Música y significado

Volvemos a la admirable Dora Pejacevic, "Comtessa Dora", a su talentazo melódico, a sus armonías dramáticas y a su desafío al desdén que recibían las mujeres compositoras en la vieja Europa (Schönberg, Schönbeeeerg...).

Este Trío (1910) tiene cuatro movimientos: sus temas son duales (optimistas y fatalistas a la vez) en el primer movimiento.

El segundo es una exacerbación de los scherzos mendelssohnianos, pero aquí no con espíritus ligeros, sino con espíritus sólidos y sarcásticos, y en medio una sección naive, con campanitas.

El tercero es una de sus meditaciones entre contemplativas y apasionadas.

Y el cuarto es una lección de integridad expresiva, de exuberancia que repiquetea por la estructura, entre un tema festivo y uno confidencial.

Escuchamos un poco de su Fantasía para piano y orquesta, y dos de sus canciones con orquesta que le llevó el escritor Karl Kraus a Schönberg: Liebeslied ("Canción de amor") y Verwandlung ("Transformación").

Felices transformaciones infinitas, queridas y queridos,,,

Otra producción "Invictus", otro "agarrar al Destino por el cuello", después de la crisis de 1802, que casi llevó a Beethoven al suicidio en Heiligenstadt.

Lo estrenó en 1803, tras un único y extenuante ensayo de 8 horas, y en una partitura garabateada con jeroglíficos, cuyas páginas le tocó pasar al pobre Seyfried, sin entender nada.

El primer movimiento contrapone uno de sus temas heroicos/trágicos a uno amable, afectuoso, que tira por tierra la boutade de Stravinsky cuando dijo que Beethoven no tenía talento melódico.

El segundo movimiento es, según Beethoven mismo, "una armonía sagrada, lejana y celestial".

El tercero es un rondó-sonata con tres temas. El tema principal, con ese bailongo sarcástico, acabará llevando a cabo la transformación victoriosa, el "cambio cualitativo", y el verdadero Invictus.

Y acabamos invictos e invictas con el Aleluya de Cristo en el Monte de los Olivos, que también estrenó en esa maratón...

"Convencional", "aburguesado", "Biedermeier"... No sé, pero hoy hablamos admirativamente de Bruch casi solamente por este preciosísimo Concierto. Lo que pasa es eso: cuando no vas de guerrillero por la historia, ya te insultan...En fin, examinamos la genialidad de Bruch en 1866 (28 años), los sarcasmos que le hacía Brahms (aunque luego dirigía sus obras), entrevemos alguna otra obra (Adagio sobre melodías celtas, Odysseus, Arminius, Melodía Escocesa, Kol Nidrei...). Y vamos al Concierto: ese ostinato fatalista como un destino en el Tema A; el Tema B profundamente apacible, familiar, confidencial; la Reexposición precipitada y desfigurada, que contraviene la épica beethoveniana; el segundo movimiento donde ¡¡se conjura y se "redime" el monstruo del ostinato!!...; el Finale como monumento a afectos que nacen cotidianos y crecen hasta una grandeza ennoblecedora.Y, como hemos puesto la versión de Hillary Hahn, que va como una -sublime y espléndida- moto, pues nos queda tiempo para reflexionar, con Byung-Chul Han, sobre la tiranía de la novedad, de los nuevos estímulos, frente a "la experiencia de lo bello como reminiscencia, como fidelidad y como vinculación".Felices reminiscencias Biedermeiers, queridos-as,,,

