NADA MÁS QUE MÚSICA

Y seguimos con The Beatles. En la primavera de 1963 The Beatles eran sin lugar a duda el grupo más famoso de Inglaterra, con un sencillo en lo alto de las listas y un álbum que era el amo y señor de las emisoras radiofónicas. La "bitelmanía" había estallado. En esos días no era extraño encontrar a la puerta de los estudios a unas 100 adolescentes esperando ver, aunque fuera de lejos, a alguno de sus idolos. Con este caldo de cultivo, se grabó… “She Loves You”

Desde el momento en que en los estudios se escucharon los primeros compases de “She Loves You”, se supo que aquella canción era un número uno. Y así fue, de nuevo en la cresta de la ola.

Durante este año 1963 los Beatles se dedicaron de lleno a las giras a lo largo y ancho de Gran Bretaña, pero aún encontraron tiempo para grabar su segundo LP: “With The Beatles”. Pensando en el público norteamericano, este nuevo trabajo, grabado en los estudios de Abbey Road bajo la inteligente batuta del productor George Martin, repetía la fórmula de combinar éxitos del más reciente cancionero estadounidense con creaciones propias. En este disco podemos oír una excelente versión de Roll over Beethoven de Chuck Berry a cargo de George Harrison…

O la bonita balada “Till There was youw”, una vieja canción compuesta por Meredith Willson para su musical de 1957 The Music Man…

…y de su propia cosecha, cabe destacar All my loving…

The Beatles – All my loving – With the Beatles

O la primera partitura aportada por George Harrison, Don’t Bother me…

The Beatles – Don’t Bother me – With the Beatles

Y para despedirnos de este With the Beatles que mejor que la frenética versión que de Twist and shout hizo el Sr. John Lennon…

El día 9 de febrero de 1964, The Beatles aparecieron en el programa de televisión Ed Sullivan Show y fueron seguidos por 73 millones de espectadores, un record de audiencia nacional.

I want to hold your hand acababa de alcanzar el número uno en las listas norteamericanas y la histeria que ya se vivía con ellos en el Reino Unido cruzó el Atlántico.

Este fue el pistoletazo de salida para lo que luego se conoció como Invasión Británica, porque abrió las puertas a la llegada de irreverentes grupos como The Rolling Stones, The Who, The Animals o The Dave Clark Five.

Poco después, y engullidos hasta el cuello por la vorágine promocional, se metieron en su primer proyecto cinematográfico, que a la postre alumbraría su tercer álbum:

“A hard day’s night”

Sobre la música, sigue el texto…

Dice Bob Stanley en su libro “La historia del pop moderno” que si tuviéramos que explicar el impacto de los Beatles a un lego en la materia convendría darle a escuchar la banda sonora de “¡Que noche la de aquel día!”.

Las canciones del LP, concebidas en una habitación de hotel durante las dos semanas que les quedaron libres entre la demolición del sistema de clases británico y la conquista de Estados Unidos, eran todo mordiente y velocidad, complicidad, amor y encanto a raudales. Fue el primer trabajo en el que todas las canciones eran propias y fue también número uno durante veintiuna semanas de las treinta y ocho que estuvo en las listas.

Y, además, película. El LP fue la banda sonora de la película del mismo título, dirigida por Richard Lester. Se trata de un falso documental que describe una par de días en la vida del grupo.

The Beatles – A hard day’s Night

Es muy llamativo el acorde inicial, ligeramente disonante. Lennon y Harrison tocan en distintas posiciones un acorde de sol con la cuarta suspendida y McCartney toca un re en el bajo. Bueno, esto es un poco técnico y un bastante petulante por mi parte pero nos da una idea de la evolución creativa y técnica del grupo. En fin, no se volverá a repetir (o si, quien sabe…). El hecho es que de no saber afinar la guitarra pasaron en nada a este despliegue de talento.

A pesar de que hay numerosas referencias sobre la torpeza de George Harrison para sacar adelante algunos de los solos de este disco y de otros, lo cierto es que la aportación que a este trabajo hizo con su guitarra de doce cuerdas fue determinante en el resultado final.

A hard day’s Night fue el tercer álbum de estudio de la banda y se publicó 10 de julio de 1964.

And i love her es otro título del disco.

Y creíais que ya estaba todo? Pues no amiguitos, los Beatles aún sacaron al mercado un disco más.

“El éxito es maravilloso, pero muy cansado”, decía George Martin, el productor de los Beatles, describiendo la espiral en la que había caído la banda en este año 1964.

Este segundo disco del año, “Beatles for sale”, es un disco apresurado en el que se incluyen ocho canciones originales y seis versiones de clásicos del rock de las que solían interpretar en directo en los tugurios de Hamburgo y Liverpool.

La mejor canción, a mi entender, de este álbum es Eight days a week

O quizá esta otra… No repley

Y ahora, para terminar, todos arriba y a bailar como posesos. Está sonando ¡¡¡Rock and Roll Music!!!

Como siempre, queremos ver que estaba pasando en España en esta época. Habíamos dejado en plena ebullición a los Festivales de Música Moderna del Price de vida efímera. Pero estaba punto de estallar lo imparable: ¡¡¡La música ye-ye!!!

Pues si señoras y señores, son los Brincos, en una de sus primeras grabaciones, cantando en inglés, Dance the pulga o Baila la puga, como queráis.

Con el espíritu de The Beatles rondando por el local de ensayo, Fernando Arbex, Junior, Juan Pardo y Manolo Gonzalez completaron el conjunto. Por cierto, que así se llamaban entones a los grupos: conjuntos.

Su lanzamiento fue espectacular: aparecen los cuatro primeros discos de los Brincos de forma simultánea: Dos singles con dos canciones cada uno, un EP con cuatro y un álbum con doce. En este último podemos encontrar su famosísimo “Flamenco”.

Si esto estaba pasando en Madrid, Barcelona no se quedaba atrás. Grupos como Los Sirex o los Mustang ya estaban ocupando posiciones.

Y como no, el interesantísimo movimiento de la Nova Canco Catalana con nombres como Raimon, Pi de la Serra o Guillermina Mota.

Pero esto será motivo de un nuevo programa porque, por hoy, no tenemos tiempo para más.

Hoy dedicamos nuestro espacio a repasar algunos de los mejores instrumentistas de guitarra eléctrica que a lo largo del tiempo nos han dejado lo mejor de ellos mismos.

Como siempre que hacemos listas, son todos los que están pero no están todos los que son. No puede ser de otra manera. Nuestra lista es subjetiva y sujeta a las variables que cada uno de nuestros ollentes quiera añadir.

Y lo vamos a hacer con guitarristas de Rock. Nuestra primera cita se ocupa de Brian May. Brian May fue el guitarrista de THE QUEEN. Fue guitarrista, compositor, vocalista y en ocasiones teclista de la exitosa banda británica.

Compuso muchos de los grandes éxitos de Queen, y utiliza una guitarra eléctrica hecha por él mismo, llamada Red Special, y que por cierto, utiliza una moneda para pulsar las cuerdas en lugar de la púa habitual. Es considerado uno de los guitarristas más grandes y originales de la historia. En 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto 26 de su lista de los guitarristas más grandes de todos los tiempos. En 2011, la misma revista en una nueva lista, lo posicionó nuevamente en el puesto número 26.

