NADA MÁS QUE MÚSICA

Led Zeppelin fue un grupo británico de hard rock fundado en 1968 por el guitarrista Jimmy Page, ya viejo conocido nuestro. La banda estuvo integrada por John Paul Jones como bajista y teclista, el vocalista Robert Plant y John Bonham a la batería.

Led Zeppelin tuvo muchas influencias musicales, bebió de las fuentes del blues, el rock and roll, el soul, la música celta, la música india, el folk, e incluso el country.

Más de treinta años después de la disolución de la banda en 1980, la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock. Hasta la fecha, ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo, incluidos 111 millones sólo en los Estados Unidos. ¡¡¡Es que son muchos!!!

Su primer disco fue publicado el 12 de enero de 1969, bajo el nombre de Led Zeppelin. Se grabó en apenas una semana (grabado, mezclado y editado) en los estudios Olympic de Londres en octubre de 1968, empleando apenas 30 horas de estudio y sin casi horas de ensayo. Al principio, el público británico no respondía muy efusivamente al lanzamiento del álbum, producido por Page, lo que se convertiría en una constante a lo largo de la historia del grupo, un hecho que provocó que la banda no publicase sencillos en el Reino Unido. Tras embarcarse en su primera gira norteamericana y gracias a las explosivas actuaciones de la banda, el álbum tuvo un éxito inmenso en crítica y público, sobre todo en Estados Unidos. La prensa calificó al álbum como heavy metal, algo con lo que la banda no estaba de acuerdo.

Como curiosidad cabe destacar que, durante la gira de apoyo al disco Led Zeppelin en Dinamarca, el grupo actuó bajo el nombre de The Nobs por prohibición de la baronesa Eva von Zeppelin (familiar del inventor del dirigible) a utilizar su nombre real, quien arguyó que eran unos "monos gritones", además de criticar la portada del disco.

Además, las autoridades de Singapur impidieron a la banda entrar en el país para dar un concierto debido a que tenían el pelo demasiado largo. ¡¡¡Que tiempos!!!

El 5 de octubre de 1970 se publica su tercer disco, Led Zeppelin III, tras el cual algunos acusaron al grupo de ser un montaje comercial, debido al carácter íntimo y acústico de algunas de las canciones contenidas en dicho álbum, que a pesar de no ser muy bien recibido tanto por la crítica como por sus admiradores, contenía composiciones que con el tiempo se convirtieron en clásicos, como "Immigrant Song".

El tiempo pone a todos en su sitio, a los críticos y a los artistas. Porque este otro tema del mismo disco, “Since I’ve Been Loving You”, no tiene desperdicio…

La banda entera y sobre todo Jimmy Page se tomó personalmente estas críticas, lo que provocó que su cuarto trabajo, en su edición original, no tuviera título ni nada que permitiera identificarlo, a excepción de cuatro extraños símbolos, uno para cada miembro de la banda. Este álbum, reconocido comúnmente como Led Zeppelin IV, se publicó el 8 de noviembre de 1971 y fue el LP más vendido de la banda (actualmente está en la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA), en el que destaca su mayor éxito, "Stairway to Heaven", que ya hemos escuchado, además de clásicos de la banda como la maravillosa "Black Dog". O el trepidante “Rock and Roll".

O la atronadora batería de John Bonham en "When The Levee Breaks",

En esta época fueron famosos los excesos de Led Zeppelin, ya que empezaron a viajar en un jet privado, a alquilar plantas enteras de los hoteles en sus estancias durante las giras.

Pero es que, hasta julio de 2006, el cuarto disco de Led Zeppelin había vendido 23 millones de copias en Estados Unidos, convirtiéndose en el cuarto álbum más vendido de la historia.

Su siguiente disco, Houses of the Holy, publicado el 28 de marzo de 1973, supuso una nueva idea en el grupo, mezclando diversos estilos musicales, blues, rock, folk, e incluso matices reggae. Como siempre, el álbum causó controversia entre los críticos a pesar de tener excelentes ventas. La canción "Houses of the Holy" fue grabada inicialmente para incluirse en su álbum homónimo, aunque finalmente aparece en su siguiente trabajo.

La portada del disco también tuvo su polémica, ya que en ella aparecen los hijos de Robert Plant desnudos escalando una especie de cuesta empedrada (que se trata de la calzada del gigante en Irlanda del Norte), por lo que fue prohibido en algunos países, entre ellos España.

Para sentirse más cómodos en la grabación de sus álbumes, Led Zeppelin crearon en 1974 su propio sello discográfico, Swan Song, aunque dependiendo todavía de su compañía discográfica Atlantic Records.

Entre 1973 y 1974 la banda se tomó un descanso de su frenética combinación de grabaciones y espectaculares giras, para publicar, el 24 de febrero de 1975 el primer trabajo concebido desde Swan Song: Physical Graffiti. Se trataba de un álbum doble que contiene piezas nuevas como "Kashmir", de la que Robert Plant dijo que era la canción definitiva de Led Zeppelin.

Lamentablemente, la exitosa trayectoria de Led Zeppelin se vio interrumpida cuando en el verano de ese mismo año Robert Plant sufrió un grave accidente automovilístico en la isla griega de Rodas, dejando a su mujer Maureen al borde de la muerte. El accidente fue seguido por una difícil y larga recuperación que se extendió aproximadamente un año hasta finales de 1976.

En este mismo año de 1976 se preparó a toda velocidad el siguiente trabajo de la banda, Presence, publicado el 31 de marzo de 1976 y grabado entre la ciudad alemana de Múnich y Malibú, en California, que curiosamente se caracteriza por no tener ninguna canción acústica y no hacer uso de ningún teclado. Es un álbum marcado por el estado convaleciente de Robert Plant, quien grabó sus tomas vocales sentado en una silla de ruedas o en muletas. El álbum, como marca de la casa, fue recibido con diversidad de opiniones por crítica y público debido a su carácter más suave y lento. Jimmy Page siempre dijo que éste es su disco preferido, y el tema que da inicio al disco, "Achilles Last Stand", su tema favorito con sus más de 10 minutos.23

Posteriormente editaron su primer disco en vivo, The Song Remains The Same, banda sonora de la película del mismo nombre, la cual muestra unas actuaciones de 1973 en Nueva York que finalizaron una gira estadounidense, mezcladas con unas escenas de fantasía ideadas por la propia banda. Sin embargo, el disco caló negativamente en el Reino Unido debido al potente auge de las nuevas bandas de punk británicas, considerándose a la banda como "obsoleta”.

Tras volver a los escenarios en 1977, de nuevo Robert Plant volvió a verse afectado por la desgracia, esta vez por la muerte de su hijo Karac Pendra de seis años, a causa de una infección estomacal. Este hecho marcó profundamente a Plant, llegando a plantearse su continuidad dentro de la banda. Sin embargo, el vocalista recapacitó y en 1978 la banda volvió al estudio, concretamente al del grupo ABBA en Estocolmo, para grabar el que sería inesperadamente su último álbum de estudio, In Through the Out Door publicado el 15 de agosto de 1979. Desgraciadamente, de nuevo encontrarán problemas para terminar el álbum ya que por aquel entonces, Jimmy Page y John Bonham se encontraban en un estado de adicción a la heroína y al alcohol respectivamente, un hecho que hace de In Through the Out Door el único álbum de Led Zeppelin que contiene los primeros y únicos temas de la banda en los que no figura Page como autor.

A pesar de ello, una audiencia de cerca de 120 000 personas respaldó a la banda en un concierto en Copenhague. La banda había llegado a un estado de madurez, tanto a nivel compositivo como a nivel personal habiendo apartado ya la mayoría de sus excesos y reemplazándolos por profesionalismo. Por aquel entonces eran de las únicas bandas capaces de llenar un estadio frente al fracaso comercial de las bandas punk rock surgidas entonces y que habían despreciado a los obsoletos Led Zeppelin.

En 1980 Led Zeppelin volvió a las grandes giras europeas, anunciando un nuevo gran tour por Norteamérica ese año, que nunca pudo ser realizado ya que el día 25 de septiembre John Bonham murió asfixiado por la aspiración accidental de su propio vómito provocado por el consumo excesivo de alcohol. No se encontraron drogas en el cuerpo del baterista, como se había especulado.

La banda elaboró un comunicado oficial en el que explicaron que ya nada era lo mismo sin Bonham, y que era inútil continuar sin él.

Al tener firmado un contrato que los obligaba a sacar un nuevo álbum, y ante la negativa de grabar nuevas canciones sin Bonham, se optó por buscar material inédito hasta entonces que conformó el LP Coda (1982), disco que presenta canciones que se descartaron en la realización de discos anteriores y alguna toma en directo de canciones ya grabadas.

De este LP es esto que está sonando… Walter's Walk

En los años siguientes los integrantes de Zeppelin mantuvieron su decisión de no reunirse. Sólo en esporádicas ocasiones se los vio juntos en un escenario. Últimamente Page y Plant decidieron encontrarse para hacer algo juntos, grabando algún disco conjunto algunos años después de la separación de la banda pero que, como veréis, poco o nada tenía que ver con el sonido Zeppelin.

Por hoy, esto ha sido todo. Hemos vislumbrado mínimamente la trayectoria de una de las bandas más importantes de todos los tiempos. La vida y milagros de unos músicos que ya han pasado a la historia de la música como los genios que fueron y, afortunadamente, son todavía. Esperamos que nuestro objetivo de entretener e informar se haya cumplido también hoy, porque, lo que es nosotros, lo hemos pasado muy bien en vuestra compañía.

Hoy vamos a seguir desgranando lo que fueron los años sesenta para el Rock y R&B. Fueron muchos los grupos que alumbraron el firmamento de la música en esos años. Ya nos hemos referido a alguno de ellos y hoy nos vamos a detener en uno de los más importantes.

Estamos hablando de… CREAM

Cream fue un super trio de rock fundado en Londres, en 1966, por el bajista y vocalista Jack Bruce, el batería Ginger Baker y el guitarrista y vocalista Eric Clapton. Su sonido se caracterizaba por ser un híbrido de blues, rock psicodélico y pop. Cream es a menudo considerado como el primer supergrupo de éxito y que, a pesar de haber estado en actividad poco más de dos años, vendió más de quince millones de copias en todo el mundo. La banda tuvo un impacto significativo en la música popular de la época.

