NADA MÁS QUE MÚSICA

Empezamos un proyecto que esperamos sea del agrado de todos los oyentes: una breve y modesta Historia del Rock and Roll. La empresa es atrevida, muy atrevida, pero con el soporte de grandes expertos y una buena bibliografía esperamos estar a la altura de las circunstancias.

Para la confección de esta sección nos basaremos en obras como Yeah, yeah, yeah, Las historia del pop moderno, de Bob

Stanley, Historia del Rock, de Jordi Sierra i Fabra y de Historia del Pop Español, de José Ramón Pardo. Por cierto, a los interesados, recomendamos la lectura de cualquiera de los textos citados, encontrarán en ellos toda la información necesaria para entender el recorrido de esta música.

Así pues, hoy tendremos la primera entrega de esta nuestra Historia del Rock and Roll

Cómo empezó todo...?

Aland Freed era uno de tantos disc jockeys de la época que había debutado en 1942 en la radio como comentarista deportivo si bien, su gran pasión, la música, le hizo abandonar sus retransmisiones desde los estadios por una actividad mucho más divertida e interesante: pinchar discos en diversas emisoras. Y en eso estaba hasta que en 1950 ficho por la WJW de Cleveland, Ohio. En aquella época no había todavía un mercado potencial de oyentes como para la aventura. Aland Freed era un chico listo y sabía que los discos que más compraban sus oyentes blancos eran de artistas negros, aunque éstas grabaciones no se programaran en las emisoras habida cuenta del conflicto racial imperante en el país. Si quería significarse en el mundillo de la música debería hacer algo rompedor: empezó a programar a artistas negros en abierto.

El éxito fue arrollador. Su programa Moondog’s rock and roll party fue lider de audiencia en un santiamén y de la radio… pasó a los teatros. Su primer show en vivo tuvo que ser suspendido porque la capacidad del Cleveland Arena era de 10.000 espectadores y en la calla había 30.000 almas que querían entrar. Blancos ansiosos de escuchar rhythm and blues. Formato que hemos podido ver en algunas películas. Por ejemplo, The Wonders, una película escrita y dirigida por Tom Hanks. En estos shows Aland Freed presentaba en vivo a los cantantes y grupos que programaba y hacia famosos en las ondas. Estos tocaban dos o tres canciones y actuaban una docena de artistas.

Bill Haley -1954

Como muestra, uno de aquellos artistas era Bill Haley… su "Rock around the clock", grabada el 12 de abril de 1954 y de la que vendió 25 millones de copias en los siguientes veinte años. Y es que a estas alturas, el Rock and Roll era un fenómeno imparable, y en consecuencia, la “mayoría moral” de EEUU temblaba ante la posibilidad de arraigo entre la juventud.

El Rock & Roll era libertad y los curas y pastores lo condenaron diciendo que era música del diablo. Pero la industria discográfica, por el contrario, supo ver en el Rock&Roll una mina de oro. Tres o cuatro jóvenes grababan dos canciones de un par de minutos y vendían un millón de copias. Negocio redondo. Y la verdad es que lo siguió siendo gracias a artistas como Elvis Presley

Su Jailhouse Rock irrumpió con fuerza también en España, siendo versionado por Bruno Lomas, incluso por Miguel Rios.

Nadie ha causado tanto impacto en la cultura popular como Elvis Presley. Todos conocemos la historia de su primera vez, cuando en 1953 se presentó en los estudios de Sun Records con cuatro dólares en el bolsillo: quería grabarle un disco a su madre. Lo hizo y se marchó.

No fue hasta ocho meses más tarde que, animado por su secretaria, Sam Phillips, dueño de los estudios, le llamó para hacerle una prueba. El 6 de julio de 1954 Elvis Presley grabó su primer single: That’s all right.  Y el 10 de enero de 1956 Elvis grabó Heartbreak Hotel, su primer número UNO

Los meses siguientes a esta edición cambiaron la historia de la música y el Rock and Roll se convirtió en un fenómeno mundial. Se dio una curiosa paradoja: en plena guerra fría, en EEUU se le atacaba diciendo que “era la música del diablo destinada a contaminar a la sana juventud americana” mientras en la Unión Soviética decían que “era un artilugio yanqui para contaminar a la sana juventud soviética” En fin…Se decía que hasta el Ku Klux Klan organizó quemas públicas de discos, cosa que no les sirvió de nada ya que a lo largo de este año, 1956, Elvis se convirtió en una máquina de generar millones en ventas y números uno en las listas de éxitos. Lo cierto es que a estos exóticos personajes no les sirvieron de nada sus esfuerzos porque el 9 de septiembre de 1956, Elvis cantó en el programa más famoso de la televisión americana, el Ed Sullivan show. Y aquella noche 60 millones de personas le vieron en directo, aunque la televisión censuró la parte inferior de su cuerpo debido a sus movimientos pélvicos. (Lo que demuestra que la idiotez no es solo cosa de TVE, más bien queda demostrado que es patrimonio de la humanidad. En fin, lo cierto es que nadie olvidó aquella fecha. Miles de chicos decidieron ser cantantes esa noche. Uno de ellos Bruce Springsteen, como confiesa en sus memorias recientemente publicadas.

Después de Ed Sullivan Show y la locura generada, la RCA editó siete singles de golpe y un octavo al mes siguiente, como avance de la primera película del ya llamado Rey del Rock and Roll, Love me tender.

Terminamos recordando al gran Fats Domino y su éxito Blueberrry hill que, según palabras del propio Elvis, fue su maestro.

Y esto ha sido todo por el momento, la semana siguiente repasaremos la historia del Rock and Roll en el periodo comprendido entre los años 56 y 59.

El clarinete pertenece a la familia de los vientos de madera, al igual que la flauta, el oboe y el fagot. Es instrumento de lengüeta simple, comúnmente conocido como caña. El cuerpo del instrumento esta hecho habitualmente de madera (tradicionalmente de ebano) y dispone de un sistema dse llaves que hacen posible alcanzar una extensa gama de sonidos. La belleza de su timbre lo hace apto para interpretar pasajes como solista además de ser un instrumento de enorme agilidad y sonoridad, en especial para la ejecución de trinos y cromatismos.

Partes del Clarinete:

Boquilla: es la pieza donde va colocada la caña y el instrumentista coloca la boca para realizar la embocadura.

Barrilete: es el elemento que articula la boquilla con el cuerpo superior del instrumento y que permite afinarlo.

