PuroJazz

VIC DICKENSON VIC DICKENSON - SEPTET

- NYC, December 29, 1953 - Russian Lullaby - Ruby Braff (tp), Vic Dickenson (tb), Edmond Hall (cl), Sir Charles Thompson (p), Steve Jordan (g), Walter Page (b), Les Erskine (d).

- Brooklyn, NY, November 29, 1954 - Nice work if you can get it - Shad Collins (tp) Ruby Braff (tp-1) added, Vic Dickenson (tb) Edmond Hall (cl) Sir Charles Thompson (p) Steve Jordan (g) Walter Page (b) Jo Jones (d)

Vic Dickenson fue uno de los trombonistas más dedicados del jazz tradicional y del swing. Nacido en Xenia, Ohio, en 1906, desarrolló un sonido cálido, ligeramente ronco, y una manera de frasear que parecía conversar con los demás músicos. Sus notas arrastradas, sus pequeños gruñidos y sus pausas tenían un humor discreto, sin perder la profundidad del blues.

Durante los años treinta trabajó en las orquestas de Blanche Calloway, Claude Hopkins y Benny Carter. En 1940 ingresó a la banda de Count Basie, y más tarde encontró su espacio en el sexteto del pianista Eddie Heywood. También grabó con Sidney Bechet y se convirtió en un acompañante solicitado para conjuntos pequeños.

En ese formato se apreciaba mejor su talento: podía sostener una melodía con sencillez, responder a una frase del clarinete o introducir un comentario inesperado detrás de la trompeta. Su soltura rítmica le permitía integrarse al conjunto sin renunciar a su propia voz.

MUGGSY SPANIER & HIS V-DISC ALL STARS - New York, October 17, 1944 - That’s a plenty, Squeeze me, Pat’s blues (bh whistling) - Muggsy Spanier (cnt) Lou McGarity (tb) Pee Wee Russell (cl,vcl) Boomie Richman (ts) Jess Stacy (p) Hy White (g) Bob Haggart (b,whistling) George Wettling (d)

El cornetista Muggsy Spanier fue una de las voces reconocibles del jazz de Chicago. Su sonido directo, sus frases melódicas y el empuje de su interpretación daban energía a cualquier conjunto. Nacido en 1901, encontró sus principales modelos en King Oliver y Louis Armstrong, aunque desarrolló temprano un estilo propio.

Debutó en disco en 1924 con los Bucktown Five y, durante los años siguientes, compartió sesiones con figuras como Frank Teschemacher, Eddie Condon y Gene Krupa.

En 1940 grabó con Sidney Bechet, cuya libertad melódica encontraba un firme apoyo en la corneta de Spanier. Después trabajó con Bob Crosby, dirigió sus propios conjuntos y colaboró con Earl Hines. Fiel al repertorio que lo había formado, mantuvo durante décadas una manera de tocar enérgica, clara y cercana al blues.

ART HODES / BABY DODDS BABY DODDS JAZZ FOUR - New York, December 26, 1945 - Feelin’ at ease, Careless love, High society, Winin’ boy blues - Albert Nicholas (cl) Art Hodes (p) Wellman Braud (b) Baby Dodds (d)

Art Hodes nació en 1904 en una región que hoy pertenece a Ucrania y llegó con su familia a Chicago cuando tenía apenas seis meses. Allí descubrió el jazz y desarrolló un estilo de piano profundamente ligado al blues. Durante los años veinte adquirió experiencia acompañando cantantes y tocando en distintos conjuntos, entre ellos los Wolverines.

Su traslado a Nueva York en 1938 amplió sus oportunidades. En la década siguiente grabó con frecuencia y se dedicó también a difundir el jazz mediante la radio y la revista “The Jazz Record”. Sus sesiones para Blue Note, realizadas en 1944 y 1945, fueron reunidas posteriormente por Mosaic en una colección de cinco LP.

