En esta sesión concluimos la serie de cuatro programas dedicados al pianista y compositor Chick Corea. En los tres programas anteriores recorrimos las distintas etapas de su carrera desde sus comienzos en el jazz afro-caribeño, la revolución de la fusión, sus grandes grupos, los tría y su permanente capacidad de reinventarse.

CHICK COREA “CHANGE” - Los Angeles, 1999 - Armando’s tango, Early afternoon blues - Steve Davis (tb) Steve Wilson (sop,as,fl,cl) Bob Sheppard (ts,b-cl,fl) Chick Corea (p,marimba) Avishai Cohen (b) Jeff Ballard (d)

Al disolver la “Elektric Band”, Chick Corea volvió a orientar su atención hacia el jazz acústico. Mientras buscaba artistas para su recién creado sello Stretch Records, descubrió al notable joven contrabajista israelí Avishai Cohen y la extraordinaria química existente entre los músicos de su grupo, lo que lo llevó a Corea a formar el sexteto Origin.

Con una formación de jazz acústico y una delantera de tres instrumentos de viento, el grupo presentó inicialmente su música durante una residencia de una semana en 1998 en el club Blue Note en Nueva York. Al año siguiente, el álbum “Change” demostró cuán rápidamente había evolucionado la banda. Con Steve Wilson y Bob Sheppard en saxofones y flautas, Steve Davis en trombón, Avishai Cohen en contrabajo y Jeff Ballard reemplazando a Adam Cruz en batería, el álbum realizado en el estudio de living de la casa de Chick en Los Angeles reveló un conjunto más cohesionado y seguro de sí mismo, sin perder el espíritu aventurero que había caracterizado sus actuaciones en vivo.

El proyecto proporcionó un año extraordinario para Corea. En la encuesta anual de críticos de “DownBeat” de 1999, “Origin” fue elegido Grupo Acústico del Año, la colección grabada en el Blue Note recibió el premio al Álbum de Jazz del Año, y Chick Corea fue distinguido como Artista de Jazz del Año.

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CHICK COREA FURTHER EXPLORATIONS - Live “The Blue Note”, New York, May 4-17, 2010 - Armando’s tango, Little Flamenco - Chick Corea With Eddie Gomez & Paul Motian : Chick Corea (p) Eddie Gomez (b) Paul Motian (d)

Further Explorations, con Chick Corea en piano, Eddie Gomez en contrabajo y Paul Motian en batería, fue grabado en el Blue Note de Nueva York en mayo de 2010.

Bill Evans fue uno de los pianistas más influyentes en la historia del jazz. Después de Kind of Blue, formó un legendario trío junto al baterista Paul Motian. Años más tarde, el contrabajista Eddie Gomez se convertiría en uno de sus colaboradores más importantes. Décadas después, ambos volverían a reunirse con Chick Corea en Further Explorations.

Más que registrar un simple homenaje, Corea quiso dialogar con el legado de Evans junto a dos de los músicos que mejor conocían ese universo musical.

El repertorio de Evans sirve aquí como punto de partida para nuevas interpretaciones, junto a composiciones de los propios integrantes del trío y una obra inédita de Evans, la hermosa “Song No. 1”, descubierta poco antes de esta grabación.

El resultado es una interpretación inspirada: un trío que parece comunicarse por intuición, combinando una interacción casi telepática con una notable imaginación y una profunda sensibilidad musical.

CHICK COREA / GARY BURTON HOT HOUSE - New York, Ca. 2011 - Eleanor Rigby, Time remembered - Gary Burton (vib) Chick Corea (p) Ilmar Gavilan, Melissa White (vln-1) Juan Miguel Hernandez (viola-1) Paul Wiancko (cello-1)

Hot House, la séptima grabación del dúo integrado por Chick Corea y el vibrafonista Gary Burton, fue registrada en 2012 y representa uno de los momentos culminantes de una colaboración iniciada cuatro décadas antes con el célebre Crystal Silence, que escuchamos la semana pasada en esta serie. A esas alturas, ambos músicos habían desarrollado un lenguaje compartido de extraordinaria naturalidad, en el que la improvisación fluye con la misma espontaneidad que una conversación entre viejos amigos.

En lugar de recurrir a los temas más conocidos del repertorio del jazz, Corea y Burton escogieron composiciones menos obvias de algunos de sus autores favoritos, entre ellos Art Tatum, Tadd Dameron y Thelonious Monk, junto a una refinada versión de “Eleanor Rigby” de Lennon y McCartney. Más que reinterpretar estas obras, el dúo las utiliza como punto de partida para explorar nuevas posibilidades melódicas y armónicas.

El resultado es una grabación de gran elegancia y sutileza, donde el piano y el vibráfono dialogan con absoluta libertad, confirmando por qué Corea y Burton fueron una de las asociaciones más originales y perdurables del jazz moderno.

CHICK COREA TRILOGY 3 - Live, various locations, 2020 - Trinkle tinkle, Scarlatti: Sonata in D minor K9, L413 allegro - Chick Corea (p) Christian McBride (b) Brian Blade (d)

En la tradición de destacar en formato acústico la sección rítmica de una banda numerosa, como su Five Peace Band, Corea juntó al contrabajista Christian McBride y al baterista Brian Blade para formar un extraordinario trío de piano para registrar Trilogy, una ambiciosa grabación en vivo de tres discos que combina estándares del jazz con composiciones del propio Corea.

Cinco años más tarde, el mismo trío volvió a tocar. Las actuaciones registradas durante su gira de febrero y marzo de 2020, interrumpida por la pandemia, dieron origen a Trilogy 3, el último documento en vivo publicado de Chick Corea. El repertorio reúne estándares, nuevas versiones de sus propias composiciones y la primera interpretación de su clásico “Windows” por esta formación.

Más que un epílogo, Trilogy 3 constituye un testimonio del extraordinario nivel artístico que Corea mantuvo hasta el final de su vida: un músico que nunca dejó de escuchar, dialogar y reinventarse.

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Cuando Chick Corea falleció el 9 de febrero de 2021, el jazz perdió a una de sus figuras más influyentes. A lo largo de más de seis décadas, Corea fue mucho más que un extraordinario pianista. Fue un compositor imaginativo, un improvisador excepcional y un explorador incansable que nunca dejó de buscar nuevos caminos. Desde el jazz acústico hasta la fusión, desde la música afro-latina hasta la tradición clásica, desarrolló un lenguaje profundamente personal, siempre abierto al diálogo y a la experimentación.