Uno se pregunta cómo es que Mozart hizo esta música tan feliz en el otoño de 1791, un mes y pico antes de morir, cuando supuestamente presentía su muerte, y lo estaban envenenando con acqua toffana, etc. Examinamos el primer movimiento, con temas que podrían ser arias de sus últimas óperas, con la famosa estructura de forma sonata extendida, etc. Su segundo movimiento, que se hizo famoso por Memorias de África, es una especie de estado apacible, elevado, con algo de "sosegadamente invencible". Y el tercero, del que habla a su destinatario Stadler, es un rondó-sonata con desarrollo. Discutimos las condiciones económicas de Mozart: su último apartamento, sus finanzas, su rico vestuario, su lujoso inventario, etc. ¿Entonces por qué murió con 60 gulden en el jarrón?... Explicamos todo, según Robins Landon. Y reflexionamos sobre lo que dice la escritora Karen Blixen sobre este concierto, sus perspectivas divinas desde el avión de Andry, y la "mirada elevada". Felices miradas elevadas, queridos-as,,,

Nuestro tradicional relato de los hechos. Nunca una noche fue tan semejante a un amanecer. La música de Liszt (Christus y Sinfonía "Dante"), Berlioz (La infancia de Cristo), Saint-Saëns (Oratorio de Navidad), Sam Cardon ("My joy is full")... enmarcado todo por el villancico ucraniano "Carol of the bells" (versión de Barlow Bradford) y el británico "The first Nowell" (versión de Mack Wilberg) a cargo del Salt Lake Tabernacle Choir and Orchestra.

Antes de los románticos, la niñez era una cosa pasajera que había que superar, y al niño/niña se le trataba como alguien destinado a ser adulto, y se le hablaba como a un adulto en formación. Pero los románticos (los poetas Tieck, Wackenroeder...), piensan que la niñez es un valor en sí mismo. Schumann dijo: "En cada niño hay una profundidad maravillosa". Robert Schumann es quien más profundizó en la dimensión infantil del ser. Hoy visitamos las Escenas Infantiles (1838) y otras páginas que idealizan y regresan a una infancia mítica: Romanzas op. 69, Piezas a cuatro manos para niños pequeños y grandes op. 85, El paraíso y la Peri, El peregrinaje de la Rosa. No rehuimos las sombras de la infancia de Schumann (tal y como las cuenta el psiquiatra y biógrafo Peter Ostwald) pero recorremos las Escenas con ayuda de esa especie de leit-motiv (Si-Sol-Fa#-Mi-Re), signo de la "lejana tierra" encantada que es la niñez, y que palpita o vuela por todas las piezas del álbum. La metáfora de la lejanía y de las luces que se juntan..

Visitamos las músicas que Mozart ponía antes de abrirse el telón. La obertura más difundida, más característica, más risueña de Mozart sería la de Las bodas de Fígaro: empieza con los susurros chismosos del enredo, en aquella Sevilla del barbero Fígaro, sigue con un "coro" pletórico, y con los temas líricos (¿¿"femeninos"??) quizá anunciando a Susana y a la Condesa. Y después sobrevolamos las oberturas de las óperas infantiles/juveniles: Apolo y Jacinto, Bastián y Bastiana (que anticipa el temazo de la Heroica de Beethoven), La finta semplice, Mitrídates rey del Ponto, la música incidental para Thamos rey de Egipto (que ya muestra el tópico Sturm und Drang), la tempestad en Idomeneo rey de Creta... Y el Mozart milenial culmina con El rapto del serrallo, con Belmonte dispuesto a rescatar del harén del Pachá Selim a su amada Constanza. Llegamos al Mozart maduro: Don Giovanni, cuya obertura ya tiene las semillas del pavor de la escena del Comendatore, ya te advierte que, bajo esta sucesión de gracietas y escenas agradables, late un auténtico infierno... Y La Flauta Mágica, por supuesto: nos entretenemos en el tema que Mozart le robó a Clementi, en la campaña que estaban haciendo él y Shikaneder para ofrecer un rostro guay de la masonería, y sobre todo en la cosa profunda: la vida que entra en un proceso de investidura espiritual, de poder espiritual, para alcanzar una especie de luminosidad. Felices investiduras y felices luminosidades, queridos-as ...