Después de grabar cuatro álbumes de larga duración: Fresh Cream, (al que pertenece “I feel free”, que hemos escuchado anteriormente), Disraeli Gears, Wheels of Fire y Goodbye, el grupo se separó a finales de 1968 debido a la mala relación entre Baker y Bruce. No obstante, la banda se reunió posteriormente en un par de ocasiones: una en 1993 con motivo de su ingreso en el Rock and Roll Hall of Fame, y otra en 2005, para unas actuaciones en el Royal Albert Hall y el Madison Square Garden.

Hacia julio de 1966, Eric Clapton era reconocido como uno de los mejores guitarristas de blues en el Reino Unido debido a su trayectoria, sin embargo, este abandonó el grupo en el que militaba en ese momento, o sea, el de John Mayall, para crear una nueva banda. El guitarrista se reunió con Ginger Baker, batería de The Graham Bond, y conversaron sobre la posibilidad de crear un nuevo proyecto. Clapton comentó más tarde: «Siempre me había gustado Ginger [Baker]. Vino una vez a verme tocar con John Mayall y después del concierto me trajo de vuelta en su coche a Londres donde me comentó que quería formar un nuevo grupo, algo en lo que yo también había pensado».

Clapton aceptó formar un nuevo proyecto con la condición de que Baker contratara a Jack Bruce, su compañero en The Graham Bond, como bajista. El problema era que Baker y Bruce habían tenido fuertes discusiones cuando eran parte de la banda de Bond, lo que llevó al batería a despedirlo. Cuando el bajista cuestionó su derecho a tomar tal decisión, Baker le amenazó con un cuchillo. Sin embargo, por el futuro del nuevo grupo, ambos dejaron de lado sus diferencias.

El trío eligió como nombre Cream debido a que los tres se consideraban la «crème de la crème» entre los músicos de jazz y blues de la escena musical británica. Parece que no andaban mal de “ego”.

Cream hizo su debut oficial en el Sixth Annual Windsor Jazz & Blues Festival el 3 de julio de 1966.

Entre julio y octubre, Cream grabó su álbum debut, Fresh Cream, que salió a la venta en diciembre.

Escuchamos ahora, de este LP de lanzamiento, una última canción: SWEET WINE.

Cream realizó su primera visita a los Estados Unidos en marzo de 1967 para tocar nueve noches en el RKO de Nueva York. Entre el 11 y el 15 de mayo, el trío regresó a Nueva York para entrar en los estudios Atlantic y grabar su segundo álbum de estudio, Disraeli Gears, del que nos ocuparemos ahora.

Salió a la venta en noviembre y llegó a colocarse entre los cinco álbumes más vendidos tanto en Estados Unidos como en Reino Unido.

El productor de este trabajo era Felix Pappalardi, y fue él quien convenció a Clapton para que también grabara temas como vocalista principal, algo que no fue, en absoluto, del agrado de Bruce.

Disraeli Gears fue el primer álbum de Cream formado principalmente por canciones compuestas por el grupo.

De este LP se publicó un sencillo, «Sunshine of Your Love»

Pese a que el álbum, me refiero a Disraeli Gears, está considerado como uno de los mejores trabajos de la década de 1960, nunca tuvo una gran representación en sus conciertos. A pesar de que el trío interpretó con asiduidad los temas como «Sunshine of Your Love» y otros, varias canciones de Disraeli Gears fueron excluidas de su set list a mediados de 1967 en favor de largas improvisaciones, algo por otro lado muy al gusto de la época.

En agosto de este año 67, la banda realizó sus primeras actuaciones ya como cabeza de cartel en Estados Unidos en la sala Fillmore West de San Francisco.

Seguramente allí podrían escuchar una versión en directo de la magnífica Take It Back

Siguiendo con el orden cronológico de sus grabaciones, nos encontramos con su tercer LP Wheels of Fire

Entre julio de 1967 y junio 1968, Cream grabó varias canciones en los estudios IBC (Londres) y Atlantic que, junto a algunos temas grabados en directo en el Filmore West y en la sala Winterland Ballroom, formaron parte de su tercer trabajo, Wheels of Fire.

El álbum se destaca por el uso de diversos instrumentos orquestales grabados por el productor Felix Papppalardi y el uso y abuso del pedal Wah-Wah. «White Room» fue su mayor éxito.

Tras completar Wheels of Fire a mediados de 1968, los miembros de la banda decidieron que ya habían tenido suficiente y querían seguir sus carreras por separado. Baker comentó en una entrevista para la revista Music Mart en 2006: «Llegó un momento en que Eric [Clapton] me dijo: 'Ya he tenido bastante' y le dije que yo también. El último año de Cream fue agónico. Tuve problemas de salud y todavía hoy tengo problemas de audición debido al alto volumen con el que tocábamos. Originalmente, la cosa no empezó así; cuando fundamos la banda fue genial y realmente una maravillosa experiencia musical».

Lo cierto es que las tensiones entre el batería y Bruce volvieron a aparecer, lo que obligó a Clapton a actuar de mediador. El guitarrista además había leído una mordaz crítica realizada por Jon Landau para la revista Rolling Stone, publicación que, por otra lado, admiraba, en la que le calificaba como «maestro del cliché del blues». A raíz de este artículo, Clapton quiso poner fin a su etapa con Cream y tomar un rumbo musical diferente.

Todavia de este Wheels of Fire, escuchamos Crossroads.

Y aunque solo sea por escuchar un gran solo de batería, tenemos que detenernos en TOAD, otra pieza de este tercer disco de CREAM

Una vez anunciada su separación, el grupo volvió a reunirse para la realización de su cuarto y último álbum. El disco, titulado Goodbye, fue grabado en octubre de 1968 y salió a la venta en febrero del año siguiente, cuando la banda ya se había separado oficialmente.

Goodbye contiene seis canciones: tres en directo grabadas el 19 de octubre en un concierto en el recinto The Forum (Los Angeles) y tres grabaciones de estudio nuevas.

Entre los temas incluidos destaca «Badge», compuesta por Clapton y George Harrison; este último además, participó como guitarrista rítmico acreditado como L'Angelo Misterioso.

El álbum fue su único número uno en el UK Albums Chart y llegó a la segunda posición del Billboard 200.

La gira de despedida de Cream consistió en veintidós conciertos en diecinueve recintos en los Estados Unidos, entre el 4 de octubre y el 4 de noviembre de 1968 y dos actuaciones en el Royal Albert Hall de Londres, el 25 y 26 de noviembre.

Las dos actuaciones en el Royal Albert Hall fueron filmadas para un especial de la BBC y editadas posteriormente en vídeo bajo el nombre Farewell Concert. Ambos conciertos agotaron las entradas y atrajeron más atención que cualquier otro de Cream. Sin embargo, Baker no tuvo una opinión positiva: «No fueron buenas actuaciones... Cream era mejor que eso... Sabíamos que se había acabado. Simplemente estábamos acabando con ello, pasando el mal trago». El batería añadió también que «la banda empeoraba a cada minuto». Los teloneros de la gira fueron Taste (con un joven Rory Gallagher), la recién formada Yes y en tres actuaciones, Deep Purple.

Por si no tenemos ocasión, quiero que oigáis a Taste, un grupo menos glamuroso que el resto pero que ponía los pelos como escarpias.

Bueno, dejamos atrás este pequeño paréntesis pero me daba pena nombrar a Taste y Rory Gallagher y no escúcharles.

Seguimos con nuestros inivitados de hoy.

Tras su disolución, Cream consiguió una nominación al Grammy en la categoría de mejor nuevo artista, aunque el ganador fue José Feliciano. Bueno, cosas de la industria. Siguiendo con su LP Goodbye, los oímos ahora en su “I’m so glad”

Poco después de la disolución de Cream, Clapton deambuló por diversos grupos, a veces como líder y otras no hasta que en 1970, comenzó su exitosa carrera en solitario. Tras formar parte de Blind Faith, Baker fundó el proyecto Ginger Baker's Air Force junto a Winwood, Grech, Graham Bond y Denny Laine, guitarrista de Moody Blues. Por su parte, Bruce comenzó su trayectoria solista con el lanzamiento del álbum Songs for a Tailor en 1969.

Nos despedimos de Cream y del programa de hoy con " Sitting on Top of the World”

Hoy vamos a seguir desgranando lo que fueron los años sesenta para el Rock y R&B. Fueron muchos los grupos que alumbraron el firmamento de la música en esos años. Ya nos hemos referido a alguno de ellos y hoy nos vamos a detener en uno de los más importantes.

Estamos hablando de… CREAM

Cream fue un super trio de rock fundado en Londres, en 1966, por el bajista y vocalista Jack Bruce, el batería Ginger Baker y el guitarrista y vocalista Eric Clapton. Su sonido se caracterizaba por ser un híbrido de blues, rock psicodélico y pop. Cream es a menudo considerado como el primer supergrupo de éxito y que, a pesar de haber estado en actividad poco más de dos años, vendió más de quince millones de copias en todo el mundo. La banda tuvo un impacto significativo en la música popular de la época.

Después de grabar cuatro álbumes de larga duración: Fresh Cream, (al que pertenece “I feel free”, que hemos escuchado anteriormente), Disraeli Gears, Wheels of Fire y Goodbye, el grupo se separó a finales de 1968 debido a la mala relación entre Baker y Bruce. No obstante, la banda se reunió posteriormente en un par de ocasiones: una en 1993 con motivo de su ingreso en el Rock and Roll Hall of Fame, y otra en 2005, para unas actuaciones en el Royal Albert Hall y el Madison Square Garden.

Hacia julio de 1966, Eric Clapton era reconocido como uno de los mejores guitarristas de blues en el Reino Unido debido a su trayectoria, sin embargo, este abandonó el grupo en el que militaba en ese momento, o sea, el de John Mayall, para crear una nueva banda. El guitarrista se reunió con Ginger Baker, batería de The Graham Bond, y conversaron sobre la posibilidad de crear un nuevo proyecto. Clapton comentó más tarde: «Siempre me había gustado Ginger [Baker]. Vino una vez a verme tocar con John Mayall y después del concierto me trajo de vuelta en su coche a Londres donde me comentó que quería formar un nuevo grupo, algo en lo que yo también había pensado».

