más. Contamos cómo se trasladan de Köthen a Leipzig con toda la familia numerosa (porque el príncipe Leopoldo se casó con su prima Federica, y ella se aburría con la música de Bach). Allí en Leipzig, ya instalados y bien pagados, Bach le regala a su amada el segundo libro, el famoso: el Álbum de Anna Magdalena Bach. Escuchamos algunas de las piezas que mete en el Álbum, que va a crecer con los años: el famoso Minueto de Petzold, el otro Minueto en Sol mayor, la Mussette, "Les Bergeries" de Louis Couperin, una Marcha y una Polonesa del jovencito Carl Philipp Bach, el Minueto en Re menor (que tal vez recuerda los días en que se conocieron, porque comparte tema con la Cantata 199, aria "Suspiros silenciosos, lamentos silenciosos"). Y escuchamos piezas vocales: el coral "Dir, Dir, Jehova", el aria "Si tu corazón quieres darme, hazlo secretamente" (que tal vez retrata ¿su noviazgo?), y arias sobre la famosa "dulce muerte", una constante que latía en el corazón de Bach, quien -como Mahler- convivía con la muerte de muuuchos seres queridos desde los 9 años. Acabamos con la canción más conocida del Álbum: "Bist du bei mir" (arreglo del Diomedes de Stölzel). Su texto es su testamento para aquella relación cuyos detalles no conocemos pero podemos intuir: "Permanece conmigo y me iré gozoso a la muerte y a mi reposo. Cuán alegre sería mi final si quisieras que tus hermosas manos cerraran mis ojos".

Mendelssohn: Canciones sin palabra

Fauré pasa a nuestra memoria colectiva, no por sus desarrollos ni por sus titanes ni por sus aspavientos frente al abismo, sino por una especie de aroma melódico o "poder sutil". Lo vemos a sus 19 años en el Canticus de Jean Racine (1864). Lo vemos en sus canciones, como la famosa "Después de un sueño" (1870). Casi se adentraba en el simbolismo, aunque fuese sobre Víctor Hugo: Los Djins (1875). Se alió con su maestro Saint-Saëns, con Franck, Bizet, Chabrier, Lalo, Massenet, D'Indy... para crear un arte francés, alejado de lo wagneriano (aunque él admiraba a Wagner): la Sociedad Nacional de Música (1871). Pero hacía humoradas sobre Wagner: Souvenirs de Bayreuth (1878, con Messager). No recordamos casi formas clásicas complejas (formas sonata, vamos...) de Fauré, pero las practicó muuuy eficazmente, sin perder ese "aroma": Cuarteto con piano nº1. Su Pavana (1886) lo refleja muy bien: coqueteo con la frivolidad amorosa, con lo efímero, con la belleza estilizada, y también crítica a lo superficial de aquel París hedonista (con el texto de Robert de Montesquiou, con "o"). Hablamos de su "amorismo efímero" también: su matrimonio con Marie Frémiet, cuyos ardores se enfriaron y pasaron a ser excelentes amigos, y su romance con Emma Bardac (¡justo! la que después se casaría con Debussy), de lo cual brotó su encantadora Suite Dolly, para la hija de ella, Regina Helena. Y terminamos (porque no lo podemos resistir) con su Réquiem (el Libera Me y el Agnus Dei), que confirma nuestra apreciación: Fauré es un encantador supremo de melodías, con un sólido armazón contrapuntístico, y todo dominado por lo que le dijo a su hijo (y biógrafo) Philippe: "Para mí el arte consiste en elevarnos por encima de lo que es el arte en sí". Otra frase: "El encanto es la virtud sin la cual todas las demás son inútiles", que dijo Robert Louis Stevenson.

Nos metemos en esto de "lo español": qué era lo español para "el mundo exterior" a finales del siglo XIX, porque revela muuuchas cosas...

Con la Sinfonía Española de Lalo (1872) y Carmen de Bizet (1875) examinamos lo que decía la prensa en Francia sobre sus vecinos trans-pirenaicos, ya sabéis: panderetas, trabucos, toreros y fandango. Con Paulina Viardot (o sea, García) recorremos la espagnolade y la Expo de 1889 en París, que tenía corral "español", o sea andaluz.