Cuerpo superior: es donde se coloca la mano izquierda al tocar y posee parte del mecanismo del instrumento.

Cuerpo inferior: es donde se coloca la mano derecha al tocar y posee parte del mecanismo del instrumento. Por último…

Campana: Situada en la parte inferior y cumple una función acústica que permite la proyección del sonido durante la ejecución.

Empezamos un proyecto que esperamos sea del agrado de todos los oyentes: una breve y modesta Historia del Rock and Roll. La empresa es atrevida, muy atrevida, pero con el soporte de grandes expertos y una buena bibliografía esperamos estar a la altura de las circunstancias.

Para la confección de esta sección nos basaremos en obras como Yeah, yeah, yeah, Las historia del pop moderno, de Bob

Stanley, Historia del Rock, de Jordi Sierra i Fabra y de Historia del Pop Español, de José Ramón Pardo. Por cierto, a los interesados, recomendamos la lectura de cualquiera de los textos citados, encontrarán en ellos toda la información necesaria para entender el recorrido de esta música.

Así pues, hoy tendremos la primera entrega de esta nuestra Historia del Rock and Roll

Cómo empezó todo...?

Aland Freed era uno de tantos disc jockeys de la época que había debutado en 1942 en la radio como comentarista deportivo si bien, su gran pasión, la música, le hizo abandonar sus retransmisiones desde los estadios por una actividad mucho más divertida e interesante: pinchar discos en diversas emisoras. Y en eso estaba hasta que en 1950 ficho por la WJW de Cleveland, Ohio. En aquella época no había todavía un mercado potencial de oyentes como para la aventura. Aland Freed era un chico listo y sabía que los discos que más compraban sus oyentes blancos eran de artistas negros, aunque éstas grabaciones no se programaran en las emisoras habida cuenta del conflicto racial imperante en el país. Si quería significarse en el mundillo de la música debería hacer algo rompedor: empezó a programar a artistas negros en abierto.

El éxito fue arrollador. Su programa Moondog’s rock and roll party fue lider de audiencia en un santiamén y de la radio… pasó a los teatros. Su primer show en vivo tuvo que ser suspendido porque la capacidad del Cleveland Arena era de 10.000 espectadores y en la calla había 30.000 almas que querían entrar. Blancos ansiosos de escuchar rhythm and blues. Formato que hemos podido ver en algunas películas. Por ejemplo, The Wonders, una película escrita y dirigida por Tom Hanks. En estos shows Aland Freed presentaba en vivo a los cantantes y grupos que programaba y hacia famosos en las ondas. Estos tocaban dos o tres canciones y actuaban una docena de artistas.

Bill Haley -1954

Como muestra, uno de aquellos artistas era Bill Haley… su "Rock around the clock", grabada el 12 de abril de 1954 y de la que vendió 25 millones de copias en los siguientes veinte años. Y es que a estas alturas, el Rock and Roll era un fenómeno imparable, y en consecuencia, la “mayoría moral” de EEUU temblaba ante la posibilidad de arraigo entre la juventud.

El Rock & Roll era libertad y los curas y pastores lo condenaron diciendo que era música del diablo. Pero la industria discográfica, por el contrario, supo ver en el Rock&Roll una mina de oro. Tres o cuatro jóvenes grababan dos canciones de un par de minutos y vendían un millón de copias. Negocio redondo. Y la verdad es que lo siguió siendo gracias a artistas como Elvis Presley

Su Jailhouse Rock irrumpió con fuerza también en España, siendo versionado por Bruno Lomas, incluso por Miguel Rios.

Nadie ha causado tanto impacto en la cultura popular como Elvis Presley. Todos conocemos la historia de su primera vez, cuando en 1953 se presentó en los estudios de Sun Records con cuatro dólares en el bolsillo: quería grabarle un disco a su madre. Lo hizo y se marchó.

No fue hasta ocho meses más tarde que, animado por su secretaria, Sam Phillips, dueño de los estudios, le llamó para hacerle una prueba. El 6 de julio de 1954 Elvis Presley grabó su primer single: That’s all right.  Y el 10 de enero de 1956 Elvis grabó Heartbreak Hotel, su primer número UNO

Los meses siguientes a esta edición cambiaron la historia de la música y el Rock and Roll se convirtió en un fenómeno mundial. Se dio una curiosa paradoja: en plena guerra fría, en EEUU se le atacaba diciendo que “era la música del diablo destinada a contaminar a la sana juventud americana” mientras en la Unión Soviética decían que “era un artilugio yanqui para contaminar a la sana juventud soviética” En fin…Se decía que hasta el Ku Klux Klan organizó quemas públicas de discos, cosa que no les sirvió de nada ya que a lo largo de este año, 1956, Elvis se convirtió en una máquina de generar millones en ventas y números uno en las listas de éxitos. Lo cierto es que a estos exóticos personajes no les sirvieron de nada sus esfuerzos porque el 9 de septiembre de 1956, Elvis cantó en el programa más famoso de la televisión americana, el Ed Sullivan show. Y aquella noche 60 millones de personas le vieron en directo, aunque la televisión censuró la parte inferior de su cuerpo debido a sus movimientos pélvicos. (Lo que demuestra que la idiotez no es solo cosa de TVE, más bien queda demostrado que es patrimonio de la humanidad. En fin, lo cierto es que nadie olvidó aquella fecha. Miles de chicos decidieron ser cantantes esa noche. Uno de ellos Bruce Springsteen, como confiesa en sus memorias recientemente publicadas.

Después de Ed Sullivan Show y la locura generada, la RCA editó siete singles de golpe y un octavo al mes siguiente, como avance de la primera película del ya llamado Rey del Rock and Roll, Love me tender.

Terminamos recordando al gran Fats Domino y su éxito Blueberrry hill que, según palabras del propio Elvis, fue su maestro.

Y esto ha sido todo por el momento, la semana siguiente repasaremos la historia del Rock and Roll en el periodo comprendido entre los años 56 y 59.

Hoy nos ocuparemos de un tipo de formación muy común en EEUU en los años 60 y que se han seguido manteniendo con mayor o menor incidencia a lo largo de los años. Son los grupos vocales, que, para esta ocasión, serán femeninos.

En la década de los 60, Estados Unidos soporta uno de los momentos de mayor tensión política de su historia: la Guerra Fría frente al bloque Sovietico, la guerra de Vietnam, la carrera espacial, los asesinatos de políticos de la talla de John F. Kennedy, Malcolm X, Martin Luther King y Robert Kennedy, en fin, un largo etc.