Clapton aceptó formar un nuevo proyecto con la condición de que Baker contratara a Jack Bruce, su compañero en The Graham Bond, como bajista. El problema era que Baker y Bruce habían tenido fuertes discusiones cuando eran parte de la banda de Bond, lo que llevó al batería a despedirlo. Cuando el bajista cuestionó su derecho a tomar tal decisión, Baker le amenazó con un cuchillo. Sin embargo, por el futuro del nuevo grupo, ambos dejaron de lado sus diferencias.

El trío eligió como nombre Cream debido a que los tres se consideraban la «crème de la crème» entre los músicos de jazz y blues de la escena musical británica. Parece que no andaban mal de “ego”.

Cream hizo su debut oficial en el Sixth Annual Windsor Jazz & Blues Festival el 3 de julio de 1966.

Entre julio y octubre, Cream grabó su álbum debut, Fresh Cream, que salió a la venta en diciembre.

Escuchamos ahora, de este LP de lanzamiento, una última canción: SWEET WINE.

Cream realizó su primera visita a los Estados Unidos en marzo de 1967 para tocar nueve noches en el RKO de Nueva York. Entre el 11 y el 15 de mayo, el trío regresó a Nueva York para entrar en los estudios Atlantic y grabar su segundo álbum de estudio, Disraeli Gears, del que nos ocuparemos ahora.

Salió a la venta en noviembre y llegó a colocarse entre los cinco álbumes más vendidos tanto en Estados Unidos como en Reino Unido.

El productor de este trabajo era Felix Pappalardi, y fue él quien convenció a Clapton para que también grabara temas como vocalista principal, algo que no fue, en absoluto, del agrado de Bruce.

Disraeli Gears fue el primer álbum de Cream formado principalmente por canciones compuestas por el grupo.

De este LP se publicó un sencillo, «Sunshine of Your Love»

Pese a que el álbum, me refiero a Disraeli Gears, está considerado como uno de los mejores trabajos de la década de 1960, nunca tuvo una gran representación en sus conciertos. A pesar de que el trío interpretó con asiduidad los temas como «Sunshine of Your Love» y otros, varias canciones de Disraeli Gears fueron excluidas de su set list a mediados de 1967 en favor de largas improvisaciones, algo por otro lado muy al gusto de la época.

En agosto de este año 67, la banda realizó sus primeras actuaciones ya como cabeza de cartel en Estados Unidos en la sala Fillmore West de San Francisco.

Seguramente allí podrían escuchar una versión en directo de la magnífica Take It Back

Siguiendo con el orden cronológico de sus grabaciones, nos encontramos con su tercer LP Wheels of Fire

Entre julio de 1967 y junio 1968, Cream grabó varias canciones en los estudios IBC (Londres) y Atlantic que, junto a algunos temas grabados en directo en el Filmore West y en la sala Winterland Ballroom, formaron parte de su tercer trabajo, Wheels of Fire.

El álbum se destaca por el uso de diversos instrumentos orquestales grabados por el productor Felix Papppalardi y el uso y abuso del pedal Wah-Wah. «White Room» fue su mayor éxito.

Tras completar Wheels of Fire a mediados de 1968, los miembros de la banda decidieron que ya habían tenido suficiente y querían seguir sus carreras por separado. Baker comentó en una entrevista para la revista Music Mart en 2006: «Llegó un momento en que Eric [Clapton] me dijo: 'Ya he tenido bastante' y le dije que yo también. El último año de Cream fue agónico. Tuve problemas de salud y todavía hoy tengo problemas de audición debido al alto volumen con el que tocábamos. Originalmente, la cosa no empezó así; cuando fundamos la banda fue genial y realmente una maravillosa experiencia musical».

Lo cierto es que las tensiones entre el batería y Bruce volvieron a aparecer, lo que obligó a Clapton a actuar de mediador. El guitarrista además había leído una mordaz crítica realizada por Jon Landau para la revista Rolling Stone, publicación que, por otra lado, admiraba, en la que le calificaba como «maestro del cliché del blues». A raíz de este artículo, Clapton quiso poner fin a su etapa con Cream y tomar un rumbo musical diferente.

Todavia de este Wheels of Fire, escuchamos Crossroads.

Y aunque solo sea por escuchar un gran solo de batería, tenemos que detenernos en TOAD, otra pieza de este tercer disco de CREAM

Una vez anunciada su separación, el grupo volvió a reunirse para la realización de su cuarto y último álbum. El disco, titulado Goodbye, fue grabado en octubre de 1968 y salió a la venta en febrero del año siguiente, cuando la banda ya se había separado oficialmente.

Goodbye contiene seis canciones: tres en directo grabadas el 19 de octubre en un concierto en el recinto The Forum (Los Angeles) y tres grabaciones de estudio nuevas.

Entre los temas incluidos destaca «Badge», compuesta por Clapton y George Harrison; este último además, participó como guitarrista rítmico acreditado como L'Angelo Misterioso.

El álbum fue su único número uno en el UK Albums Chart y llegó a la segunda posición del Billboard 200.

La gira de despedida de Cream consistió en veintidós conciertos en diecinueve recintos en los Estados Unidos, entre el 4 de octubre y el 4 de noviembre de 1968 y dos actuaciones en el Royal Albert Hall de Londres, el 25 y 26 de noviembre.

Las dos actuaciones en el Royal Albert Hall fueron filmadas para un especial de la BBC y editadas posteriormente en vídeo bajo el nombre Farewell Concert. Ambos conciertos agotaron las entradas y atrajeron más atención que cualquier otro de Cream. Sin embargo, Baker no tuvo una opinión positiva: «No fueron buenas actuaciones... Cream era mejor que eso... Sabíamos que se había acabado. Simplemente estábamos acabando con ello, pasando el mal trago». El batería añadió también que «la banda empeoraba a cada minuto». Los teloneros de la gira fueron Taste (con un joven Rory Gallagher), la recién formada Yes y en tres actuaciones, Deep Purple.

Por si no tenemos ocasión, quiero que oigáis a Taste, un grupo menos glamuroso que el resto pero que ponía los pelos como escarpias.

Bueno, dejamos atrás este pequeño paréntesis pero me daba pena nombrar a Taste y Rory Gallagher y no escúcharles.

Seguimos con nuestros inivitados de hoy.

Tras su disolución, Cream consiguió una nominación al Grammy en la categoría de mejor nuevo artista, aunque el ganador fue José Feliciano. Bueno, cosas de la industria. Siguiendo con su LP Goodbye, los oímos ahora en su “I’m so glad”

Poco después de la disolución de Cream, Clapton deambuló por diversos grupos, a veces como líder y otras no hasta que en 1970, comenzó su exitosa carrera en solitario. Tras formar parte de Blind Faith, Baker fundó el proyecto Ginger Baker's Air Force junto a Winwood, Grech, Graham Bond y Denny Laine, guitarrista de Moody Blues. Por su parte, Bruce comenzó su trayectoria solista con el lanzamiento del álbum Songs for a Tailor en 1969.

Nos despedimos de Cream y del programa de hoy con " Sitting on Top of the World”

La música vuelve a abrir nuestro programa. En esta ocasión, Antonio Giménez nos hablará del piano eléctrico y conoceremos a Juan Luis Gracia, un músico que domina ese instrumento, él nos ilustrará sobre sus características técnicas y nos hablará de sus intérpretes más sobresalientes. Escucharemos después la entrevista que le hicimos el pasado lunes en su estudio. No os la perdáis, os aseguramos que no os va a defraudar, vais a conocer a un músico sorprendente que, pese a su juventud, acumula ya mucha experiencia, muchos años de búsqueda. Un artista con registros sonoros muy diversos, propios de alguien que se ha dejado “contaminar” e “influenciar” por un montón de culturas, estilos, etnias y técnicas musicales. Disfrutaremos además con una selección de sus composiciones.

La música vuelve a abrir nuestro programa. En esta ocasión, Antonio Giménez nos hablará del piano eléctrico y conoceremos a Juan Luis Gracia, un músico que domina ese instrumento, él nos ilustrará sobre sus características técnicas y nos hablará de sus intérpretes más sobresalientes. Escucharemos después la entrevista que le hicimos el pasado lunes en su estudio. No os la perdáis, os aseguramos que no os va a defraudar, vais a conocer a un músico sorprendente que, pese a su juventud, acumula ya mucha experiencia, muchos años de búsqueda. Un artista con registros sonoros muy diversos, propios de alguien que se ha dejado “contaminar” e “influenciar” por un montón de culturas, estilos, etnias y técnicas musicales. Disfrutaremos además con una selección de sus composiciones.

Habiamos dejado nuestra historia del Rock and Roll en los primeros tiempos de The Beatles. Y la verdad es que, siendo estos el grupo más importante de ese momento, hablamos de los años 60, no es menos cierto que esta década se caracterizó por la eclosión de la música inglesa revolucionando el panorama musical y dando paso a otros géneros como el Rhythm and Blues…y con The Rolling Stones!!!

Esto es “The Last Time”, primer sencillo del grupo en el año 1965 y primera composición de su cosecha.

Pero hagamos un poco de historia de este grupo. Mick Jagger trabajaba de profesor de Educación Física a los 18 años. Keith Richards había sido expulsado de la Dartford Technical School. Bill Wyman era exmiembro de la Fuera Aerea e hijo de un albañil, mientras que Charlie Watts lo era de un camionero. Poco Pedigrí, pero mucha energía.

Los cinco se conocieron en 1962 y en 1963 formaron The Rolling Stones (el nombre fue tomado de una canción de Muddy Waters).

Si los Beatles fueron “la norma”, pese a su pelos largos, los Stones fueron “el reto, la provocación y la furia”.

Para muestra, este botón… Satisfaction

Satisfaction, un manifiesto de la banda y su primer número uno en Estados Unidos.

