Prohibido contar ovejas

De 'Dragon Ball' a 'Frieren, vuelve la plataforma favorita de anime, el debate sobre el 'true crime' y las portadas más reconocidas de Andy Warhol

Una nueva entrega del espacio nocturno Prohibido Contar Ovejas en esRadio, conducido por Felipe Couselo, arranca en un ambiente distendido marcado por la celebración del cumpleaños del equipo y una selección musical que rinde tributo al talento compositivo de Paul Simon y su clásica pieza Homeward Bound, incluida en el álbum Parsley, Sage, Rosemary and Thyme.

La primera gran sección de la noche corre a cargo de Juanma González, quien dedica un monográfico a las series de animación japonesa disponibles en plataformas de streaming como Crunchyroll. Entre los títulos analizados destaca el regreso del universo de Akira Toriyama con la reedición del arco de Beerus en Dragon Ball Super, una saga que sigue congregando a millones de seguidores en todo el mundo.

El repaso continúa con la aclamada Frieren, una obra de tono pausado y melancólico que reflexiona sobre el paso del tiempo a través de la fantasía épica. Asimismo, se comentan propuestas de acción pura como Solo Leveling y fenómenos cómicos y sobrenaturales como Dandadan, una historia centrada en batallas urbanas, leyendas tradicionales y fenómenos extraterrestres.

González destaca el arrollador éxito comercial de Guardianes de la noche (Kimetsu no Yaiba), cuya traslación a la gran pantalla logró cifras históricas de recaudación en taquilla equiparables a los grandes taquillazos de Hollywood. La sección se completa con valoraciones de series de notable impacto como Jujutsu Kaisen, la crudeza explícita de Chainsaw Man, la intriga palaciega de Los diarios de la boticaria y la popular comedia de espionaje Spy x Family.

Por su parte, Alma Espinosa centra su intervención en el auge del género true crime dentro del catálogo de Netflix. La colaboradora abre un debate en la mesa sobre los límites éticos de la ficción criminal cuando se adaptan sucesos muy recientes y dolorosos, citando proyectos en desarrollo sobre el mediático caso de Daniel Sancho en Tailandia.

Entre las producciones más destacadas del género, Espinosa analiza el impacto de Dahmer, protagonizada por Evan Peters, y examina el caso nacional de El caso Asunta, miniserie encabezada por Candela Peña y Tristán Ulloa que recrea con minuciosidad judicial la investigación del asesinato de la menor Asunta Basterra.

La ficción televisiva española vuelve a ser protagonista con El cuerpo en llamas, producción en la que Úrsula Corberó y Quim Gutiérrez encarnan a los agentes implicados en el mediático crimen de la Guardia Urbana de Barcelona. A escala internacional, se revisa la miniserie británica La serpiente, inspirada en los asesinatos en serie perpetrados por Charles Sobhraj en el sudeste asiático durante los años setenta.

Espinosa concluye su intervención elogiando Creedme (Unbelievable), una producción dramática basada en un reportaje de investigación ganador del Premio Pulitzer que expone la incomprensión policial y judicial sufrida por una joven víctima de agresión sexual.

El tramo final del programa lo protagoniza Isaac Cejudo con un exhaustivo recorrido por la faceta de Andy Warhol como diseñador de portadas de discos. El artista pop comenzó en los años cincuenta realizando ilustraciones publicitarias para sellos de jazz como Blue Note, dejando su firma en trabajos para Thelonious Monk, Kenny Burrell o Paul Desmond.

La consagración musical de Warhol llegó en los años sesenta y setenta con portadas legendarias como la célebre banana pelable de The Velvet Underground & Nico o el diseño de la cremallera en Sticky Fingers de The Rolling Stones, censurada en España. Cejudo cierra su recorrido detallando colaboraciones posteriores con figuras como John Cale, Diana Ross, Miguel Bosé en su álbum Made in Spain, el disco póstumo de John Lennon y los últimos trazos gráficos del artista neoyorquino para Aretha Franklin.

Juanma González analiza en Crunchyroll el auge de la animación japonesa con éxitos como 'Frieren', 'Solo Leveling' o 'Dandadan'.

El colaborador Juanma González regresa con una nueva entrega dedicada a las producciones de animación japonesa disponibles en la plataforma de transmisión Crunchyroll. En un tono distendido y entre bromas con los integrantes del programa acerca de la pronunciación de la marca, el crítico realiza un exhaustivo recorrido por algunos de los títulos más relevantes del panorama audiovisual contemporáneo. González subraya cómo la ficción nipona ha roto las fronteras tradicionales del nicho para convertirse en fenómenos de masas que lideran las listas de visionado globales.