Su música continúa viva en sus grabaciones, en el repertorio de innumerables intérpretes y en las nuevas generaciones de músicos que siguen encontrando inspiración en sus ideas.

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RALPH ALESSI SUN THAT NEVER SETS - Mt. Vernon, NY, February, 2025 - Behind clouds, Duck face, Duck face - Ralph Alessi (tp) Joseph Alessi (tb) Matt Mitchell (p) John Hebert (b) Ches Smith (d,vib)

Ralph Alessi se ha consolidado como una de las voces más personales de la trompeta contemporánea. Su música combina una escritura de gran refinamiento con amplios espacios para la improvisación, siempre en un delicado equilibrio entre estructura y libertad.

En “For A Sun That Never Sets”, Alessi amplía el formato de cuarteto que había cultivado en sus últimos trabajos e incorpora un quinto músico: su hermano, el destacado trombonista “”Joseph Alessi”“, cuya presencia añade un nuevo color tímbrico y un estimulante diálogo con la trompeta. El quinteto se completa con el pianista Matt Mitchell, el contrabajista John Hébert y Ches Smith, alternando batería y vibráfono.

Las once composiciones del álbum alternan pasajes de serena contemplación con estructuras angulares y rítmicamente complejas, ofreciendo a los músicos un terreno fértil para la exploración colectiva. La interacción entre las dos voces de metal, el enfoque armónico siempre impredecible de Mitchell y una sección rítmica flexible dan vida a una música exigente, pero de notable riqueza expresiva.

Como en sus mejores trabajos, Alessi privilegia la conversación entre los integrantes del grupo por encima del lucimiento individual, construyendo un álbum donde cada detalle parece cuidadosamente pensado, aunque conserve la espontaneidad y el riesgo propios del mejor jazz contemporáneo.

JAMES “BLOOD” ULMER ARE YOU GLAD TO BE IN AMERICA ? - New York, January 17, 1980 - Layout, Pressure, Jazz is the teacher (Funk is the preacher) (rs out,1), Seethrough, Revelation march - Olu Dara (tp) Oliver Lake (as) David Murray (ts) James “Blood” Ulmer (el-g,vcl) William “Spaceman” Patterson (el-g-1) Amin Ali (el-b) Ronald Shannon Jackson (d) and/or Grant Calvin Weston (d)

El reciente fallecimiento del guitarrista, cantante y compositor James “Blood” Ulmer, a los 86 años, marca la desaparición de una de las figuras más originales del jazz de las últimas cinco décadas. Tras iniciarse en el circuito del rhythm & blues y el doowop, Ulmer encontró su verdadera voz a comienzos de los años setenta cuando se trasladó a Nueva York y comenzó a colaborar con Ornette Coleman. La teoría “harmolódica” de Coleman le abrió un camino que Ulmer llevó aún más lejos, desarrollando un estilo inconfundible que fusionó jazz de vanguardia, blues, funk y rock, siempre con una intensidad expresiva poco común.

Grabado en 1980, “Are You Glad to Be in America?” es una de las obras fundamentales de esa etapa creativa. Sobre ritmos de funk incisivos, guitarras de sonido áspero y líneas melódicas que desafían cualquier convencionalismo, Ulmer construye una música de enorme energía que refleja, al mismo tiempo, una mirada crítica sobre la realidad estadounidense. Cuarenta y cinco años después de su aparición, el álbum conserva intacta su fuerza innovadora y sigue siendo una referencia obligada para comprender cómo el blues, el jazz y la improvisación libre pueden convivir en un lenguaje completamente personal.

ELLERY ESKELIN VANISHING POINT - New York, December 16, 2000 Scatter brain, Horizon blue, Still life Ellery Eskelin (ts) Matt Moran (vib) Mat Maneri (viola) Erik Friedlander (cello) Mark Dresser (b)

A lo largo de su carrera, el saxofonista Ellery Eskelin ha transitado con naturalidad entre la improvisación libre y la composición contemporánea. En “Vanishing Point” decidió dar un paso poco habitual: reunir un ensamble sin batería, dominado por cuerdas, y entrar al estudio sin partituras ni planes previos, confiando en la capacidad de escucha de sus músicos para construir la música en el momento.

El resultado es sorprendente. Lejos de sonar disperso, el quinteto desarrolla un lenguaje de gran cohesión, donde el saxo tenor de Eskelin dialoga permanentemente con el violín de Mat Maneri, el violonchelo de Erik Friedlander, el contrabajo de Mark Dresser y el vibráfono de Matt Moran. Más que acompañar, las cuerdas prolongan, comentan y transforman las líneas del saxofón, creando una textura camerística de gran riqueza.

Las composiciones avanzan con un pulso flexible y una atmósfera introspectiva, a ratos cercana al cine negro, donde el silencio tiene tanto peso como las notas. “Vanishing Point” demuestra que la improvisación no necesita renunciar a la forma para conservar toda su libertad. Es un álbum de gran sutileza, que invita a una escucha atenta y revela nuevos matices en cada regreso.

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DAVID AMBROSIO CIVIL DISOBEDIENCE - Blue Frog Studios New York February 2, 2025 - For Duke P., Irina - Donny McCaslin (saxos), Ingrid Jensen (t) Bruce Barth (p) David Ambrosio (b) Victor Lewis (dr)

El contrabajista David Ambrosio ha sido una presencia constante en la escena neoyorquina durante más de tres décadas, acompañando a músicos como Joe Lovano, Kenny Werner y Donny McCaslin. En Civil Disobedience, su primer álbum como líder, reunió un quinteto integrado por Donny McCaslin, Ingrid Jensen, Bruce Barth y Victor Lewis para rescatar cinco composiciones poco frecuentadas del catálogo de Blue Note de fines de los años sesenta.

En lugar de recurrir a standards o a composiciones propias, Ambrosio vuelve la mirada hacia obras de Bobby Hutcherson, Joe Chambers, James Spaulding y Harold Land, escritas en una época marcada por los movimientos por los derechos civiles en Estados Unidos. El resultado no es un ejercicio de nostalgia, sino una re-interpretación vigorosa y contemporánea. Con un quinteto de primer nivel, el disco combina el impulso del hard bop, el lirismo modal y amplios espacios para la improvisación colectiva, demostrando que estas páginas, medio siglo después de haber sido escritas, mantienen intacta su fuerza musical y su capacidad de comunicación.

