NADA MÁS QUE MÚSICA

Hoy vamos a salirnos de los parámetros de música pop, rock, jazz, etc. de los que nos ocupamos habitualmente para centrarnos en otra música popular. Como sabéis, el pasado día 13 de agosto, falleció a los 86 años de edad el director de cine español Basilio Martín Patino. Nació en Salamanca, el 29 de Octubre de 1.930. Fue compañero de promoción en la Escuela Oficial de Cine de Madrid de otros cineastas ilustres con los que luchó contra la censura de Franco incansablemente, hablamos de Saura, Borau, Picazo, Summers, y un largo etc.

A su talento debemos obras como Nueve cartas a Berta, Canciones para después de una Guerra, Queridísimos verdugos, y su última creación, Libre te quiero, un documental sobre el 15 M.

Sus innumerables problemas con la censura y su decidida actitud por hacer el cine que quería, le empujaron a trabajar siempre al margen de la industria, sin importarle en absoluto los éxitos comerciales. Anarquista convencido, abandonó este mundo de la misma manera en que vivió, sereno y rebelde.

Canciones para después de una guerra es una película documental, basada en la España de posguerra. Se realizó de forma clandestina en 1971 y no fue estrenada hasta 1976, poco después de la muerte de Franco. La película consiste en una serie de imágenes de archivo, todas ellas previamente aprobadas por la censura, sobre las que se superponen canciones populares de la época con el fin de dar un segundo significado, a menudo satírico, a lo que se muestra en pantalla.

Vamos a repasar algunas de las canciones de la película y nos detendremos en la figura de los cantantes de la época. Veréis que tenemos para todos los gustos.

Creemos que la mejor manera de iniciar este repaso es con la sintonía del NODO. Porque, amigos, así empezaba todo, con el noticiario franquista por excelencia (nunca mejor dicho, por cierto)

Pero no todos salían en el NODO, por ejemplo nuestro primer invitado de la epoca:

Miguel de Molina, D. Miguel Frías de Molina, que así se llamaba realmente este artista, nació en Málaga, el 10 de abril de 1908.

Fue en 1931 cuando decidió dedicarse al espectáculo, cultivando un género para el que estaba especialmente dotado: la copla. Popularizo canciones que todavía hoy se recuerdan y versionan: El día que nací yo, Triniá, Te lo juro yo, La bien pagá , y otras muchas.

Actuó durante la guerra para las tropas republicanas y esto le granjeo el odio de los fascistas, hasta tal punto que fue torturado y obligado al exilio. Acusado de haber ayudado al ejército republicano y ser homosexual, fue apaleado por tres individuos.

En 1942 se va exiliado a Buenos Aires, donde puedo brevemente ranudar su carrera. Nuevamente las amenazas le obligan a exiliarse a México y fue, años más tarde, Eva Perón la que le reclama para que vuelva a Argentina y continue, ahora sin, con una exitosa carrera.

En 1957 volvió brevemente a España para participar en películas como Luces de candilejas, pero en 1960 fija su residencia en Buenos Aires. Falleció en 1994 a los 86 años de edad.

Como gran paradoja, en 1992 el gobierno español le había nombrado caballero de la Orden de Isabel la Católica, reconociendo su contribución personal al mundo del arte en España. VIVIR PARA VER.

Estrella Castro Navarrete, conocida como Estrellita Castro nació en Sevilla. De origen más que humilde, era la hija menor de once hermanos. Con doce años actuó por primera vez delante de los reyes Alfonso XIII y Victoria Eugenia. Fue la auténtica creadora de lo que hoy se conoce como canción andaluza y sus canciones alcanzaron gran popularidad en los años 30 y 40.,

“María de la O”, “Mari Cruz”, “Los tientos del reloj” “Mi Jaca” o “María Magdalena” son algunos de los éxitos de la Castro.

En febrero de 1962 la actriz y cantante sevillana recibe la Medalla al Mérito en el Trabajo.