El primer título analizado es el retorno de Dragon Ball Super con el arco centrado en Beerus, el dios de la destrucción. La producción recupera y reelabora el material dibujado por Toyotaro bajo la supervisión del maestro Akira Toriyama, solventando las deficiencias técnicas de las emisiones originales de 2015. El colaborador explica que esta renovación responde a una práctica habitual en la animación japonesa, orientada a ofrecer un acabado visual más cinematográfico, maduro y riguroso para satisfacer tanto a los veteranos como a los nuevos espectadores.

A continuación, la tertulia destaca Frieren, una obra aclamada de manera unánime por su factura técnica y su tempo narrativo. A contracorriente de las historias de acción desenfrenada, la serie se distingue por un desarrollo pausado, reflexivo y de un gran detallismo estético. La trama acompaña a una elfa maga inmortal que rememora sus andanzas pasadas mientras aprende a valorar la brevedad de los vínculos humanos, logrando transmitir sensaciones de nostalgia y reflexión que la distancian de los moldes comerciales habituales del género fantástico.

En un tono diametralmente opuesto se sitúa Solo Leveling, una obra enfocada en la acción descarnada, la fantasía épica y la constante superación de niveles en mazmorras subterráneas. El panel aborda durante la conversación la falsa creencia de que las producciones japonesas son siempre inabarcables, recalcando que la tendencia actual se decanta por temporadas breves y accesibles, con tandas de doce a veinticinco episodios de apenas veinte minutos que facilitan el consumo ágil y continuado sin exigir compromisos dilatados.

La selección continúa con Dandadan, una ingeniosa propuesta que mezcla comedia romántica, leyendas urbanas, invasiones alienígenas y espíritus ancestrales. González ensalza la solvencia del dibujo original y el dinamismo de su adaptación en pantalla, definiéndola como una de las obras más frescas de la actualidad. Asimismo, se recuerda el poderío visual y argumental de Jujutsu Kaisen, cuyos arcos narrativos han destacado por desplegar intensas secuencias de combate y giros dramáticos que no dudan en sacrificar a figuras clave de la historia.

El repaso incluye también a Chainsaw Man, célebre por su crudeza visual, sus dosis de humor negro y su trasfondo melancólico, con proyectos cinematográficos que continúan batiendo récords de recaudación. Asimismo, se ensalza Los Diarios de la Boticaria, una intriga ambientada en un palacio imperial donde una joven investigadora resuelve complejos casos criminales mediante la medicina y la observación. González equipara la brillantez deductiva del personaje con los grandes referentes de la novela de misterio, alabando su creciente complejidad política y social.

Para concluir, el análisis aborda Spy × Family, comedia de enredo ambientada en un trasunto de la Guerra Fría donde un espía, una asesina y una niña telépata forman un falso hogar para cumplir una misión diplomática. A través de este mosaico de recomendaciones, el espacio reivindica el notable atractivo transversal del medio, capaz de reunir a públicos de todas las edades mediante relatos emotivos, humorísticos y repletos de inventiva que consolidan su hegemonía en el mercado del entretenimiento.

De la banana de Nico a la cremallera de The Rolling Stones: esRadio repasa los carismáticos vinilos creados por el genio de The Factory.

El espacio cultural de esRadio aborda la faceta de Andy Warhol como creador de portadas de discos, un recorrido artístico que comenzó mucho antes de que se convirtiera en el gran icono del arte pop. A partir de una exposición exhibida en el MUSAC de León, el programa repasa los orígenes del artista estadounidense durante la década de 1950, cuando trabajaba como ilustrador comercial en Nueva York elaborando encargos para prestigiosas firmas discográficas. Entre sus primeros trabajos descuella el realizado en 1957 para el pianista Thelonious Monk en su álbum Monk, cuya cubierta destacaba por las caligrafías realizadas a mano por la madre del dibujante, Julia Warhola. Asimismo, Warhol colaboró asiduamente con el histórico sello de jazz Blue Note, donde plasmó su característico trazo a tinta sobre fondo blanco en el disco homónimo de Kenny Burrell o en el álbum Take Ten del saxofonista Paul Desmond para RCA Victor.

El salto definitivo hacia el mito cultural se fraguó en la década siguiente al abrigo de The Factory, período en el que alumbró dos de las imágenes más influyentes de la historia de la música. En 1967 diseñó la célebre portada del plátano para el estreno discográfico de The Velvet Underground junto a la cantante y modelo alemana Nico, una pieza interactiva con una pegatina desplegable cuyo frontal prescindía de créditos y lucía únicamente la firma del artista. En 1971 repetiría la experiencia volumétrica con el lanzamiento de Sticky Fingers de The Rolling Stones, cuya edición original incorporaba una cremallera metálica funcional sobre la fotografía de unos pantalones vaqueros masculinos. Este atrevido diseño fue censurado en España por el régimen de la época, que forzó su reemplazo por una carátula alternativa con dedos de mujer saliendo de una lata de salsa.