Pero volviendo a su relación con los Beatles, sabemos que la publicitada guerra entre ambos grupos nunca existió. Los Beatles supieron entender que no podía reinar solos y que lo mejor era tener competencia, así que, primero George Harrison llamó a la Decca para apoyarles cuando el grupo hizo una prueba grabando un maqueta. Por cierto, Decca era la compañía que había rechazado a los Beatles, je, je… Más tarde, tras un primer single fallido, Lennon y McCartney les dieron una canción “I wanna be your man” para su siguiente disco. Y por último, una vez convertidos en figuras, se repartieron el mundo. Nunca sacaron un disco a la vez, lo hicieron todo escalonadamente y de mutuo acuerdo. Vamos a oir esta curiosa versión de los Rolling de una canción de los Beatles…

Durante esta década, la producción discográfica de los Rolling fue extraordinaria, dejando para la historia títulos como Paint It Black”, o “Symphaty for the Devil”

A esta alturas de la misa, los Rolling ya eran los niños bonitos de la sociedad londinense y la bohemia más chic, dechados de lo moderno y lo libertino. Y fue esto lo que les creó algún problemilla.

En 1967, la policía hizo un redada en la casa de Keith Richards y algunos detalles escabrosos se filtraron a la prensa: la novia de Jagger estaba desnuda, y había una chocolatina Mars de por medio. En realidad, fue una intentona desesperada por acabar con todo lo que los Stones simbolizaban a ojos del público, su alegría anárquica.

La semana anterior a la redada, en un reportaje inventado, el sensacionalista News of the World había afirmado que Jagger se valía de las drogas para atraer a jovencitas. Las autoridades mordieron el anzuelo y esa vez lo mandaron a la trena.

Sentado en el estrado de los testigos, Keith Richards, se convirtió en un héroe contracultural. Vestido como un salteador de caminos le dijo al fiscal: “No somos unos viejos. Nos trae sin cuidado la moralina”. Lo condenaron a un año de cárcel. Un editorial de The Times contribuyó a que se revocase el veredicto, pero el daño ya estaba hecho. Su siguiente sencillo, un hermoso corte de mangas, amenazador y psicodélico, titulado “We Love You”, se quedó muy lejos del número uno.

Más adelante volveremos con los Stones, hoy nos despedimos de ellos con otro gran éxito de la década, “Jumpin' Jack Flash”

Nos despedimos de los Stones pero saludamos a… Los Hollies

Porque afortunadamente, queridos niños, no todo era Beatles o Rolling. Como ya hemos dicho, la proliferación de grandes grupos en esta década fue espectacular. Muestra de ello es esta banda británica, The Hollies formada en Manchester en 1962, Conocidos por su estilo vocal distintivo, se convirtieron en uno de los principales grupos británicos de los años 1960 y 1970. Disfrutaron de una considerable popularidad en muchos países, aunque no lograron gran éxito en las listas de Estados Unidos hasta 1966.

Este quinteto estuvo muy influenciado por The Everly Brothers. Sus armonías de tres voces rivalizan con las de The Beach Boys sin desmerecer en absoluto. También es destacable el melodioso y limpio estilo de sus guitarras, las melodías contagiosas, el ritmo un tanto jazzístico, en fin… un gran grupo.

Y esto que está sonando ya es "On A Carousel"

Ahora suena “ Ha Ha Said The Clown”

Ha, ha, said the clown, de Manfred Mann. Una de mis muchas canciones favoritas de la época.

Manfred Mann es el nombre artístico de Manfred Lubowitz, músico de rock nacido el 21 de octubre de 1940 en Johannesburgo, Sudáfrica.

Comenzó como teclista de jazz en su país natal, continuando en Inglaterra, donde se instaló definitivamente en 1961, compaginando la actuación con su actividad como profesor.

Del jazz pasará al rhythm & blues. En 1962 forma la banda Mann Hugg Blues Brothers, que en 1963 pasó a denominarse Manfred Mann. Es en esta época en la que lo ubicamos hoy.

Porque, más tarde, en 1969 el grupo da un giro hacia el jazz experimental y cambia su nombre por Manfred Mann Chapter Three y, sólo un año después, se convierte en Manfred Mann's Earth Band, fusionando su evolución musical hacia el entonces naciente rock progresivo con un alto peso específico de sintetizador, traspasando el milenio hasta nuestros días. Pero de esto hablaremos otro día. Lo que suena es Migthy Quinn

Ahora suena “Sunny Afternoon”, de los kinks. Inolvidable.

The Kinks fue una banda británica, formada por los hermanos Ray y Dave Davies en 1963. Su música tiene influencias de una amplia gama de géneros, entre los que se cuentan el R&B, el music hall británico, la música folclórica y el country. Ray Davies (cantante principal, guitarra rítmica) y Dave Davies (guitarra principal, voz) permanecieron en él durante los 32 años de trayectoria del grupo. El resto de miembros fue cambiando a lo largo de los años.

The Kinks adquirió fama en 1964 con su tercer sencillo, «You Really Got Me», compuesto por Ray Davies. Se convirtió en un éxito internacional y llegó a la cima de las listas del Reino Unido e ingresó a los Top 10 de las listas de los Estados Unidos. Se trata de "You Really Got Me”

La banda experimentó un resurgimiento a fines de la década de 1970 y a principios de la de 1980, cuando grupos como Van Halen, The Jam, y The Pretenders realizaron diversas versiones de sus canciones, lo que contribuyó a aumentar las ventas de The Kinks.

Merece la pena escuchar aunque sea brevemente, la versión que de You Really Got Me hicieron Van Halen

Y es que este grupo ha sido muy influyente en otros, algunos lo han reconocido abiertamente como Blur o Oasis.

The Kinks dio su última concierto a mediados de 1996, cuando el grupo se juntó en el pub Clissold Arms, el mismo sitio donde comenzaron su carrera musical, en la acera de en frente de su casa de la niñez en Fortis Green, en el norte de Londres». Celebraron el cincuenta cumpleaños de Dave y su despedida. Suena “Lola”

Ahora sSuena “ House of the rising sun”

Si hablamos de The Animals, hablamos de “ House of the rising sun”

The Animals es una banda de rock británica formada en Newcastle a comienzos de la década de 1960. La agrupación se trasladó a Londres logrando reconocimiento comercial en 1964. Son reconocidos principalmente por la canción "The House of the Rising Sun", que acabamos de oir, aunque también publicaron otros sencillos de éxito. Fueron populares en los Estados Unidos como parte de la Invasión británica.

La banda sufrió de constantes cambios en su alineación a mediados de la década de 1960. Bajo el nombre de Eric Burdon and the Animals, la agrupación se trasladó a California y logró éxito comercial como una banda de rock psicodélico y hard rock ,antes de separarse a finales de la década. Nos despedimos de Eric Bardon and de Animals y del programa de hoy con su éxito “Don’t let me be Misundderstood”

Por hoy, esto ha sido todo. Hemos recorrido un apasionante camino por la música que electrizó la década de los sesenta. Pero, atención, porque no hemos terminado. En la próxima ocasión nos las veremos con… CREAM, o sea, Jack Bruce,

Pero hemos dicho que eso será en la próxima ocasión. Así que, hasta entonces, ¡¡¡BUENAS VIBRACIONES!!!

Habiamos dejado nuestra historia del Rock and Roll en los primeros tiempos de The Beatles. Y la verdad es que, siendo estos el grupo más importante de ese momento, hablamos de los años 60, no es menos cierto que esta década se caracterizó por la eclosión de la música inglesa revolucionando el panorama musical y dando paso a otros géneros como el Rhythm and Blues…y con The Rolling Stones!!!

Esto es “The Last Time”, primer sencillo del grupo en el año 1965 y primera composición de su cosecha.

Pero hagamos un poco de historia de este grupo. Mick Jagger trabajaba de profesor de Educación Física a los 18 años. Keith Richards había sido expulsado de la Dartford Technical School. Bill Wyman era exmiembro de la Fuera Aerea e hijo de un albañil, mientras que Charlie Watts lo era de un camionero. Poco Pedigrí, pero mucha energía.

Los cinco se conocieron en 1962 y en 1963 formaron The Rolling Stones (el nombre fue tomado de una canción de Muddy Waters).

Si los Beatles fueron “la norma”, pese a su pelos largos, los Stones fueron “el reto, la provocación y la furia”.

Para muestra, este botón… Satisfaction

Satisfaction, un manifiesto de la banda y su primer número uno en Estados Unidos.

Pero volviendo a su relación con los Beatles, sabemos que la publicitada guerra entre ambos grupos nunca existió. Los Beatles supieron entender que no podía reinar solos y que lo mejor era tener competencia, así que, primero George Harrison llamó a la Decca para apoyarles cuando el grupo hizo una prueba grabando un maqueta. Por cierto, Decca era la compañía que había rechazado a los Beatles, je, je… Más tarde, tras un primer single fallido, Lennon y McCartney les dieron una canción “I wanna be your man” para su siguiente disco. Y por último, una vez convertidos en figuras, se repartieron el mundo. Nunca sacaron un disco a la vez, lo hicieron todo escalonadamente y de mutuo acuerdo. Vamos a oir esta curiosa versión de los Rolling de una canción de los Beatles…

Durante esta década, la producción discográfica de los Rolling fue extraordinaria, dejando para la historia títulos como Paint It Black”, o “Symphaty for the Devil”

A esta alturas de la misa, los Rolling ya eran los niños bonitos de la sociedad londinense y la bohemia más chic, dechados de lo moderno y lo libertino. Y fue esto lo que les creó algún problemilla.

En 1967, la policía hizo un redada en la casa de Keith Richards y algunos detalles escabrosos se filtraron a la prensa: la novia de Jagger estaba desnuda, y había una chocolatina Mars de por medio. En realidad, fue una intentona desesperada por acabar con todo lo que los Stones simbolizaban a ojos del público, su alegría anárquica.

La semana anterior a la redada, en un reportaje inventado, el sensacionalista News of the World había afirmado que Jagger se valía de las drogas para atraer a jovencitas. Las autoridades mordieron el anzuelo y esa vez lo mandaron a la trena.