En este contexto aparece el conocido como sonido “girl group”, que de eso vamos a hablar hoy, y que no es otra cosa que “grupos de chicas”, como ustedes habrán adivinado. Se desarrolló fundamentalmente en Estados Unidos durante la primera mitad de la década de los 60, coincidiendo su declive alrededor de 1965 con la llegada de la invasión británica comandada por The Beatles y The Rolling Stones.

Básicamente consistía en grupos formados por cantantes femeninas, con una solista principal y el resto ejerciendo de coro. Se rodeaban de músicos de estudio y de un destacado equipo de compositores y productores. El resultado eran canciones sencillas y muy pegadizas, con ritmos bailables y letras generalmente simplonas e ingenuas, cuyo objetivo era alcanzar el éxito inmediato en las listas de ventas.

Como anécdota, Bob Dylan comentó que “las canciones de Bril

Building (este era el nombre del edificio donde se cocía este movimiento y que se encontraba en la calle Broadway 1650) se reducían a “tralari, tralaró, me quieres tú, te quiero yo”.

Lo cierto es que fueron canciones de gran éxito y que esconden armonías vocales que ya me gustaría oirlas hoy.

Las primeras en llegar fueron las Shirelles, por cierto con una cancion compuesta por Carole King, Will You Love me tomorrow

Este cuarteto vocal se creó en el 58 y desapareció en el 82, dejando tras de si un buen puñado de éxitos. Exitos que hicieron escuela ya que, a su sombra, nacieron numerosos grupos que explotaban la misma fórmula, aunque no por eso dejaban de ser grupos de una gran calidad como lo demuestra nuestro siguiente grupo invitado: THE CHORDETTES

Esto que están oyendo es Lolipop, una de sus grabaciones más conocidas. Otra que les aupó a las listas y les supuso unas ventas de más de un millón de copias fue el conocido Mister Sandman

Otro grupo importante de la época, con el sello inequívoco MOTOWN, fueron THE MARVELETTES. De alguna manera, tuvieron la “mala suerte” de coincidir en el tiempo con artistas como THE SUPREMES, circunstancia que les impidió alcanzar un mayor éxito en su carrera. A pesar de esto, consiguieron números uno tan recordados hoy como Mr. Postman

Las neoyorquinas RONETTES fueron otro grupo de la decada que cosechó grandes éxitos bajo la tutela del famoso productor Phil Spector. El grupo estuvo formado hasta su disolución en 1966 por Verónica Bennett, su hermana Estelle y su prima Nedra Talley. Entre sus grabaciones más famosas tenemos WALKING IN THE RAIN. Y, como no, su archiconocido Be My Baby

Otro grupo de la factoría Phil Spector, o sea, Philles Records, fueron las CRYSTALS. Su primer éxito lo consjguieron en 1962 con la canción Like my baby…

Pero su gran éxito lo consiguieron con Then He Kissed Me…

Como curiosidad, esta canción fue posteriormente versionada por Beach Boys,en incluso por KISS

Pero bueno, estamos hablando de grupos de chicas así que… a lo nuestro.

THE CHIFFONS. El grupo se fundó en 1960 en Nueva York. En febrero de 1963 lograron con la canción He’s so fine el puesto número 1 en las listas de ventas de EEUU, sería el primer y mayor éxito de su carrera. A George Harrison se le acusó de haber plagiado esta canción en su sencillo My Sweet Lord, por lo que finalmente tuvo que abonar dos terceras partes de las ventas del tema al escritor original de la canción, Ronni Mack

Y para muestra, la versión de THE CHIFFONS. Y la de Harrison

Pero seguimos con otro gran grupo: THE SUPREMES.

En 1961, la discográfica Motown lanza al mercado un nuevo grupo femenino: The Supremes que, aunque al principio era un cuarteto, pronto, con la salida de una de sus componentes, quedo definitivamente configurado como trio. Las primeras grabaciones del grupo para el sello Motown fueron mucho más que una sucesión de temas orientados dentro del girl group o el pop soul. Aunque la solista original era Ballard, Ross fue seleccionada como cantante principal del trío, lo cual ocasionó disputas en el grupo, ya que en algunos momentos también Wilson hizo de voz principal del trío. Tras varios singles sin repercusión, a finales de 1963 llegó su primer top40, con el tema When the Lovelight Starts Shining Through His Eyes.

Berry Gordy, creador de la compañía Motown, volcó mucha de su atención en el trío, y finalmente en 1964 consiguió que Where Did Our Love Go se convirtiera en un número uno.

El tema estaba escrito por Holland-Dozier-Holland, y se convirtió en el patrón a seguir en varios de sus siguientes números 1 durante 1964 y 1965: Stop! In the Name of Love, Come See About Me y como no, el famosísimo Baby Love.

Con unas coreografías estilizadas junto con un estilo muy visual, triunfaron en las televisiones y conciertos en directo. Pero el triunfo no les dio la felicidad.

Durante esta etapa muchas estrellas de Motown se quejaron de la atención que Berry Gordy daba a Diana Ross. A mediados de 1967

Florence Ballard es expulsada del grupo. Ballard terminó retirándose y, en la pobreza, murió de un ataque cardiaco en 1976.

Tras la expulsión de Florence Ballard, el grupo pasó a llamarse Diana Ross & The Supremes, iniciando los rumores de la carrera en solitario de Diana Ross.

Y así fue en 1969. Diana Ross empezó su carrera en solitario, siendo su última actuación con el grupo en enero de 1970 en Las Vegas. Jean Terrel reemplazó a Diana Ross y el grupo se mantuvo hasta 1977 con éxitos como Up The Ladder To The Roof, Stoned Love, Nathan Jones y una curiosa colaboración junto a The Four Tops: River Deep, Mountain High. La grabaciones de Las Supremes, con o sin Diana Ross, continúan gozando de gran popularidad y son reeditadas constantemente.

Vamos a terminar este programa con un grupo que, aunque no pertenece a este periodo, fueron pioneras del género, y no son otras que las Andrews Sisters.

Especializadas sobre todo en el swing y el boogie-woogie, estuvieron en activo entre 1925 y 1967, eso sí, con algún parón que otro debido a las inevitables rupturas por desavenencias entre las hermanas.

A pesar de ello, dejaron para el recuerdo numerosos éxitos, algunos tan recordados como este Boogie Woogie Bugle Boy

Y esto ha sido todo amigos, les esperamos a todos la próxima semana. ¡¡¡BUENAS VIBRACIONES!!!