Ya consolidado como una celebridad internacional durante la década de 1980, Warhol continuó diseñando cubiertas para destacadas estrellas del pop y del rock. En 1981 ideó el concepto gráfico de Honi Soit, séptimo trabajo en solitario de John Cale, tras haber bromeado previamente con colocar una imagen de Yoko Ono desnuda; finalmente compuso un fotomatón en blanco y negro con estética de pasaporte británico que el propio músico prefirió colorear, decisión de la que más tarde confesó arrepentirse. En 1982 la cantante Diana Ross pagó cerca de 95.000 dólares para que el artista elaborara una serigrafía con su imagen para el elepé Silk Electric. No obstante, el retrato con los hombros al descubierto volvió a toparse con la censura en las ediciones en casete de países como Egipto, donde las autoridades dibujaron prendas de vestir sobre la fotografía original.

La versatilidad de sus proyectos alcanzó tanto a músicos de proyección anglosajona como a formaciones internacionales y artistas españoles. Para la vocalista Kim Carnes compuso en 1982 la portada de Voyeur, inspirada en las líneas sombrías del expresionismo alemán y en la estética del filme Metrópolis. La firma de Warhol llegó asimismo a Japón de la mano de Rats & Star para su trabajo Soul Vacation de 1983, adaptando las fotografías de la banda a sus inconfundibles serigrafías. Ese mismo año, y gracias a la mediación de Bianca Jagger, retrató mediante instantáneas Polaroid a Miguel Bosé, concibiendo la imagen y el título de su disco Made in Spain.

La trayectoria de Warhol en la música concluyó poco antes de su fallecimiento con dos creaciones para mitos indiscutibles. En 1986 diseñó la portada del recopilatorio póstumo de John Lennon titulado Menlove Ave. a petición de Yoko Ono, adaptando su reconocible cromatismo al rostro del excomponente de The Beatles. Su último trabajo discográfico antes de morir fue la portada homónima de Aretha Franklin para su disco publicado en 1986, un vibrante retrato multicolor de la reina del soul que culminó más de tres décadas de comunión entre las artes plásticas y la música popular.

Ficciones inspiradas por Jeffrey Dahmer o Rosa Peral abren el debate acerca del límite ético entre el valor dramático y el morbo del dolor.

El auge del fenómeno del true crime continúa marcando la pauta en las plataformas de emisión en continuo, consolidándose como uno de los formatos de mayor impacto y seguimiento entre los espectadores. En los micrófonos de esRadio, el equipo repasa el indiscutible tirón de estas producciones centradas en crímenes reales, aprovechando el anuncio de proyectos futuros como la ficción inspirada en Daniel Sancho para analizar una cuidada selección de miniseries y series del catálogo de Netflix.

La primera de las producciones analizadas es Dahmer – Monstruo: La historia de Jeffrey Dahmer, estrenada en 2022 y protagonizada por Evan Peters. La trama recrea los brutales asesinatos de diecisiete jóvenes perpetrados por el conocido criminal entre 1978 y 1991 en Milwaukee, en el estado de Wisconsin. Más allá del relato escabroso, la obra profundiza en la soledad y la discriminación institucional que rodeó a las víctimas, conformando un perturbador retrato psicológico que la llevó a ser un éxito de audiencia absoluto.

El debate en torno a los límites éticos de este género cobra especial fuerza cuando se abordan tragedias muy cercanas en el tiempo. La recreación ficcionada suscita interrogantes constantes sobre la ética de dramatizar sucesos recientes, donde el dolor de las familias afectadas sigue latente y las heridas continúan abiertas. Los colaboradores reflexionan sobre la delgada línea que separa el legítimo interés cinematográfico del morbo, cuestionando el tratamiento de estos dramas de la crónica negra contemporánea.

En el ámbito nacional destaca El caso Asunta, miniserie de seis episodios producida por Bambú Producciones y lanzada en 2024. La trama reconstruye el asesinato de la menor de doce años Asunta Basterra, ocurrido en septiembre de 2013, sustentando su tensión dramática en las sobresalientes actuaciones de Candela Peña y Tristán Ulloa en los papeles de Rosario Porto y Alfonso Basterra. La producción recrea con detalle las comparecencias judiciales y los interrogatorios oficiales, retratando las contradicciones de los progenitores condenados.

Otra de las grandes ficciones españolas comentadas es El cuerpo en llamas, obra de 2023 ambientada en el crimen de la Guardia Urbana acontecido en mayo de 2017. Con Úrsula Corberó en el papel de Rosa Peral, la serie desentraña la investigación tras el hallazgo del cadáver calcinado del agente Pedro Rodríguez en el pantano de Foix. El relato explora el complejo triángulo amoroso existente entre los involucrados y las versiones cruzadas que mantuvieron los acusados a lo largo del proceso judicial.