Sentado en el estrado de los testigos, Keith Richards, se convirtió en un héroe contracultural. Vestido como un salteador de caminos le dijo al fiscal: “No somos unos viejos. Nos trae sin cuidado la moralina”. Lo condenaron a un año de cárcel. Un editorial de The Times contribuyó a que se revocase el veredicto, pero el daño ya estaba hecho. Su siguiente sencillo, un hermoso corte de mangas, amenazador y psicodélico, titulado “We Love You”, se quedó muy lejos del número uno.

Más adelante volveremos con los Stones, hoy nos despedimos de ellos con otro gran éxito de la década, “Jumpin' Jack Flash”

Nos despedimos de los Stones pero saludamos a… Los Hollies

Porque afortunadamente, queridos niños, no todo era Beatles o Rolling. Como ya hemos dicho, la proliferación de grandes grupos en esta década fue espectacular. Muestra de ello es esta banda británica, The Hollies formada en Manchester en 1962, Conocidos por su estilo vocal distintivo, se convirtieron en uno de los principales grupos británicos de los años 1960 y 1970. Disfrutaron de una considerable popularidad en muchos países, aunque no lograron gran éxito en las listas de Estados Unidos hasta 1966.

Este quinteto estuvo muy influenciado por The Everly Brothers. Sus armonías de tres voces rivalizan con las de The Beach Boys sin desmerecer en absoluto. También es destacable el melodioso y limpio estilo de sus guitarras, las melodías contagiosas, el ritmo un tanto jazzístico, en fin… un gran grupo.

Y esto que está sonando ya es "On A Carousel"

Ahora suena “ Ha Ha Said The Clown”

Ha, ha, said the clown, de Manfred Mann. Una de mis muchas canciones favoritas de la época.

Manfred Mann es el nombre artístico de Manfred Lubowitz, músico de rock nacido el 21 de octubre de 1940 en Johannesburgo, Sudáfrica.

Comenzó como teclista de jazz en su país natal, continuando en Inglaterra, donde se instaló definitivamente en 1961, compaginando la actuación con su actividad como profesor.

Del jazz pasará al rhythm & blues. En 1962 forma la banda Mann Hugg Blues Brothers, que en 1963 pasó a denominarse Manfred Mann. Es en esta época en la que lo ubicamos hoy.

Porque, más tarde, en 1969 el grupo da un giro hacia el jazz experimental y cambia su nombre por Manfred Mann Chapter Three y, sólo un año después, se convierte en Manfred Mann's Earth Band, fusionando su evolución musical hacia el entonces naciente rock progresivo con un alto peso específico de sintetizador, traspasando el milenio hasta nuestros días. Pero de esto hablaremos otro día. Lo que suena es Migthy Quinn

Ahora suena “Sunny Afternoon”, de los kinks. Inolvidable.

The Kinks fue una banda británica, formada por los hermanos Ray y Dave Davies en 1963. Su música tiene influencias de una amplia gama de géneros, entre los que se cuentan el R&B, el music hall británico, la música folclórica y el country. Ray Davies (cantante principal, guitarra rítmica) y Dave Davies (guitarra principal, voz) permanecieron en él durante los 32 años de trayectoria del grupo. El resto de miembros fue cambiando a lo largo de los años.

The Kinks adquirió fama en 1964 con su tercer sencillo, «You Really Got Me», compuesto por Ray Davies. Se convirtió en un éxito internacional y llegó a la cima de las listas del Reino Unido e ingresó a los Top 10 de las listas de los Estados Unidos. Se trata de "You Really Got Me”

La banda experimentó un resurgimiento a fines de la década de 1970 y a principios de la de 1980, cuando grupos como Van Halen, The Jam, y The Pretenders realizaron diversas versiones de sus canciones, lo que contribuyó a aumentar las ventas de The Kinks.

Merece la pena escuchar aunque sea brevemente, la versión que de You Really Got Me hicieron Van Halen

Y es que este grupo ha sido muy influyente en otros, algunos lo han reconocido abiertamente como Blur o Oasis.

The Kinks dio su última concierto a mediados de 1996, cuando el grupo se juntó en el pub Clissold Arms, el mismo sitio donde comenzaron su carrera musical, en la acera de en frente de su casa de la niñez en Fortis Green, en el norte de Londres». Celebraron el cincuenta cumpleaños de Dave y su despedida. Suena “Lola”

Ahora sSuena “ House of the rising sun”

Si hablamos de The Animals, hablamos de “ House of the rising sun”

The Animals es una banda de rock británica formada en Newcastle a comienzos de la década de 1960. La agrupación se trasladó a Londres logrando reconocimiento comercial en 1964. Son reconocidos principalmente por la canción "The House of the Rising Sun", que acabamos de oir, aunque también publicaron otros sencillos de éxito. Fueron populares en los Estados Unidos como parte de la Invasión británica.

La banda sufrió de constantes cambios en su alineación a mediados de la década de 1960. Bajo el nombre de Eric Burdon and the Animals, la agrupación se trasladó a California y logró éxito comercial como una banda de rock psicodélico y hard rock ,antes de separarse a finales de la década. Nos despedimos de Eric Bardon and de Animals y del programa de hoy con su éxito “Don’t let me be Misundderstood”

Por hoy, esto ha sido todo. Hemos recorrido un apasionante camino por la música que electrizó la década de los sesenta. Pero, atención, porque no hemos terminado. En la próxima ocasión nos las veremos con… CREAM, o sea, Jack Bruce,

Pero hemos dicho que eso será en la próxima ocasión. Así que, hasta entonces, ¡¡¡BUENAS VIBRACIONES!!!

Seguimos con la Historia del Rock and Roll. En el último episodio nos quedamos un poco colgados con la actividad de los artistas españoles en esta espectacular década de los 60. Despedimos el programa con Los Brincos y con ellos iniciamos este nuevo capítulo, no en vano fueron uno de los mejores grupos del momento. Pero no estaban solos, de hecho, algunos otros grupos alcanzaron el éxito unos años antes que ellos. Los Estudiantes, semillero de grandes grupos del futuro, Los Pekenikes, Los Mustang, Los Sonor, Los Relampagos, Lone Star, Los Sirex, Los Salvajes, Miky y los Tonys, y tantos otros…

De todos ellos nos ocupamos ahora.

Hemos oido Guitarra Tango, una canción originalmente grabada por The Shadows y versionada por nuestro primer grupo de hoy, Los Estudiantes.

Este grupo inició su andadura en 1955, configurándose definitivamente en el año 1957. A pesar de la entrada y salida de diferentes componentes, su formación clásica y más recordada es la constituida por José Alberto Gosálvez al bajo, Fernando Arbex a la batería, y Pepe Barranco (líder, voz principal y fundador del grupo), Luis Arbex y José Luis Palacios a las guitarras.

Desde el principio se caracterizaron por tocar exclusivamente rock and roll, versionando en inglés o español temas de Elvis Presley, Little Richard, Ritchie Valens entre otros.

A principios de 1964 dos de sus miembros (Luis Arbex y Luis Sartorius) murieron en sendos accidentes de tráfico y la banda se disolvió. Algunos de sus componentes se integraron en otros grupos o formaron nuevas bandas. Barranco pasó a Los Pekenikes y, poco después, en 1965, fundó Los Flecos. Fernando Arbex y Manolo González, por su parte, montaron Los Brincos. Todos los habréis reconocido a Los Pekenikes en su famoso Hilo de Seda, es un grupo que nació en 1959, formado por algunos alumnos del Instituto Ramiro de Maeztu de Madrid, liderados por los hermanos Alfonso y Lucas Sainz. A pesar su origen un poquillo pijo, resultaron ser unos músicos muy buenos.

Por la banda pasaron múltiples personalidades del pop de los años 60 como Juan Pardo, Junior, Eddy Guzmán, Felipe Alcover, Pepe Barranco, los ya nombrados hermanos Alfonso y Lucas Sainz, Tony Luz, recientemente fallecido, Pepe Nieto, Jorge Matey, Félix Arribas, Vicente Gasca, Salvador Domínguez, Álvaro Serrano Calderón, Pedro Luis García Vega e incluso Luis Eduardo Aute. El grupo comenzó contando con un vocalista en sus filas, realizando versiones en castellano de temas de rock and roll y adaptando a ese estilo algunas canciones tradicionales españolas. Pero, tras el éxito de su versión de Los cuatro muleros, a mediados de los años 1960, optaron por conformarse como un grupo dedicado exclusivamente al rock instrumental.

En junio de 1965 fueron teloneros de The Beatles en el concierto ofrecido en Madrid tras el desembarco del grupo inglés en España.

Su primer álbum instrumental data del año 1966 y en él se recogen grandes éxitos como Lady Pepa, Frente a Palacio o Hilo de seda, entre otros.

Escuchamos "Frente a Palacio"

Oímos ahora a Los Sonor – " Los Campanilleros". Se trata de uno de los primeros exponentes de un género - el pop – del que los mortales españoles estábamos muy lejos de saber ni que existirá allá por 1960. Su repertorio contenía adaptaciones tanto de cantantes italianos como de artistas del mercado anglosajón, destacando su versión de Melodía desencadenada, así como sus adaptaciones de The Beatles. Igualmente modernizaron canciones tradicionales españolas como Los cuatro muleros (como ya antes habían hecho Los Pekenikes), El relicario-twist, Campanilleros o Malagueña.

En 1965, Tony Martínez y Manolo Fernández, abandonaron el grupo para formar Los Bravos, junto a Mike Kennedy. Inmediatamente, Carlos Guitart se integraba en Los Flecos, Jorge Matey en Los Pekenikes, José Luis González fundaba Los Pasos y Manolo Díaz iniciaba su carrera en solitario. Todo ello precipitó el final del grupo.

Escuchamos a Los Sonor en ese éxito suyo; "Melodía desencadenada".

Ahora oímos a Myky y Los Tonys. Al principio de su andadura se llamaban solamente los Tonys, Pero al incorporarse al grupo su nuevo cantante, Miguel Carreño, alias Micky, y debido a su arrolladora personalidad, pasaron a llamarse "Micky y los Tonys".

En su primera época practicaron el rock and roll tradicional y el “ye-ye”, versionando a artistas como Elvis Presley, Little Richard, Chuck Berry, Gene Vincent o Eddie Cochran.