La última de esas sesiones apareció bajo el nombre de Baby Dodds y reunió a Hodes con tres destacados músicos de Nueva Orleans: el clarinetista Albert Nicholas, el contrabajista Wellman Braud y el propio Dodds en batería. Nicholas aporta un sonido dulce y un vibrato característico; Braud, conocido por sus años con Duke Ellington, sostiene el pulso junto a uno de los grandes pioneros de la batería de jazz.

CHARLIE SHAVERS SWING ALONG - New York, c. 1961

- My old Kentucky home, Good old summertime, Fooled again - Charlie Shavers (tp) Bruce Martin (p) Tommy Bryant (b) Oliver Jackson (d)

- Gilded cage, My wild Irish rose, Give my regards to Broadway - Tommy Flanagan (p) Al Hall (b) replace Bruce Martin, Tommy Bryant

Charlie Shavers tenía una manera de tocar la trompeta que se reconocía inmediatamente: un sonido claro y firme, facilidad para las frases rápidas y un sentido del humor que daba frescura a sus interpretaciones. Formado en la época del swing, amplió su lenguaje sin perder la cercanía con la melodía y el blues.

Pasó por las orquestas de Lucky Millinder, Tommy Dorsey y Benny Goodman, y fue una figura central del sexteto de John Kirby, donde pudo desarrollar su talento como solista, compositor y arreglista.

En “Swing Along”, lo acompaña la sección rítmica del trío habitual de Ray Bryant, con Tommy Flanagan al piano en algunos temas. El atractivo del disco está en el equilibrio entre destreza y naturalidad. En los momentos tranquilos aparece, además, la calidez de un trompetista que sabe dar carácter a cada interpretación.

BRANFORD MARSALIS / DIANNE REEVES DEDICATED TO YOU - Spivey Hall, Clayton, Georgia, August 25–29, 2025. - Lush Life, 26-2, My One and Only Love - Branford Marsalis (st/ss) Dianne Reeves (voz) Joey Calderazzo (p) Eric Revis (b) Justin Faulkner (dr).

Dianne Reeves y Branford Marsalis se unen en “Dedicated to You” en un homenaje al período más sereno de John Coltrane el tipo música de su álbum “Ballads” y también su encuentro con el cantante Johnny Hartman.

Reeves aborda el repertorio de Hartman con una interpretación pausada y precisa. Evita recargar las canciones y deja espacio para que se escuchen sus letras y melodías. Los arreglos ofrecen algunas variaciones: en “Lush Life”, una extensa intervención del saxo tenor y el piano separa las secciones vocales; en “My One and Only Love”, la acompaña el pianista Joey Calderazzo.

Marsalis aporta un sonido cálido y una manera propia de frasear, sin intentar reproducir cada gesto de Coltrane. También amplía el repertorio con composiciones de Coltrane. Para las sesiones, Marsalis y grupo eligieron Spivey Hall, un auditorio con una excepcional calidad de acústica ubicado en el campus de la Universidad Clayton en Georgia.

MARTIAL SOLAL LIVE “VILLAGE VANGUARD”, New York, September 21-23, 2001 - Suspect rhythm, Body and soul - Martial Solal (p) Francois Moutin (b) Bill Stewart (d)

El pianista Martial Solal merece un lugar destacado entre los grandes improvisadores del jazz. Esta grabación en vivo, realizada en el Village Vanguard pocas semanas después de los atentados de septiembre de 2001.

Acompañado por el contrabajista François Moutin y el baterista Bill Stewart, Solal optó principalmente por estándares, un terreno familiar que transforma con absoluta libertad. En “What Is This Thing Called Love”, una introducción sombría aporta un especial peso emocional. Su versión de “Body and Soul” combina la riqueza pianística de Art Tatum con la fuerza y los contrastes de McCoy Tyner. Moutin y Stewart responden con agilidad, atentos a cada giro del piano.