En 2005 fue nombrado comendador de la Orden del Imperio Británico por sus "servicios a la industria de la música". May obtuvo un doctorado en astrofísica en el Imperial College, y desde abril de 2007, fue elegido rector honorífico de la Universidad John Moores.

Otro que no podía faltar. Eric Patrick Clapton: guitarrista, cantante y compositor de rock y blues británico, conocido por su magistral habilidad con la guitarra eléctrica, en concreto con su Fender Stratocaster. Es conocido por el apodo de Mano lenta.

Clapton ha pasado por numerosas etapas y grupos y su estilo musical ha sufrido cambios diversos a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado profundamente ligadas al blues. Es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera. Practicó el blues rock con John Mayall & the Bluesbreakers y el rock psicodélico con Cream, además de haber tocado estilos muy diversos en su etapa en solitario.

En la actualidad, su estado de salud le está jugando alguna mala pasada y desconocemos si este gran artista volverá o no a tocar. La vida tiene estas cosas

Siguiendo con el rock, nos topamos con James Patrick «Jimmy» Page. Page es un músico multiinstrumentista y un virtuoso guitarrista de rock clásico británico conocido por haber sido el miembro fundador del grupo de rock Led Zeppelin desde 1968 hasta su disolución en 1980, y está considerado uno de los más grandes, influyentes y versátiles músicos y guitarristas de todos los tiempos.

Page fue uno de los primeros guitarristas de la historia en utilizar una guitarra de doble mástil, de marca Gibson inspirada en el modelo SG de la marca.

Ha colaborado, en calidad de músico de sesión, con multitud de formaciones y autores musicales, entre los que destacan The Rolling Stones, The Who, The Kinks, o Eric Clapton. A su vez, grabó varios álbumes con artistas como David Coverdale, Roy Harper o Joe Cocker.

Es, sin lugar a dudas, uno de los grandes.

Y, como no, el Sr. Mark Knopfler, también está en nuestra lista. Nacido en Glasgow, Escocia, el 12 de agosto de 1949 es en la actualidad uno de los músicos más importantes de la historia del rock . Antes de su carrera como músico, trabajó de periodista y dio clases en la universidad. Principalmente es conocido como fundador, guitarrista y cantante de la banda Dire Straits y su singular estilo de tocar la guitarra sin púa.

Pero también ha tocado en otras bandas y colaborado con artistas de la talla de Bob Dylan, Tina Turner, entre otros muchos.

Actualmente lleva una carrera en solitario, con un estilo un tanto diferente al que creó con Dire Straits, basado en un estilo propio, mezcla de diversas fuentes como el blues, el rock y el folk. Ahora le vamos a escuchar en una grabación realizada en 1990 junto con el guitarrista de country Chet Atkins, del que luego hablaremos.

Cambiamos de tercio, y nos adentramos en el Jazz. Y como guitarrista de jazz, nadie mejor para empezar que Wes Montgomery. Nacido en Indianapolis en 1923, fue un guitarrista de jazz que aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta hacia 1943, después de escuchar a su mentor Charlie Christian. Tras deambular por diversas formaciones, es llamado por Lionel Hampton, con quien toca entre 1948 y 1950. Tras esa etapa, regresó a su ciudad natal y se sumió en un semi-retiro que le duró 6 años, trabajando de día en una fábrica de piezas de radio ajeno al mundo de la música, y tocando por las noches en clubes

Por la intermediación de sus hermanos, también músicos como él, Richard Bock, productor del sello discográfico Pacific Jazz, organizó una sesión de grabación con Wes y otros músicos jóvenes, en lo que sería el primer disco de Wes como líder

Pero fue su disco The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, publicado por el sello Riverside en 1960, el que le llevó a la fama dentro del mundo del jazz, dándole a su estilo un “aire” funky que le hace inconfundible.

Repentinamente, en 1968, murió de un ataque al corazón. Montgomery ejerció una gran influencia en guitarristas posteriores, como Pat Martino o George Benson.

Lo escuchamos ahora en su versión de CARAVAN, la mítica pieza de Duke Ellington

Otro imprescindible: Joe Pass nació en Nueva Jersey, 13 de enero de 1929 - Los Ángeles, 23 de mayo de 1994), y fue uno de los guitarrista de jazz más alabados, tanto por la crítica como por sus compañeros de profesión, a algunos de los cuales sirvió de eficiente acompañante en distintos trabajos.

Siempre se confesó un ferviente admirador de Django Reinhardt e incluso en sus inicios formó un grupo a imagen y semejanza del Quinteto del Hot Club de Francia al tiempo que se interesaba por el bebop naciente. Sin embargo, no fue hasta principios de los sesenta cuando Joe Pass comenzó a convertirse en la popular figura que llegaría a ser, especialmente de la mano del infatigable promotor Norman Granz, quien lo transformó en una de las estrellas de la discográfica Pablo y le ofreció la posibilidad de medirse con artistas de la talla de Benny Carter, Milt Jackson o Ella Fitzgerald, con los cuales grabó algunas de sus mejores obras. Un buen ejemplo del saber hacer de este guitarrista lo tenemos en la colección de discos editados por el mencionado sello discográfico con el nombre de "Virtuoso". Impecable en la ejecución -nítida y pulcra sin por ello caer en la frialdad- e ingenioso en su fraseo, Joe Pass ha sido uno de los más personales guitarristas de las últimas décadas, creándose un estilo propio al margen de las grandes corrientes coetáneas de ese instrumento y estableciéndose como un elegantísimo acompañante que en ningún caso renunció a su propio estilo. A principios de los 70, Pass también colaboró en una serie de libros de música, y su Joe Pass Guitar Style (escrito con Bill Thrasher) es considerado un libro de texto básico de improvisación para estudiantes de jazz.

En 1994, Joe Pass murió de cáncer de hígado en Los Ángeles, California, a la edad de 65 años. Antes de su muerte, había grabado un álbum de versiones instrumentales de canciones de Hank Williams con el guitarrista de música country Roy Clark.

Hablaremos ahora del MITO. Jean Django Reinhardt nació en Liberchies, Bélgica, el 23 de enero de 1910 y fue un guitarrista de jazz de origen gitano sinti.

Se trata del primer músico de jazz originario de Europa que ejerció una influencia similar a la de los grandes artistas estadounidenses. Su música es el resultado de la fusión entre el swing y la tradición musical gitana del este europeo, lo que se conoce en inglés con el nombre de Gypsy jazz y en francés como Jazz manouche (Jazz gitano).

Reinhardt revoluciona el toque de guitarra en el jazz, justamente antes de que se empezara a utilizar la amplificación. Sobre la base de un contrabajo, de dos guitarras rítmicas y del habitual violín de Stéphane Grappelli, Django desarrolla una música alegre y extraordinariamente flexible. Sus conceptos armónicos fueron sorprendentes en su época y así impresionó a músicos como Charlie Christian y Les Paul;

Aunque no sabía leer música, a solas y junto a Grappélli, Reinhardt compuso varias melodías sumamente originales y exitosas como “Daphne”, “Nuages” o “Minor Swing”.