Rodó cuarenta películas, casi todas de tema folclórico, entre las que destacan Suspiros de España, El barbero de Sevilla y Mariquilla Terremoto, todas ellas rodadas en Alemania. Si habéis visto la película “La niña de mis ojos” de Trueba, os podéis hacer una idea del asunto. Su dilatada carrera artística terminó con una ostensible carencia de facultades en sus últimos años, lo que hizo que decayese el mito de Estrellita Castro. Estrellita muere en Madrid un 10 de junio de 1983, casi casi en la indigencia.

Concepción Piquer López , Doña Concha Piquer, nació en Valencia el 13 de diciembre de 1906. Anteriormente comentábamos que Miguel de Molina había actuado durante la guerra para las tropas republicanas, bien, pues Concha Piquer lo hizo para los nacionales. No le fue mal.

Nació en el seno de una familia humilde que había tenido anteriormente cuatro hijos, todos los cuales habían muerto prematuramente. Cuando contaba once años hizo su estreno en el Teatro Sogueros de Valencia y en su carrera obtuvo numerosos éxitos tales como Ojos verdes, Tatuaje, Y sin embargo, te quiero, En tierra extraña y Lola Puñales, casi todas ellas obra de los famosos Valverde, Quintero, León y Quiroga.

Fue una estrella internacional, actuando en numerosas ocasiones en teatros de todo el mundo, de hecho, pasó cinco años en Estados Unidos, cantando en Broadway. Viajaba siempre con un montón de baúles, los suyos y los de la casa con ropa de cama, de mesa y similares pues tenía la costumbre de alquilar una casa en el lugar donde estuviera de gira. Su marido acarreaba dos baúles llenos de aceite de oliva. A raíz de todo esto se acuñó la expresión «el baúl de la Piquer». Falleció en Madrid el 12 de diciembre de 1990.

Ángeles Moreno Gómez, conocida artísticamente como Lolita Sevilla nació en Sevilla, el 20 de marzo de 1935. Debutó como bailarina a los diez años, y adoptó su nombre artístico cuando le prestaron o alquilaron un carné profesional que estaba a nombre de una artista llamada Dolores Sevilla, ya que la ley impedía a los menores actuar en las variedades. Aunque esta artista tuvo numerosos éxitos, todos la conocemos por su interpretación en la pelicula “Bienvenido Mister Marshall", rodada en el año 1953.

Tenia diecisiete años cuando le llegó la gran oportunidad de su vida profesional al ser seleccionada por Luis García Berlanga para interpretar el papel de Carmen Vargas en Bienvenido, Mister Marshall . Esta película resultó ser para Lolita Sevilla una decepción, primero, y la razón de su fama, después. Ella inició el rodaje suponiendo que era una típica producción folclórica que le permitiría lucirse musicalmente, pero luego vio que «le habían robado la película»: Berlanga estaba rodando realmente una parodia que hábilmente eludió la censura del franquismo.

Y, por cierto, La película tuvo una entusiasta acogida en el Festival de Cannes y fue, pasado el tiempo, uno de los títulos más célebres y aclamados de la historia del cine español.

Falleció en Madrid el 16 de diciembre de 2013 a los 78 años.

Celia Gámez Carrasco (Buenos Aires, 25 de agosto de 1905 - Buenos Aires, 10 de diciembre de 1992) fue una actriz y bailarina hispano-argentina.

Su primera actuación sobre los escenarios se produce a la temprana edad de 14 años, participando como vicetiple en el montaje de la revista Las corsarias. Su vida privada siempre dio mucho que hablar en la sociedad española de la época debido a los rumores, reales o no, de su promiscuidad en sus relaciones con los hombres. Uno de los más famosos fue el general José Millán-Astray, uno de los generales que se alzaron contra la II República española, y que ocasionó la Guerra Civil Española en 1936. Al comenzar dicha guerra, Gámez se encontraba de gira con su compañía por territorio bajo control de la sublevación, a la que apoyó durante la contienda. Esto le permitió continuar con sus éxitos y popularidad. Un tema suyo, "Ya hemos pasao", se burla del "No pasarán" de las milicias republicanas, y con sarcasmo hacia los derrotados llama a éstos "miserables" al tiempo que se autoproclama “facciosa". Mi enhorabuena, Señora.