En el panorama internacional sobresale también La serpiente, una prestigiosa coproducción de la BBC británica y Netflix ambientada en la década de los setenta. La miniserie sigue las andanzas del estafador y asesino en serie Charles Sobhraj, interpretado por Tahar Rahim, quien utilizaba el negocio de las gemas como tapadera en países asiáticos como Tailandia, Nepal e India. El hilo conductor se centra en la persecución diplomática y policial iniciada por un funcionario holandés para esclarecer la misteriosa desaparición de varios turistas occidentales.

Para concluir la selección, se repasa la miniserie Creedme, estrenada en 2019 y basada en una serie de investigaciones periodísticas galardonadas con el Premio Pulitzer. La historia se sitúa en 2008 para relatar el calvario de Marie, una joven que denuncia una agresión sexual en su domicilio y acaba retractándose debido a la desconfianza del entorno policial. La producción destaca por generar una honda empatía hacia la víctima mientras reivindica la perseverancia en la investigación de dos inspectoras que lograron desenmascarar al verdadero culpable.

Felipe Couselo rinde homenaje en esRadio a leyendas recientemente fallecidas como Robe Iniesta, Jimmy Cliff, Willie Colón o Steve Cropper.

En esta edición especial del programa Prohibido Contar Ovejas en esRadio, el presentador Felipe Couselo dedica un sentido monográfico musical a modo de homenaje anticipado al Día de Difuntos. A lo largo del espacio, se repasa la trayectoria de diversas figuras esenciales de la música popular internacional y española que han fallecido en el último año, reivindicando que su legado artístico permanece imborrable a través de sus canciones.

El recorrido se inicia con la emblemática voz de David Clayton-Thomas al frente de Blood, Sweat & Tears interpretando su clásico Spinning Wheel, recordando la partida del cantante canadiense a los 84 años. A continuación, el programa se adentra en el universo psicodélico de Grateful Dead con Sugar Magnolia, corte perteneciente a su legendario álbum American Beauty, para honrar la memoria del guitarrista Bob Weir y de la vocalista Donna Jean Godchaux, subrayando cómo la mítica formación californiana y su fiel legión de seguidores desafiaron las convenciones temporales de la industria.

El rock británico tiene su espacio de tributo con I Wanna Be Adored de The Stone Roses, pieza angular del movimiento Madchester. Couselo rememora con especial cariño al bajista Gary Mounfield –conocido popularmente como Mani–, fallecido a los 63 años por problemas respiratorios, destacando su carácter afable, su posterior paso por Primal Scream y la multitudinaria despedida que congregó a referentes como Liam Gallagher en la catedral de Mánchester.

La influencia universal de los ritmos jamaicanos llega con Jimmy Cliff y su célebre composición Many Rivers to Cross. El locutor ensalza la trascendencia del artista caribeño en la popularización del reggae a escala global desde principios de los años setenta, recordando su papel cinematográfico y musical en The Harder They Come, así como la vigencia de sus letras de superación y resistencia espiritual frente a la adversidad.

El programa continúa evocando el sonido sureño del sello Stax con el instrumental Green Onions de Booker T. & the M.G.'s, rindiendo tributo al guitarrista y productor Steve Cropper. Pieza capital del rhythm and blues y del rock estadounidense, Cropper dejó su impronta en obras maestras junto a leyendas de la talla de Otis Redding o Wilson Pickett, consolidándose como uno de los instrumentistas más admirados por contemporáneos como John Lennon y Paul McCartney.

El homenaje al panorama nacional se centra en la figura de Robe Iniesta a través de Buscando una luna, corte de apertura del celebrado disco Agila de Extremoduro. El espacio rememora el fenómeno contracultural que supuso la banda extremeña al conquistar a públicos masivos desde la más absoluta independencia, destacando la poesía desgarrada y la autenticidad que el músico plasmó tanto en el grupo como en su posterior carrera en solitario.

En el terreno del rock alternativo de principios de siglo, suena Here Without You de 3 Doors Down para recordar al vocalista Brad Arnold, quien perdió la vida a causa del cáncer a los 47 años. Couselo analiza el impacto comercial de su disco Away from the Sun y el significado emocional que esta balada adquirió para miles de familias y soldados durante los años de la guerra de Irak bajo la producción de Rick Parashar.

El broche final lo integran la salsa y los orígenes del pop clásico: primero con Willie Colón y la narración urbana de Pedro Navaja junto a Rubén Blades en el álbum Siembra, exaltando la genialidad instrumental y la visión social del trombonista neoyorquino; y finalmente con Neil Sedaka y su inolvidable Breaking Up Is Hard to Do, repasando su brillante trayectoria como compositor en el Brill Building y su posterior renacer en la década de los setenta.