CAMERON BROWN REMEMBRANCE, The Bronx, NY on August 2, 2011 released September 25, 2026 - Sheila, It’s You!, Lullaby for George, Don and Dannie, Rylie’s Bounce - Lisa Parrott (sa/ss/sb) Jason Rigby (st/ss) Russ Johnson (t) Cameron Brown (b) Tony Jefferson (dr)

En 2005, el contrabajista Cameron Brown formó un quinteto para participar en un homenaje a Don Cherry en Nueva York. Lo componen los saxofonistas Lisa Parrott y Jason Rigby, el trompetista Russ Johnson y el baterista Tony Jefferson. Adoptaron el nombre Dannie’s Calypso, en recuerdo del baterista Dannie Richmond, amigo y mentor de Brown.

“Remembrance”, grabado en vivo en agosto de 2011, recoge un repertorio que combina composiciones de Brown con piezas poco conocidas de Don Cherry y Ornette Coleman. La música transita entre pasajes escritos, improvisación libre y un swing firme.

El álbum abre con “Sheila, It’s You!”, una pieza dedicada a la cantante Sheila Jordan, compañera de Brown en numerosos encuentros a dúo. “Baby Suite” amplía el recorrido con cambios de clima y un diálogo continuo entre los cinco músicos. En “Soft Seas”, de Richmond, el ritmo de calipso destaca el trabajo de Jefferson. El tono se vuelve más íntimo en “Lullaby for George, Don and Dannie”, una balada que ofrece un delicado espacio a la trompeta de Johnson.

MARTIN WIND STARS - February 5-6, 2025 - Passing thoughts, Life, Black butterfly, The feeling of jazz - Anat Cohen (cl) Kenny Barron (p) Martin Wind (b) Matt Wilson (d)

En “Stars”, el contrabajista Martin Wind lidera un grupo junto a Anat Cohen en clarinete, Kenny Barron en piano y Matt Wilson en batería. Martin no ancla al grupo tanto como lo dirige discretamente. Hay una generosidad en la forma en que lo hace, hay espacio abierto, papeles cuidadosamente distribuido asegurando de que todos participen.

Anat lleva ese tono conversacional sin esfuerzo: su clarinete canta, suspira, bromea y recuerda. Kenny Barron es el centro gravitacional del registro. Nunca llama la atención sobre sí mismo; simplemente permite que la banda fluya a través de él. Matt wilson es un virtuoso del color en la batería, siempre comentando y dando forma con una precisión silenciosa acompañando o creando cambios de dirección.

El interés del disco está en esa atención mutua. No hace falta que los cuatro toquen al mismo tiempo para que se sienta su presencia.

RAFAEL ZALDIVAR MEETING IN NEW YORK, VOLUME ONE - New York, April 14, 2026 - There is always time to love, Axis - Rafael Zaldivar (p,comp,dir) Christian McBride (b) Francisco Mela (d)

“Meeting in New York, Volume One” del pianista Rafael Zaldivar fue grabado en trío con Christian McBride en el contrabajo y Francisco Mela en la batería. Es un encuentro de músicos con maneras distintas de abordar el jazz.

Zaldivar toca con una inclinación lírica. Sus frases son claras y melódicas, incluso cuando se aventura fuera de un recorrido previsible. McBride aporta el peso y la seguridad de su contrabajo, pero también se mueve con soltura en los momentos más libres. Mela impulsa al grupo desde la batería: responde a los otros dos, cambia el acento y mantiene la música en movimiento.

El trío encuentra un equilibrio entre la dirección que propone el piano y las posibilidades que surgen mientras tocan.

RESONATION TRIO ULTRA RESONANCE - Brooklyn, NY, c. 2025 - Two shakes, August 3, West, Question - Steven Bernstein (tp,flhrn,comp) Scott Colley (b) Nasheet Waits (d)

Steven Bernstein suele trabajar con conjuntos de gran energía con arreglos imprevisibles. En “ResoNation Trio” reduce la formación a tres instrumentos: su trompeta, el contrabajo de Scott Colley y la batería de Nasheet Waits. Sin piano que defina la armonía, los músicos disponen de un amplio espacio para improvisar.