Hoy nos ocuparemos de un tipo de formación muy común en EEUU en los años 60 y que se han seguido manteniendo con mayor o menor incidencia a lo largo de los años. Son los grupos vocales, que, para esta ocasión, serán femeninos.

En la década de los 60, Estados Unidos soporta uno de los momentos de mayor tensión política de su historia: la Guerra Fría frente al bloque Sovietico, la guerra de Vietnam, la carrera espacial, los asesinatos de políticos de la talla de John F. Kennedy, Malcolm X, Martin Luther King y Robert Kennedy, en fin, un largo etc.

En este contexto aparece el conocido como sonido “girl group”, que de eso vamos a hablar hoy, y que no es otra cosa que “grupos de chicas”, como ustedes habrán adivinado. Se desarrolló fundamentalmente en Estados Unidos durante la primera mitad de la década de los 60, coincidiendo su declive alrededor de 1965 con la llegada de la invasión británica comandada por The Beatles y The Rolling Stones.

Básicamente consistía en grupos formados por cantantes femeninas, con una solista principal y el resto ejerciendo de coro. Se rodeaban de músicos de estudio y de un destacado equipo de compositores y productores. El resultado eran canciones sencillas y muy pegadizas, con ritmos bailables y letras generalmente simplonas e ingenuas, cuyo objetivo era alcanzar el éxito inmediato en las listas de ventas.

Como anécdota, Bob Dylan comentó que “las canciones de Bril

Building (este era el nombre del edificio donde se cocía este movimiento y que se encontraba en la calle Broadway 1650) se reducían a “tralari, tralaró, me quieres tú, te quiero yo”.

Lo cierto es que fueron canciones de gran éxito y que esconden armonías vocales que ya me gustaría oirlas hoy.

Las primeras en llegar fueron las Shirelles, por cierto con una cancion compuesta por Carole King, Will You Love me tomorrow

Este cuarteto vocal se creó en el 58 y desapareció en el 82, dejando tras de si un buen puñado de éxitos. Exitos que hicieron escuela ya que, a su sombra, nacieron numerosos grupos que explotaban la misma fórmula, aunque no por eso dejaban de ser grupos de una gran calidad como lo demuestra nuestro siguiente grupo invitado: THE CHORDETTES

Esto que están oyendo es Lolipop, una de sus grabaciones más conocidas. Otra que les aupó a las listas y les supuso unas ventas de más de un millón de copias fue el conocido Mister Sandman

Otro grupo importante de la época, con el sello inequívoco MOTOWN, fueron THE MARVELETTES. De alguna manera, tuvieron la “mala suerte” de coincidir en el tiempo con artistas como THE SUPREMES, circunstancia que les impidió alcanzar un mayor éxito en su carrera. A pesar de esto, consiguieron números uno tan recordados hoy como Mr. Postman

Las neoyorquinas RONETTES fueron otro grupo de la decada que cosechó grandes éxitos bajo la tutela del famoso productor Phil Spector. El grupo estuvo formado hasta su disolución en 1966 por Verónica Bennett, su hermana Estelle y su prima Nedra Talley. Entre sus grabaciones más famosas tenemos WALKING IN THE RAIN. Y, como no, su archiconocido Be My Baby

Otro grupo de la factoría Phil Spector, o sea, Philles Records, fueron las CRYSTALS. Su primer éxito lo consjguieron en 1962 con la canción Like my baby…

Pero su gran éxito lo consiguieron con Then He Kissed Me…

Como curiosidad, esta canción fue posteriormente versionada por Beach Boys,en incluso por KISS

Pero bueno, estamos hablando de grupos de chicas así que… a lo nuestro.

THE CHIFFONS. El grupo se fundó en 1960 en Nueva York. En febrero de 1963 lograron con la canción He’s so fine el puesto número 1 en las listas de ventas de EEUU, sería el primer y mayor éxito de su carrera. A George Harrison se le acusó de haber plagiado esta canción en su sencillo My Sweet Lord, por lo que finalmente tuvo que abonar dos terceras partes de las ventas del tema al escritor original de la canción, Ronni Mack

Y para muestra, la versión de THE CHIFFONS. Y la de Harrison

Pero seguimos con otro gran grupo: THE SUPREMES.

En 1961, la discográfica Motown lanza al mercado un nuevo grupo femenino: The Supremes que, aunque al principio era un cuarteto, pronto, con la salida de una de sus componentes, quedo definitivamente configurado como trio. Las primeras grabaciones del grupo para el sello Motown fueron mucho más que una sucesión de temas orientados dentro del girl group o el pop soul. Aunque la solista original era Ballard, Ross fue seleccionada como cantante principal del trío, lo cual ocasionó disputas en el grupo, ya que en algunos momentos también Wilson hizo de voz principal del trío. Tras varios singles sin repercusión, a finales de 1963 llegó su primer top40, con el tema When the Lovelight Starts Shining Through His Eyes.

Berry Gordy, creador de la compañía Motown, volcó mucha de su atención en el trío, y finalmente en 1964 consiguió que Where Did Our Love Go se convirtiera en un número uno.

El tema estaba escrito por Holland-Dozier-Holland, y se convirtió en el patrón a seguir en varios de sus siguientes números 1 durante 1964 y 1965: Stop! In the Name of Love, Come See About Me y como no, el famosísimo Baby Love.

Con unas coreografías estilizadas junto con un estilo muy visual, triunfaron en las televisiones y conciertos en directo. Pero el triunfo no les dio la felicidad.

Durante esta etapa muchas estrellas de Motown se quejaron de la atención que Berry Gordy daba a Diana Ross. A mediados de 1967

Florence Ballard es expulsada del grupo. Ballard terminó retirándose y, en la pobreza, murió de un ataque cardiaco en 1976.

Tras la expulsión de Florence Ballard, el grupo pasó a llamarse Diana Ross & The Supremes, iniciando los rumores de la carrera en solitario de Diana Ross.

Y así fue en 1969. Diana Ross empezó su carrera en solitario, siendo su última actuación con el grupo en enero de 1970 en Las Vegas. Jean Terrel reemplazó a Diana Ross y el grupo se mantuvo hasta 1977 con éxitos como Up The Ladder To The Roof, Stoned Love, Nathan Jones y una curiosa colaboración junto a The Four Tops: River Deep, Mountain High. La grabaciones de Las Supremes, con o sin Diana Ross, continúan gozando de gran popularidad y son reeditadas constantemente.

