Música y significado

Quizá parece que Schubert andaba pletórico cuando compuso su Novena en 1825-26. Pero ¿qué siniestros augurios amenazaban su vida?... ¿Se puede afrontar un destino sombrío con tal vitalidad y con esa catarata de energía?... Muchas cosas podría enseñarnos el joven (y avejentado) maestro. Contamos cómo Schumann recuperó esta sinfonía, once años después de morir Schubert, mientras dormía en un trastero (la sinfonía, no Schumann))), y cómo la estrenó su amigo Mendelssohn. Se abre con el "tema del pórtico", cuyas tres notas clave reaparecen por la forma, como espíritus impulsores. Seguimos el asombroso primer movimiento. Y luego el segundo, con ese "cortejo ingrávido", los tres temas como compañeros inseparables, la sección central como un canto espiritual, y ¡¡el famoso colapso de la forma!!, en gritos y sonidos tendidos hacia las alturas. En el Scherzo hay quien ha visto una primitiva locomotora. En todo caso, Schumann sacó de ello una canción para su Diechterliebe. Y el Finale es un despliegue de optimismo vigoroso, arrollador, de gratitud al cielo por haberle concedido unos pocos años más de vida, aunque fuesen tres o cuatro: ¡¡eso era una bendición!! Schumann: "[Esta sinfonía] lleva el germen de la eterna juventud".

¿Qué tal era Beethoven componiendo bandas sonoras?.. Aparte de su extraordinaria música sinfónica, ¿era igual de genio contando historias con música?... Pues lo comprobamos. Obertura de Fidelio: la atmósfera siniestra de la prisión, la evocación de "los días felices", los temas del sueño de libertad, la valentía de Leonora, la pelea, la llegada del Ministro Don Fernando, la fraternidad... Obertura de Las criaturas de Prometeo: la carrera frenética de Prometeo, la ira de los dioses, las estatuas de arcilla, la tormenta por el bosque... Obertura Coriolano: el gesto rotundo y amargo de Caius Marcius Coriolanus, el tema de su heroísmo trágico contra los tribunos, el tema de las mujeres (Veturia y Volumnia), el solitario y siniestro pizzicato (atención: spoiler). De manera que Beethoven revoluciona la música por su capacidad de vestir de "humano" todo lo que hacía, y de engrandecer lo humano. Las ruinas de Atenas: ¡¡los otomanos ocupan y usurpan esta bella ciudad!!, el exótico y terrible Coro de los Derviches, la Marcha Turca, la Obertura que lamenta la presencia de los turcos malvados y hace triunfar la memoria clásica de Atenas (y pelotea al emperador Francisco II, claro). Felices estatuas de arcilla que cobran vida y felices memorias clásicas, amigos-as,,,

No es la "cuota", es LA CALIDAD: ¡¡Dora Pecjacevic es buenísssima!!... A la altura de cualquier maestro/a post-romántico/a. Concebía la composición musical como una liberación, o una forma de elevación sobre las miserias de este mundo. Su Sinfonía en Fa sostenido menor la concibió durante la Gran Guerra (1917) y la revisó en 1920. Es grandiosa, muy memorable. No se sabe si es una "sinfonía de guerra" o una sinfonía para huir del horror de la guerra. Empieza con un "grito" de la orquesta, con una desazón muy prolongada, y temas que se dilatan en la desazón... hasta que llega el Tema B, de esperanzas como montañas. Su desarrollo ¿wagneriano? ¿franckiano? es magistral, personalísimo. Y el final del primer movimiento es un titán doliente que quizá se transforma. Su segundo movimiento es una elegía tan solitaria como ella misma en aquella sociedad aristocrática húngara-croata. El Scherzo es un vals expansivo. Y el Finale nos revelará su "lejana cercanía", tan próxima a su muerte (1923, con 37 años), y tan próxima a la famosa carta de despedida que escribió a su esposo Ottomar Von Lumbe. Dora Pecjacevic, Kontesa Dora (como la conocen en Croacia), renunció a su clase social y criticó los vicios de la aristocracia a la que perteneció, horrorizada por su insensibilidad ante las atrocidades de la guerra. Es uno de esos seres únicos, desubicados por su grandeza en un mundo mezquino, portadora de una mirada magnífica, y de una aurora compleja y tal vez incomunicable. Imposible de obviar la memoria de Dora Pecjacevic...