El 26 de octubre de 1928, a la una de la madrugada, Django regresaba a su casa-caravana de una noche de música en el nuevo club La Java. La caravana había sido llenada con flores de celuloide por su mujer, que pretendía venderlas al día siguiente. Django creyó oír un ratón y utilizó una vela para poder verlo. Un poco de cera caída sobre las altamente inflamables flores bastó para provocar un infernal incendio. El músico se envolvió en una manta para protegerse de las llamas. Tanto él como su mujer salvaron la vida, pero su mano izquierda y toda la parte derecha de su cuerpo de la rodilla a la cintura quedaron seriamente dañadas.

En un principio los doctores querían amputar su pierna, pero Django se opuso. Los cuidados recibidos en una enfermería serían luego decisivos para salvarle la pierna. Django estuvo dieciocho meses postrado en la cama. Al final había quedado incapacitado del cuarto y quinto dedos de la mano izquierda (que habían quedado contraídos hacia la palma de la mano debido al calor recibido por los tendones). No obstante, gracias a su ingenio inventó un sistema de digitación para suplir su problema, sistema que influyó en cierta medida en la originalidad de su estilo. Podía usarlos en las primeras dos cuerdas de la guitarra para los acordes y las octavas, pero su completa extensión era imposible. Con todo, fue capaz de convertirse en un gigante de la guitarra únicamente con el uso del dedo índice y del dedo medio.

Durante los años cincuenta, Reinhardt se retiró a Europa, tocando y grabando allí hasta su muerte, a causa de una hemorragia cerebral, el 16 de mayo de 1953 a la edad de 43 años.

Hay una seria de excelentes guitarristas que, a su calidad artística, debemos sumarle el mérito de los pioneros. Fueron los que dieron a la guitarra eléctrica la base para toda su posterior evolución. Entre otros, debemos citar sin lugar a dudas a Lester William Polsfuss, nacido en Wisconsin, el 9 de junio de 1915, aunque siempre se le conoció Les Paul.

Fue una de las más importantes figuras en el desarrollo de instrumentos musicales eléctricos y técnicas de grabación. Les Paul fue pionero en el desarrollo de las guitarras de cuerpo macizo con el diseño de los modelos Gibson Les Paul, que adoptaron su nombre, y en la grabación multipista. Su destreza en el manejo de la guitarra y las innovaciones técnicas que introdujo en el instrumento le hicieron ser mundialmente conocido. Falleció el 13 de agosto de 2009 en Nueva York debido a complicaciones con una neumonía.

Otro de estos pioneros fue, Chester Burton "Chet" Atkins, nacido el 20 de junio de 1924. Y a lo largo de su carrera fué un influyente guitarrista y productor de country. Su estilo, le trajo admiradores dentro y fuera de la escena de EE. UU.. Creó, junto a Owen Bradley, el estilo de música country más suave y tranquilizador conocido como sonido Nashville, que arrastro el gusto por la música country a admiradores de la música pop para adultos.

Murió a la edad de 77 años. Atkins, que llevaba varios años luchando para vencer el cáncer que padecía, murió en su casa de Nashville, después de haber superado un cáncer de colon en 1973 y un tumor cerebral en 1997. El guitarrista intervino en cientos de discos incluyendo los de Elvis Presley y los Everly Brothers además de haber sido muy importante en las carreras de Dolly Parton y Roy Orbison.

Y que sería del blues sin la guitarra eléctrica? Bueno, pues sería otra cosa. Robert Leroy Johnson nació en el estado de Misisipi el 8 de mayo de 1911. Fue un cantante, compositor y guitarrista estadounidense de blues, conocido como el Rey del Blues del Delta. Sus grabaciones de 1936 a 1937 muestran una notable combinación de talento para cantar, tocar la guitarra y componer canciones (a pesar de haber dejado grabadas solamente veintinueve, influyeron en varias generaciones de músicos). Su misteriosa y escasamente documentada vida, y su muerte a la edad de 27 años, han dado lugar a la difusión de muchas leyendas. Es considerado el Abuelo del Rock and Roll. Su locución, la originalidad de sus canciones y su estilo de tocar la guitarra, han marcado a una gran gama de músicos, entre ellos: John Fogerty, Bob Dylan, Johnny Winter, Jimi Hendrix, Led Zeppelin, The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Queen, Neil Young, o Eric Clapton, quien dice que es «el más importante músico de blues que haya vivido».

Su muerte ocurrió en circunstancias extrañas. Según unos, fue envenenado con whisky por un marido celoso, dueño de un bar en el que Johnson actuaba. Otros dicen que murió de neumonía, algunos que de sífilis. Su certificado de defunción revela que falleció el 16 de agosto de 1938, en Greenwood, estado de Misisipi, y que no hubo autopsia.

Y hablando de Blues, a quien podríamos recordar ahora? Como no, al Rey del Blues, el Sr. ¡¡¡B.B.King!!!

Riley B. King, hijo de Albert King y Nora Ella Farr, nació el 16 de septiembre de 1925 en una pequeña cabaña de una plantación de algodón situada entre las ciudades de Itta Bena y Berclair, Misisipi.

En la década de 1950, B. B. King se convirtió en uno de los nombres más importantes del rhythm and blues, con una lista de éxitos en su haber que incluía, entre 1952 y 1955, cuatro primeros puestos en la lista de R&B de la revista Billboard.

En febrero de 1952, King obtuvo su primer éxito de ventas, llegando al número uno en Billboard con 3 O'Clock Blues

B.B.King fue un músico que se prodigó muchísimo en los escenarios, llegando a tocar algún año en más de trescientas ocasiones. También colaboro con muchos músicos, músicos que le rendían pleitesía y admiraban profundamente. Uno de ellos, Gary Moore. Escuchamos a ambos en Since I Met You Baby.

B.B. King puso el nombre de Lucille a sus guitarras. El nombre proviene de una actuación en Arkansas, en la que se produjo un incendio que obligó a desalojar el recinto a todas las personas allí presentes. B.B. King se dio cuenta de que se había dejado su guitarra y volvió a rescatarla, estando a punto de morir. Cuando le dijeron que el fuego había sido provocado por dos hombres que se peleaban por una mujer, B.B. King le puso a su guitarra el nombre de ésta, Lucille.

B.B.King falleció el jueves 14 de mayo de 2015 mientras dormía en su casa de Las Vegas.

Hoy dedicamos nuestro espacio a repasar algunos de los mejores instrumentistas de guitarra eléctrica que a lo largo del tiempo nos han dejado lo mejor de ellos mismos.

Como siempre que hacemos listas, son todos los que están pero no están todos los que son. No puede ser de otra manera. Nuestra lista es subjetiva y sujeta a las variables que cada uno de nuestros ollentes quiera añadir.

Y lo vamos a hacer con guitarristas de Rock. Nuestra primera cita se ocupa de Brian May. Brian May fue el guitarrista de THE QUEEN. Fue guitarrista, compositor, vocalista y en ocasiones teclista de la exitosa banda británica.

Compuso muchos de los grandes éxitos de Queen, y utiliza una guitarra eléctrica hecha por él mismo, llamada Red Special, y que por cierto, utiliza una moneda para pulsar las cuerdas en lugar de la púa habitual. Es considerado uno de los guitarristas más grandes y originales de la historia. En 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto 26 de su lista de los guitarristas más grandes de todos los tiempos. En 2011, la misma revista en una nueva lista, lo posicionó nuevamente en el puesto número 26.