DANIEL MIRANDA LA ESPERANZA” - Lanzamiento julio 2026 Thelonious, Lugar de Jazz, en Santiago. - Lejanía, Limítrofe, No sé si pueda - Daniel Miranda (g) Milton Russell (b) y Juan Pablo Jaramillo (bat).

El guitarrista, compositor y docente chileno “”Daniel Miranda”“, oriundo de Vicuña, se ha convertido en una de las voces más interesantes de la nueva generación del jazz chileno. Formado en Projazz y en la Universidad de La Serena, donde impulsó la primera cátedra de guitarra eléctrica, ha desarrollado una carrera que combina el jazz contemporáneo con influencias de la música popular.

Como líder ha publicado “Viaje Interior” (2018), “Fragmentos de un imaginario” (2024) y ahora “La esperanza” (2026), su tercer álbum, presentado recientemente en Thelonious, Lugar de Jazz, en Santiago. En esta ocasión encabeza un nuevo trío junto al contrabajista “”Milton Russell”“ y el baterista “”Juan Pablo Jaramillo”“, una formación que privilegia el diálogo, el espacio y la interacción, desarrollando un lenguaje donde la solidez del jazz moderno convive con melodías claras y una sensibilidad cercana a la canción.

Me parece especialmente acertado cerrar con la idea del “”diálogo y la interacción”“, porque describe bien el formato de trío sin recurrir a expresiones muy usadas como “complicidad” o “conversación musical”. Además enlaza naturalmente con la música que el oyente escuchará.

PERRY ROBINSON QUARTET FUNK DUMPLING - Newark, N.J., 1962 - Sprites delight, Wahayla, armer Alfalfa - Perry Robinson (cl) Kenny Barron (p) Henry Grimes (b) Paul Motian (d)

A comienzos de los años sesenta, cuando la clarineta parecía haber perdido protagonismo en el jazz moderno, Perry Robinson abrió un camino completamente distinto. Formado en Nueva York e influido inicialmente por Buddy DeFranco y Tony Scott, muy pronto incorporó las ideas de Ornette Coleman y Don Cherry, convirtiéndose en uno de los primeros clarinetistas en explorar con decisión el lenguaje del free jazz.

Su álbum Funk Dumpling, grabado para Savoy en 1962, es considerado una obra pionera en la historia de la clarinete moderno. Acompañado por un joven Kenny Barron al piano, Henry Grimes en contrabajo y Paul Motian en batería, Robinson reunió la libertad melódica de Coleman, la intensidad expresiva de Coltrane y una sensibilidad propia para demostrar que la clarineta podía ocupar un lugar central en el jazz de vanguardia. Más de seis décadas después, el disco conserva intacta su frescura y su carácter visionario.

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STEVE SWALLOW WINTER SONGS - New York, September, 2024 - Three, Four, Seven, Eight - Mike Rodriguez (tp) Chris Cheek (ts) Gil Golstein (p) Steve Cardenas (g) Steve Swallow (b) Adam Nussbaum (d)

Con 85 años, Steve Swallow conserva intacta la elegancia que ha distinguido su trayectoria como contrabajista eléctrico, compositor y acompañante. Su lenguaje, refinado y discreto, se formó en experiencias decisivas junto a Jimmy Giuffre, George Russell y Gary Burton, y alcanzó una de sus expresiones más personales en la larga asociación artística y vital con Carla Bley.

“Winter Songs”, su primer disco como líder en una década, no busca abrir nuevos territorios, sino volver sobre un mundo musical que Swallow conoce profundamente. El álbum reúne nueve composiciones originales, identificadas solamente por números, interpretadas por un sexteto de músicos particularmente afines a su sensibilidad: Chris Cheek en saxo tenor, Mike Rodriguez en trompeta, Gil Goldstein al piano, Steve Cardenas en guitarra y Adam Nussbaum en batería.

La música avanza con calma, claridad melódica y una economía expresiva. En la balada “Three”, , la guitarra de Cardenas enriquece sutilmente la armonía. “Four”, en cambio, tiene un aire ligeramente bohemio, sostenido por un swing elegante. Cheek improvisa antes de reunirse con Rodriguez al unísono seguidos por el solo de Goldstein. Un disco meditativo, sereno y profundamente fiel al universo de Steve Swallow, en breve, un álbum ECM.

HAROLD MABERN WAILIN’ - New York, June 30, 1969 - Strozier’s mode, Blues for Phineas, A time for love (1) - Virgil Jones (tp,flhrn-1) George Coleman (ts) Harold Mabern (p,el-p-2) Buster Williams (b) Leo Morris (d) [aka Idris Muhammad (d)

Harold Mabern fue uno de los grandes pianistas del hard bop. Nacido en Memphis en 1936, comenzó como baterista antes de descubrir el piano. Ya en su adolescencia tocaba junto a otros jóvenes talentos de la ciudad, entre ellos George Coleman, Charles Lloyd y Booker Little. Luego de un período de formación en Chicago, se estableció en Nueva York en 1959, donde muy pronto pasó a integrar el intenso ambiente del jazz de la época, participando en grabaciones con Jimmy Forrest, Johnny Griffin, Freddie Hubbard, Lee Morgan, Jackie McLean, Hank Mobley y Wes Montgomery, entre muchos otros.

Aunque fue un acompañante muy solicitado, también dejó una valiosa discografía como líder. “Wailin’”, grabado para Prestige, pertenece a esa primera etapa y lo muestra al frente de un sólido quinteto integrado por el trompetista Virgil Jones, el saxofonista tenor George Coleman, el contrabajista Buster Williams y el baterista Idris Muhammad. Mabern combina una técnica depurada con un fraseo lleno de imaginación, mientras que Coleman y Jones aportan una delantera de gran fuerza expresiva.

PEPPER ADAMS & JIMMY KNEPPER - The Pepper-Knepper Quintet - New York, March 25, 1958 - Minor catastrophe, Riverside Drive, Primrose path - Jimmy Knepper (tb) Pepper Adams (bar,p-1) Wynton Kelly (p,p & org-1) Doug Watkins (b) Elvin Jones (d)

Pepper Adams / Jimmy Knepper The Pepper-Knepper Quintet - New York, March 25, 1958 Minor catastrophe, Riverside Drive, Primrose path Jimmy Knepper (tb) Pepper Adams (bar,p-1) Wynton Kelly (p,p & org-1) Doug Watkins (b) Elvin Jones (d)

Pocos saxofonistas barítonos dejaron una huella tan profunda en el hard bop como Pepper Adams. Dueño de un sonido poderoso y de una asombrosa agilidad, desarrolló un estilo dsitinguido por la energía cortante de sus improvisaciones. A lo largo de más de tres décadas fue un músico indispensable, tanto como líder como integrante de grupos de figuras como Charles Mingus, Thad Jones y Mel Lewis, además de acompañar a destacados cantantes de jazz y rhythm and blues.