Servimos un nuevo menú degustación con grandes títulos del cine siniestro y de culto, rescatando filmes como 'Halloween' o 'Línea Mortal'.

El equipo de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, capitaneado por Felipe Couselo, celebra la noche de difuntos con su tradicional entrega cinematográfica dedicada a Halloween. En esta ocasión, el espacio radiofónico cuenta una vez más con la participación estelar de Dani Palacios y Juanma González, responsables del pódcast Par-Impar, para confeccionar un completo y variado menú de cine de terror dividido en primeros platos, platos principales y postres, abarcando desde clásicos ochenteros y joyas de culto en blanco y negro hasta cintas contemporáneas y secuelas singulares.

Para abrir boca con los primeros platos, Felipe Coucelo propone la reivindicación de Witchboard (1986), dirigida por Kevin Tenney y protagonizada por Tawny Kitaen. La cinta explora el mundo del espiritismo y los peligros de la güija a través de un triángulo amoroso ochentero, destacando tanto la presencia de personajes icónicos como la inolvidable estética de videoclip que marcó la carrera de su actriz protagonista. Por su parte, Juanma González se decanta por Halloween 4: El Regreso de Michael Myers (1988), el título que devolvió a la franquicia su fórmula slasher clásica tras el experimento sin psicópata de la tercera entrega. La mesa analiza el excelente pulso de Dwight H. Little, el carisma infantil de Danielle Harris como Jamie Lloyd y el incombustible papel del doctor Sam Loomis interpretado por Donald Pleasence.

El primer plato de Dani Palacios viaja a finales de los noventa con The Faculty (1998), colaboración entre Robert Rodriguez y el guionista Kevin Williamson. Los tertulianos destacan cómo esta obra subvierte las reglas del terror adolescente fusionándolo con los tropos de la ciencia ficción paranoica de los años cincuenta al estilo de La Invasión de los Ladrones de Cuerpos. Con un reparto juvenil que incluía a Josh Hartnett y Elijah Wood, y adultos de la talla de Famke Janssen, Piper Laurie o Salma Hayek, el filme sobresale por su brillante banda sonora alternativa y su ácida metáfora sobre la alienación escolar.

En la tanda de los platos fuertes, Juanma González rescata El Carnaval de las Almas (1962), ópera prima y única película de ficción de Herk Harvey. Rodada con un presupuesto irrisorio procedente de material publicitario, la obra se consagra como un referente insoslayable del terror psicológico y espectral, cuya influencia directa reverbera en directores como David Lynch, George A. Romero o M. Night Shyamalan en El Sexto Sentido. La atmósfera enrarecida y la alienación de su protagonista, interpretada por Candace Hilligoss tras sufrir un accidente automovilístico, articulan una pesadilla en blanco y negro donde los límites entre la vida y la muerte se desdibujan.

Continuando con los platos principales, Dani Palacios selecciona Línea Mortal (1990), dirigida por Joel Schumacher y fotografiada por Jan de Bont. La trama sigue a un grupo de ambiciosos estudiantes de medicina liderados por Kiefer Sutherland, Julia Roberts y Kevin Bacon que buscan experimentar con paradas cardíacas inducidas para asomarse al más allá. El filme sobresale por plantear el regreso a la vida como una condena donde la culpa y los pecados del pasado se materializan físicamente para atormentar a sus protagonistas, combinando el melodrama moral con una estética visual exuberante.

El plato fuerte de Felipe Coucelo recae en Hellraiser (1987), el debut de Clive Barker adaptando su propia novela corta. Los contertulios se detienen en el impacto visual y conceptual de los cenobitas, criaturas consagradas a los límites sensoriales entre el placer y el dolor extremo bajo el liderazgo de Pinhead (Doug Bradley). La película supuso una auténtica revolución dentro de la corriente de la nueva carne y el sadomasoquismo, arropada por la majestuosa partitura sinfónica de Christopher Young y unos efectos prácticos que transformaron para siempre el imaginario del género fantástico.

En la recta final reservada a los postres, Dani Palacios elige Psicosis II (1983), secuela tardía dirigida por Richard Franklin con libreto de Tom Holland. El análisis ensalza el respeto reverencial hacia la obra maestra de Alfred Hitchcock y la brillantez con la que se aborda la rehabilitación de Norman Bates, donde un Anthony Perkins magistral es víctima de un entorno empeñado en empujarlo de nuevo hacia la demencia homicida. Seguidamente, Felipe Coucelo apuesta por la reciente e inquietante Caveat (2020), cinta irlandesa de Damian McCarthy que destaca por su claustrofobia y atmósfera opresiva, articulada en torno a sótanos cochambrosos, muñecos tenebrosos y una constante sensación de indefensión.