En 2005 fue nombrado comendador de la Orden del Imperio Británico por sus "servicios a la industria de la música". May obtuvo un doctorado en astrofísica en el Imperial College, y desde abril de 2007, fue elegido rector honorífico de la Universidad John Moores.

Otro que no podía faltar. Eric Patrick Clapton: guitarrista, cantante y compositor de rock y blues británico, conocido por su magistral habilidad con la guitarra eléctrica, en concreto con su Fender Stratocaster. Es conocido por el apodo de Mano lenta.

Clapton ha pasado por numerosas etapas y grupos y su estilo musical ha sufrido cambios diversos a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado profundamente ligadas al blues. Es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera. Practicó el blues rock con John Mayall & the Bluesbreakers y el rock psicodélico con Cream, además de haber tocado estilos muy diversos en su etapa en solitario.

En la actualidad, su estado de salud le está jugando alguna mala pasada y desconocemos si este gran artista volverá o no a tocar. La vida tiene estas cosas

Siguiendo con el rock, nos topamos con James Patrick «Jimmy» Page. Page es un músico multiinstrumentista y un virtuoso guitarrista de rock clásico británico conocido por haber sido el miembro fundador del grupo de rock Led Zeppelin desde 1968 hasta su disolución en 1980, y está considerado uno de los más grandes, influyentes y versátiles músicos y guitarristas de todos los tiempos.

Page fue uno de los primeros guitarristas de la historia en utilizar una guitarra de doble mástil, de marca Gibson inspirada en el modelo SG de la marca.

Ha colaborado, en calidad de músico de sesión, con multitud de formaciones y autores musicales, entre los que destacan The Rolling Stones, The Who, The Kinks, o Eric Clapton. A su vez, grabó varios álbumes con artistas como David Coverdale, Roy Harper o Joe Cocker.

Es, sin lugar a dudas, uno de los grandes.

Y, como no, el Sr. Mark Knopfler, también está en nuestra lista. Nacido en Glasgow, Escocia, el 12 de agosto de 1949 es en la actualidad uno de los músicos más importantes de la historia del rock . Antes de su carrera como músico, trabajó de periodista y dio clases en la universidad. Principalmente es conocido como fundador, guitarrista y cantante de la banda Dire Straits y su singular estilo de tocar la guitarra sin púa.

Pero también ha tocado en otras bandas y colaborado con artistas de la talla de Bob Dylan, Tina Turner, entre otros muchos.

Actualmente lleva una carrera en solitario, con un estilo un tanto diferente al que creó con Dire Straits, basado en un estilo propio, mezcla de diversas fuentes como el blues, el rock y el folk. Ahora le vamos a escuchar en una grabación realizada en 1990 junto con el guitarrista de country Chet Atkins, del que luego hablaremos.

Cambiamos de tercio, y nos adentramos en el Jazz. Y como guitarrista de jazz, nadie mejor para empezar que Wes Montgomery. Nacido en Indianapolis en 1923, fue un guitarrista de jazz que aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta hacia 1943, después de escuchar a su mentor Charlie Christian. Tras deambular por diversas formaciones, es llamado por Lionel Hampton, con quien toca entre 1948 y 1950. Tras esa etapa, regresó a su ciudad natal y se sumió en un semi-retiro que le duró 6 años, trabajando de día en una fábrica de piezas de radio ajeno al mundo de la música, y tocando por las noches en clubes

Por la intermediación de sus hermanos, también músicos como él, Richard Bock, productor del sello discográfico Pacific Jazz, organizó una sesión de grabación con Wes y otros músicos jóvenes, en lo que sería el primer disco de Wes como líder

Pero fue su disco The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, publicado por el sello Riverside en 1960, el que le llevó a la fama dentro del mundo del jazz, dándole a su estilo un “aire” funky que le hace inconfundible.

Repentinamente, en 1968, murió de un ataque al corazón. Montgomery ejerció una gran influencia en guitarristas posteriores, como Pat Martino o George Benson.

Lo escuchamos ahora en su versión de CARAVAN, la mítica pieza de Duke Ellington

Otro imprescindible: Joe Pass nació en Nueva Jersey, 13 de enero de 1929 - Los Ángeles, 23 de mayo de 1994), y fue uno de los guitarrista de jazz más alabados, tanto por la crítica como por sus compañeros de profesión, a algunos de los cuales sirvió de eficiente acompañante en distintos trabajos.

Siempre se confesó un ferviente admirador de Django Reinhardt e incluso en sus inicios formó un grupo a imagen y semejanza del Quinteto del Hot Club de Francia al tiempo que se interesaba por el bebop naciente. Sin embargo, no fue hasta principios de los sesenta cuando Joe Pass comenzó a convertirse en la popular figura que llegaría a ser, especialmente de la mano del infatigable promotor Norman Granz, quien lo transformó en una de las estrellas de la discográfica Pablo y le ofreció la posibilidad de medirse con artistas de la talla de Benny Carter, Milt Jackson o Ella Fitzgerald, con los cuales grabó algunas de sus mejores obras. Un buen ejemplo del saber hacer de este guitarrista lo tenemos en la colección de discos editados por el mencionado sello discográfico con el nombre de "Virtuoso". Impecable en la ejecución -nítida y pulcra sin por ello caer en la frialdad- e ingenioso en su fraseo, Joe Pass ha sido uno de los más personales guitarristas de las últimas décadas, creándose un estilo propio al margen de las grandes corrientes coetáneas de ese instrumento y estableciéndose como un elegantísimo acompañante que en ningún caso renunció a su propio estilo. A principios de los 70, Pass también colaboró en una serie de libros de música, y su Joe Pass Guitar Style (escrito con Bill Thrasher) es considerado un libro de texto básico de improvisación para estudiantes de jazz.

En 1994, Joe Pass murió de cáncer de hígado en Los Ángeles, California, a la edad de 65 años. Antes de su muerte, había grabado un álbum de versiones instrumentales de canciones de Hank Williams con el guitarrista de música country Roy Clark.

Hablaremos ahora del MITO. Jean Django Reinhardt nació en Liberchies, Bélgica, el 23 de enero de 1910 y fue un guitarrista de jazz de origen gitano sinti.

Se trata del primer músico de jazz originario de Europa que ejerció una influencia similar a la de los grandes artistas estadounidenses. Su música es el resultado de la fusión entre el swing y la tradición musical gitana del este europeo, lo que se conoce en inglés con el nombre de Gypsy jazz y en francés como Jazz manouche (Jazz gitano).

Reinhardt revoluciona el toque de guitarra en el jazz, justamente antes de que se empezara a utilizar la amplificación. Sobre la base de un contrabajo, de dos guitarras rítmicas y del habitual violín de Stéphane Grappelli, Django desarrolla una música alegre y extraordinariamente flexible. Sus conceptos armónicos fueron sorprendentes en su época y así impresionó a músicos como Charlie Christian y Les Paul;

Aunque no sabía leer música, a solas y junto a Grappélli, Reinhardt compuso varias melodías sumamente originales y exitosas como “Daphne”, “Nuages” o “Minor Swing”.

El 26 de octubre de 1928, a la una de la madrugada, Django regresaba a su casa-caravana de una noche de música en el nuevo club La Java. La caravana había sido llenada con flores de celuloide por su mujer, que pretendía venderlas al día siguiente. Django creyó oír un ratón y utilizó una vela para poder verlo. Un poco de cera caída sobre las altamente inflamables flores bastó para provocar un infernal incendio. El músico se envolvió en una manta para protegerse de las llamas. Tanto él como su mujer salvaron la vida, pero su mano izquierda y toda la parte derecha de su cuerpo de la rodilla a la cintura quedaron seriamente dañadas.