El álbum tiene pasajes más contemplativos de lo habitual en Bernstein, aunque conserva el impulso y los contrastes que caracterizan su música. Colley y Waits hacen mucho más que acompañar: proponen direcciones, alteran el ritmo y responden a las ideas del trompetista. También hay una diferencia en el sonido de Bernstein. Aquí deja de lado la trompeta de vara, instrumento muy ligado a su trayectoria, y toca exclusivamente trompeta de válvulas y fliscorno.

NINA SIMONE AT TOWN HALL - New York, September & October, 1959 - Exactly like you, Summertime, Wild is the wind, Black is the color of my true love’s hair, Fine and mellow - Nina Simone (vcl,p) Wilbur Ware (b) Ben Riley (d)

En 1954, Nina Simone postuló al puesto de pianista en un bar de Atlantic City que también le requería cantar jazz y éxitos populares del momento. No tenía experiencia como cantante, pero logró convencerlos.

En 1957 grabó sus primeros temas para el sello Bethlehem. Esas grabaciones ya muestran su talento como pianista, cantante, arreglista y compositora. Su versión de “I Loves You, Porgy”, de la ópera “Porgy and Bess”, se convirtió en un éxito y la llevó de los clubes nocturnos a un público mucho más amplio. Su repertorio era extraordinariamente variado: incluía estándares de jazz, gospel, espirituales, música clásica, blues, pop, canciones de musicales y ópera, cantos africanos, canciones populares de distintos lugares y composiciones propias.

“Nina Simone at Town Hall” se grabó en parte durante un concierto en el Town Hall de Nueva York, en septiembre de 1959; el resto se registró en estudio. La acompañan dos músicos de primer nivel: el baterista Ben Riley, que años después tocaría con Thelonious Monk, y el contrabajista Wilbur Ware, que trabajó con Johnny Griffin, Sun Ra y Donald Byrd.

DAVE DOUGLAS AND ELAN MEHLER IF THERE ARE MOUNTAINS - New York, May 27 & 28, 2019 - If there are mountains, Haiku, Here on the plains, The spring current, With your singing - Dave Douglas (tp) John Gunther (ts,cl,bcl) Elan Mehler (p) Simon Willson (b) Dayeon Seok (d) Dominique Eade (voice)

“If There Are Mountains”, es el disco que Dave Douglas hizo junto al pianista Elan Mehler. Los dos dirigieron el proyecto y compusieron su música. La idea es sencilla y atractiva: tomar haikus y otros poemas breves como punto de partida para las canciones, y dejar que los seis músicos improvisen a partir de las imágenes que sugieren las palabras. Entre los textos elegidos hay poemas de Bashō y Buson, además de dos del escritor contemporáneo Adam McBrideSmith.

El resto del grupo lo componen John Gunther en saxo tenor y clarinetes, el chileno Simón Willson en contrabajo y Dayeon Seok en batería. La voz de Dominique Eade tiene un papel central en el álbum.

En “Even a Nameless Stream” se escucha cómo Mehler convierte un haiku en canción, mientras que “Here on the Plains” muestra cómo el grupo trabaja con un texto más largo, que cuenta una historia. Lo más interesante del disco es cómo unas pocas palabras pueden dar pie a una música que se desarrolla con tanta libertad.

TERENCE BLANCHARD Y DONALD HARRISON CRYSTAL STAIR - New York, April 13, 1987 - Softly, as in a morning sunrise, Crystal stair, Slam m- Terence Blanchard (tp) Donald Harrison (as,cmel,sop) Cyrus Chestnut (p) Reginald Veal (b) Carl Allen (d)

Terence Blanchard y Donald Harrison Jr. fueron miembros de los Jazz Messengers de Art Blakey. Llegaron a la banda en 1982 e inmediatamente aportaron sus propias composiciones. Años después siguieron trabajando juntos como líderes de un quinteto, conservando el impulso que habían adquirido de Blakey además de abrir espacio para sus propias ideas.