Sus últimos años los vivió modestamente en una residencia de ancianos con la razón perdida a causa de un progresivo Mal de Alzheimer.

Marie Magdalene Dietrich, conocida por su nombre artístico Marlene Dietrich fue la interprete que inmortalizó la canción de la que vamos a hablar ahora: LILI MARLEN. Me voy a permitir la licencia de, en este caso, no hablar de Marlene Dietrich, esta artista merece un espacio propio, sino de la canción Lili Marlen y, es que, en pocas ocasiones, una canción trasciende a dos bandos enfrentados en una guerra atroz como lo fue la segunda guerra mundial.

En 1937 se publicó por primera vez el poema Lili Marleen. Se trata de una historia de amor y de una triste despedida. Un joven, que ha entregado su corazón a una joven debe partir al frente.

En 1938 se le puso música al texto y al año siguiente, una joven y desconocida Lale Andersen grabó el primer disco de Lili Marleen. Los nazis prohibieron la canción porque les parecía que tenía un “carácter funesto”. Pero, como todo lo que hicieron, esto tampoco sirvió de nada. La segunda guerra mundial lanzó al estrellato a Lili Marleen. A Rommel le gustó tanto la canción que pidió que se emitiera habitualmente en las emisoras de radio que escuchaban sus soldados. Debido a la potencia de estas emisoras, la música también era escuchada por los soldados aliados. De esta manera, e independientemente del frente, la canción se tarareaba en las trincheras en todos los idiomas. Durante la II Guerra Mundial se elaboró una versión española que fue cantada por los soldados de la División Azul.

Y hasta aquí ha llegado el Nodo, digo, el programa de hoy Señoras y Señores. Les esperamos a todos la próxima semana. ¡¡¡BUENAS VIBRACIONES¡¡¡

Hoy hablaremos y oiremos posiblemente la estrella de rock más canalla de la historia, y mira que hay candidatos al trofeo. Nos ocupamos de Sir Roderick David "Rod" Stewart, nacido el 10 de enero de 1945, en Londres.

El Sr. Stewart empezó como músico callejero y a lo largo de su carrera antes de su lanzamiento en solitario militó en varios grupos, dando el saldo al éxito con The Faces.

Por cierto, un inciso: En su época de músico callejero, parece ser que anduvo por Barcelona de donde fue deportado de nuevo a Inglaterra por vagancia en 1963. Franco siempre tuvo un gran ojo para la música.

En la estela del éxito de la biografía de Keith Richards, el cantante saco a la venta Rod: The autobiography unos recuerdos repletos de sexo, drogas, rock and roll, infidelidades y anécdotas jugosas. A los 72 años, este padre de ocho hijos, retiene la gracia narrativa y el ingenio que le ganaron la fama como el músico más ocurrente de finales de los sesenta. “La reina y yo tenemos una cosa en común” bromea “el mismo peinado durante 45 años”

Pero no todo fueron buenos tiempos para el Sr. Stewart. En 1980 se produjo una caída en las listas de popularidad en Norteamérica. Además recibió una gran cantidad de malas críticas por parte de la prensa musical por su cambio de sonido.

En 1983 lanzó Body Wishes que recibió pésimas críticas por los medios especializados, que incluso algunos sitios como Allmusic lo consideraron como «una de sus peores obras». Aun así el disco logró gran éxito comercial en varios mercados europeos, generado principalmente por el sencillo «Baby Jane» que llegó hasta el primer lugar en países como Irlanda, Alemania y Bélgica entre otros.