En un principio los doctores querían amputar su pierna, pero Django se opuso. Los cuidados recibidos en una enfermería serían luego decisivos para salvarle la pierna. Django estuvo dieciocho meses postrado en la cama. Al final había quedado incapacitado del cuarto y quinto dedos de la mano izquierda (que habían quedado contraídos hacia la palma de la mano debido al calor recibido por los tendones). No obstante, gracias a su ingenio inventó un sistema de digitación para suplir su problema, sistema que influyó en cierta medida en la originalidad de su estilo. Podía usarlos en las primeras dos cuerdas de la guitarra para los acordes y las octavas, pero su completa extensión era imposible. Con todo, fue capaz de convertirse en un gigante de la guitarra únicamente con el uso del dedo índice y del dedo medio.

Durante los años cincuenta, Reinhardt se retiró a Europa, tocando y grabando allí hasta su muerte, a causa de una hemorragia cerebral, el 16 de mayo de 1953 a la edad de 43 años.

Hay una seria de excelentes guitarristas que, a su calidad artística, debemos sumarle el mérito de los pioneros. Fueron los que dieron a la guitarra eléctrica la base para toda su posterior evolución. Entre otros, debemos citar sin lugar a dudas a Lester William Polsfuss, nacido en Wisconsin, el 9 de junio de 1915, aunque siempre se le conoció Les Paul.

Fue una de las más importantes figuras en el desarrollo de instrumentos musicales eléctricos y técnicas de grabación. Les Paul fue pionero en el desarrollo de las guitarras de cuerpo macizo con el diseño de los modelos Gibson Les Paul, que adoptaron su nombre, y en la grabación multipista. Su destreza en el manejo de la guitarra y las innovaciones técnicas que introdujo en el instrumento le hicieron ser mundialmente conocido. Falleció el 13 de agosto de 2009 en Nueva York debido a complicaciones con una neumonía.

Otro de estos pioneros fue, Chester Burton "Chet" Atkins, nacido el 20 de junio de 1924. Y a lo largo de su carrera fué un influyente guitarrista y productor de country. Su estilo, le trajo admiradores dentro y fuera de la escena de EE. UU.. Creó, junto a Owen Bradley, el estilo de música country más suave y tranquilizador conocido como sonido Nashville, que arrastro el gusto por la música country a admiradores de la música pop para adultos.

Murió a la edad de 77 años. Atkins, que llevaba varios años luchando para vencer el cáncer que padecía, murió en su casa de Nashville, después de haber superado un cáncer de colon en 1973 y un tumor cerebral en 1997. El guitarrista intervino en cientos de discos incluyendo los de Elvis Presley y los Everly Brothers además de haber sido muy importante en las carreras de Dolly Parton y Roy Orbison.

Y que sería del blues sin la guitarra eléctrica? Bueno, pues sería otra cosa. Robert Leroy Johnson nació en el estado de Misisipi el 8 de mayo de 1911. Fue un cantante, compositor y guitarrista estadounidense de blues, conocido como el Rey del Blues del Delta. Sus grabaciones de 1936 a 1937 muestran una notable combinación de talento para cantar, tocar la guitarra y componer canciones (a pesar de haber dejado grabadas solamente veintinueve, influyeron en varias generaciones de músicos). Su misteriosa y escasamente documentada vida, y su muerte a la edad de 27 años, han dado lugar a la difusión de muchas leyendas. Es considerado el Abuelo del Rock and Roll. Su locución, la originalidad de sus canciones y su estilo de tocar la guitarra, han marcado a una gran gama de músicos, entre ellos: John Fogerty, Bob Dylan, Johnny Winter, Jimi Hendrix, Led Zeppelin, The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Queen, Neil Young, o Eric Clapton, quien dice que es «el más importante músico de blues que haya vivido».

Su muerte ocurrió en circunstancias extrañas. Según unos, fue envenenado con whisky por un marido celoso, dueño de un bar en el que Johnson actuaba. Otros dicen que murió de neumonía, algunos que de sífilis. Su certificado de defunción revela que falleció el 16 de agosto de 1938, en Greenwood, estado de Misisipi, y que no hubo autopsia.

Y hablando de Blues, a quien podríamos recordar ahora? Como no, al Rey del Blues, el Sr. ¡¡¡B.B.King!!!

Riley B. King, hijo de Albert King y Nora Ella Farr, nació el 16 de septiembre de 1925 en una pequeña cabaña de una plantación de algodón situada entre las ciudades de Itta Bena y Berclair, Misisipi.

En la década de 1950, B. B. King se convirtió en uno de los nombres más importantes del rhythm and blues, con una lista de éxitos en su haber que incluía, entre 1952 y 1955, cuatro primeros puestos en la lista de R&B de la revista Billboard.

En febrero de 1952, King obtuvo su primer éxito de ventas, llegando al número uno en Billboard con 3 O'Clock Blues

B.B.King fue un músico que se prodigó muchísimo en los escenarios, llegando a tocar algún año en más de trescientas ocasiones. También colaboro con muchos músicos, músicos que le rendían pleitesía y admiraban profundamente. Uno de ellos, Gary Moore. Escuchamos a ambos en Since I Met You Baby.

B.B. King puso el nombre de Lucille a sus guitarras. El nombre proviene de una actuación en Arkansas, en la que se produjo un incendio que obligó a desalojar el recinto a todas las personas allí presentes. B.B. King se dio cuenta de que se había dejado su guitarra y volvió a rescatarla, estando a punto de morir. Cuando le dijeron que el fuego había sido provocado por dos hombres que se peleaban por una mujer, B.B. King le puso a su guitarra el nombre de ésta, Lucille.

B.B.King falleció el jueves 14 de mayo de 2015 mientras dormía en su casa de Las Vegas.

Fran Lopez comenzó su andadura musical a la edad de 14 años adentrándose en el mundo del blues y rock latino, participando y colaborando en diferentes formaciones.

Durante su preparación académica como Técnico Superior en Desarrollo de Productos Electrónicos, simultanea estos estudios con los estrictamente musicales.

De esta manera se diploma como Profesional de Musica Moderna en el aula de Música Moderna y Jazz del conservatorio del Liceu, Barcelona.

Sigue los cursos de Composición y Arreglos en el IES de Música de Zaragoza.

Se diploma como Técnico Superior de Musicoterapia.

Obtiene el master Europeo de Educación Musical.

Al igual que el título Rockschool Electric Guitar, grado 8

Y lo más reciente, Master en Producción Musical y Grabación de Audio con Pro Tools.

Su actividad laboral se ha centrado en las orquestas y la docencia. Ha actuado con las formaciones más prestigiosas de Zaragoza: Orquesta Montenegro, Orquesta Boston, y en la actualidad Orquesta Nueva Alaska.

En el apartado de la docencia, ha sido profesor de guitarra en la Escuela de la Música y las Artes de Zaragoza, y actualmente atiende una quincena de alumnos privados.

En los aspectos más técnicos, es el encargado de la Producción Musical de largometrajes, cortos y videoclips para la Productora Audiovisual Linda Films.