Mozart estaba muy de moda en Praga en 1786, debido a la "figaromanía", el exitazo de Las bodas de Fígaro (escuchamos un poco). Por eso lo invitaron allí y se quedó en el palacio del conde Thun, con Constanza y con unos comparsas y con su perrito Gauckerl. Para Thun ya había compuesto la Sinfonía 36 "Linz" (escuchamos otro poco). En Praga dirigió su gran Sinfonía 38 "Praga", llena de "tópicos" teatrales: estilo maestoso, estilo cantable, estilo Empfindsamkeit (sensibilidad), Sturm und Drang, y el sobrenatural estilo Ombra (que asociamos a la aparición de un espectro, como en Don Giovanni -escuchamos otro poco-). El segundo movimiento es una abstracción del estilo pastoral. Y el tercero es un auto-homenaje porque cita el aria "Aprite, presto, aprite" de Las bodas de Fígaro (escuchamos...). ¿Por qué Praga apreció más a Mozart que la propia Viena?... Eso explicaremos, amigos-as.

El destino de Clara Wieck, o CLARA SCHUMANN, está ligado a su infancia superdotada o híper-dotada (Polonesa opus 1, con ¡¡11 años!!); la atmósfera apasionada de su adolescencia (Concierto para piano y orquesta, a los 13-16 años); a su madre Marianne TROMLITZ, hija del famoso flautista Johann TROMLITZ (Partita en Mi mayor); a su círculo familiar materno -su medio hermano Woldemar BARGIEL (Adagio para violonchelo y orquesta)-; a la famosa autoridad de su padre Friedrich WIECK; a su amor inmortal por Robert SCHUMANN... pero también a ese crecimiento que ella se construyó, desde la niña silenciosa (casi afásica) hasta su legendario carácter invencible, que le hizo adoptar un rol de sacerdotisa de valores musicales eternos. Su obra maestra es su Trío en Sol menor (1846, con 27 años y madre de 4 hijos). Lo compuso en las Islas Frisias, donde Robert se recuperaba de una de sus crisis. Y tiene la particularidad de empezar con dos temas "femeninos" (según la terminología de la época), y desplegar una "sentimentalidad" que su propio ánimus, o su súper-yo, cuestionaba. Lo analizamos y descubrimos en ello incluso la huella de BACH en el Finale. Cosa que culminamos escuchando sus Tres Fugas sobre Temas de Bach, arregladas para cuerda. Imposible no ser conmovido por la figura de CLARA SCHUMANN.

¡¡Música y Significado Resurrection!!... Inauguramos sintonía: I'll bid my heart be still de REBECCA CLARKE. Nos sentimos reflejados en la Sinfonía 103 "Redoble de Timbal" de HAYDN, porque cita el Dies Irae (nuestra muerte estos dos últimos años) y luego resurge la vida efervescente e incandescente, así que ése es nuestro primer análisis. Después desarrollamos nuestra Teoría de la Evolución: escuchamos la canción renacentista Mes pas semez, y comparamos sus acordes con los de Girls like you de MAROON-5 (265.000 millones de views). Vemos que no ha cambiado mucho la cosa. Entonces, ¿en qué ha evolucionado la recepción de la música?... Vamos reflexionando con SCHUBERT (An die Musik), y hacemos una rápida historia de la evolución de la disonancia como proponía Schönberg. ¿Nos gusta más la disonancia ahora que antes?: música de la película Joker, por la compositora HILDUR GUONADOTTIR. Partamos del siglo XVII: comparamos cachitos de L'Euridice de PERI con Che si puo fare de BARBARA STROZZI y después con el Te Deum de CHARPENTIER. A la gente le molaban las disonancias en el XVII y XVIII si captaban cierto sentido: Batallia a 10 de BIBER, Les Elemens de REBEL. Quizá habría que mirar eso de "la estética de la decoración" y "la estética de la expresión" (Hauser): Verano de VIVALDI. Por eso la música desde el XVIII, y no la de antes, es la que se ha instalado en nuestra vida cotidiana, incluyendo anuncios de jeans o la música de la Champions (Zadok the Priest de HÄNDEL), porque la música se emancipa de imperativos académicos, regios y dogmáticos. Y ¿por qué la gente filarmónica prefiere hoy (con muuuucha diferencia), no a Schönberg, sino a su coetáneo SHOSTAKOVICH?: Concierto nº2 (II). ¿Cuál es el móvil de la evolución musical, entonces?... Aquí os lo revelamos, mientras meditamos con la música de NATALIE HOLT: Sacrifice (de la serie Obi-Wan Kenobi)... Felices evoluciones musicales y de las otras, queridos y queridas...

