Música y significado

¿Pero quién diablos enseñó a Chopin a ser Chopin?... Su madre, doña Justyna Tekla era pianista amateur (claro, con ese nombre...). Chopin tuvo a Zwyny y a Elsner (escuchamos música de éste, y del amigo Julian Fontana), y también dominaba los Estudios de Cramer y Clementi (ponemos un estudio de Czerny). Pero así ¡¡no se llega a ser Chopin!!... Así que el misterio perdura. Chopin compone su Introducción y Polonesa Brillante para piano y violonchelo -pequeña obra maestra- con 17 años. La diferencia entre él y sus compañeros polacos de generación es su fantasía armónica y su seducción melódica (que nadie sabe lo que es eso...). Chopin viaja a Berlín y ve a Mendelssohn de lejos. A la vuelta, con 18 años, compone su segunda obra grande: su genial Rondó a la Krakowiak, para piano y orquesta, con visiones de paisajes, de canciones populares, de tierra en perpetua aventura... Hablamos de la ambigüedad sexual en Chopin juvenil, antes de dedicarse sólo a amores femeninos... Damos el Trío (mov. 1). Mientras, Chopin asiste a los 10 conciertos que da Paganini en Varsovia. Repasamos el visual (según él mismo) Adagio de su Concierto en Mi menor. Pero en 1830 comienzan los aires revolucionarios en Varsovia contra el zar Nicolás I. Los amigos de Chopin están metidos hasta las cejas. Su padre quizá sabe todo, y por eso urge a Chopin a marcharse ya pero ya. Chopin se va despidiendo de todos, con la Mazurka "El pequeño judío" de fondo (orquestada por Stokowsky), y el Estudio en mi bemol menor como un De Profundis por el coro Accentus. El 2 de noviembre de 1830 se despide de sus seres más queridos (sus padres, su hermana Ludwyka y su hermana Izabella) y sale de la Plaza del Castillo, sin saber que jamás regresará a Varsovia. Un fustazo, y adiós. (Pero, atención, que en la carretera de Kalisz ¡¡hay sorpresa -y Hulanka-!!). Felices despedidas emotivas, queridos-as,,,

Si Chopin llega a morir a los 20 años, antes de salir de Varsovia en 1830, hoy sería casi tan bien recordado y amado como lo es actualmente, tras haber vivido 39 (así que no te digo nada si llega a vivir como Schönberg -76 años-)... En fin, Chopin no inventó el dodecafonismo ni esas cosas tan útiles para la salud y el progreso científico de la humanidad, pero antes de los 21 ya había compuesto obras maestras: el Nocturno en Mi menor, la Fantasía sobre aires polacos, el Trío, las Variaciones sobre "La ci darem la mano" de Mozart, y especialmente el Concierto en Fa menor, cuyo Larghetto dijo que lo compuso con "ella" en la mente, con "Con". ¿Y quién era "Con"?... Bueno, pues vamos a ver. Por lo demás, examinamos el origen de ese mito con dedos largos y pinta de dandy que llamamos Fryderyk Chopin: desde cuándo empezó a componer "melancólico", de dónde sacó su amor por la música popular polaca siendo un niño de ciudad (se marchó de su pueblo a los seis meses -o sea, lo marcharon sus padres-), y por qué componía siempre como un exiliado, antes de exiliarse... Felices exilios y nostalgias de mundos idealizados, queridos-as...