A los 18 años grabó su primer CD en solitario, ALMA LIBRE,

Con su banda SIVANNA, ganó el I Concurso de maquetas de “Arte” de Zaragoza. Este grupo ganó tambien el concurso SALA TAF de Madrid.

Fran Lopez comenzó su andadura musical a la edad de 14 años adentrándose en el mundo del blues y rock latino, participando y colaborando en diferentes formaciones.

Durante su preparación académica como Técnico Superior en Desarrollo de Productos Electrónicos, simultanea estos estudios con los estrictamente musicales.

De esta manera se diploma como Profesional de Musica Moderna en el aula de Música Moderna y Jazz del conservatorio del Liceu, Barcelona.

Sigue los cursos de Composición y Arreglos en el IES de Música de Zaragoza.

Se diploma como Técnico Superior de Musicoterapia.

Obtiene el master Europeo de Educación Musical.

Al igual que el título Rockschool Electric Guitar, grado 8

Y lo más reciente, Master en Producción Musical y Grabación de Audio con Pro Tools.

Su actividad laboral se ha centrado en las orquestas y la docencia. Ha actuado con las formaciones más prestigiosas de Zaragoza: Orquesta Montenegro, Orquesta Boston, y en la actualidad Orquesta Nueva Alaska.

En el apartado de la docencia, ha sido profesor de guitarra en la Escuela de la Música y las Artes de Zaragoza, y actualmente atiende una quincena de alumnos privados.

En los aspectos más técnicos, es el encargado de la Producción Musical de largometrajes, cortos y videoclips para la Productora Audiovisual Linda Films.

A los 18 años grabó su primer CD en solitario, ALMA LIBRE,

Con su banda SIVANNA, ganó el I Concurso de maquetas de “Arte” de Zaragoza. Este grupo ganó tambien el concurso SALA TAF de Madrid.

Como os anunciamos el último programa hoy nos centraremos en The Beatles. Dado que este va a ser un tema largo, lo desgranaremos a lo largo de varios programas. Y es que, los Beatles fueron un milagro, parece que durante la década prodigiosa que duró su trayectoria, todo lo que hacían estaba cubierto por un manto que les protegía y les guiaba, todo lo hacian bien, todo fueron éxitos y aunque, ahora sabemos que no todo fue tan fácil, la sensación que transmitieron en esos años fue… sublime.

Resulta muy difícil, bueno, quiero decir que a mí me resulta muy difícil marcar etapas en la carrera de este grupo. Como dice Cesar Sanjuán en su libro Una historia de los Beatles, que por cierto recomiendo a cualquier aficionado, hay grupos que atendiendo a su trayectoria musical solo tienen una etapa, aun siendo ésta muy buena… pero solo tienen una etapa. Son fieles a un estilo que no cambia a lo largo de su carrera. Son previsibles. Un ejemplo irreverente y por el que pido perdón de antemano a todos sus seguidores, entre los que me encuentro: The Rolling Stones. Tienen el mérito innegable de llevar medio siglo en el escenario tocando casi… lo mismo.

Por el contrario, de The Beatles, podemos decir sin lugar a dudas que tuvieron diez etapas a lo largo de sus 10 años de vida, cada LP fue una vuelta de tuerca a la música pop. POR ESO LA REINVENTARON!!! POR ESO SON INDISPENSABLES!!! POR ESO NOS GUSTAN TANTO!!!

Pero vamos a empezar por el principio. ¿Cómo empezó todo?. Bueno pues, como casi todo el mundo sabe ya, o quizá no, la culpa de todo la tuvo el Sr. Ivan Vaughan. Este buen hombre, compañero de clase de Paul McCartney, invitó a éste a una fiesta parroquial en la que tocaba un grupo llamado los Quarrymen con la intención de presentarle a su leader John Lennon. John quedó impresionado con Paul ya que, entre otras cosas, supo afinarle la guitarra en condiciones. Esto fue un 6 de julio de 1957. Y así fue como, dos genios musicales coincidieron en el tiempo para darnos a todos los momentos musicales más hermosos de nuestras vidas.

Fruto de esas sesiones en la BBC, podemos disfrutar ahora de otra versión, en esta ocasión la que hicieron de la canción de Little Richard, Long Tall Sally

El tercer elemento clave para el grupo fue George Harrison. Era el mejor guitarrista de todos ellos pero prácticamente un niño en ese momento. A pesar de las reticencias de John y gracias a sus habilidades con la guitarra quedó admitido en el grupo. Completaron el grupo Stu Sutcliffe, amigo de John y estudiante de arte como él y el batería Pete Best.

Aprendieron a tocar actuando en directo y después de darse a conocer en su Liverpool natal, principalmente en el ahora famoso club The Cavern, pasaron a Hamburgo, Alemania.

Esta fue una época realmente movida, actuando en clubs de striptease y bares de mala muerte y durmiendo en la trastienda de un cine.

Fueron expulsados del país por ser George menor de edad y volvieron cuando éste cumplió los 18 años. En 1961, un cantante americano (Alemania estaba llena de americanos y de bases después de la guerra) iba a grabar un disco y necesitaba un grupo de acompañamiento, se lo ofrecieron a ellos y así fue como los Beatles entraron por primera vez en un estudio de grabación. Vamos a escuchar ahora una curiosidad, la versión que de la canción “Luna De Miel”, de Mikis Theodorakis hicieron también para la BBC: The Honeymoon song

The Honeymoon song. Corte29 “Live at the BBC”

Brian Epstein tenía una tienda de discos en Liverpool y un día alguien le pidió un disco de un nuevo grupo que él no conocía. Se fue a verlos al Cavern y ese día la historia dio otra vuelta de tuerca. Epstein se convirtió en el manager de los Beatles. Les lavó la imagen, los pulió y empezó a buscarles un contrato discográfico en condiciones.

Para entonces ya eran solo cuatro los miembros de Los Beatles ya que Stu se había quedado en Alemania con su novia. Desgraciadamente falleció poco después víctima de un coágulo en el cerebro.

Pero bueno, nuestro grupo seguía su camino en medio de la incomprensión general. En enero de 1962 grabaron 15 canciones para la compañía DECCA RECORDS, en Londres pero sus directivos prefirieron a otro grupo, los Tremeloes concretamente, antes que a ellos.

Por fin, en junio de ese mismo año, la compañía EMI se interesa por ellos y a las órdenes del que sería su productor de cabecera, George Martin, grabaron una maqueta con cuatro canciones. A la vista del resultado, se decidió, bueno lo decidió Martin, cambiar de batería y así fue como Ringo Starr completó la nómina Beatles. El 4 de Septiembre de 1962 grabaron su primer disco oficial LOVE ME DO

Por cierto, en esta versión oficial de Love me do no es Ringo Starr el que toca la batería sino un músico de sesión llamado Andy White, algo que a Ringo le gustó tanto como tirarse al rio.

Pero bueno, aunque Love me do no fue un éxito fulgurante, su nuevo trabajo Please Please me, editado en febrero de 1963 llegó inmediatamente al número 1

Please Please Me fue el álbum debut de la banda británica y

su grabación constituyó un record. Se grabó en tres sesiones, un total de 9 horas y 45 minutos y se mezcló en un solo día. El disco, que tiene 14 canciones, todavía tiene 6 canciones de otros autores. Pero ésta sería la última ocasión. Y a pesar de todo esto, en mayo de ese año ya era número 1.