Grabado en Nueva York el 25 de marzo de 1958, “The Pepper-Knepper Quintet” lo reúne con otro gran solista de la época, el trombonista Jimmy Knepper. La combinación del barítono vigoroso de Adams con el fraseo lírico y anguloso de Knepper produce un contraste especialmente atractivo, respaldado por una sección rítmica de lujo: Wynton Kelly al piano, Doug Watkins en contrabajo y un joven Elvin Jones en batería.

El repertorio incluye blues, standards y composiciones originales, ofreciendo amplio espacio para el diálogo entre los dos líderes. La solidez del quinteto, el impulso permanente de Jones y la creatividad de Adams convierten esta sesión en un estupendo ejemplo del hard bop de fines de los años cincuenta.

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¿Qué ocurrió cuando dos pequeños grupos nacidos el mismo año tomaron caminos completamente distintos?

El contrabajista y director de orquesta John Kirby y el pianista y cantante Nat King Cole partieron el año 1937 en plena época del Swing, uno buscó la precisión de un conjunto de cámara; el otro, la libertad de una conversación entre tres músicos. Dos caminos distintos que ampliaron las posibilidades del pequeño grupo de jazz y dejaron una huella profunda en la historia del swing.”

JOHN KIRBY “AND HIS ONYX CLUB BOYS - New York, October 28, 1938 - Pastel blue, Rehearsin’ for a nervous breakdown, Anitra’s dance, No Blues At All, Sweet Georgia Brown - Charlie Shavers (tp) Buster Bailey (cl) Russell Procope (as) Billy Kyle (p,arr) John Kirby (b) O’Neil Spencer (d)

A fines de los años treinta, mientras las grandes orquestas dominaban la era del swing, el contrabajista John Kirby creó uno de los pequeños conjuntos más originales de la época. Su sexteto, formado en Nueva York en 1938, proponía una música de notable precisión, elegancia y equilibrio, muy distinta del estilo exuberante de las big bands.

Después de algunos cambios iniciales de personal, el grupo encontró su identidad con el trompetista Charlie Shavers, el clarinetista Buster Bailey, el saxofonista Russell Procope, el pianista Billy Kyle y el baterista O’Neill Spencer. Sus arreglos, cuidadosamente elaborados, incorporaban recursos de la música de cámara sin perder el pulso del swing.

El principal solista era Charlie Shavers. Su extraordinario dominio técnico, la brillantez de su sonido y la facilidad para alcanzar el registro agudo lo convirtieron en uno de los trompetistas más admirados de su generación. Buena parte de la personalidad del sexteto descansó en su talento.

Lejos de buscar el impacto de las grandes orquestas, John Kirby apostó por la claridad, el detalle y la sutileza. El resultado fue un sonido inconfundible que abrió nuevas posibilidades para los pequeños conjuntos de jazz.

JOHN KIRBY “V-DISC” - New York, c. early November 1943 - Do you savvy ?, Tunisian trail, 9:20 special - Charlie Shavers (tp) Buster Bailey (cl) George Johnson (as) Clyde Hart (p) John Kirby (b) Bill Beason (d)

Cinco años después de las grabaciones que dieron fama al sexteto, esta sesión para V-Disc muestra a una formación parcialmente renovada. El estilo sigue siendo inconfundiblemente Kirby, aunque el sonido ya no es exactamente el mismo del grupo que revolucionó los pequeños conjuntos a fines de los años treinta.” Las V-Discs de 1943 tienen un enorme interés documental, pero representan a un John Kirby diferente. Para entonces ya no estaban dos figuras fundamentales del sonido clásico del sexteto: Billy Kyle, cuyo piano y arreglos eran decisivos, y Russell Procope, cuyo saxo alto contribuía de manera importante al color del grupo. En su lugar aparecen Clyde Hart y George Johnson, excelentes músicos, pero el equilibrio del conjunto había cambiado.

NAT KING COLE TRIO Hollywood, CA,

- November, 1938 - Blue Skies (trio vcl), Liza, Caravan (inst) - Nat King Cole (p,vcl) Oscar Moore (g,vcl) Wesley Prince (b,vcl)

- November - December 6, 1940 - Love is my alibi, Pogo stick bounce, Watcha’ know, Joe? - Nat King Cole (p,vcl) Oscar Moore (g,vcl) Wesley Prince (b,vcl)

En 1937, el pianista Nat King Cole formó un trío junto al guitarrista Oscar Moore y el contrabajista Wesley Prince. A diferencia del sexteto de John Kirby, el suyo era un conjunto construido sobre la espontaneidad, la conversación musical y el swing más natural.

Durante varios años el trío fue admirado principalmente por músicos y aficionados. Su reconocimiento masivo llegó recién en 1944 con Straighten Up and Fly Right, cuando Nat King Cole comenzó también a consolidarse como cantante. Sin embargo, mucho antes de alcanzar esa popularidad, Cole ya era considerado uno de los pianistas más originales de su generación. Influido inicialmente por Earl Hines y más tarde por Teddy Wilson, desarrolló un lenguaje armónico sorprendentemente moderno para la época. Esa búsqueda encontraba un complemento ideal en la guitarra eléctrica de Oscar Moore, cuya elegancia y creatividad hicieron del trío una de las formaciones más influyentes del jazz de pequeños grupos.

NAT KING COLE TRIO NBC Studios, Hollywood, CA, June & November, 1943 - Straighten up and fly right, F.S.T. [Fine, sweet & tasty]Got a penny, Let’s pretend - Nat King Cole (p,vcl) Oscar Moore (g) Johnny Miller (b)

En 1943 el contrabajista Wesley Prince fue reemplazado por Johnny Miller, aunque no alteró radicalmente la identidad del trío, sí produjo algunas diferencias perceptibles. Wesley Prince fue uno de los fundadores del trío. Además de tocar el contrabajo, aportaba armonías vocales. Su forma de tocar era sencilla, muy sólida rítmicamente y orientada a sostener el diálogo entre el piano de Cole y la guitarra de Oscar Moore.