...de momento. Nos tomamos un receso. Volveremos en los próximos meses. Hoy rememoramos los momentos más intensos de estas ¡¡11 temporadas!! con vosotros-as: Wagner-Nietzsche (con Eduardo Pérez-Maseda); nuestro bienamado Schönberg (con el profesor Enrique Rueda); el Centenario de Debussy y el estremecedor Addio de La Bohème de Puccini (ambos con la joven profesora Irene de Juan); el Tercero de Rachmaninov (esto, yo solo); el Primer Concierto para Piano de Chaikovski ("tan sentimental como un grito en una noche oscura"...); El Mesías de Händel (que quería que su música hiciese mejores a las personas); nuestro "Especial Mozart" (los tópicos mozartianos con el profesor Enrique Igoa); la "Historia universal del atonalismo" (en que metemos un cachito de nuestra entrevista en el FACYL a ¡¡Steve Reich!!); y, por último, Jaime Altozano, el youtuber revolucionario de la divulgación musical, contándonos símbolos musicales en Star Wars de John Williams. Nos retiramos con mucha gratitud por vuestra acogida estos años, que siempre habéis situado el programa en el top de las audiencias/descargas en Radio Clásica, y gratitud por nuestros demás invitados memorables: Sofía Martínez Villar, Daniel Vega, Almudena M. Castro, y el magnífico compositor Fernando Velázquez, tan exitoso en nuestro país durante los últimos años... Terminamos con Rebecca Clarke, música contra el abuso sexual a jóvenes estudiantes de música: "I'll bid my heart be still", con Raquel B. Forriol, Clara B. Forriol (violas), y Alberto Álvarez (piano). Que la música continúe vinculándonos en otras magnitudes maravillosas, en esa especie de supra-mundo que siempre se vislumbra. Un emocionado "hasta pronto", queridas y queridos,,,

El Concierto en Mi menor es uno de los iconos culturales de nuestro mundo (junto con Schönberg). El gran Mendelssohn, desdeñado por Wagner, por su amigo Berlioz, por Bernard Shaw, por Wittgenstein (que decía que le faltaba "heterodoxia")... se alza con la fuerza de su encantamiento, su seducción melódica, su toque "a la italiana", sus hadas y duendes, su don para la cercanía, su peculiar Shakespeare... con fuerza sutil ¡¡después de 200 años!!. En este Concierto (1844) hay una elegía de "dolor embellecido", un tema afectuoso como delgada trama, unos amores "familiares", y dos de sus tópicos preferidos: el "vuelo ligero" y el "himno festivo". Creíamos que era un poco Biedermeier, pero no: ejecuta el legado de su abuelo Moses Mendelssohn, el filósofo: el arte como hermandad universal, como tolerancia y empatía de la humanidad. Felices empatías universales, queridos-as,,,

Pues así fue en 1967: el director de cine Bo Widerberg eligió el Andante del Concierto nº21 para piano y orquesta de Mozart para su película Elvira Madigan. Esa música se funde con el paisaje y compone una especie de plano idílico, paradisíaco, invariable, sobre el que se aproxima una atrocidad que no altera la Belleza, tan perenne como el Amor. El Concierto lo escribió Mozart en 1785 (29 años), en una época de alegría y abundancia para él y Constance (se ve en el segundo número del Davidde Penitente, que evoca el Aleluya de Händel), cuando ya se había hecho francmasón y estrechaba lazos con Haydn (escuchamos el Finale del Cuarteto "La Caza"). El primer movimiento realza el carácter Maestoso del Tema A con un Tema B cantable y más íntimo (también lo usará en el Concierto para Trompa nº3). El segundo movimiento es lo de Elvira Madigan. Y el tercero es un rondó de carácter bufo, que desprende empatía popular. Por eso acabamos más solemnes, con la Música Fúnebre Masónica, también de esos días. Felices idilios francmasónicos, amigos-as,,,

Hacemos una semblanza de Brahms: su gusto por la canción popular (Cantos gitanos), su yuyu por los "profetas musicales", su amor por los niños y niñas (Marienwürmchen), su infancia violentada en los pubs del puerto fluvial de Hamburgo, su resultante misoginia, su adoración por algunas mujeres jóvenes que le recordaban a Clara Schumann (Gesänge opus 17, Segunda Sinfonía), el caso de Herminie Spies y sus veraneos junto al lago Thun ("Wie Melodien zieht es mir")... Todo esto entra de alguna manera en su Doble Concierto para violín, violonchelo y orquesta (1887), de un Brahms en retirada de las grandes formas. Ahí tenemos la antigua rotundidad versus fluidez, la antigua reverencia por los clásicos, la conducción de sus energías amorosas no realizadas en el mundo real, lo rítmico-popular, incluído su hábito de hacer bailongo con el dolor... Alex Ross dice que en el centro de la música de Brahms está el vacío, el gris existencial... Vamos a intentar rescatar alguna luz acabando con la Rapsodia para contralto y voces masculinas (final), con texto de Goethe: "Si hay en tu salterio una nota que su oído pueda oír, abre su mirada nublada hacia los mil manantiales...". Felices salterios y felices manantiales de la abundancia, queridos-as...