Merece la pena escuchar a Ringo Starr cantando “Boys” en su estreno como cantante con los Beatles.

La última canción que se grabó en estas sesiones fué “Twist and Shout”, en una interpretación casi dramática a cargo de John Lennon que arrastraba un fuerte resfriado y tenía la voz para pocos trotes. No obstante, el resultado fue magnífico.

Twist and Shout. Corte 14 de “Please, Please, me”

Y es aquí donde empezó la Beatlemania. Pero de eso hablaremos otro día porque, ahora, queremos saber que pasaba en España en ese momento.

En plena recta final de la crisis provocada por la Guerra Civil, allá por el año 1962 surgió un pequeño oasis de optimismo, las matinales del Circo Price, conocidas como «Festivales de Música Moderna».

El 18 de noviembre pasado se cumplieron exactamente 55 años de la primera de estas sesiones que nacieron a imitación de las que se organizaban en París o Londres, y que se celebraban cada quince días, hasta que fueron prohibidas por la autoridad competente.

Pero, al menos, dio tiempo a que por allí pasarán artistas que luego se convertirían en estrellas, como Miguel Ríos -alguna vez al frente de Los Relámpagos, o en solitario como Mike Ríos, Albert Hammond con The Diamond Boys y más tarde como Albert y Richard, Micky y Los Tonys, Los Estudiantes...

Pero las matinales representaron algo más. Según cuenta en una entrevista Miguel Angel Nieto, su organizador: «Desde el punto de vista social, fue el principio de una ruptura con los principios del régimen, que lo que quería era tener una juventud sometida a los dictámenes del Frente de Juventudes, y no querían que hubiese ningún tipo de manifestación que les permitiese cierta libertad a través de la música. Eso quedó muy patente cuando el señor comisario nos prohibió continuar».

Nos despedimos con una de esas intervenciones históricas, en este caso de Mike Rios y su “Popotitos”.

Queridos amigos, esto ha sido todo por hoy. Os espero a todos la próxima semana en la que tendremos más música y más músicos. Hasta entonces… ¡¡¡BUENAS VIBRACIONES!!!

Como os anunciamos el último programa hoy nos centraremos en The Beatles. Dado que este va a ser un tema largo, lo desgranaremos a lo largo de varios programas. Y es que, los Beatles fueron un milagro, parece que durante la década prodigiosa que duró su trayectoria, todo lo que hacían estaba cubierto por un manto que les protegía y les guiaba, todo lo hacian bien, todo fueron éxitos y aunque, ahora sabemos que no todo fue tan fácil, la sensación que transmitieron en esos años fue… sublime.

Resulta muy difícil, bueno, quiero decir que a mí me resulta muy difícil marcar etapas en la carrera de este grupo. Como dice Cesar Sanjuán en su libro Una historia de los Beatles, que por cierto recomiendo a cualquier aficionado, hay grupos que atendiendo a su trayectoria musical solo tienen una etapa, aun siendo ésta muy buena… pero solo tienen una etapa. Son fieles a un estilo que no cambia a lo largo de su carrera. Son previsibles. Un ejemplo irreverente y por el que pido perdón de antemano a todos sus seguidores, entre los que me encuentro: The Rolling Stones. Tienen el mérito innegable de llevar medio siglo en el escenario tocando casi… lo mismo.

Por el contrario, de The Beatles, podemos decir sin lugar a dudas que tuvieron diez etapas a lo largo de sus 10 años de vida, cada LP fue una vuelta de tuerca a la música pop. POR ESO LA REINVENTARON!!! POR ESO SON INDISPENSABLES!!! POR ESO NOS GUSTAN TANTO!!!

Pero vamos a empezar por el principio. ¿Cómo empezó todo?. Bueno pues, como casi todo el mundo sabe ya, o quizá no, la culpa de todo la tuvo el Sr. Ivan Vaughan. Este buen hombre, compañero de clase de Paul McCartney, invitó a éste a una fiesta parroquial en la que tocaba un grupo llamado los Quarrymen con la intención de presentarle a su leader John Lennon. John quedó impresionado con Paul ya que, entre otras cosas, supo afinarle la guitarra en condiciones. Esto fue un 6 de julio de 1957. Y así fue como, dos genios musicales coincidieron en el tiempo para darnos a todos los momentos musicales más hermosos de nuestras vidas.

Fruto de esas sesiones en la BBC, podemos disfrutar ahora de otra versión, en esta ocasión la que hicieron de la canción de Little Richard, Long Tall Sally

El tercer elemento clave para el grupo fue George Harrison. Era el mejor guitarrista de todos ellos pero prácticamente un niño en ese momento. A pesar de las reticencias de John y gracias a sus habilidades con la guitarra quedó admitido en el grupo. Completaron el grupo Stu Sutcliffe, amigo de John y estudiante de arte como él y el batería Pete Best.

Aprendieron a tocar actuando en directo y después de darse a conocer en su Liverpool natal, principalmente en el ahora famoso club The Cavern, pasaron a Hamburgo, Alemania.

Esta fue una época realmente movida, actuando en clubs de striptease y bares de mala muerte y durmiendo en la trastienda de un cine.

Fueron expulsados del país por ser George menor de edad y volvieron cuando éste cumplió los 18 años. En 1961, un cantante americano (Alemania estaba llena de americanos y de bases después de la guerra) iba a grabar un disco y necesitaba un grupo de acompañamiento, se lo ofrecieron a ellos y así fue como los Beatles entraron por primera vez en un estudio de grabación. Vamos a escuchar ahora una curiosidad, la versión que de la canción “Luna De Miel”, de Mikis Theodorakis hicieron también para la BBC: The Honeymoon song

The Honeymoon song. Corte29 “Live at the BBC”

Brian Epstein tenía una tienda de discos en Liverpool y un día alguien le pidió un disco de un nuevo grupo que él no conocía. Se fue a verlos al Cavern y ese día la historia dio otra vuelta de tuerca. Epstein se convirtió en el manager de los Beatles. Les lavó la imagen, los pulió y empezó a buscarles un contrato discográfico en condiciones.

Para entonces ya eran solo cuatro los miembros de Los Beatles ya que Stu se había quedado en Alemania con su novia. Desgraciadamente falleció poco después víctima de un coágulo en el cerebro.

Pero bueno, nuestro grupo seguía su camino en medio de la incomprensión general. En enero de 1962 grabaron 15 canciones para la compañía DECCA RECORDS, en Londres pero sus directivos prefirieron a otro grupo, los Tremeloes concretamente, antes que a ellos.

Por fin, en junio de ese mismo año, la compañía EMI se interesa por ellos y a las órdenes del que sería su productor de cabecera, George Martin, grabaron una maqueta con cuatro canciones. A la vista del resultado, se decidió, bueno lo decidió Martin, cambiar de batería y así fue como Ringo Starr completó la nómina Beatles. El 4 de Septiembre de 1962 grabaron su primer disco oficial LOVE ME DO

Por cierto, en esta versión oficial de Love me do no es Ringo Starr el que toca la batería sino un músico de sesión llamado Andy White, algo que a Ringo le gustó tanto como tirarse al rio.