Cuando Miller ingresó en 1943, el panorama era distinto. El éxito de “Straighten Up and Fly Right” convirtió a Nat King Cole en una figura nacional y el trío comenzó a orientarse cada vez más hacia un repertorio vocal.

La fama mundial como cantante terminó eclipsando, en parte, al extraordinario pianista que había detrás de la voz. Pero basta escuchar estas, sus primeras grabaciones, para descubrir a un músico que ayudó a anticipar muchas de las ideas armónicas que pocos años después serían características del bebop.

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A comienzos de los años setenta, Chick Corea ya era una de las figuras centrales del jazz contemporáneo. Tras sus experiencias con Miles Davis, Circle y los primeros años de Return to Forever, inició un período de extraordinaria diversidad creativa. Alternó el piano acústico y los teclados electrónicos, escribió algunas de sus composiciones más perdurables y formó conjuntos que ampliaron las posibilidades del jazz moderno sin perder de vista la tradición. El programa de hoy recorre esa etapa de madurez, desde el lirismo de Crystal Silence hasta el virtuosismo de la Elektric Band y el emotivo homenaje a Bud Powell, uno de los pianistas que más profundamente marcó su formación.

GARY BURTON/CHICK COREA CRYSTAL SILENCE, Oslo, Norway, November 6, 1972 - Crystal Silence - Gary Burton (vib) Chick Corea (p)

En noviembre de 1972, Chick Corea y el vibrafonista Gary Burton se reunieron en Oslo para grabar Crystal Silence, el primero de una serie de discos que daría origen a una de las asociaciones más duraderas del jazz moderno, con más de cuatro décadas de historia. Reunidos por el productor Manfred Eicher para el naciente sello ECM, ambos elevaron el formato del dúo a un nuevo nivel de refinamiento. Sin bajo ni batería, piano y vibráfono dialogan con una claridad casi camerística, apoyados en el espacio, el silencio y una profunda compenetración musical. El repertorio incluye varias composiciones de Corea que con el tiempo se convertirían en clásicos de su catálogo, en una grabación que marcó el inicio de una colaboración tan influyente como perdurable.

RETURN TO FOREVER ROMANTIC WARRIOR - Caribou Ranch, Colorado, February, 1976 - Romantic Warrior - Chick Corea (p,el-p,clavinet,synt,mar,perc) Al Di Meola (el-g,g,soprano-g,hand-bells,slide-whistle) Stanley Clarke (el-b,piccolo-b,b,bell-tree,hand-bells) Lenny White (d,tymp,cga,timb,hand-bells,snare-d,alarm-clock,cymbals)

En 1974, Chick Corea incorporó al guitarrista Al Di Meola, de apenas diecinueve años, para la nueva formación de Return to Forever. Con él, el grupo grabó tres álbumes fundamentales, culminando en Romantic Warrior, registrado en 1976. Fue el disco más exitoso de la banda y una de las obras emblemáticas de la fusión de los años setenta. Junto a Stanley Clarke en bajo y Lenny White en batería, el cuarteto alcanzó un notable equilibrio entre el virtuosismo individual y el trabajo de conjunto. Cada integrante aportó composiciones, dando forma a un repertorio variado pero sorprendentemente cohesionado. Más allá de su deslumbrante despliegue técnico, Romantic Warrior destaca por la solidez de sus ideas musicales y por la manera en que integra elementos del jazz, el rock y la música clásica en un lenguaje propio. Para muchos, representa el punto culminante de Return to Forever.

CHICK COREA FRIENDS - Burbank, CA, January, 1978 - Friends - Joe Farrell (ts,fl) Chick Corea (p,el-p) Eddie Gomez (b) Steve Gadd (d)

Tras varios años dedicados a la fusión, Chick Corea regresó en 1978 a un formato más cercano al jazz acústico con Friends, un álbum que obtuvo al año siguiente el premio Grammy a la mejor interpretación instrumental de jazz. Lo acompañan Joe Farrell en saxofón y flauta, Eddie Gómez en contrabajo y Steve Gadd en batería, cuatro músicos de amplia experiencia que privilegian la interacción y la improvisación por sobre los arreglos elaborados. Corea alterna el piano acústico y el Fender Rhodes en un repertorio que combina melodías de gran atractivo, ritmos de inspiración latina y un lenguaje moderno, siempre accesible y profundamente jazzístico. Friends confirma que, más allá de la fusión, Corea mantenía intacta su capacidad para crear música de gran lirismo y espontaneidad.

Grabado en 1981, Three Quartets reúne a Chick Corea con Michael Brecker en saxo tenor, Eddie Gómez en contrabajo y Steve Gadd en batería, un cuarteto de excepción al servicio de una de las obras más ambiciosas del pianista. Inspirado inicialmente en la idea de escribir para un cuarteto de cuerdas, Corea trasladó ese concepto al jazz, creando una suite en la que los cuatro músicos participan como interlocutores en igualdad de condiciones. Dedicada a Duke Ellington y John Coltrane, la obra combina una escritura cuidadosamente estructurada con amplios espacios para la improvisación. El resultado es una música de gran intensidad rítmica y riqueza armónica, que confirma a Corea como uno de los compositores más imaginativos del jazz contemporáneo.

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CHICK COREA ELEKTRIC BAND EYE OF THE BEHOLDER, Los Angeles, February 1988 - Eye Of The Beholder - Eric Marienthal (as) Chick Corea (keyboard) John Novello (synt-1) Frank Gambale (g) John Patitucci (b) Dave Weckl (d)

En 1986, Chick Corea presentó la Elektric Band, un grupo que revitalizó la fusión al incorporar las nuevas posibilidades de los sintetizadores digitales sin renunciar a la complejidad del jazz. La formación original reunía a Frank Gambale en guitarra, John Patitucci en bajo y Dave Weckl en batería, músicos que pronto se convertirían en referentes de una nueva generación. El álbum debut sorprendió por su precisión técnica, la riqueza de sus composiciones y el equilibrio entre improvisación y escritura. Aunque el sonido refleja la tecnología de su tiempo, la música conserva una vitalidad y una sofisticación que trascienden la década en que fue creada. Con la Elektric Band, Corea volvió a demostrar su permanente interés por explorar nuevos lenguajes sin perder su identidad musical.