Para cerrar la velada, Juanma González escoge La Novia de Chucky (1998), dirigida por Ronny Yu y escrita por Don Mancini. La película revitalizó la saga del muñeco diabólico mediante un arriesgado viraje hacia la comedia negra autoconsciente y la parodia conyugal, potenciada por la carismática incorporación de Jennifer Tilly encarnando a Tiffany. Entre anécdotas sobre doblajes, bandas sonoras de culto y reflexiones sobre la evolución del género, los micrófonos de esRadio despiden un completo banquete fílmico diseñado para disfrutar durante la madrugada más terrorífica del año.

De la crisis de los 40 al duelo de Wyatt Earp en Tombstone: esRadio combina estrenos de cine, teatro en la Gran Vía y lo nuevo de Fontaines D.C.

Una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio arranca con la habitual tertulia distendida capitaneada por Felipe Couselo y su equipo de colaboradores, compuesto por Daniel Palacios, Alma Espinosa, Juanma González e Isaac Vizcaíno. Entre bromas sobre la edad, el salto generacional entre plataformas como Facebook y TikTok, y los tópicos de la crisis de los 40 –marcada hoy en día por maratones, bicicletas de alta gama o la elaboración de pan de masa madre–, el espacio radiofónico da paso a su habitual mezcla de novedades musicales, teatro, cine y dramatizaciones históricas.

En el apartado puramente musical, el programa comienza repasando el nuevo material discográfico de Eels, el proyecto encabezado por Mark Oliver Everett, destacando su capacidad para conjugar ironía y composiciones brillantes. A continuación, Daniel Palacios presenta a la banda californiana Death Valley Girls y su tema Basic Witch, una formación femenina apadrinada por Iggy Pop cuyo estilo ha evolucionado desde el punk de garaje hacia sonoridades psicodélicas con arreglos de teclado y coros, influenciada por los incendios forestales vividos en su región.

La sesión musical prosigue con The Interrupters y su canción Warrior Spirit, un avance de sonido ska-punk y claras reminiscencias de la new wave que cuenta con destacadas colaboraciones del entorno del punk estadounidense, como Travis Barker a la batería, Jesse Michaels y Brett Gurewitz. Como contrapunto de distorsión más pesada, suena la formación de metal Trivium con In the Court of the Dragon, un trabajo que toma como referencias explícitas la atmósfera de las películas de terror japonés y el clásico Trono de sangre de Akira Kurosawa, buscando el impacto de los grandes álbumes de los años noventa.

Por su parte, Isaac Vizcaíno aporta su selección de novedades independientes, destacando el tema de Fontaines D.C. con una inédita colaboración vocal de Rosalía íntegramente en inglés, calificada en la mesa como una sobresaliente balada post-punk. Completan esta sección la cantautora neoyorquina Lily Konigsberg con su sencillo Sweat Cold y la propuesta electrónica y jazzística del productor japonés afincado en Nueva York Takuya Nakamura junto a Greentea Peng.

En la cartelera teatral, Alma Espinosa recomienda Six: The Musical, una exitosa producción que llega al Teatro Gran Vía de Madrid tras triunfar en Broadway y el West End. La obra plantea una original comedia musical pop en la que las seis esposas de Enrique VIII relatan sus vivencias a modo de concierto, encarnando a grandes divas contemporáneas como Beyoncé, Adele, Rihanna o Avril Lavigne para reivindicar su papel histórico desde el humor y un potente despliegue vocal.

En la sección cinematográfica, Juanma González desgrana los estrenos semanales, comenzando por Whalefall, un thriller dramático protagonizado por Austin Abrams y Josh Brolin que narra la claustrofóbica odisea de un buzo atrapado en el interior de un cachalote mientras explora su conflictiva relación paternofilial. Asimismo, analiza la adaptación en acción real de Street Fighter, cargada de guiños retro y pasajes animados para los seguidores del videojuego clásico, y concluye con La invitación, remake estadounidense de la comedia española de Cesc Gay centrado en una peculiar reunión de vecinos y parejas.

Para finalizar la emisión, Alicia Parente dinamiza el Vodevil Ovejil transportando a los oyentes hasta Tombstone (Arizona) en 1881 para recrear el célebre tiroteo en el O.K. Corral. A través de la mítica balada de Johnny Cash inspirada en el cementerio de Boot Hill, el equipo recrea la tensa disputa entre los agentes de la ley Wyatt, Virgil y Morgan Earp, apoyados por Doc Holliday, frente a la banda de forajidos liderada por los hermanos Clanton y McLaury, un enfrentamiento que resolvió viejas rencillas en apenas treinta segundos y marcó la leyenda del Lejano Oeste.

Treinta segundos y treinta disparos marcaron en 1881 el choque de Tombstone entre los Earp y el clan Clanton.