En 2002, y después de un largo periodo de falta de creatividad, Rod Stewar enfocó su carrera a versionar antiguos standards del American Songbook. Su primer disco, publicado en octubre de este año, recibió unas malísimas críticas por parte de la prensa especializada, no obstante, le significó enormes ventas en varios mercados mundiales. De nuevo, la proverbial agudeza de algunos entendidos.

Los discos posteriores, igualmente centrados en versiones, fueron recibiendo mejores críticas hasta conseguir la unanimidad: su voz y su talento encajaban a la perfección en el nuevo rumbo de su carrera. De esta epoca es Tha way you look tonight.

En octubre de 2016, fue nombrado caballero de la Orden del Imperio Británico por Guillermo de Cambridge, título otorgado por la Reina en junio por la celebración de sus 90 años. Hay que ver…

Por cierto, os habréis dado cuenta de que hemos hablado de un artista VIVO. Que así sea por mucho tiempo.

Hoy hablaremos y oiremos posiblemente la estrella de rock más canalla de la historia, y mira que hay candidatos al trofeo. Nos ocupamos de Sir Roderick David "Rod" Stewart, nacido el 10 de enero de 1945, en Londres.

El Sr. Stewart empezó como músico callejero y a lo largo de su carrera antes de su lanzamiento en solitario militó en varios grupos, dando el saldo al éxito con The Faces.

Por cierto, un inciso: En su época de músico callejero, parece ser que anduvo por Barcelona de donde fue deportado de nuevo a Inglaterra por vagancia en 1963. Franco siempre tuvo un gran ojo para la música.

En la estela del éxito de la biografía de Keith Richards, el cantante saco a la venta Rod: The autobiography unos recuerdos repletos de sexo, drogas, rock and roll, infidelidades y anécdotas jugosas. A los 72 años, este padre de ocho hijos, retiene la gracia narrativa y el ingenio que le ganaron la fama como el músico más ocurrente de finales de los sesenta. “La reina y yo tenemos una cosa en común” bromea “el mismo peinado durante 45 años”

Pero no todo fueron buenos tiempos para el Sr. Stewart. En 1980 se produjo una caída en las listas de popularidad en Norteamérica. Además recibió una gran cantidad de malas críticas por parte de la prensa musical por su cambio de sonido.

En 1983 lanzó Body Wishes que recibió pésimas críticas por los medios especializados, que incluso algunos sitios como Allmusic lo consideraron como «una de sus peores obras». Aun así el disco logró gran éxito comercial en varios mercados europeos, generado principalmente por el sencillo «Baby Jane» que llegó hasta el primer lugar en países como Irlanda, Alemania y Bélgica entre otros.

En 2002, y después de un largo periodo de falta de creatividad, Rod Stewar enfocó su carrera a versionar antiguos standards del American Songbook. Su primer disco, publicado en octubre de este año, recibió unas malísimas críticas por parte de la prensa especializada, no obstante, le significó enormes ventas en varios mercados mundiales. De nuevo, la proverbial agudeza de algunos entendidos.

Los discos posteriores, igualmente centrados en versiones, fueron recibiendo mejores críticas hasta conseguir la unanimidad: su voz y su talento encajaban a la perfección en el nuevo rumbo de su carrera. De esta epoca es Tha way you look tonight.

En octubre de 2016, fue nombrado caballero de la Orden del Imperio Británico por Guillermo de Cambridge, título otorgado por la Reina en junio por la celebración de sus 90 años. Hay que ver…

Por cierto, os habréis dado cuenta de que hemos hablado de un artista VIVO. Que así sea por mucho tiempo.

Señoras y Señores, siendo consecuentes con una máxima de este programa que como seguramente no recordaran, era la de ser lo más desordenados posible, vamos a dedicar nuestro espacio a una de las formaciones orquestales más interesantes para la música popular y para el jazz, hablamos de las Big Band

La expresión en inglés big band (literalmente, gran banda) hace referencia a un grupo amplio de músicos de jazz, ya que lo normal eran los tríos, cuartetos, etc.