CHICK COREA & FRIENDS REMEMBERING BUD POWELL - Los Angeles, 1997 - Bouncin’ With Bud - Wallace Roney (tp-1) Kenny Garrett (as-2) Joshua Redman (ts-3) Chick Corea (p) Christian McBride (b-4) Roy Haynes (d-5)

En 1997, Chick Corea reunió a un destacado grupo de músicos —Joshua Redman, Kenny Garrett, Wallace Roney, Christian McBride y Roy Haynes— para rendir homenaje a Bud Powell, uno de los pianistas que más influyó en su formación. En lugar de recrear el bebop de los años cuarenta, el grupo utiliza las composiciones de Powell como punto de partida para improvisaciones de lenguaje contemporáneo. Junto a clásicos como Bouncing with Bud, Tempus Fugit y Celia, el álbum recupera otras obras menos frecuentadas de su catálogo, revelando la riqueza y vigencia de su música. El resultado es un homenaje respetuoso, pero también creativo, que confirma cómo Chick Corea supo mantener un diálogo permanente entre la tradición y la innovación a lo largo de toda su carrera

El tercer programa especial dedicado a Chick Corea.

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JON IRABAGON FOCUS OUT - Brooklyn, NY, April 30, 2022 - Focus out, Evening star - Dave Ballou (tp) Jon Irabagon (sax) Donny McCaslin, Mark Shim (ts) Matt Mitchell (p) Miles Okazaki (g) Chris Lightcap (b) Dan Weiss (d) Kokayi (vcl)

Jon Irabagon se ha convertido en una de las voces más inquietas del jazz contemporáneo. Saxofonista y compositor nacido en Chicago, su música recoge la tradición experimental de esa ciudad, pero la combina con una amplia variedad de lenguajes y una permanente voluntad de explorar.

“Focus Out” es el tercer disco de un cuarteto formado en 2019, con Matt Mitchell en piano y Fender Rhodes, Chris Lightcap en bajo eléctrico y Dan Weiss en batería. Irabagon, que en los dos trabajos anteriores se concentró en el tenor y el soprano, toca aquí exclusivamente saxo alto.

Las composiciones surgieron durante un período en que Irabagon intentaba conciliar su carrera con las responsabilidades de la paternidad. Son piezas complejas y de gran energía, donde conviven el jazz de vanguardia, el funk y ocasionales ecos del gospel.

En varios temas el cuarteto se amplía con músicos como Dave Ballou, Miles Okazaki, Donny McCaslin y Mark Shim, además del vocalista Kokayi. “Evening Star”, con una nutrida sección de vientos, lleva la música hacia el “free funk”, mientras “Prayer (For Reomi)”, un delicado dúo de saxo y piano dedicado a la hija de Irabagon, ofrece un breve momento de calma.

JASON MORAN SHARDS - Brooklyn, NY, October 19 & 20, 2024 - Shard I, Shard II, And the pieces are falling - Jason Moran (p) Marcus Gilmore (d) BlankFor.ms (electronics,tape loops,processing)

La experimentación ha sido siempre parte del lenguaje del pianista Jason Moran. Ya a comienzos de siglo incorporaba a sus actuaciones grabaciones de voces —informes bursátiles o transmisiones deportivas— y comenzaba a improvisar sobre el ritmo de las palabras, hasta convertirlas en material musical.

Esa misma curiosidad impulsa “Shards”, su nuevo disco, junto al artista electrónico BlankFor.ms —Tyler Gilmore, antiguo alumno de Moran— y el baterista Marcus Gilmore. El trío combina instrumentos acústicos y electrónica, utilizando incluso fragmentos de lo que los músicos acaban de tocar, que son transformados y devueltos a la improvisación.

La colaboración comenzó con “Refract”, publicado en 2023, pero en “Shards” la integración es más natural y la música fluye con mayor libertad. La pieza que da título al álbum aparece en cinco versiones de caracteres muy distintos. En “Shard I”, piano y batería son gradualmente rodeados por loops y sonidos refractados; “Shard II”, en cambio, crea un paisaje austero, casi cinematográfico.

ADAM LANE 4 CORNERS - “Salão Brazil”, Coimbra, Portugal, June 1-3, 2006 - Alfama (for Georges Braque), Spin with the earth - Magnus Broo (tp) Ken Vandermark (bar,cl,b-cl) Adam Lane (b) Paal Nilssen-Love (d)

El contrabajista Adam Lane reunió en “4 Corners” a un cuarteto formidable: Ken Vandermark en saxofones y clarinete, Magnus Broo en trompeta y Paal Nilssen-Love en batería. Grabado en vivo durante un festival en Coimbra, Portugal.

La música se mueve en el terreno del “free bop”, pero sus raíces son amplias. Hay ecos del rhythm and blues, de Mingus y de Ornette Coleman, junto a una energía que por momentos se acerca al rock y al funk. Lane sostiene al grupo con un contrabajo poderoso, en ocasiones procesado electrónicamente, mientras Nilssen-Love impulsa la música con su habitual intensidad.

El diálogo entre Vandermark y Magnus Broo domina buena parte del primer plano. Las composiciones de Lane y Vandermark, conservan estructuras abiertas y amplios espacios para la improvisación, pero sin abandonar la melodía.

“4 Corners” no intenta recrear el jazz de los años sesenta aunque se nutre de él como punto de partida para una música contemporánea, directa y de enorme energía, típica de una actuación en vivo.

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JACKIE MCLEAN LET FREEDOM RING - Englewood Cliffs, NJ, March 19, 1962 - I’ll keep loving you, Rene - Jackie McLean (as) Walter Davis, Jr. (p) Herbie Lewis (b) Billy Higgins (d)

Jackie McLean comenzó a tocar el saxo alto a los quince años y su aprendizaje fue vertiginoso. Estudió con Bud Powell, tocó con Thelonious Monk y Charlie Parker y, antes de cumplir veinte años, ya trabajaba con Miles Davis en Birdland. Después vendrían Charles Mingus y los Jazz Messengers de Art Blakey, antes de consolidarse como una de las voces más personales y reconocibles del saxo alto.

En 1962, McLean grabó “Let Freedom Ring”, un disco decisivo en su carrera y también en la evolución de Blue Note. Sin abandonar las estructuras del hard bop, comenzaba a incorporar algunas de las libertades que proponía la nueva vanguardia, especialmente la música de Ornette Coleman. Pero McLean no intentaba imitar a nadie. Su sonido seguía siendo inconfundible: áspero, incisivo y cargado de tensión, llevado aquí hasta esos gritos agudos y penetrantes.