Vamos a terminar este programa con un grupo que, aunque no pertenece a este periodo, fueron pioneras del género, y no son otras que las Andrews Sisters.

Especializadas sobre todo en el swing y el boogie-woogie, estuvieron en activo entre 1925 y 1967, eso sí, con algún parón que otro debido a las inevitables rupturas por desavenencias entre las hermanas.

A pesar de ello, dejaron para el recuerdo numerosos éxitos, algunos tan recordados como este Boogie Woogie Bugle Boy

Y esto ha sido todo amigos, les esperamos a todos la próxima semana. ¡¡¡BUENAS VIBRACIONES!!!

Comienza sonando Simpathy for the devil, porque, amigos, ya están tocando The Rolling Stones.

Con esta canción dio comienzo el concierto que el pasado día 27 de septiembre tuve el placer de presenciar en el estadio olímpico de Montjuic. Podría terminar la crónica del concierto con una sola palabra: ESPECTACULAR, pero me extenderé un poco más. Digo espectacular porque el montaje, el sonido, los vídeos, la banda, y claro, el público, lo hicimos posible. Simpaty for the devil salió a escena en medio de luces diabólicas y humeantes, como en el mismísimo infierno vamos. Y esto, para un señor de provincias, es muy fuerte.

Dos horas duró el concierto y la tensión no bajo en ningún momento. Un ejemplo: Its only rock and roll. Tampoco lo hico cuando interpretaron piezas más tranquilas como Tumbling dice. Y, cómo no, sonaron, para deleite mío y de unos 54.999 personas más, parece que estuvimos allí unas 55.000 almas, los grandes éxitos conocidos por todos, los de mi generación por derecho propio y de los más jóvenes porque son muy listos y saben lo que es bueno. Títulos como Paint it black o como Honky Tonk Woman.

Si la entrega del público fue extraordinaria, la de la banda no se quedo atrás ni un ápice. Jagger sigue recorriendo la pasarela del escenario como si no hubiera un mañana (también es verdad que nos tenia un poco con el corazón encogido no se fuera a estozolar) y también fue muy de agradecer que se dirigiera al publico con un castellano bastante fluido, Ron Wood, un espléndido guitarrista y declarado amante de este país, no en vano tiene un piso en Barcelona. Que puedo decir de Keith Richard, pues que no hace falta hacer solos a mil por hora para ofrecer a la audiencia una calidad en su música difícil de igualar. Esa noche, además, cantó una par de canciones y una de ellas fue Slipping Hawai.

Por último el, cómo llamarlo, caballeroso, inglés hasta la médula, el impávido Charlie Watts. Batería sobrio y eficaz y de una técnica envidiable.

Hubo dos momentos, al menos para mí, que marcaron un alto nivel de interpretación en el concierto. El primero cuando se dio cabida al blues. Just your fool , con la armónica de Jagger, y con un grupo sin resquicios que nos dejo sin respiración.

El otro momento fue cuando Sasha Allen, miembro vocal de la banda que acompaña al grupo interpretó, Gimme Shelter, acompañada de Jagger.

Desgraciadamente no he podido encontrar ninguna grabación con un mínimo de calidad en la que cantase Sasha Allen. No obstante os traigo otra versión de esta canción en la que colabora Lisa Fisher.

Y, bueno, llegados a este punto, la histeria se desata cuando suenan los primeros acordes, inolvidables, de Jumpin Jack Flash.

Si la histeria se desató con Jumpin Jack Flash, no os digo nada cuando, para finalizar el concierto entre fuegos de artificio, sonó Satisfaction.

Así terminó el concierto, no se si volveré a verlos en directo pero puedo asegurarles que la excursión mereció la pena.

Comienza sonando Simpathy for the devil, porque, amigos, ya están tocando The Rolling Stones.

Con esta canción dio comienzo el concierto que el pasado día 27 de septiembre tuve el placer de presenciar en el estadio olímpico de Montjuic. Podría terminar la crónica del concierto con una sola palabra: ESPECTACULAR, pero me extenderé un poco más. Digo espectacular porque el montaje, el sonido, los vídeos, la banda, y claro, el público, lo hicimos posible. Simpaty for the devil salió a escena en medio de luces diabólicas y humeantes, como en el mismísimo infierno vamos. Y esto, para un señor de provincias, es muy fuerte.

Dos horas duró el concierto y la tensión no bajo en ningún momento. Un ejemplo: Its only rock and roll. Tampoco lo hico cuando interpretaron piezas más tranquilas como Tumbling dice. Y, cómo no, sonaron, para deleite mío y de unos 54.999 personas más, parece que estuvimos allí unas 55.000 almas, los grandes éxitos conocidos por todos, los de mi generación por derecho propio y de los más jóvenes porque son muy listos y saben lo que es bueno. Títulos como Paint it black o como Honky Tonk Woman.

Si la entrega del público fue extraordinaria, la de la banda no se quedo atrás ni un ápice. Jagger sigue recorriendo la pasarela del escenario como si no hubiera un mañana (también es verdad que nos tenia un poco con el corazón encogido no se fuera a estozolar) y también fue muy de agradecer que se dirigiera al publico con un castellano bastante fluido, Ron Wood, un espléndido guitarrista y declarado amante de este país, no en vano tiene un piso en Barcelona. Que puedo decir de Keith Richard, pues que no hace falta hacer solos a mil por hora para ofrecer a la audiencia una calidad en su música difícil de igualar. Esa noche, además, cantó una par de canciones y una de ellas fue Slipping Hawai.

Por último el, cómo llamarlo, caballeroso, inglés hasta la médula, el impávido Charlie Watts. Batería sobrio y eficaz y de una técnica envidiable.

Hubo dos momentos, al menos para mí, que marcaron un alto nivel de interpretación en el concierto. El primero cuando se dio cabida al blues. Just your fool , con la armónica de Jagger, y con un grupo sin resquicios que nos dejo sin respiración.

El otro momento fue cuando Sasha Allen, miembro vocal de la banda que acompaña al grupo interpretó, Gimme Shelter, acompañada de Jagger.

Desgraciadamente no he podido encontrar ninguna grabación con un mínimo de calidad en la que cantase Sasha Allen. No obstante os traigo otra versión de esta canción en la que colabora Lisa Fisher.

Y, bueno, llegados a este punto, la histeria se desata cuando suenan los primeros acordes, inolvidables, de Jumpin Jack Flash.