¡¡Una polonesa de Beethoven!!... Y Chopin no había nacido todavía... Quizá este movimiento alla polacca del Triple Concierto para violín, violonchelo y piano de Beethoven es una de las primeras puestas en escena de música con auténtico espíritu popular, ya sin las pelucas ni los monóculos del Neoclasicismo. Ponemos ejemplos de "polacas" formateadas por la estética del XVIII: Telemann, Haydn... Pero Beethoven ya estaba dispuesto a dar vida o a sublimar el "espíritu del pueblo" (Volkgeist): escuchamos una canción polaca suya, otra ucraniana, ¡¡y hasta una jotica española arreglada por él!!... El Triple Concierto (dedicado al hermano del Emperador: el Archiduque -y luego cardenal- Rodolfo) se abre, no obstante, con un primer movimiento de sones majestuosos mezclados con canción de camaradas y con himno, en esa especie de "democratismo sonoro" que Beethoven profesaba, todos ellos sometidos al desafío del Desarrollo y a la sublimación de la Reexposición. El segundo movimiento, sin más. Y en el tercero, el Rondó, ya tenemos esa polonesa engrandecida. Pero es vital esa sucesión de notas que suben, un motivo musical como de "sólida alegría" que es común a todos los temas. El final es una híper-afirmación de este ascenso sonoro y emocional. Felices polonesas ascendentes, queridos-as,,,

Ella misma decía que sus obras podían hablar de su biografía íntima, incluso inconscientemente. Aquí os contamos las claves secretas de su Concierto para piano y orquesta. ¿Por qué cita esa canción juvenil sobre la niña en un ataúd, sobre poema de Chateaubriand?... ¿Quién es la niña?... Siendo una pianista muuuy celebrada y una compositora famosa en Boston... ¿qué es lo que entierra Amy Beach?... Más cosas: en el Scherzo cita una canción con letra de su esposo (el Dr. Beach). Pero parece que el piano tapa el poema, o bailotea sobre ello. Y en el tercer movimiento vuelve a citar otra canción con letra de su marido: "Crepúsculo", y lo convierte en "un oscuro lamento". Pero en el cuarto movimiento vuelve a citar ese poema, exactamente el verso que alude a "la mañana", y entonces se despliega todo su relámpago pianístico, y parece que nos brilla la vida... La grandeza de Amy Beach (como pianista y como creadora) quizá no cabía en aquel encantador rincón de Massachussets. Cuando falleció su esposo, ella se dio a las giras y presentaciones europeas: "La alegría de ofrecer mi más alta capacidad está más allá de toda descripción. Las mujeres compositoras se elevarán a mayores alturas en el mundo de la democracia

Pocos romances chico-chica han sido tan estudiados, novelados, proclamados, maldecidos, traspapelados... como el de Chopin con Aurora/George Sand. La banda sonora de su larga ruptura es la Sonata para violonchelo y piano, que Chopin fue componiendo lastimosamente en 1845-46, cuando ella no podía evitar quererlo ("querido niño". "querido ángel"...) mientras miraba otras posibilidades con Louis Blanc (posibilidades político-amorosas), el actor Bocage, el pintor Delaroche, Victor Borie, el joven Eugene Lambert...Y la "banda no sonora" de la ruptura es la novela de ella, Lucrezia Fiorani, en que airea las dificultades de carácter de Chopin a través del Príncipe Karol.Contamos todo eso tal y como lo cuentan Delacroix, la feminista Hortense Allart, Heine, Maria Gondolo... También contamos la ruptura ruptura en 1847, por el follón de la boda de Solange, la bofetada de George Sand a su yerno Clésinger, el puñetazo de éste, la pistola de su hijo Maurice, el coche que Chopin presta inocentemente a Solange, etc.Ah, claro, ¡la Sonata!... También contamos la Sonata, y aderezamos este paulatino crash con canciones de Chopin, un cacho de Barcarolla, un nocturno, una mazurka, un arreglo de Pauline Viardot-García, etc.Chopin y el "lamento de ángel"...