Las big bands aparecen como tales a finales de la década de 1920, aunque su etapa de oro es el periodo comprendido entre 1935 y 1950.

El racismo imperante en la vida cotidiana de Estados Unidos en la primera mitad del siglo XX, se reflejaba en una clara política de separación entre blancos y negros que, como no, tuvo su reflejo en la música, y en las big bands, especialmente en los años treinta dando lugar a orquestas "blancas" y orquestas "negras".

Claro que esto, si nos ceñimos exclusivamente al aspecto musical, no supuso ningún problema.

En las orquestas “blancas” destacaremos la ya mencionada de Glen Miller, Benny Goodman, Tommy Dorsey, Artie Shaw

Por si estas bandas nos parecían ya insuperables, vamos a ver que decimos de las orquestas “negras”: En primer lugar, el gran Duke Ellintong, que era pianista de formación pero su verdadero instrumento era la orquesta. Chick Webb y por último, como no, Count Basie

Por supuesto, no están todas las que son pero si son todas las que están. Estas orquestas siguieron evolucionando al compás de los tiempos pero hoy nos hemos ocupado de la época que se dio en denominar del SWING, una época marcada a fuego por la segunda guerra mundial y su posguerra (1939/1945), y que contribuyeron en gran medida a que las victimas reales de esa guerra, la gente de la calle, fueran un poco menos desgraciadas.

Como he dicho, las orquestas siguieron evolucionando pero, de esa evolución, hablaremos otro día.

Y esto ha sido todo por hoy Señoras y Señores, que ustedes lo pasen bien. Les espero a todos la próxima semana. BUENAS VIBRACIONES!!!

Señoras y Señores, siendo consecuentes con una máxima de este programa que como seguramente no recordaran, era la de ser lo más desordenados posible, vamos a dedicar nuestro espacio a una de las formaciones orquestales más interesantes para la música popular y para el jazz, hablamos de las Big Band

La expresión en inglés big band (literalmente, gran banda) hace referencia a un grupo amplio de músicos de jazz, ya que lo normal eran los tríos, cuartetos, etc.

Las big bands aparecen como tales a finales de la década de 1920, aunque su etapa de oro es el periodo comprendido entre 1935 y 1950.

El racismo imperante en la vida cotidiana de Estados Unidos en la primera mitad del siglo XX, se reflejaba en una clara política de separación entre blancos y negros que, como no, tuvo su reflejo en la música, y en las big bands, especialmente en los años treinta dando lugar a orquestas "blancas" y orquestas "negras".

Claro que esto, si nos ceñimos exclusivamente al aspecto musical, no supuso ningún problema.

En las orquestas “blancas” destacaremos la ya mencionada de Glen Miller, Benny Goodman, Tommy Dorsey, Artie Shaw

Por si estas bandas nos parecían ya insuperables, vamos a ver que decimos de las orquestas “negras”: En primer lugar, el gran Duke Ellintong, que era pianista de formación pero su verdadero instrumento era la orquesta. Chick Webb y por último, como no, Count Basie

Por supuesto, no están todas las que son pero si son todas las que están. Estas orquestas siguieron evolucionando al compás de los tiempos pero hoy nos hemos ocupado de la época que se dio en denominar del SWING, una época marcada a fuego por la segunda guerra mundial y su posguerra (1939/1945), y que contribuyeron en gran medida a que las victimas reales de esa guerra, la gente de la calle, fueran un poco menos desgraciadas.

Como he dicho, las orquestas siguieron evolucionando pero, de esa evolución, hablaremos otro día.

Y esto ha sido todo por hoy Señoras y Señores, que ustedes lo pasen bien. Les espero a todos la próxima semana. BUENAS VIBRACIONES!!!

De origen proletario, Joe Cocker sucumbió a todas las tentaciones de la bohemia rockera. Pero incluso cuando parecía tocar fondo era capaz de cosechar éxitos planetarios. Su voz quedará para siempre unida al cine de los ochenta, gracias a Up where I belong, su dueto con Jennifer Warnes en Oficial y caballero, que le valió un Grammy y un Oscar en 1983.