Este grupo madrileño hizo su debut en 1962, participando en el primer festival que se realiza en el Teatro-circo Price, compartiendo cartel con Los Pekenikes, Los Estudiantes y Dick y Los Relámpagos. De hecho, llegarían a convertirse en una de las bandas más reclamadas durante las míticas Matinales celebradas en ese local entre 1962 y 1963

En 1963, graban su primer disco, un Ep con la discográfica Zafiro en el que incluyen versiones en castellano de temas de Ray Charles y otros artistas.

En una segunda etapa y con la famosa “Invasión Británica” Micky y Los Tonys, se empaparon de las nuevas influencias, el beat y, sobre todo, del rythm and blues británico más áspero y endurecieron notablemente su imagen y su sonido. Hasta el punto de ser considerados los auténticos precursores españoles de lo que luego se llamaría el rock de Garage.

En 1965, Fernando Argenta tiene que dejar el grupo para cumplir el servicio militar y entra en su lugar Francisco Ruiz, procedente de Los Shakers.

La disolución de la banda se produce en 1969 y su cantante Micky inicia su carrera en solitario con desigual fortuna.

Oímos "Es una pena, no se nadar"…

Despues oímos a Los Relampagos. Otro grupo madrileño y uno de sus mayores éxitos: "Dos Cruces", una versión instrumental muy al gusto de la época.

Los Relámpagos fueron líderes de la música instrumental en España. El grupo desarrollo un estilo propio del grupo que lo definiría: interpretar con instrumentos y ritmos modernos viejas melodías españolas y composiciones clásicas de Albéniz, Turina, Granados, etc.... Un ejemplo es "La danza del fuego”. En el plano de rock sesentero y ritmos del momento, Los Relámpagos crean muy interesantes temas como "Babieca", rememorando el caballo del Cid, al igual que The Shadows hacen con el caballo "Mustang"'. Otros temas, "Noche de Relámpagos", "Nit de Llampecs" obtuvo un gran éxito, con un ritmo que básicamente, es una sardana.

En 1968, dos de sus miembros, Pablo Herrero y José Luis Armenteros se marchan del grupo, pero el grupo sigue tocando y grabando hasta 1974, año en que se disuelve.

En 2001 graban un nuevo disco, "Ayer, hoy y siempre", compuesto por temas inéditos, cuatro de los cuales son composiciones propias de los hermanos Sánchez-Campins, y el resto versiones de temas de la música clásica española, de la copla y de la zarzuela, en el que se ha recuperado plenamente el sonido clásico relampaguero.

Los oiremos ahora en Alborada Gallega

Y si todo esto pasaba en Madrid, Barcelona era otro filón de grandes grupos y en esta ciudad se cocía un espléndido panorama musical que dio como resultado grupos como Los Mustang… "Jóvenes". Grupo barcelonés, formado en la década de los 60 por Santi Carulla (voz), Marco Rossi (guitarra solista), Antonio Mercadé (guitarra rítmica), Miguel Navarro (bajo) y Tony Mier (batería) en su formación inicial.

En sus inicios, Los Mustang eran un grupo instrumental inspirado en el estilo de The Shadows pero con la entrada de Santi Carulla (procedente de Los Sírex) no solo dotó al grupo de un cantante sino que el grupo empezó a gozar de una cierta notoriedad.

En el mes de octubre de 1962, Los Mustang graban su primer disco para EMI-Odeón con versiones de canciones extranjeras como 500 millas de Peter, Paul and Mary y Madison twist de Johnny Hallyday.

Al vista del éxito, Los Mustang empezaron a explotar ese filón de la recopilación de temas extranjeros que ellos traducían al español, incluso antes de la llegada a España del original, cosa que el público deseaba por desconocimiento de otros idiomas. De hecho, en casi 40 años de trabajo, tan solo publicaron 16 temas propios.

En 1966 en un festival de ídolos donde se presentaron junto a grupos como Los Bravos, Los Brincos y Los Sírex, ellos se llevaron el trofeo de los más populares.

En 1973 expira el contrato con la discográfica EMI y el grupo desaparece.

Tras años de silencio, en la década de los 80 reaparecen aprovechando el tirón del revival del pop nacional pero sin aportar nada nuevo a su trayectoria.

Ya en el 2000, publican un disco para celebrar los 40 años de su historia de la banda y donde colaboran artistas de la talla Luis Eduardo Aute, Dyango, Cliff Richard, El Dúo Dinámico o Jimmy Fontana.

Los escuchamos en su versión de "San Francisco", éxito que fue de Scott McKenzie

Suena ahora "Quiero besar otra vez tus labios" de Lone Star.

Grupo de rock español formado en Barcelona por Pedro Gené (voz y líder de la formación), Willy Nab (guitarra solista), Rafael de la Vega (bajo), Enrique Fusté (piano) y Enrique López (batería), una de las bandas más antiguas del llamado rock español en España.

El grupo data de 1959, cuando Pedro Gené retornó a España, después de vivir durante un año en Inglaterra. Allí vivió la eclosión del rock and roll en todo su esplendor. Gené había dado clases de piano en el conservatorio del Liceo de Barcelona y volvió a España con la idea de formar un grupo de rock, fue así como reunió a algunos antiguos compañeros del conservatorio para componer la formación.

Empezaron los conciertos de Lone Star por bares y locales de Barcelona. Por entonces, tocaban versiones de Ray Charles, una auténtica revelación para muchos que lo escuchaban.

Pero uno de los grandes éxitos sería la versión que realizarían en 1964 de "La casa del sol naciente", traducción en español de "House of the rising sun" de The Animals, tanto es así que, en España, la versión de Lone Star llegó a vender más sencillos que la de la propia banda británica. De hecho, EMI Odeón organizó un concierto en Barcelona con Lone Star y Los Animals, que se repetiría un año después en el Palacio de Deportes de Barcelona, en 1965.

Durante 1967 y 1968, Lone Star alterna sus actuaciones como grupo de rock y los conciertos como grupo de jazz, algo completamente inaudito por aquel entonces. En el año 1968 el grupo produce «Lone Star en Jazz», álbum con un sonido totalmente atípico para un grupo de rock, donde destacan composiciones como "Misty" o "El cant dels ocells".

En 1968, grabarían uno de sus temas más legendarios: "Mi calle", que se transformaría en uno de los platos fuertes en sus conciertos posteriores.

En 1996, tras muchos años de silencio y ya en la era digital, vuelven a lanzar un nuevo trabajo por la compañía AZ, «Hacia el futuro», el cual incluye un número de viejas canciones regrabadas en nuevas versiones, con la incorporación del bajista Jaume Rivera en lugar de Sebastià Sospedra.

En el año 2010 publicaron un CD llamado «Concierto Teatro Infanta Beatriz Madrid 1968», documentando dicha actuación en vivo, durante la época más popular del grupo

Vamos a escucharles ahora en el citado tema “Mi calle”

Escuchamos ahora a Los Sirex, "Que bueno, que bueno". Fueron otro importantísimo grupo barcelonés surgido en a principios de la década de los 60 y cuya formación original y clásica fue la compuesta por Antonio Miquel Cervero, "Leslie", como vocalista, Rafael Carrasco en la batería, José Fontsere en la guitarra rítmica, Guillermo Rodríguez Holgado en el bajo y Manolo Madruga en la guitarra solista. Alcanzaron un notable éxito entre 1964 y 1968, colocando varios de sus singles y Ep's en los primeros puestos de las listas nacionales. Su primera etapa concluyó con su disolución a principios de los 70.

En 1977 volvieron a reunirse y desde entonces se han mantenido en activo (aunque con menor intensidad a partir de la década de los 90). A día de hoy son considerados una de las grandes bandas históricas del Rock español.

Como anécdota interesante podemos apuntar su actuación como teloneros de The Beatles en su segunda actuación en España el 3 de julio de 1.965

En 1971, Los Sírex deciden separarse. Una separación que duraría cinco años. El 2 de julio de 1977, volvieron a unirse a raíz de un festival que organizó Gay Mercader. Desde entonces, la carrera discográfica se reinició dando lugar a siete elepés más. Escuchamos ahora "Que te deje de querer"

Por último, y no por eso los últimos de la lista: Los Salvajes. Fue una banda de rock española de Barcelona fundada en 1962. Este grupo fue conocido en su día como los Rolling Stones españoles, ya que la influencia de la banda británica en ellos era evidente (aunque también tenían como gran referente a The Who). Eso les hizo tener un estilo más duro que el habitual en los rockeros españoles del momento (Los Brincos, Los Sírex o Los Mustang), hasta el punto de que ser considerados por la crítica como precedentes españoles (junto a grupos como Los No, Los Polares, Los Cheyenes o Los Huracanes) de lo que luego se llamó Garage rock.

Crearon el grupo Gaby Alegret (voz), Andy González (guitarra solista), Francisco Miralles (guitarra rítmica), Sebastián Sospedra (bajo) y Delfín Fernández (batería). En 1964 viajaron a Alemania para profesionalizarse, tocando en el circuito de clubs de rock de ese país durante más de un año.

En 1965 vuelven a España y son fichados por la discográfica EMI, publicando ese mismo año su primer Ep, con un sonido más cercano al Beat que al rythm and blues pero que irá endureciéndose en los siguientes discos. El servicio militar, obligatorio en aquella época, obligó a poner fin a la primera etapa de la banda en 1970. Posteriormente, sus miembros colaboraron como músicos o promotores en otros proyectos: Dyango, Lone Star, etc.

En 2013, los miembros originales Delfín Fernández , Sebastián Sospedra y Julián Moreno, junto con Luis Barbero y Carles Fonollosa, llevan de nuevo a Los Salvajes a los escenarios, rescatando su repertorio original, y llevando a escena temas que no interpretaban desde su mítico viaje a Alemania. Pero ya no fue lo mismo…

Seguimos con la Historia del Rock and Roll. En el último episodio nos quedamos un poco colgados con la actividad de los artistas españoles en esta espectacular década de los 60. Despedimos el programa con Los Brincos y con ellos iniciamos este nuevo capítulo, no en vano fueron uno de los mejores grupos del momento. Pero no estaban solos, de hecho, algunos otros grupos alcanzaron el éxito unos años antes que ellos. Los Estudiantes, semillero de grandes grupos del futuro, Los Pekenikes, Los Mustang, Los Sonor, Los Relampagos, Lone Star, Los Sirex, Los Salvajes, Miky y los Tonys, y tantos otros…

De todos ellos nos ocupamos ahora.