A Debussy el mar lo paralizaba cuando estaba cerca, pero le susurraba y le cantaba por las noches cuando estaba alejado de la costa, por las montañas de Borgoña en 1903. Su relación con el mar no era de héroes operísticos que lidiaban con las olas (repasamos Tristán e Isolda y El Holandés Errante de Wagner). Tampoco es un neoclásico, ni recupera ese mar/metáfora del Barroco (L'Olimpiade de Vivaldi, Ezio de Händel) ni del Clasicismo (Sinfonía "La Tempesta di Mare" de Haydn), y se aleja de las "marinas" iniciáticas románticas (La Gruta de Fingall, de Mendelssohn). Debussy, en medio de sus culebrones personales (el amorío con Emma Bardac, el intento de suicidio de Lilly Texier, la ruptura con Albéniz...) encuentra una sinfonía de fuerzas superficiales y fuerzas abisales en El Mar, encuentra un himno épico y fugaz, y una confrontación entre el viento y las poderosas olas, como proyecciones de su propia conciencia simbolista, aún por descifrar. (A ver si nos ayuda a descifrarlo la pianista y divulgadora Irene de Juan, a quien agradecemos su aportación hoy). Felices fuerzas marítimas y eólicas, queridas-os,,,

En 1923 Arthur Honegger le puso música, aparentemente insustancial, al traqueteo de una locomotora y compuso su Pacific 231. Aquella generación de entreguerras quería tomar un tren que los eximiese de los horrores y las hipocresías de la cultísima Europa intelectualizada. El tren ha discurrido por nuestra Historia, despertándonos cosas y estimulando sueños. Se dice que Schubert metió un tren en su Novena Sinfonía (1826). Los primeros trenes musicales son frívolos: Glinka (1840), Alkan (1840), Johann Strauss II (1864). Eran trenes/picnic. Dvorak inventó el tópico del "tren nostálgico": Sinfonía 1 "Las campanas de Zlonice" (1865), Sinfonía 7 (1885), Sinfonía 8 (1889). Pero el tren más ignorado está en una obra famosísima: Finlandia de Sibelius (1900). No sólo era el tren del progreso, sino de la libertad, que conduce a todo un pueblo hacia la luz. Los bolcheviques cultivaron el tren que maquinizaba nuestras vidas: Prokofiev y Mosolov (1926). El cine y el psicoanálisis trajeron al tren como representación del Yo, un Yo que descarrila penosamente (El puente de Cassandra, de Jerry Goldsmith, 1976); o que causa la perdición de Anna Karenina (película de 2012 basada en la novela de Tolstoi, con música de Dario Marinelli); o que sirve de escenario para tramar un asesinato atroz (Extraños en un tren, de Hitchcock, 1951, con música de Tiomkin). O también el tren es arquetipo junguiano del dragón: Imparable (Gregson-Williams, 2010). Felices dominios del Yo y felices dragones de verano, queridos-as,,,

Repasamos brevemente el Satie gamberro, iconoclasta, el Satie dadaísta que reivindicaron Los Seis como padre espiritual de la Nueva Música "normal, para gente corriente", con el ballet Parade de 1917. Pero el origen de todo está en su juventud de los 1880s, mezcla de cabaret y misticismo, de sus noches veinteañeras como pianista Le Chat Noir. Escuchamos sus primeras obras, bastante normalitas, sus primeras canciones simbolistas con textos de Contamine Latour, que ya tienen ese vaivén melancólico e imperturbable, y sus inolvidables Gymnopedies, compuestas a los 22 años, que aparentemente evocan cuadros encantados de una Grecia detenida e idealizada, como la pintura Dulce País de Pierre Puvis de Chavannes, y su mirada embelesada a tranquilos océanos. Hoy nada de análisis exhaustivos. Un poco de relax para iniciar las vacaciones...