En la sección dedicada a la recreación teatral y sonora dentro de esRadio, el equipo de Prohibido Contar Ovejas, encabezado por Felipe Couselo y con la participación de Alicia Parente, Dani Palacios y Juanma González, aborda la historia real que inspiró la conocida composición The Ballad of Boot Hill, popularizada por Johnny Cash. A través de una dramatización radiofónica, el espacio rememora los hechos previos y el desarrollo del legendario tiroteo en el O.K. Corral, uno de los hitos más emblemáticos de la crónica estadounidense.

La trama se sitúa en 1881 en la localidad minera de Tombstone, en el territorio de Arizona. Apenas tres años después de que se descubriese un importante yacimiento de plata, la población se había disparado de apenas un centenar de personas a más de siete mil vecinos, contando con salones, teatros, bancos y una intensa actividad mercantil. No obstante, por su cercanía con la frontera de México, la población se convirtió al mismo tiempo en punto de encuentro de cuatreros y fugitivos, desatándose una creciente rivalidad con los representantes de la ley.

La disputa principal enfrentaba a los hermanos Earp —Virgil, quien ejercía de comisario, Wyatt y Morgan—, asistidos por el jugador y pistolero Doc Holliday, con una facción de vaqueros forajidos entre los que estaban Ike y Billy Clanton, Tom y Frank McLaury, y Billy Claiborne. La desconfianza mutua por robos de ganado y asaltos a diligencias se agravó debido a la conducta del sheriff del condado, Johnny Behan, y a la entrada en vigor de una ordenanza municipal que prohibía portar armas dentro de los límites de la villa, una disposición desafiada de continuo por los delincuentes.

El punto de inflexión tuvo lugar la noche del 25 de octubre en el salón Alhambra, donde un altercado entre Ike Clanton y Doc Holliday obligó a intervenir a las autoridades para evitar el derramamiento de sangre. Tras proferir amenazas de venganza, la mañana del 26 de octubre de 1881 Clanton volvió a dejarse ver armado por el pueblo; aunque fue arrestado y obligado a pagar una sanción económica, a las pocas horas regresó respaldado por los suyos con intención manifiesta de plantar cara a los comisarios.

El fatal encuentro ocurrió finalmente en las inmediaciones del estudio fotográfico de Fly, en las proximidades del O.K. Corral. Tras el requerimiento formal de Virgil Earp para que se desarmaran, los vaqueros hicieron el gesto de empuñar sus revólveres. En un lapso de treinta segundos y treinta disparos, cayeron muertos en el acto Billy Clanton y los hermanos Tom y Frank McLaury, mientras que Holliday, Morgan y Virgil resultaron heridos, Wyatt Earp salió indemne e Ike Clanton huyó del lugar alegando encontrarse desarmado.

Los pistoleros fallecidos fueron enterrados en el conocido cementerio de Boot Hill, bautizado así por acoger a quienes perecían de forma violenta con las botas puestas. Entre bromas sobre las interpretaciones del reparto y la ambientación del wéstern, los locutores de esRadio concluyen repasando cómo este choque armado forjó la leyenda del viejo Oeste e inauguró un prolongado reguero de represalias y emboscadas posteriores.

De los experimentos en el rap de deportistas a joyas del cine que mezclan humor y miedo: esRadio analiza una noche de música singular y celuloide.

Una nueva entrega del espacio nocturno Prohibido Contar Ovejas en esRadio, capitaneado por Felipe Couselo y con la participación habitual de Dani Palacios, Juanma González y el equipo del programa, arrancó entre anécdotas de grabaciones recientes, guiños al programa de cine De Par en Par y reflexiones sobre el rock and roll clásico de los años setenta, personificado en la mítica banda Kiss y su legendario disco en directo Alive!.

El núcleo de la primera parte del espacio estuvo marcado por la sección musical dedicada a repasar a personajes que, sin pertenecer originalmente a la cultura del hip-hop, hicieron incursiones en el género. Se debatió ampliamente el concepto de raperos advenedizos o toyacos, analizando piezas que van desde Marky Mark —el actor Mark Wahlberg en su faceta musical noventera— hasta una sorprendente Natalie Portman en sus colaboraciones paródicas con The Lonely Island para Saturday Night Live.

El repaso continuó con figuras del deporte profesional que probaron suerte tras el micrófono, destacando a iconos de la lucha libre y el baloncesto como John Cena y Shaquille O'Neal, este último valorado positivamente por su contundencia y autenticidad en la escena de la Costa Este. En contraste, se valoraron como experimentos fallidos o impostados los intentos de leyendas de las canchas como Kobe Bryant o el base francés Tony Parker.

La revisión cruzó fronteras hacia el punk y el rock con grabaciones singulares como la colaboración entre John Lydon y Afrika Bambaataa, el tropiezo como rapero de Dee Dee Ramone bajo el alias Dee Dee King o el sonido precursor de The Clash en piezas emblemáticas. En el ámbito español, los tertulianos no pasaron por alto las peculiares aproximaciones al género de cantautores consagrados como Pedro Guerra o la sátira de Joaquín Sabina en canciones de corte experimental.