La importancia de “Let Freedom Ring” es que McLean demostró que era posible asimilar las ideas del jazz de vanguardia sin renunciar al lenguaje que había definido su música. Un puente entre el hard bop y el jazz moderno que comenzaba a transformar la década de los sesenta.

ALLISON/CARDENAS/NASH TRIOLOGICAL - Maggies Farm, PA, June 28 & 29, 2025 - Puddle jumper, Burnt toast & avocado, Milton, Ida’s spoons - Ted Nash (ts) Steve Cardenas (g) Ben Allison (b)

Los tríos sin batería tienen una larga historia en el jazz y, en las manos adecuadas y, en las manos adecuadas, no han perdido su capacidad de sorprender. Es el caso del trío formado por el contrabajista Ben Allison, el guitarrista Steve Cardenas y el saxofonista Ted Nash, tres músicos de amplia experiencia que llevan varios discos trabajando juntos.

En “Triological”, el trío abandona el repertorio de compositores ajenos, como en sus grabaciones anteriores y se concentra en música original de ellos. La ausencia de batería no significa falta de impulso rítmico: el movimiento surge de la interacción entre el contrabajo de Allison, la guitarra de Cardenas y los distintos instrumentos de viento de Nash.

Es difícil no recordar los históricos tríos de Jimmy Giuffre, especialmente el que formó con Jim Hall y Ralph Peña. Hay aquí una similar libertad para cambiar de dirección, dejar espacios y permitir que cada músico conserve su propia voz dentro del conjunto.

ROY HAYNES QUARTET CYMBALISM - Englewood Cliffs, NJ, September 10, 1963 - Modette, I’m getting sentimental over you, Go ‘n’ git it - Frank Strozier (as,fl) Ronnie Mathews (p) Larry Ridley (b) Roy Haynes (d)

A lo largo de una carrera que se extendió por más de siete décadas, Roy Haynes tocó con algunas de las grandes figuras del jazz, desde Charlie Parker y Lester Young hasta John Coltrane y Chick Corea. Pero sus grabaciones como líder permiten apreciar con mayor claridad una de las voces más originales de la batería moderna.

En 1963 grabó “Cymbalism” acompañado por Frank Strozier en saxo alto y flauta, Ronnie Mathews en piano y Larry Ridley en contrabajo. La sesión, registrada por Rudy Van Gelder, se mueve entre el hard bop y un lenguaje post-bop más abierto, con ocasionales elementos de soul jazz.

El título del disco juega, naturalmente, con la palabra “symbolism” y la extraordinaria manera en que Haynes utilizaba los platillos o Cymbals en Inglés. Roy nunca se limitó a marcar el tiempo: introducía acentos inesperados, desplazaba el pulso y empleaba los platillos casi como colores dentro de la música.

Strozier, Mathews y Ridley responden con la misma agilidad. “Cymbalism” es un excelente ejemplo de la elegancia rítmica de Roy Haynes y de esa capacidad suya para impulsar a un grupo sin dominarlo.

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THE PHOENIX TRIO TOMORROW IS TODAY - Ornithology, Brooklyn, NY, March 23 & 24, 2025 - The fencer, 1946 -Mark Turner (ts) Joe Martin (b) Marcus Gilmore (d)

The Phoenix Trio es un nuevo grupo integrado por el saxofonista tenor Mark Turner, el contrabajista Joe Martin y el baterista Marcus Gilmore. Su primer disco, Tomorrow Is Today, fue grabado en vivo en el club Ornithology de Brooklyn, en marzo del 2025.

Aunque el trío es nuevo, sus integrantes se conocen bien y han coincidido en distintos proyectos a lo largo de los años. Esa familiaridad se percibe en una música que fluye como una conversación. Los ensayos fueron mínimos y las discusiones se limitaron prácticamente a la forma y al desarrollo de las piezas.

La ausencia de piano deja amplios espacios y una gran libertad de movimiento. Muchos temas parten de breves motivos repetidos por Martin, que establecen el pulso mientras Gilmore agrega sutiles acentos rítmicos. Cuando entra Turner, con sus largas y ondulantes líneas melódicas, el contrabajo responde con contrapuntos, creando melodías paralelas. Gilmore completa ese diálogo con una batería extraordinariamente ligera. El resultado es un trío abierto, atento y profundamente interactivo.

TOMMY FLANAGAN TRIO THE TOKYO RECITAL - Tokyo, Japan, February 15, 1975 - All day long, U.M.M.G. [Upper Manhattan Medical Group, Caravan - Tommy Flanagan (p) Keter Betts (b) Bobby Durham (d)

Tommy Flanagan fue uno de los grandes pianistas surgidos de la fértil escena de Detroit durante los años cincuenta. Después de trasladarse a Nueva York en 1956, grabó con frecuencia como líder y acompañante, estableciendo rápidamente una sólida reputación entre sus colegas.

Sin embargo, sus dos largas etapas como pianista de Ella Fitzgerald, entre 1963 y 1965 y nuevamente desde 1968 hasta 1978, contribuyeron paradójicamente a que su talento fuera subestimado. Durante doce años, entre 1962 y 1974, Flanagan no tuvo la oportunidad de grabar un disco a su nombre y fue conocido principalmente como un acompañante excepcional.

The Tokyo Recital, de 1975, demuestra que aquellos años trabajando al servicio de otros músicos no habían disminuido en absoluto sus cualidades como solista. Acompañado por el contrabajista Keter Betts y el baterista Bobby Durham, Flanagan dedica el programa a composiciones asociadas con Duke Ellington y Billy Strayhorn.

Su interpretación es elegante y precisa, pero nunca distante. Con un toque ligero, un impecable sentido del tiempo y una profunda comprensión de las melodías, Flanagan confirma aquí lo que durante demasiado tiempo había quedado en segundo plano: era uno de los grandes pianistas de su generación.

ALVIN QUEEN JAMMIN’ UPTOWN - White Plains, NY, August 24 & 25, 1985 - Europia, Jammin’ Uptown, After Liberation - Terence Blanchard (tp) Robin Eubanks (tb) Manny Boyd (ts,as,sop) John Hicks (p) Ray Drummond (b) Alvin Queen (d)

El baterista Alvin Queen conoció el jazz desde muy joven. Los sábados, su padre lo llevaba al Apollo Theater donde escuchó a figuras como John Coltrane, el quinteto de Cannonball Adderley con Nancy Wilson y la cantante Ruth Brown, quien años más tarde le daría uno de sus primeros trabajos profesionales.