Pero bueno, aunque Love me do no fue un éxito fulgurante, su nuevo trabajo Please Please me, editado en febrero de 1963 llegó inmediatamente al número 1

Please Please Me fue el álbum debut de la banda británica y

su grabación constituyó un record. Se grabó en tres sesiones, un total de 9 horas y 45 minutos y se mezcló en un solo día. El disco, que tiene 14 canciones, todavía tiene 6 canciones de otros autores. Pero ésta sería la última ocasión. Y a pesar de todo esto, en mayo de ese año ya era número 1.

Merece la pena escuchar a Ringo Starr cantando “Boys” en su estreno como cantante con los Beatles.

La última canción que se grabó en estas sesiones fué “Twist and Shout”, en una interpretación casi dramática a cargo de John Lennon que arrastraba un fuerte resfriado y tenía la voz para pocos trotes. No obstante, el resultado fue magnífico.

Twist and Shout. Corte 14 de “Please, Please, me”

Y es aquí donde empezó la Beatlemania. Pero de eso hablaremos otro día porque, ahora, queremos saber que pasaba en España en ese momento.

En plena recta final de la crisis provocada por la Guerra Civil, allá por el año 1962 surgió un pequeño oasis de optimismo, las matinales del Circo Price, conocidas como «Festivales de Música Moderna».

El 18 de noviembre pasado se cumplieron exactamente 55 años de la primera de estas sesiones que nacieron a imitación de las que se organizaban en París o Londres, y que se celebraban cada quince días, hasta que fueron prohibidas por la autoridad competente.

Pero, al menos, dio tiempo a que por allí pasarán artistas que luego se convertirían en estrellas, como Miguel Ríos -alguna vez al frente de Los Relámpagos, o en solitario como Mike Ríos, Albert Hammond con The Diamond Boys y más tarde como Albert y Richard, Micky y Los Tonys, Los Estudiantes...

Pero las matinales representaron algo más. Según cuenta en una entrevista Miguel Angel Nieto, su organizador: «Desde el punto de vista social, fue el principio de una ruptura con los principios del régimen, que lo que quería era tener una juventud sometida a los dictámenes del Frente de Juventudes, y no querían que hubiese ningún tipo de manifestación que les permitiese cierta libertad a través de la música. Eso quedó muy patente cuando el señor comisario nos prohibió continuar».

Nos despedimos con una de esas intervenciones históricas, en este caso de Mike Rios y su “Popotitos”.

Queridos amigos, esto ha sido todo por hoy. Os espero a todos la próxima semana en la que tendremos más música y más músicos. Hasta entonces… ¡¡¡BUENAS VIBRACIONES!!!

El saxofón es el miembro más joven de la familia de los viento-madera, es un instrumento de lengüeta simple que siempre se ha fabricado a base de una aleación metálica de cobre, níquel y zinc para posteriormente chaparlo en níquel, plata u oro.

Este instrumento fue patentado en París en 1846 por el belga Adolphf Sax (1814 – 1894) y combina las características del oboe y del clarinete. En la actualidad se emplean solo cuatro tipos de saxos: soprano, alto, tenor y barítono. En la Orquesta Sinfónica, el saxofón fue utilizado por primera vez por Bizet en 1872. Mas tarde otros compositores se sumaron al instrumento, tales como Massenet, Richard Strauss y otros. Pero fue en el ámbito del jazz donde el saxofón obtuvo a partir de 1915 su reconocimiento más amplio. En la época del swing durante los años 30, los saxofones formaban una sección especial de la Big Band que incluía entre tres y seis instrumentos.

Entre los solistas de saxofón del jazz que mejor desarrollaron la técnica y las capacidades expresivas del instrumento destacan Sidney Bechet, Colemna Hawkins, Charlie Parker, John Coltrane o Gerry Mulligan, entre otros muchos.

El saxofón es el miembro más joven de la familia de los viento-madera, es un instrumento de lengüeta simple que siempre se ha fabricado a base de una aleación metálica de cobre, níquel y zinc para posteriormente chaparlo en níquel, plata u oro.

Este instrumento fue patentado en París en 1846 por el belga Adolphf Sax (1814 – 1894) y combina las características del oboe y del clarinete. En la actualidad se emplean solo cuatro tipos de saxos: soprano, alto, tenor y barítono. En la Orquesta Sinfónica, el saxofón fue utilizado por primera vez por Bizet en 1872. Mas tarde otros compositores se sumaron al instrumento, tales como Massenet, Richard Strauss y otros. Pero fue en el ámbito del jazz donde el saxofón obtuvo a partir de 1915 su reconocimiento más amplio. En la época del swing durante los años 30, los saxofones formaban una sección especial de la Big Band que incluía entre tres y seis instrumentos.

Entre los solistas de saxofón del jazz que mejor desarrollaron la técnica y las capacidades expresivas del instrumento destacan Sidney Bechet, Colemna Hawkins, Charlie Parker, John Coltrane o Gerry Mulligan, entre otros muchos.

Entrevista realizada el 26 de diciembre de 2017 a Miguel Royo "Wally", emitida en el programa "Siéntelo con oído" del día 11 de enero de 2018.

Miguel Angel Royo Bosqued “Wally” nace en Aguarón (Zaragoza) en el año 1978 y es en esta localidad donde inicia sus estudios musicales al amparo de la Escuela de Música Santa Cecilia.

A la vista de las especiales aptitudes demostradas por aquel niño de entonces, sus profesores le aconsejan ampliar sus estudios en el conservatorio. Así que, apoyado incondicionalmente por sus padres, Miguel Angel inicia su andadura, digamos seria, en el Conservatorio Profesional de Zaragoza donde consigue el Grado Medio de Saxo.

Ya en el Conservatorio Superior de Aragón se gradua en el Grado Superior de saxo, especializado en música clásica y contemporánea.

Sigue con sus estudios en la Escuela Superior de Música de Cataluña consiguiendo el grado superior de jazz.

Y en la Universidad Autónoma de Barcelona obtiene el certificado de aptitud pedagógica.

Paralelamente, complementa su formación con numerosos cursos y masterclass con los mejores profesores del momento. Por citar algunos, Paquito de Rivera, Bob Sands, Bobby Martinez, Bob Reynolds, Joan Albert Amargós, Jaime Fatás, Emilio Molina, y un larguísimo etcetera.

Miguel Angel domina el saxo soprano, el alto, el tenor, el barítono y la flauta travesera.

A lo largo de su carrera ha colaborado en numerosas formaciones y hemos podido verle y escucharle en diversos formatos, desde la televisión, recitales, comedias musicales, acompañando a grandes artistas, en fin, toda una panoplia de actuaciones.

En cuanto a las formaciones, citar como ejemplo a

Chattanooga Big Band

Barcelona Jazz Orquesta

Big Band ESMUC (Festival de Jazz de Barcelona)

Big Band Escuela Popular de Madrid

Big Band de Rudy Vistel (Festival de Jazz de Zaragoza)

Big Band de Lleida

Cotton Club Big Band

Y por último, su actual formación, ARAGONIAN con la que estan llevando a cabo un interesante trabajo de fusión entre la jota y el jazz, algo que nadie antes había intentado, al menos desde el punto de vista musical.

Discografía

2011 Aragonian 5 Jotas

2012 Mirar pa dentro

2014 Aragonian y 7 son 12

2015 Aflamencándome

2016 Aragonian St. Lawrence’s Blues

www.miguelroyowally.com