Pero, sobre todo, por su versión de You can leave your hat on, de Randy Newman, que puso ritmo al mítico striptease de kim Bassinger ante Mickey Rourke en Nueve semanas y media, y se convirtió en himno erótico para toda una generación.

Cuenta la leyenda que se lanzó a cantar ante un micrófono por primera vez a los 12 años, en la banda de su hermano. Pero ya desde que cumplió los 15 lo empezó a hacer en bandas propias. Sus comienzos en la música profesional fueron bajo el nombre artístico de Vance Arnold. Con su banda, los Avengers, y su poderosa voz, versionaban éxitos de Chuck Berry y Ray Charles. En 1963 telonearon a los Rolling Stones en Sheffield. Un año después firmaba un contrato para el primero de su veintena de álbumes en solitario.

En 1968, realizó una versión magistral y dramática de With a little help from my friends, el éxito de los Beatles, sobre el escenario de Woodstock, cuando el cantante solo tenía 25 años, recogida en la película del festival. Aquella versión, por la que le felicitaron los propios autores, supuso su primer número uno y reveló su gusto y acierto al reinterpretar, o más bien reinventar, composiciones ajenas.

Recojo las palabras de su agente, Berrie Marshall, cuando comunicó al mundo el fallecimiento del artista, calificándole como “sencillamente único”. Dijo: “Fue sin duda alguna la mayor voz de rock y soul que nunca dio el Reino Unido. Fue el mismo hombre durante toda su vida. Tenía verdadero talento, era una auténtica estrella, pero al mismo tiempo un hombre amable y humilde que amaba estar sobre el escenario. Cualquiera que le haya visto alguna vez en directo no podrá olvidarle”.

Y yo lo vi. Lo vi en Zaragoza, hace un porrón de años, en las antiguas instalaciones de la Feria de Muestras, en un concierto memorable ante unas escasas trescientas personas. Aunque este detalle no pareció que le importara, la banda y él actuaron como si estuvieran ante 100.000 personas. Y si, como dice Marshall, ha sido inolvidable.

De origen proletario, Joe Cocker sucumbió a todas las tentaciones de la bohemia rockera. Pero incluso cuando parecía tocar fondo era capaz de cosechar éxitos planetarios. Su voz quedará para siempre unida al cine de los ochenta, gracias a Up where I belong, su dueto con Jennifer Warnes en Oficial y caballero, que le valió un Grammy y un Oscar en 1983.

Pero, sobre todo, por su versión de You can leave your hat on, de Randy Newman, que puso ritmo al mítico striptease de kim Bassinger ante Mickey Rourke en Nueve semanas y media, y se convirtió en himno erótico para toda una generación.

Cuenta la leyenda que se lanzó a cantar ante un micrófono por primera vez a los 12 años, en la banda de su hermano. Pero ya desde que cumplió los 15 lo empezó a hacer en bandas propias. Sus comienzos en la música profesional fueron bajo el nombre artístico de Vance Arnold. Con su banda, los Avengers, y su poderosa voz, versionaban éxitos de Chuck Berry y Ray Charles. En 1963 telonearon a los Rolling Stones en Sheffield. Un año después firmaba un contrato para el primero de su veintena de álbumes en solitario.

En 1968, realizó una versión magistral y dramática de With a little help from my friends, el éxito de los Beatles, sobre el escenario de Woodstock, cuando el cantante solo tenía 25 años, recogida en la película del festival. Aquella versión, por la que le felicitaron los propios autores, supuso su primer número uno y reveló su gusto y acierto al reinterpretar, o más bien reinventar, composiciones ajenas.