En 1969, Queen se incorporó al quinteto de Horace Silver y continuó tocando ocasionalmente con el pianista durante varios años. También trabajó con George Benson y Charles Tolliver, entre muchos otros, antes de radicarse en Europa durante los años ochenta.

En Jammin’ Uptown, grabado en Nueva York en 1985, lidera un sexteto. A pesar de su título, no se trata simplemente de una jam session. La música está cuidadosamente organizada y cuenta con excelentes arreglos, aunque abre mucho espacio para la improvisación.

Queen mantiene la música en constante movimiento con su estilo preciso y enérgico, pero curiosamente casi no toca solos. El sexteto incluye además a dos jóvenes músicos que comenzaban a destacarse en los años ochenta: el trompetista Terence Blanchard y el trombonista Robin Eubanks. En sus intervenciones ya se anticipa la importancia que ambos alcanzarían en el jazz contemporáneo.

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COUNT BASIE AND HIS ORCHESTRA

- New York, August 22, 1938 - Jumpin’ at the Woodside, Stop beatin’ ‘round the mulberry bush (jr,ens vcl), Texas shuffle - Ed Lewis, Harry “Sweets” Edison, Buck Clayton (tp) Benny Morton, Dicky Wells, Dan Minor (tb) Earl Warren (as) Jack Washington (as,bar) Herschel Evans, Lester Young (ts,cl) Count Basie (p) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d) Helen Humes, Jimmy Rushing (vcl) Eddie Durham (arr)

- Panther Room”, Hotel Sherman, Chicago, IL, May 19, 1939 Every tub, Lady be good Ed Lewis, Shad Collins, Harry “Sweets” Edison, Buck Clayton (tp) Benny Morton, Dicky Wells, Dan Minor (tb) Earl Warren (as) Jack Washington (as,bar) Buddy Tate, Lester Young (ts,cl) Count Basie (p) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d) Jimmy Rushing (vcl) Eddie Durham (arr)

A mediados de los años treinta, la orquesta de Count Basie definía el sonido de Kansas City: una sección rítmica ligera y flexible, riffs, arreglos abiertos y amplio espacio para la improvisación. Una música construida con aparente sencillez, pero impulsada por un swing irresistible, como se escucha claramente en “Jumpin’ at the Woodside”.

El tema fue grabado por la orquesta de Count Basie para Decca en 1938. Su título proviene del Woodside Hotel de Harlem, donde los músicos de Basie se alojaban y ensayaban, a menudo en el sótano.

La grabación incluye solos de Earle Warren en saxo alto, Basie al piano, Buck Clayton en trompeta con sordina y Lester Young, cuyo fraseo relajado en el tenor parece flotar sobre la orquesta.

La pieza es, además, un ejemplo clásico de los llamados head arrangements de la banda de Basie. En lugar de arreglos escritos, los músicos construían la música colectivamente durante los ensayos: cortas frases de los saxofones eran respondidas por los metales; las figuras se repetían, se modificaban y finalmente quedaban en la memoria de la orquesta. El arreglo estaba, literalmente, en la cabeza de los músicos.

En poco más de tres minutos, “Jumpin’ at the Woodside” resume la esencia de la primera gran banda de Basie: ideas sencillas, desarrolladas colectivamente, y un swing increíble.

TEDDY WILSON TRIO THE IMPECCABLE MR. WILSON - New York, September 13, 1956 - I want to be happy, Ain’t misbehavin’, Honeysuckle rose, Fine and dandy, Sweet Lorraine, Laura - Teddy Wilson (p) Al Lucas (b) Jo Jones (d)

Teddy Wilson fue uno de los pianistas más elegantes de la era del swing. Influido por Earl Hines y Art Tatum, desarrolló un estilo de toque delicado, preciso y virtuoso, presente en grabaciones junto a figuras como Louis Armstrong, Benny Goodman, Billie Holiday y Ella Fitzgerald. Su trabajo con Goodman lo convirtió, además, en uno de los primeros músicos negros en ocupar un lugar destacado en un conjunto integrado.

En la sesión del 13 de septiembre de 1956, Wilson encabeza un trío con el contrabajista Al Lucas y el baterista Jo Jones. El repertorio son canciones especialmente apropiadas para el álbum titulado The Impeccable Mr. Wilson : melodías elegantes con progresiones armónicas ordenadas.

“I Want to Be Happy” recibe aquí una interpretación particularmente fluida. Lucas, veterano de la banda de Illinois Jacquet y de la escena de la Calle 52, aporta un pulso preciso, buen gusto y un impecable sentido del tiempo, junto a Jo Jones forman una sección rítmica de extraordinaria ligereza y swing.

ALBERT NICHOLAS QUARTET THE NEW ORLEANS-CHICAGO CONNECTION - Chicago, July 19, 1959 - Song Of The Wanderer, Anah’s blues, Etta, I’m coming, Virginia, Blues My Naughty Sweetie Gives To Me - Albert Nicholas (cl) Art Hodes (p) Earl Murphy (b) Freddie Kohlman (d)

El clarinetista Albert Nicholas perteneció a la primera generación del jazz de Nueva Orleans. Discípulo de Lorenzo Tio, inició tocando con músicos como Buddy Petit, King Oliver y Manuel Perez, y más tarde en Nueva York se integró a la orquesta de Luis Russell, junto a Henry “Red” Allen, Charlie Holmes y J.C. Higginbotham. También trabajó con Chick Webb, Louis Armstrong y Jelly Roll Morton.

El renacimiento del jazz tradicional a fines de los años cuarenta dio nuevo impulso a su carrera, pero en 1953 Nicholas siguió un camino similar al de Sidney Bechet y se radicó en Francia. Allí encontró un público más receptivo a la música de Nueva Orleans y permaneció en Europa hasta su muerte, en 1973.

En 1959, en una de sus infrecuentes visitas a a Estados Unidos, Nicholas se reunió con el pianista Art Hodes, el contrabajista Earl Murphy y el baterista Freddie Kohlman para una sesión dedicada a standards y blues y grabaron “The New Orleans-Chicago Connection”, un disco sin complicaciones ni pretensiones renovadoras. El cuarteto vuelve a la esencia del jazz tradicional: melodía, improvisación colectiva y swing, encabezados por el sonido cálido y lírico del clarinete de Nicholas.

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