Si la histeria se desató con Jumpin Jack Flash, no os digo nada cuando, para finalizar el concierto entre fuegos de artificio, sonó Satisfaction.

Así terminó el concierto, no se si volveré a verlos en directo pero puedo asegurarles que la excursión mereció la pena.

El SOUL ha formado parte de nuestras vidas de una forma arrolladora, es un estilo que nace allá por los años 60, de la fusión del Godspell, música religiosa que se canta, mejor dicho, se vive, en las iglesias afroamericanas de EEUU, y del R&B. Esta música, tuvo siempre un alto contenido social contra la segregación racial ya que, en sus orígenes fue un movimiento exclusivamente negro. En la actualidad, ese contenido social lo ha heredado el RAP, pero eso será otra historia.

Uno de los primeros interpretes que alcanzó la fama mundial en este estilo fue Sam Cooke que con su famoso YOU SEND ME. Llegó al número uno en las listas de R&B y se mantuvo en ese puestos durante nada menos que seis semanas. El 11 de diciembre de 1964, Sam Cooke murió acribillado a balazos por la dueña de un motel (Bertha Franklin) a quien supuestamente intentó atacar mientras iba semidesnudo. Más tarde la mujer declaró que el artista había violado a una muchacha. No se quiso dar mayor revuelo al incidente, por lo que no se inició una investigación formal de lo sucedido (ya que Sam Cooke era un hombre de color), acabando todo en un veredicto de homicidio justificado. Hasta hoy el caso siembra dudas. Esto es América.

Memphis fue un punto estratégico de este genero y de allí nos llegaron figuras como Otis Redding. Fue una gran figura del Soul. Su voz podía pasar de ser aterciopelada, como hemos visto en su éxito Sentado en el muelle de la bahía, a ser una voz rasgada, rota y rompedora. Pasaba de las baladas más tiernas a versiones como Satisfaction, que sorprendió agradablemente a los mismos Rolling Stones. Un desgraciado accidente la mañana del 10 de diciembre de 1967 en Lake Monona, en las afueras de Madison (Wisconsin), a sólo tres minutos de su destino, acabó con su vida y con todos los miembros de su banda, al estrellarse su avioneta. Tenía solo 26 años. En fin…

Otra estrella del genero. Nada más y nada menos que el Sr. Wilson Pickett, al que ya hemos oído al inicio del programa. Lo oímos ahora en su éxito In the Midnight Hour. No podemos dejar al Sr. Pickett sin mencionar su éxito Everybody Needs Somebody To Love. Pero para Wilson Pichett todo acabó mal. A principios de la década de los 80 tuvo problemas con el alcohol. Esto le valió otros tantos problemas con la ley y terminar varias veces ante los tribunales por conducir ebrio, llevar armas y meterse en peleas. Finalmente acabó ingresando en prisión tras amenazar a alguien con un arma. Alcoholizado y arruinado, en enero de 1992 fue desahuciado de su casa de Nueva Jersey por no pagar el alquiler y en abril de ese mismo año, conduciendo borracho, hiere gravemente a un anciano de 86 años de edad por lo que fue condenado a un año de prisión y cinco de libertad condicional. También será declarado culpable de posesión de drogas.

Pickett murió de un infarto al corazón el 19 de enero de 2006, a los 64 años de edad, en Reston, Virginia.

Otras estrellas masculinas del Soul: Ray Charles, James Brown, Arthur Alexander, Percly Sledge, y un largo, larguísimo etc.

Y no me olvido: Las voces femeninas tuvieron tanta importancia como las masculinas. De hecho, son de mujer las voces que en la actualidad están revitalizando un género que parecía aletargado. Vamos con ellas:

La Reina. Aretha Franklin. Nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis (Tennessee), y creció en Detroit. Es hija del predicador Clarence LeVaughn Franklin y la cantante de gospel Barbara Franklin. Por cierto, su madre la abandonó cuando era una niña. Su vida no pudo empezar mejor. Sus primeros años en la música estuvieron inmersos en la música gospel y rodeada de voces del jazz como Dinah Washington y Ella Fitzgerald. El martes 20 de enero de 2009 se presentó en el acto de asunción al mando del presidente de los EE.UU., Barack Obama, para cantar el tema "My Country This of Thee”. Según el diario El Pais, Aretha Franklin ha asegurado que se retira en 2017. La estrella del soul, que en marzo cumplió los 75 años, quiere pasar más tiempo con sus nietos. Así sea.

Tenemos más: Roberta Flack, Diana Ross y muchas más...

Hay que decir que en la actualidad son las voces femeninas las que están dando un giro prometedor a la música Soul, nombres como Adele, Beyonce, Joss Stone, y como no, si la vida le hubiera dado tiempo, Amy Winehouse. Lástima.

Y esto ha sido todo por hoy Señoras y Señores, que ustedes lo pasen bien. Les espero a todos la próxima semana. BUENAS VIBRACIONES!!!

El SOUL ha formado parte de nuestras vidas de una forma arrolladora, es un estilo que nace allá por los años 60, de la fusión del Godspell, música religiosa que se canta, mejor dicho, se vive, en las iglesias afroamericanas de EEUU, y del R&B. Esta música, tuvo siempre un alto contenido social contra la segregación racial ya que, en sus orígenes fue un movimiento exclusivamente negro. En la actualidad, ese contenido social lo ha heredado el RAP, pero eso será otra historia.

Uno de los primeros interpretes que alcanzó la fama mundial en este estilo fue Sam Cooke que con su famoso YOU SEND ME. Llegó al número uno en las listas de R&B y se mantuvo en ese puestos durante nada menos que seis semanas. El 11 de diciembre de 1964, Sam Cooke murió acribillado a balazos por la dueña de un motel (Bertha Franklin) a quien supuestamente intentó atacar mientras iba semidesnudo. Más tarde la mujer declaró que el artista había violado a una muchacha. No se quiso dar mayor revuelo al incidente, por lo que no se inició una investigación formal de lo sucedido (ya que Sam Cooke era un hombre de color), acabando todo en un veredicto de homicidio justificado. Hasta hoy el caso siembra dudas. Esto es América.