Hemos oido Guitarra Tango, una canción originalmente grabada por The Shadows y versionada por nuestro primer grupo de hoy, Los Estudiantes.

Este grupo inició su andadura en 1955, configurándose definitivamente en el año 1957. A pesar de la entrada y salida de diferentes componentes, su formación clásica y más recordada es la constituida por José Alberto Gosálvez al bajo, Fernando Arbex a la batería, y Pepe Barranco (líder, voz principal y fundador del grupo), Luis Arbex y José Luis Palacios a las guitarras.

Desde el principio se caracterizaron por tocar exclusivamente rock and roll, versionando en inglés o español temas de Elvis Presley, Little Richard, Ritchie Valens entre otros.

A principios de 1964 dos de sus miembros (Luis Arbex y Luis Sartorius) murieron en sendos accidentes de tráfico y la banda se disolvió. Algunos de sus componentes se integraron en otros grupos o formaron nuevas bandas. Barranco pasó a Los Pekenikes y, poco después, en 1965, fundó Los Flecos. Fernando Arbex y Manolo González, por su parte, montaron Los Brincos. Todos los habréis reconocido a Los Pekenikes en su famoso Hilo de Seda, es un grupo que nació en 1959, formado por algunos alumnos del Instituto Ramiro de Maeztu de Madrid, liderados por los hermanos Alfonso y Lucas Sainz. A pesar su origen un poquillo pijo, resultaron ser unos músicos muy buenos.

Por la banda pasaron múltiples personalidades del pop de los años 60 como Juan Pardo, Junior, Eddy Guzmán, Felipe Alcover, Pepe Barranco, los ya nombrados hermanos Alfonso y Lucas Sainz, Tony Luz, recientemente fallecido, Pepe Nieto, Jorge Matey, Félix Arribas, Vicente Gasca, Salvador Domínguez, Álvaro Serrano Calderón, Pedro Luis García Vega e incluso Luis Eduardo Aute. El grupo comenzó contando con un vocalista en sus filas, realizando versiones en castellano de temas de rock and roll y adaptando a ese estilo algunas canciones tradicionales españolas. Pero, tras el éxito de su versión de Los cuatro muleros, a mediados de los años 1960, optaron por conformarse como un grupo dedicado exclusivamente al rock instrumental.

En junio de 1965 fueron teloneros de The Beatles en el concierto ofrecido en Madrid tras el desembarco del grupo inglés en España.

Su primer álbum instrumental data del año 1966 y en él se recogen grandes éxitos como Lady Pepa, Frente a Palacio o Hilo de seda, entre otros.

Escuchamos "Frente a Palacio"

Oímos ahora a Los Sonor – " Los Campanilleros". Se trata de uno de los primeros exponentes de un género - el pop – del que los mortales españoles estábamos muy lejos de saber ni que existirá allá por 1960. Su repertorio contenía adaptaciones tanto de cantantes italianos como de artistas del mercado anglosajón, destacando su versión de Melodía desencadenada, así como sus adaptaciones de The Beatles. Igualmente modernizaron canciones tradicionales españolas como Los cuatro muleros (como ya antes habían hecho Los Pekenikes), El relicario-twist, Campanilleros o Malagueña.

En 1965, Tony Martínez y Manolo Fernández, abandonaron el grupo para formar Los Bravos, junto a Mike Kennedy. Inmediatamente, Carlos Guitart se integraba en Los Flecos, Jorge Matey en Los Pekenikes, José Luis González fundaba Los Pasos y Manolo Díaz iniciaba su carrera en solitario. Todo ello precipitó el final del grupo.

Escuchamos a Los Sonor en ese éxito suyo; "Melodía desencadenada".

Ahora oímos a Myky y Los Tonys. Al principio de su andadura se llamaban solamente los Tonys, Pero al incorporarse al grupo su nuevo cantante, Miguel Carreño, alias Micky, y debido a su arrolladora personalidad, pasaron a llamarse "Micky y los Tonys".

En su primera época practicaron el rock and roll tradicional y el “ye-ye”, versionando a artistas como Elvis Presley, Little Richard, Chuck Berry, Gene Vincent o Eddie Cochran.

Este grupo madrileño hizo su debut en 1962, participando en el primer festival que se realiza en el Teatro-circo Price, compartiendo cartel con Los Pekenikes, Los Estudiantes y Dick y Los Relámpagos. De hecho, llegarían a convertirse en una de las bandas más reclamadas durante las míticas Matinales celebradas en ese local entre 1962 y 1963

En 1963, graban su primer disco, un Ep con la discográfica Zafiro en el que incluyen versiones en castellano de temas de Ray Charles y otros artistas.

En una segunda etapa y con la famosa “Invasión Británica” Micky y Los Tonys, se empaparon de las nuevas influencias, el beat y, sobre todo, del rythm and blues británico más áspero y endurecieron notablemente su imagen y su sonido. Hasta el punto de ser considerados los auténticos precursores españoles de lo que luego se llamaría el rock de Garage.

En 1965, Fernando Argenta tiene que dejar el grupo para cumplir el servicio militar y entra en su lugar Francisco Ruiz, procedente de Los Shakers.

La disolución de la banda se produce en 1969 y su cantante Micky inicia su carrera en solitario con desigual fortuna.

Oímos "Es una pena, no se nadar"…

Despues oímos a Los Relampagos. Otro grupo madrileño y uno de sus mayores éxitos: "Dos Cruces", una versión instrumental muy al gusto de la época.

Los Relámpagos fueron líderes de la música instrumental en España. El grupo desarrollo un estilo propio del grupo que lo definiría: interpretar con instrumentos y ritmos modernos viejas melodías españolas y composiciones clásicas de Albéniz, Turina, Granados, etc.... Un ejemplo es "La danza del fuego”. En el plano de rock sesentero y ritmos del momento, Los Relámpagos crean muy interesantes temas como "Babieca", rememorando el caballo del Cid, al igual que The Shadows hacen con el caballo "Mustang"'. Otros temas, "Noche de Relámpagos", "Nit de Llampecs" obtuvo un gran éxito, con un ritmo que básicamente, es una sardana.

En 1968, dos de sus miembros, Pablo Herrero y José Luis Armenteros se marchan del grupo, pero el grupo sigue tocando y grabando hasta 1974, año en que se disuelve.

En 2001 graban un nuevo disco, "Ayer, hoy y siempre", compuesto por temas inéditos, cuatro de los cuales son composiciones propias de los hermanos Sánchez-Campins, y el resto versiones de temas de la música clásica española, de la copla y de la zarzuela, en el que se ha recuperado plenamente el sonido clásico relampaguero.

Los oiremos ahora en Alborada Gallega

Y si todo esto pasaba en Madrid, Barcelona era otro filón de grandes grupos y en esta ciudad se cocía un espléndido panorama musical que dio como resultado grupos como Los Mustang… "Jóvenes". Grupo barcelonés, formado en la década de los 60 por Santi Carulla (voz), Marco Rossi (guitarra solista), Antonio Mercadé (guitarra rítmica), Miguel Navarro (bajo) y Tony Mier (batería) en su formación inicial.

En sus inicios, Los Mustang eran un grupo instrumental inspirado en el estilo de The Shadows pero con la entrada de Santi Carulla (procedente de Los Sírex) no solo dotó al grupo de un cantante sino que el grupo empezó a gozar de una cierta notoriedad.

En el mes de octubre de 1962, Los Mustang graban su primer disco para EMI-Odeón con versiones de canciones extranjeras como 500 millas de Peter, Paul and Mary y Madison twist de Johnny Hallyday.

Al vista del éxito, Los Mustang empezaron a explotar ese filón de la recopilación de temas extranjeros que ellos traducían al español, incluso antes de la llegada a España del original, cosa que el público deseaba por desconocimiento de otros idiomas. De hecho, en casi 40 años de trabajo, tan solo publicaron 16 temas propios.

En 1966 en un festival de ídolos donde se presentaron junto a grupos como Los Bravos, Los Brincos y Los Sírex, ellos se llevaron el trofeo de los más populares.

En 1973 expira el contrato con la discográfica EMI y el grupo desaparece.

Tras años de silencio, en la década de los 80 reaparecen aprovechando el tirón del revival del pop nacional pero sin aportar nada nuevo a su trayectoria.

Ya en el 2000, publican un disco para celebrar los 40 años de su historia de la banda y donde colaboran artistas de la talla Luis Eduardo Aute, Dyango, Cliff Richard, El Dúo Dinámico o Jimmy Fontana.

Los escuchamos en su versión de "San Francisco", éxito que fue de Scott McKenzie

Suena ahora "Quiero besar otra vez tus labios" de Lone Star.

Grupo de rock español formado en Barcelona por Pedro Gené (voz y líder de la formación), Willy Nab (guitarra solista), Rafael de la Vega (bajo), Enrique Fusté (piano) y Enrique López (batería), una de las bandas más antiguas del llamado rock español en España.

El grupo data de 1959, cuando Pedro Gené retornó a España, después de vivir durante un año en Inglaterra. Allí vivió la eclosión del rock and roll en todo su esplendor. Gené había dado clases de piano en el conservatorio del Liceo de Barcelona y volvió a España con la idea de formar un grupo de rock, fue así como reunió a algunos antiguos compañeros del conservatorio para componer la formación.

Empezaron los conciertos de Lone Star por bares y locales de Barcelona. Por entonces, tocaban versiones de Ray Charles, una auténtica revelación para muchos que lo escuchaban.

Pero uno de los grandes éxitos sería la versión que realizarían en 1964 de "La casa del sol naciente", traducción en español de "House of the rising sun" de The Animals, tanto es así que, en España, la versión de Lone Star llegó a vender más sencillos que la de la propia banda británica. De hecho, EMI Odeón organizó un concierto en Barcelona con Lone Star y Los Animals, que se repetiría un año después en el Palacio de Deportes de Barcelona, en 1965.