Recojo las palabras de su agente, Berrie Marshall, cuando comunicó al mundo el fallecimiento del artista, calificándole como “sencillamente único”. Dijo: “Fue sin duda alguna la mayor voz de rock y soul que nunca dio el Reino Unido. Fue el mismo hombre durante toda su vida. Tenía verdadero talento, era una auténtica estrella, pero al mismo tiempo un hombre amable y humilde que amaba estar sobre el escenario. Cualquiera que le haya visto alguna vez en directo no podrá olvidarle”.

Y yo lo vi. Lo vi en Zaragoza, hace un porrón de años, en las antiguas instalaciones de la Feria de Muestras, en un concierto memorable ante unas escasas trescientas personas. Aunque este detalle no pareció que le importara, la banda y él actuaron como si estuvieran ante 100.000 personas. Y si, como dice Marshall, ha sido inolvidable.

Hoy vamos a empaparnos de buena música, de la mano del mejor grupo musical que ha habido y habrá por siempre [amén]. Hablamos de The Beatles y de su genial obra Sgt. Pepper’s.

En 1966 la banda había decidido no volver a realizar giras y volcar su actividad creativa en los estudios de grabación. Las condiciones en las que se veían obligados a actuar eran lamentables. No se oían los unos a los otros encima del escenario y resultaba milagroso que pudieran llevar el tempo en condiciones. Yo creo que algunas veces ni siquiera tocaban la misma canción. Pero, en fin… a sus fans tampoco parecía importarles mucho.

Y así fue como, el día 24 de noviembre de este año 1966, se dispusieron a grabar en los estudios de Abbey Road la que sería la primera canción de este disco: Strawberry Fields Forever.

Como la canción no está en el disco, ponemos una versión corta. Bien, pues no fue así. La canción, compuesta por Lennon, no fue incluida en el disco y se edito como sencillo.

En mi opinión, todo el disco es extraordinario, pero nos vamos a centrar en un solo tema en el día de hoy: A day in the life

Firmada por Lennon-McCartney, la canción incluye distintos fragmentos que fueron escritos por ellos por separado, con la colaboración de una orquesta

adicional, otra de las novedades en grabaciones de grupos, siendo ésta una de las últimas veces en que realizaron una canción juntos como en sus primeros años.

Algunos creen que fue escrito en relación con la muerte de Tara Browne, heredero de 21 años de la fortuna Guiness, y amigo íntimo de Lennon y McCartney, quien chocó su Lotus Elan el 18 de diciembre de 1966, cuando un Volkswagen lo arrojó hacia a un lado de la calle, aunque existe una cierta controversia al respecto ya que el propio George Martin tenía una versión distinta acerca de la fuente de inspiración.

En 2010, la revista Rolling Stone eligió 'A Day in the Life', como la mejor canción de la banda británica The Beatles, en una lista de cien de sus temas. También es reconocido como uno de los discos más influyentes de todos los tiempos [amén].

Pero como para gustos, colores, espero que a ustedes les haya apasionado tanto como a mi.

Hoy vamos a empaparnos de buena música, de la mano del mejor grupo musical que ha habido y habrá por siempre [amén]. Hablamos de The Beatles y de su genial obra Sgt. Pepper’s.

En 1966 la banda había decidido no volver a realizar giras y volcar su actividad creativa en los estudios de grabación. Las condiciones en las que se veían obligados a actuar eran lamentables. No se oían los unos a los otros encima del escenario y resultaba milagroso que pudieran llevar el tempo en condiciones. Yo creo que algunas veces ni siquiera tocaban la misma canción. Pero, en fin… a sus fans tampoco parecía importarles mucho.

Y así fue como, el día 24 de noviembre de este año 1966, se dispusieron a grabar en los estudios de Abbey Road la que sería la primera canción de este disco: Strawberry Fields Forever.

Como la canción no está en el disco, ponemos una versión corta. Bien, pues no fue así. La canción, compuesta por Lennon, no fue incluida en el disco y se edito como sencillo.