Memphis fue un punto estratégico de este genero y de allí nos llegaron figuras como Otis Redding. Fue una gran figura del Soul. Su voz podía pasar de ser aterciopelada, como hemos visto en su éxito Sentado en el muelle de la bahía, a ser una voz rasgada, rota y rompedora. Pasaba de las baladas más tiernas a versiones como Satisfaction, que sorprendió agradablemente a los mismos Rolling Stones. Un desgraciado accidente la mañana del 10 de diciembre de 1967 en Lake Monona, en las afueras de Madison (Wisconsin), a sólo tres minutos de su destino, acabó con su vida y con todos los miembros de su banda, al estrellarse su avioneta. Tenía solo 26 años. En fin…

Otra estrella del genero. Nada más y nada menos que el Sr. Wilson Pickett, al que ya hemos oído al inicio del programa. Lo oímos ahora en su éxito In the Midnight Hour. No podemos dejar al Sr. Pickett sin mencionar su éxito Everybody Needs Somebody To Love. Pero para Wilson Pichett todo acabó mal. A principios de la década de los 80 tuvo problemas con el alcohol. Esto le valió otros tantos problemas con la ley y terminar varias veces ante los tribunales por conducir ebrio, llevar armas y meterse en peleas. Finalmente acabó ingresando en prisión tras amenazar a alguien con un arma. Alcoholizado y arruinado, en enero de 1992 fue desahuciado de su casa de Nueva Jersey por no pagar el alquiler y en abril de ese mismo año, conduciendo borracho, hiere gravemente a un anciano de 86 años de edad por lo que fue condenado a un año de prisión y cinco de libertad condicional. También será declarado culpable de posesión de drogas.

Pickett murió de un infarto al corazón el 19 de enero de 2006, a los 64 años de edad, en Reston, Virginia.

Otras estrellas masculinas del Soul: Ray Charles, James Brown, Arthur Alexander, Percly Sledge, y un largo, larguísimo etc.

Y no me olvido: Las voces femeninas tuvieron tanta importancia como las masculinas. De hecho, son de mujer las voces que en la actualidad están revitalizando un género que parecía aletargado. Vamos con ellas:

La Reina. Aretha Franklin. Nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis (Tennessee), y creció en Detroit. Es hija del predicador Clarence LeVaughn Franklin y la cantante de gospel Barbara Franklin. Por cierto, su madre la abandonó cuando era una niña. Su vida no pudo empezar mejor. Sus primeros años en la música estuvieron inmersos en la música gospel y rodeada de voces del jazz como Dinah Washington y Ella Fitzgerald. El martes 20 de enero de 2009 se presentó en el acto de asunción al mando del presidente de los EE.UU., Barack Obama, para cantar el tema "My Country This of Thee”. Según el diario El Pais, Aretha Franklin ha asegurado que se retira en 2017. La estrella del soul, que en marzo cumplió los 75 años, quiere pasar más tiempo con sus nietos. Así sea.

Tenemos más: Roberta Flack, Diana Ross y muchas más...

Hay que decir que en la actualidad son las voces femeninas las que están dando un giro prometedor a la música Soul, nombres como Adele, Beyonce, Joss Stone, y como no, si la vida le hubiera dado tiempo, Amy Winehouse. Lástima.

Y esto ha sido todo por hoy Señoras y Señores, que ustedes lo pasen bien. Les espero a todos la próxima semana. BUENAS VIBRACIONES!!!

Hoy vamos a salirnos de los parámetros de música pop, rock, jazz, etc. de los que nos ocupamos habitualmente para centrarnos en otra música popular. Como sabéis, el pasado día 13 de agosto, falleció a los 86 años de edad el director de cine español Basilio Martín Patino. Nació en Salamanca, el 29 de Octubre de 1.930. Fue compañero de promoción en la Escuela Oficial de Cine de Madrid de otros cineastas ilustres con los que luchó contra la censura de Franco incansablemente, hablamos de Saura, Borau, Picazo, Summers, y un largo etc.

A su talento debemos obras como Nueve cartas a Berta, Canciones para después de una Guerra, Queridísimos verdugos, y su última creación, Libre te quiero, un documental sobre el 15 M.

Sus innumerables problemas con la censura y su decidida actitud por hacer el cine que quería, le empujaron a trabajar siempre al margen de la industria, sin importarle en absoluto los éxitos comerciales. Anarquista convencido, abandonó este mundo de la misma manera en que vivió, sereno y rebelde.

Canciones para después de una guerra es una película documental, basada en la España de posguerra. Se realizó de forma clandestina en 1971 y no fue estrenada hasta 1976, poco después de la muerte de Franco. La película consiste en una serie de imágenes de archivo, todas ellas previamente aprobadas por la censura, sobre las que se superponen canciones populares de la época con el fin de dar un segundo significado, a menudo satírico, a lo que se muestra en pantalla.

Vamos a repasar algunas de las canciones de la película y nos detendremos en la figura de los cantantes de la época. Veréis que tenemos para todos los gustos.

Creemos que la mejor manera de iniciar este repaso es con la sintonía del NODO. Porque, amigos, así empezaba todo, con el noticiario franquista por excelencia (nunca mejor dicho, por cierto)

Pero no todos salían en el NODO, por ejemplo nuestro primer invitado de la epoca:

Miguel de Molina, D. Miguel Frías de Molina, que así se llamaba realmente este artista, nació en Málaga, el 10 de abril de 1908.

Fue en 1931 cuando decidió dedicarse al espectáculo, cultivando un género para el que estaba especialmente dotado: la copla. Popularizo canciones que todavía hoy se recuerdan y versionan: El día que nací yo, Triniá, Te lo juro yo, La bien pagá , y otras muchas.

Actuó durante la guerra para las tropas republicanas y esto le granjeo el odio de los fascistas, hasta tal punto que fue torturado y obligado al exilio. Acusado de haber ayudado al ejército republicano y ser homosexual, fue apaleado por tres individuos.

En 1942 se va exiliado a Buenos Aires, donde puedo brevemente ranudar su carrera. Nuevamente las amenazas le obligan a exiliarse a México y fue, años más tarde, Eva Perón la que le reclama para que vuelva a Argentina y continue, ahora sin, con una exitosa carrera.

En 1957 volvió brevemente a España para participar en películas como Luces de candilejas, pero en 1960 fija su residencia en Buenos Aires. Falleció en 1994 a los 86 años de edad.

Como gran paradoja, en 1992 el gobierno español le había nombrado caballero de la Orden de Isabel la Católica, reconociendo su contribución personal al mundo del arte en España. VIVIR PARA VER.