Durante 1967 y 1968, Lone Star alterna sus actuaciones como grupo de rock y los conciertos como grupo de jazz, algo completamente inaudito por aquel entonces. En el año 1968 el grupo produce «Lone Star en Jazz», álbum con un sonido totalmente atípico para un grupo de rock, donde destacan composiciones como "Misty" o "El cant dels ocells".

En 1968, grabarían uno de sus temas más legendarios: "Mi calle", que se transformaría en uno de los platos fuertes en sus conciertos posteriores.

En 1996, tras muchos años de silencio y ya en la era digital, vuelven a lanzar un nuevo trabajo por la compañía AZ, «Hacia el futuro», el cual incluye un número de viejas canciones regrabadas en nuevas versiones, con la incorporación del bajista Jaume Rivera en lugar de Sebastià Sospedra.

En el año 2010 publicaron un CD llamado «Concierto Teatro Infanta Beatriz Madrid 1968», documentando dicha actuación en vivo, durante la época más popular del grupo

Vamos a escucharles ahora en el citado tema “Mi calle”

Escuchamos ahora a Los Sirex, "Que bueno, que bueno". Fueron otro importantísimo grupo barcelonés surgido en a principios de la década de los 60 y cuya formación original y clásica fue la compuesta por Antonio Miquel Cervero, "Leslie", como vocalista, Rafael Carrasco en la batería, José Fontsere en la guitarra rítmica, Guillermo Rodríguez Holgado en el bajo y Manolo Madruga en la guitarra solista. Alcanzaron un notable éxito entre 1964 y 1968, colocando varios de sus singles y Ep's en los primeros puestos de las listas nacionales. Su primera etapa concluyó con su disolución a principios de los 70.

En 1977 volvieron a reunirse y desde entonces se han mantenido en activo (aunque con menor intensidad a partir de la década de los 90). A día de hoy son considerados una de las grandes bandas históricas del Rock español.

Como anécdota interesante podemos apuntar su actuación como teloneros de The Beatles en su segunda actuación en España el 3 de julio de 1.965

En 1971, Los Sírex deciden separarse. Una separación que duraría cinco años. El 2 de julio de 1977, volvieron a unirse a raíz de un festival que organizó Gay Mercader. Desde entonces, la carrera discográfica se reinició dando lugar a siete elepés más. Escuchamos ahora "Que te deje de querer"

Por último, y no por eso los últimos de la lista: Los Salvajes. Fue una banda de rock española de Barcelona fundada en 1962. Este grupo fue conocido en su día como los Rolling Stones españoles, ya que la influencia de la banda británica en ellos era evidente (aunque también tenían como gran referente a The Who). Eso les hizo tener un estilo más duro que el habitual en los rockeros españoles del momento (Los Brincos, Los Sírex o Los Mustang), hasta el punto de que ser considerados por la crítica como precedentes españoles (junto a grupos como Los No, Los Polares, Los Cheyenes o Los Huracanes) de lo que luego se llamó Garage rock.

Crearon el grupo Gaby Alegret (voz), Andy González (guitarra solista), Francisco Miralles (guitarra rítmica), Sebastián Sospedra (bajo) y Delfín Fernández (batería). En 1964 viajaron a Alemania para profesionalizarse, tocando en el circuito de clubs de rock de ese país durante más de un año.

En 1965 vuelven a España y son fichados por la discográfica EMI, publicando ese mismo año su primer Ep, con un sonido más cercano al Beat que al rythm and blues pero que irá endureciéndose en los siguientes discos. El servicio militar, obligatorio en aquella época, obligó a poner fin a la primera etapa de la banda en 1970. Posteriormente, sus miembros colaboraron como músicos o promotores en otros proyectos: Dyango, Lone Star, etc.

En 2013, los miembros originales Delfín Fernández , Sebastián Sospedra y Julián Moreno, junto con Luis Barbero y Carles Fonollosa, llevan de nuevo a Los Salvajes a los escenarios, rescatando su repertorio original, y llevando a escena temas que no interpretaban desde su mítico viaje a Alemania. Pero ya no fue lo mismo…

Y seguimos con The Beatles. En la primavera de 1963 The Beatles eran sin lugar a duda el grupo más famoso de Inglaterra, con un sencillo en lo alto de las listas y un álbum que era el amo y señor de las emisoras radiofónicas. La "bitelmanía" había estallado. En esos días no era extraño encontrar a la puerta de los estudios a unas 100 adolescentes esperando ver, aunque fuera de lejos, a alguno de sus idolos. Con este caldo de cultivo, se grabó… “She Loves You”

Desde el momento en que en los estudios se escucharon los primeros compases de “She Loves You”, se supo que aquella canción era un número uno. Y así fue, de nuevo en la cresta de la ola.

Durante este año 1963 los Beatles se dedicaron de lleno a las giras a lo largo y ancho de Gran Bretaña, pero aún encontraron tiempo para grabar su segundo LP: “With The Beatles”. Pensando en el público norteamericano, este nuevo trabajo, grabado en los estudios de Abbey Road bajo la inteligente batuta del productor George Martin, repetía la fórmula de combinar éxitos del más reciente cancionero estadounidense con creaciones propias. En este disco podemos oír una excelente versión de Roll over Beethoven de Chuck Berry a cargo de George Harrison…

O la bonita balada “Till There was youw”, una vieja canción compuesta por Meredith Willson para su musical de 1957 The Music Man…

…y de su propia cosecha, cabe destacar All my loving…

The Beatles – All my loving – With the Beatles

O la primera partitura aportada por George Harrison, Don’t Bother me…

The Beatles – Don’t Bother me – With the Beatles

Y para despedirnos de este With the Beatles que mejor que la frenética versión que de Twist and shout hizo el Sr. John Lennon…

El día 9 de febrero de 1964, The Beatles aparecieron en el programa de televisión Ed Sullivan Show y fueron seguidos por 73 millones de espectadores, un record de audiencia nacional.

I want to hold your hand acababa de alcanzar el número uno en las listas norteamericanas y la histeria que ya se vivía con ellos en el Reino Unido cruzó el Atlántico.

Este fue el pistoletazo de salida para lo que luego se conoció como Invasión Británica, porque abrió las puertas a la llegada de irreverentes grupos como The Rolling Stones, The Who, The Animals o The Dave Clark Five.

Poco después, y engullidos hasta el cuello por la vorágine promocional, se metieron en su primer proyecto cinematográfico, que a la postre alumbraría su tercer álbum:

“A hard day’s night”

Sobre la música, sigue el texto…

Dice Bob Stanley en su libro “La historia del pop moderno” que si tuviéramos que explicar el impacto de los Beatles a un lego en la materia convendría darle a escuchar la banda sonora de “¡Que noche la de aquel día!”.

Las canciones del LP, concebidas en una habitación de hotel durante las dos semanas que les quedaron libres entre la demolición del sistema de clases británico y la conquista de Estados Unidos, eran todo mordiente y velocidad, complicidad, amor y encanto a raudales. Fue el primer trabajo en el que todas las canciones eran propias y fue también número uno durante veintiuna semanas de las treinta y ocho que estuvo en las listas.

Y, además, película. El LP fue la banda sonora de la película del mismo título, dirigida por Richard Lester. Se trata de un falso documental que describe una par de días en la vida del grupo.

The Beatles – A hard day’s Night

Es muy llamativo el acorde inicial, ligeramente disonante. Lennon y Harrison tocan en distintas posiciones un acorde de sol con la cuarta suspendida y McCartney toca un re en el bajo. Bueno, esto es un poco técnico y un bastante petulante por mi parte pero nos da una idea de la evolución creativa y técnica del grupo. En fin, no se volverá a repetir (o si, quien sabe…). El hecho es que de no saber afinar la guitarra pasaron en nada a este despliegue de talento.

A pesar de que hay numerosas referencias sobre la torpeza de George Harrison para sacar adelante algunos de los solos de este disco y de otros, lo cierto es que la aportación que a este trabajo hizo con su guitarra de doce cuerdas fue determinante en el resultado final.

A hard day’s Night fue el tercer álbum de estudio de la banda y se publicó 10 de julio de 1964.

And i love her es otro título del disco.

Y creíais que ya estaba todo? Pues no amiguitos, los Beatles aún sacaron al mercado un disco más.

“El éxito es maravilloso, pero muy cansado”, decía George Martin, el productor de los Beatles, describiendo la espiral en la que había caído la banda en este año 1964.

Este segundo disco del año, “Beatles for sale”, es un disco apresurado en el que se incluyen ocho canciones originales y seis versiones de clásicos del rock de las que solían interpretar en directo en los tugurios de Hamburgo y Liverpool.

La mejor canción, a mi entender, de este álbum es Eight days a week

O quizá esta otra… No repley

Y ahora, para terminar, todos arriba y a bailar como posesos. Está sonando ¡¡¡Rock and Roll Music!!!

Como siempre, queremos ver que estaba pasando en España en esta época. Habíamos dejado en plena ebullición a los Festivales de Música Moderna del Price de vida efímera. Pero estaba punto de estallar lo imparable: ¡¡¡La música ye-ye!!!

Pues si señoras y señores, son los Brincos, en una de sus primeras grabaciones, cantando en inglés, Dance the pulga o Baila la puga, como queráis.

Con el espíritu de The Beatles rondando por el local de ensayo, Fernando Arbex, Junior, Juan Pardo y Manolo Gonzalez completaron el conjunto. Por cierto, que así se llamaban entones a los grupos: conjuntos.

Su lanzamiento fue espectacular: aparecen los cuatro primeros discos de los Brincos de forma simultánea: Dos singles con dos canciones cada uno, un EP con cuatro y un álbum con doce. En este último podemos encontrar su famosísimo “Flamenco”.

Si esto estaba pasando en Madrid, Barcelona no se quedaba atrás. Grupos como Los Sirex o los Mustang ya estaban ocupando posiciones.

Y como no, el interesantísimo movimiento de la Nova Canco Catalana con nombres como Raimon, Pi de la Serra o Guillermina Mota.

Pero esto será motivo de un nuevo programa porque, por hoy, no tenemos tiempo para más.