En mi opinión, todo el disco es extraordinario, pero nos vamos a centrar en un solo tema en el día de hoy: A day in the life

Firmada por Lennon-McCartney, la canción incluye distintos fragmentos que fueron escritos por ellos por separado, con la colaboración de una orquesta

adicional, otra de las novedades en grabaciones de grupos, siendo ésta una de las últimas veces en que realizaron una canción juntos como en sus primeros años.

Algunos creen que fue escrito en relación con la muerte de Tara Browne, heredero de 21 años de la fortuna Guiness, y amigo íntimo de Lennon y McCartney, quien chocó su Lotus Elan el 18 de diciembre de 1966, cuando un Volkswagen lo arrojó hacia a un lado de la calle, aunque existe una cierta controversia al respecto ya que el propio George Martin tenía una versión distinta acerca de la fuente de inspiración.

En 2010, la revista Rolling Stone eligió 'A Day in the Life', como la mejor canción de la banda británica The Beatles, en una lista de cien de sus temas. También es reconocido como uno de los discos más influyentes de todos los tiempos [amén].

Pero como para gustos, colores, espero que a ustedes les haya apasionado tanto como a mi.

Hola, hola, soy Antonio Giménez, este espacio que hoy inicia su andadura, tiene un solo objetivo, entretener. Para ello vamos a contar con el mejor aliado posible, la música, nada más y nada menos.

Por aquí pasarán grupos, cantantes, estilos, instrumentos, en fin, todo aquello que hace posible disfrutar del ruido más hermoso: la música.

Y como hoy es el primer día, y aunque no soy de dar muchos homenajes, vamos a tener un recuerdo para un tipo que, a pesar de ser más raro que un perro verde, fue el músico más influyente en la historia del Rock and Roll.

Así pues, hoy vamos a escuchar y vamos a hablar…del Sr. Chuck Berry

Se acordarán de la película Pulp Fiction. Esta canción fue uno de sus temas estrellas.

Pero vayamos con Charles Edward Anderson Berry, que así se llamaba el hombre. Nació en Saint Louis, Misuri, el día 18 de octubre de 1926 y fue, para muchos entre los que me encuentro, la figura más importante del mundo del rock and roll. Fue, sin duda, el gran innovador.

Conocido artísticamente como Chuck Berry, tuvo a lo largo de su vida numerosos enfrentamientos con la justicia que le llevaron a la cárcel en tres o cuatro ocasiones. Desde luego, fue el rockero más antipático de su época. Descortés y tacaño hasta lo indecible, cuentan que en 1.980 acudió a la TV británica a promocionar su biografía y le preguntaron si podía interpretar su canción más representativa “Johnnie B. Goode” contestó: “Pues no. Si pagáis unos honorarios de segunda, os corresponde una canción de segunda”. Y tocó “Memphis, Tennessee.

De no ser por los Beatles, los Rolling Stones y los Kinks, que versionaron algunos de sus temas, Berry podría haber caído en el olvido tras el año y medio que paso entre rejas por llevar en su coche a una menor de edad a otro estado para que trabajase en su club. No fue así y Chuck Berry volvió a triunfar colocando sus composiciones el los primeros puestos de las listas.

Una de las mejores versiones que se grabaron de sus canciones fue, sin duda, la realizada por The Beatles de la archiconocida "Rock and Roll Music",

Nuestro amigo Chuck Berry tuvo numerosos admiradores famosos que reconocieron la importantísima influencia que en sus carreras había tenido su música. John Lennon dijo: "Si quisieran darle un nuevo nombre al rock and roll, podrían llamarlo Chuck Berry”. Claro que esto seguramente lo dijo antes de que los administradores del guitarrista le demandaran por utilizar un verso de la canción "You Can't Catch Me" para su canción "Come Together”. ¡Genio y figura!

Berry fue encontrado muerto por la policía el sábado 18 de marzo de 2017 en su casa de Misuri. Tenía 90 años de edad.

Les espero a todos la próxima semana. BUENAS VIBRACIONES!!!