Estrella Castro Navarrete, conocida como Estrellita Castro nació en Sevilla. De origen más que humilde, era la hija menor de once hermanos. Con doce años actuó por primera vez delante de los reyes Alfonso XIII y Victoria Eugenia. Fue la auténtica creadora de lo que hoy se conoce como canción andaluza y sus canciones alcanzaron gran popularidad en los años 30 y 40.,

“María de la O”, “Mari Cruz”, “Los tientos del reloj” “Mi Jaca” o “María Magdalena” son algunos de los éxitos de la Castro.

En febrero de 1962 la actriz y cantante sevillana recibe la Medalla al Mérito en el Trabajo.

Rodó cuarenta películas, casi todas de tema folclórico, entre las que destacan Suspiros de España, El barbero de Sevilla y Mariquilla Terremoto, todas ellas rodadas en Alemania. Si habéis visto la película “La niña de mis ojos” de Trueba, os podéis hacer una idea del asunto. Su dilatada carrera artística terminó con una ostensible carencia de facultades en sus últimos años, lo que hizo que decayese el mito de Estrellita Castro. Estrellita muere en Madrid un 10 de junio de 1983, casi casi en la indigencia.

Concepción Piquer López , Doña Concha Piquer, nació en Valencia el 13 de diciembre de 1906. Anteriormente comentábamos que Miguel de Molina había actuado durante la guerra para las tropas republicanas, bien, pues Concha Piquer lo hizo para los nacionales. No le fue mal.

Nació en el seno de una familia humilde que había tenido anteriormente cuatro hijos, todos los cuales habían muerto prematuramente. Cuando contaba once años hizo su estreno en el Teatro Sogueros de Valencia y en su carrera obtuvo numerosos éxitos tales como Ojos verdes, Tatuaje, Y sin embargo, te quiero, En tierra extraña y Lola Puñales, casi todas ellas obra de los famosos Valverde, Quintero, León y Quiroga.

Fue una estrella internacional, actuando en numerosas ocasiones en teatros de todo el mundo, de hecho, pasó cinco años en Estados Unidos, cantando en Broadway. Viajaba siempre con un montón de baúles, los suyos y los de la casa con ropa de cama, de mesa y similares pues tenía la costumbre de alquilar una casa en el lugar donde estuviera de gira. Su marido acarreaba dos baúles llenos de aceite de oliva. A raíz de todo esto se acuñó la expresión «el baúl de la Piquer». Falleció en Madrid el 12 de diciembre de 1990.

Ángeles Moreno Gómez, conocida artísticamente como Lolita Sevilla nació en Sevilla, el 20 de marzo de 1935. Debutó como bailarina a los diez años, y adoptó su nombre artístico cuando le prestaron o alquilaron un carné profesional que estaba a nombre de una artista llamada Dolores Sevilla, ya que la ley impedía a los menores actuar en las variedades. Aunque esta artista tuvo numerosos éxitos, todos la conocemos por su interpretación en la pelicula “Bienvenido Mister Marshall", rodada en el año 1953.

Tenia diecisiete años cuando le llegó la gran oportunidad de su vida profesional al ser seleccionada por Luis García Berlanga para interpretar el papel de Carmen Vargas en Bienvenido, Mister Marshall . Esta película resultó ser para Lolita Sevilla una decepción, primero, y la razón de su fama, después. Ella inició el rodaje suponiendo que era una típica producción folclórica que le permitiría lucirse musicalmente, pero luego vio que «le habían robado la película»: Berlanga estaba rodando realmente una parodia que hábilmente eludió la censura del franquismo.

Y, por cierto, La película tuvo una entusiasta acogida en el Festival de Cannes y fue, pasado el tiempo, uno de los títulos más célebres y aclamados de la historia del cine español.

Falleció en Madrid el 16 de diciembre de 2013 a los 78 años.

Celia Gámez Carrasco (Buenos Aires, 25 de agosto de 1905 - Buenos Aires, 10 de diciembre de 1992) fue una actriz y bailarina hispano-argentina.

Su primera actuación sobre los escenarios se produce a la temprana edad de 14 años, participando como vicetiple en el montaje de la revista Las corsarias. Su vida privada siempre dio mucho que hablar en la sociedad española de la época debido a los rumores, reales o no, de su promiscuidad en sus relaciones con los hombres. Uno de los más famosos fue el general José Millán-Astray, uno de los generales que se alzaron contra la II República española, y que ocasionó la Guerra Civil Española en 1936. Al comenzar dicha guerra, Gámez se encontraba de gira con su compañía por territorio bajo control de la sublevación, a la que apoyó durante la contienda. Esto le permitió continuar con sus éxitos y popularidad. Un tema suyo, "Ya hemos pasao", se burla del "No pasarán" de las milicias republicanas, y con sarcasmo hacia los derrotados llama a éstos "miserables" al tiempo que se autoproclama “facciosa". Mi enhorabuena, Señora.

Sus últimos años los vivió modestamente en una residencia de ancianos con la razón perdida a causa de un progresivo Mal de Alzheimer.

Marie Magdalene Dietrich, conocida por su nombre artístico Marlene Dietrich fue la interprete que inmortalizó la canción de la que vamos a hablar ahora: LILI MARLEN. Me voy a permitir la licencia de, en este caso, no hablar de Marlene Dietrich, esta artista merece un espacio propio, sino de la canción Lili Marlen y, es que, en pocas ocasiones, una canción trasciende a dos bandos enfrentados en una guerra atroz como lo fue la segunda guerra mundial.

En 1937 se publicó por primera vez el poema Lili Marleen. Se trata de una historia de amor y de una triste despedida. Un joven, que ha entregado su corazón a una joven debe partir al frente.

En 1938 se le puso música al texto y al año siguiente, una joven y desconocida Lale Andersen grabó el primer disco de Lili Marleen. Los nazis prohibieron la canción porque les parecía que tenía un “carácter funesto”. Pero, como todo lo que hicieron, esto tampoco sirvió de nada. La segunda guerra mundial lanzó al estrellato a Lili Marleen. A Rommel le gustó tanto la canción que pidió que se emitiera habitualmente en las emisoras de radio que escuchaban sus soldados. Debido a la potencia de estas emisoras, la música también era escuchada por los soldados aliados. De esta manera, e independientemente del frente, la canción se tarareaba en las trincheras en todos los idiomas. Durante la II Guerra Mundial se elaboró una versión española que fue cantada por los soldados de la División Azul.

Y hasta aquí ha llegado el Nodo, digo, el programa de hoy Señoras y Señores. Les esperamos a todos la próxima semana. ¡¡¡BUENAS VIBRACIONES¡¡¡