Completamos esta imprescindible, indestructible e inolvidable Sinfonía. Seguimos con el "niño primordial" de Mahler, ahora coloreando el grabado de Von Schwind: una procesión de conejillos y cervatillos y pajarillos que llevan el féretro de un cazador, todo al compás del Frère Jacques en modo menor... ¡¡Esto no es serio para una sinfonía!!... Él decía que era ironía en plan aristotélico (eironeia). Pero, claro, no sé. Encima les interrumpe una pachanga bohemia, o judía, y se interna en lo profundo del bosque con "Los ojos oscuros de mi amor", junto al tilo, que dice: "Todo estaba bien: el amor, la tristeza, el mundo, el sueño"... Parece que para Mahler los sueños eran algo más que sueños. Pero es en el Finale donde se consuma todo, a partir de ese Grito arquetípico: el desfile de imágenes de la niñez, el tema de la Crux de Liszt en plan dark, el tema del Inferno de Liszt, las campanas de Monsalvat, el falso final con el Re mayor que viene de otro mundo, y el recorrido heroico, verdadero, de aquel tema incorpóreo de las cuartas que se hace sólido y se agiganta ¡¡hasta hacerse invulnerable!!... Mahler leía a Hölderlin: "Para los dioses eternos la vida es siempre plenitud". (Director invitado: Alexis Soriano.) Felices plenitudes y felices eternidades heroicas, queridos-as,,,  

Revisitamos la Primera Sinfonía de Mahler (1889), que contiene un retrato del mundo, o al menos del inmenso mundo del Mahler veinteañero, construido desde esa veladura de sobreagudos en el inicio, "despertar de la naturaleza", a través del cual divisa a lo lejos los sonidos de su niñez: las fanfarrias del parque de Iglau, el cuco de la primavera, los lamentos de su tragedia infantil, un himno de iglesia... El Niño primordial habita en Mahler y canta su canción mañanera ("De mañana, caminando por el campo", de su ciclo Canciones del Caminante) por el Bosque -también primordial- en que se despliegan temas amenazantes. Su inocencia casi haydniana va a someterse a ciertas enajenaciones. Mahler incluyó el movimiento "Blumine", que luego desechó por sentimentaloide. Y el Scherzo, que inicialmente llamó "A toda vela", es una canción de corro (basada en su canción "Hans und Grete"), de la juventud como ciclo, como bucle vitalista y distraído. Mahler refleja el crecimiento de Albano en la novela Titán de Jean Paul Richter, pero también de los versos de Hölderlin: "El héroe nunca olvidará su infancia". El encuentro con la Muerte (Mahler vio morir ¡¡a siete hermanos!!) lo tendremos la semana próxima. Pero también puede que venza el verso de Hölderlin: "Para los dioses eternos la vida siempre es plenitud". Ya veremos... Felices plenitudes, amigos-as.

Pues, queridos-as: ¡¡por fin re-aparecemos en esta mini-temporada 11, algo comprimida para este verano!!... Y además celebramos nuestra resurrección por todo lo alto: Sir Edward Elgar y sus Variaciones "Enigma" (1899). Hombre, a Elgar se le ha acusado de hacer música demasiado british y demasiado establishment para nuestras mahlerianas orejas, pero nooo: si no tuviese fascinaciones ocultas, incluso fantasmas ocultos, no aparecería en nuestro programa tan reputado. Las Enigma son una aparente reunión de amigos-as con monóculo y refined manners, a lo Downton Abbey... Pero en ellas se oculta una tormenta inquietante, un hada viviente, un bulldog con oído absoluto, la mujer de la casa de madera, un actor con doble personalidad, una amada esposa homenajeada con sones imperiales... y sobre todo una misteriosa dama como metáfora de algo que Elgar perdió de joven (por eso cita Mar en calma y viaje feliz de Mendelssohn cuando alude a ella)... Pero por encima de todas ellas, la famosísima Variación 9 ("Nimrod") es el más soberbio himno de gratitud jamás compuesto, gratitud por la amistad entre dos hombres y por una transformación existencial que Elgar tuvo que llevar a cabo. ¿Qué se ocultaba bajo aquel dandy convencional?... Nos lo cuenta Elgar mismo en 1912, cuando vuelve a citar las Variaciones "Enigma" con tono melancólico en The music makers. ¡¡Ahí está el enigma borrosamente esclarecido!!... Los últimos 7 minutos del programa desvelan el centenario misterio. Felices fascinaciones ocultas, queridos y queridas...

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