Había un auto-exotismo estimulado por los gobiernos de España y por las figuras internacionales. Sarasate (Aires Españoles, 1874) sigue propagando lo andaluz por encima de todo, pero ya saca una Jota, la misma que había usado Liszt en la Rapsodia Española (1863) y que animará a Saint-Saëns a hacer una propia (1880). Así que ya se "vende" también la jota junto con lo andaluz.

Sin embargo, la primera jota sinfónica (¡¡y de muy alta calidad!!) la hizo Glinka en 1845, cuando estuvo en España, y le dio ¡forma sonata!: la Jota Aragonesa. Glinka le transmitió a su medio discípulo Balakirev la pasión por esa España misteriosa, hermosísima, convulsa y medieval (como su Rusia), y Balakirev compuso su Estudio-Fandango en 1856, ¡¡que casi suena como Albéniz!!.

Pero lo mejor de Glinka es su Obertura sobre una Marcha Española, a los 20 años (1857), una joven obra maestra que cita la Marcha Real y la contrapone a armonías moriscas.

En fin, todo este espíritu filo-español llega a Rimsky-Korsakov, que compone el celebradísimo Capricho Español en 1887: 1) Alborada (sobre un tema asturiano celebrando el amanecer que recopiló José Inzenga en 1874); 2) Variaciones (sobre la Danza Prima asturiana, también recogida por Inzenga); 3) otra vez la Alborada; 4) Escena y Canto Gitano (también sobre una canción tomada por Inzenga, el único aire andaluz de la obra); 5) Fandango Asturiano (también desde Inzenga), donde Rimsky hace un brillantísimo happy ending en que Asturias y Andalucía se casan.

Hoy reeditamos el programa de Temas de Música dedicado a Beethoven y Pepi (Josephine Brunswik): Beethoven entró en aquella casa aristocrática como profesor en 1799; ella era muy fan de aquel genio tormentoso e híper-sensible, pero se casó con el Conde Deym y tuvo cuatro hijos; Beethoven estaba enamorado de ella; ella enviudó del Conde en 1804 (ponemos la Cuarta Sinfonía); pretendieron casarse; las leyes austríacas prescribían que si te casabas con un plebeyo perdías tus propiedades y la custodia de tus cuatro hijos; abandonaron su intento (ponemos el segundo movimiento del Cuarto Concierto); Pepi se casó con Stackelberg en 1810 y fue muy infeliz; abandonada por su segundo marido, supuestamente se encontró con Beethoven en Teplitz en 1812; nueve meses después nacería su hija Minona, quizá ¿hija de Beethoven?... Pepi murió muy tristemente en 1821. Beethoven, abatido, compuso su Sonata op. 111 quizá como un réquiem para su amada Josephine, con toda probabilidad la famosa "Amada Inmortal".

Sin embargo, Beethoven fijó un modelo, con su música, de victoria contra los fantasmas, las miserias, los abismos de la existencia, y fue creador de escenarios donde su vitalismo se alzaba imparable. Acabamos con la Cuarta Sinfonía otra vez. Grandísimo Beethoven y referente inolvidable para la humanidad.

En 1811, con 40 años, Beethoven era muy famoso y muy interpretado en el Imperio austro-húngaro e Inglaterra. El Emperador Francisco I/II le encargó la música de El Rey Esteban, en que Beethoven conjuga sones señoriales con canciones populares (o sea, actualiza el espíritu de la Ilustración al Romanticismo).Ese mismo año compone su Trío opus 97, dedicado a su amigo y discípulo el Archiduque Rodolfo de Habsburgo, hijo del Emperador. Beethoven evita los conflictos titánicos y practica un lenguaje sosegado, con su famosa técnica de la "derivación contrastante", en que los motivos musicales actúan como seres independientes y se transforman durante la acción. Sigue conjugando lo patricio con lo plebeyo en el Scherzo. Se vuelve contemplativo en el Andante (¿usa un tema de Friedrich Rust?). Y concluye pletórico con un rondó-sonata.Beethoven tiene la capacidad de sacar el archiduque que llevamos dentro y hacernos bailar un Ländler popular de hermandad universal. Prodigioso Ludwig Van Beethoven.