La segunda mitad del programa dio paso al análisis cinematográfico de Dani Palacios sobre la delgada línea entre la comedia y el terror. A través del análisis de tráileres y escenas de títulos esenciales, los colaboradores debatieron si pesaba más el humor macabro o la atmósfera terrorífica en clásicos como El Baile de los Vampiros de Roman Polanski, Un Hombre Lobo Americano en Londres de John Landis o la recordada Gremlins de Joe Dante.

El recorrido por el cine fantástico culminó examinando obras de culto de los ochenta y noventa como Re-Animator, El Día de la Bestia de Álex de la Iglesia, Noche de Miedo y Creepshow de George A. Romero. El debate concluyó señalando cómo los efectos especiales analógicos y los guiones gamberros lograron un equilibrio irrepetible entre el espanto y la carcajada, despidiendo la emisión al ritmo electrizante de Kiss.

Un repaso a cintas míticas como 'El baile de los vampiros' para dilucidar cómo el humor y los sustos conviven sin restar dramatismo a la trama.

El espacio radiofónico dedica su entrega a analizar la delgada línea que separa el cine cómico del aterrador mediante una selección de títulos clásicos del género, planteando el dilema de si deben considerarse comedias de terror o películas de terror con comedia. El debate examina la intención original de los directores, el equilibrio de tonos en el guion y el modo en que el público percibe el miedo y el humor cuando conviven dentro del mismo metraje cinematográfico.

La conversación da inicio analizando El baile de los vampiros, la célebre cinta de Roman Polanski en la que el cineasta interpreta a uno de los protagonistas que se adentra en el castillo de un vampiro. Los tertulianos destacan cómo la trama arranca bajo las convenciones de una farsa ligera, pero evoluciona hacia una atmósfera tétrica, sucia y opresiva donde el horror se impone al humor, especialmente en secuencias tan inquietantes como el rapto de la joven en la posada o el baile final.

El siguiente título abordado es Un hombre lobo americano en Londres, obra cumbre dirigida por John Landis. Se resalta la habilidad de la película para presentar a dos mochileros simpáticos en escenas de tono jovial que rápidamente se tornan en una pesadilla implacable en los páramos. Los contertulios coinciden en que se trata indiscutiblemente de una película de horror en la que el elemento cómico —presente en diálogos agudos o situaciones surrealistas en un cine para adultos— potencia la tragedia y el dramatismo de la transformación del protagonista.

El análisis prosigue con Gremlins, el éxito de 1984 dirigido por Joe Dante. El equipo reflexiona sobre la naturaleza del terror familiar ochentero y recuerda que el metraje original tuvo que suavizarse debido a la crudeza de algunas muertes. La presencia del adorable Gizmo y el tono lúdico no anulan la brutalidad y el suspense de escenas clave como el enfrentamiento en la cocina o el desenlace en el centro comercial, que consolidan a la obra como un referente del terror con trasfondo cómico y gamberro.

Asimismo, los colaboradores repasan El regreso de los muertos vivientes, realizada por Dan O'Bannon en 1985. Aunque incluye chistes memorables y elementos paródicos, como zombis articulados que solicitan más patrullas por la radio policial, se subraya el carácter genuinamente siniestro de los cadáveres reanimados, los efectos visuales prácticos y su desenlace profundamente nihilista, muy en sintonía con las obras más crudas del subgénero.

En el apartado de adaptaciones literarias se examina Re-Animator, dirigida por Stuart Gordon y basada en el relato de H.P. Lovecraft. Los comentaristas debaten sobre el humor negro desbocado de la cinta, marcado por la obsesión del doctor Herbert West y situaciones grotescas que bordean la incorrección política absoluta, conviviendo con altas dosis de sangre, mutilaciones y horror corporal explícito.

El cine español tiene un lugar destacado con El día de la bestia, la aclamada producción de Álex de la Iglesia protagonizada por Álex Angulo, Armando De Razza y Santiago Segura. Catalogada en su estreno como una comedia de acción satánica, el debate concluye que, pese al costumbrismo castizo y sus desternillantes diálogos callejeros, la película mantiene una atmósfera apocalíptica angustiosa y secuencias turbias que la consolidan como una obra maestra multidisciplinar.

El recorrido se completa con títulos como Arrástrame al infierno de Sam Raimi, El terror llama a su puerta de Fred Dekker, Noche de miedo de Tom Holland y la antología Creepshow de George A. Romero. Sobre todas ellas se concluye que el mejor cine de género utiliza la comedia como una herramienta de distensión que, lejos de rebajar el miedo, intensifica el impacto del terror en el espectador.