En Crystal Stair los acompañan Cyrus Chestnut en piano, Reginald Veal en contrabajo y Carl Allen en la batería. El repertorio combina piezas de Blanchard y Harrison con dos estándares.

Ambos músicos siguieron caminos muy distintos después de esta etapa. Blanchard desarrolló una amplia carrera como compositor y trompetista; Harrison continuó muy ligado a las tradiciones de Nueva Orleans, su ciudad natal. Aquí se escucha lo que compartían entonces: el gusto por el swing, la energía de un grupo que toca unido y la libertad para llevar una pieza más allá de lo previsto.

GREG ABATE QUARTET IN THE MOMENT - c. 2025 - The little men, Kerry’s song, Into somewhere Greg Abate (as,ts,sop,fl) Bill O’Connell (p) Harvie S (b) Steve Johns (d)

La influencia de Charlie Parker y Phil Woods se escucha en su manera de frasear, aunque Abate tiene una voz propia. Disfruta los tempos rápidos y las melodías que piden agilidad, pero también sabe bajar la intensidad y dar espacio a sus compañeros. En “Kerry’s Song” toca la flauta y deja oír un lado más cálido. La pieza que da título al disco tiene un aire contemplativo y permite apreciar el diálogo con O’Connell, presente a lo largo del álbum.

En su disco “In the Moment”, el saxofonista y flautista Greg Abate regresa al bebop, un lenguaje que conoce bien y que ha cultivado durante décadas. Lo acompañan tres músicos con quienes mantiene una larga relación: Bill O’Connell en piano, Harvie S en contrabajo y el baterista Steve Johns.

FELIPE RIVEROS SESIÓN PALO QUEMADO, VOLUMEN 2 -Santiago de Chile - 7 de octubre de 2024. - Disco Dance, Sur le balcon - Felipe Riveros (p) Milton Russell (b) Juan Pablo Jaramillo (dr)

El pianista Felipe Riveros grabó Sesión Palo Quemado, Volumen 2 en Santiago, junto al contrabajista Milton Russell y el baterista Juan Pablo Jaramillo. La sesión tuvo lugar el 7 de octubre de 2024 y, según Riveros, todos los temas quedaron en la primera toma. Esa espontaneidad se escucha en la manera en que los tres músicos responden a cada idea. “Disco Dance” lleva el pulso de la música electrónica a un trío acústico. Riveros dedicó “Sur le balcon” a su hijastra Luna: durante el encierro pandémico escuchaban discos juntos en el balcón. Una Avenida Providencia desierta inspiró “Last Ballad”.

GRANT GREEN TALKIN’ ABOUT - Englewood Cliffs, N.J., September 11, 1964 - Talkin’ about J.C., I’m an old cowhand - Larry Young (org) Grant Green (g) Elvin Jones (d)

En “Talkin’ About!”, Grant Green el guitarrista siguió ampliando el lenguaje de sus primeros discos. Para esta sesión, grabada en septiembre de 1964, formó un trío con Larry Young en el órgano Hammond y Elvin Jones en la batería.

Young empezaba a encontrar una voz propia en el órgano. Junto a Jones, crean un pulso cambiante, que le da al grupo espacio para explorar. Green conserva la claridad de sus frases y su cercanía con el blues, incluso en los pasajes más abiertos.

La pieza central es “Talkin’ About J.C.”, un homenaje de Young a John Coltrane que dura casi doce minutos. Allí los tres músicos desarrollan sus ideas y responden unos a otros sin perder el hilo. También hay una versión juguetona de “I’m an Old Cowhand”, canción que Sonny Rollins había incorporado al repertorio del jazz.

Mary Lou Williams fue una de las grandes pianistas, compositoras y arreglistas del jazz. Nació en Atlanta en 1910 como Mary Elfrieda Scruggs y creció en Pittsburgh, donde comenzó a tocar en público desde niña. En sus primeros años profesionales usó el apellido Burleigh, tomado de su padrastro. Todavía adolescente salió de gira con los Synco-Jazzers de la cantante Jeanette Taylor con quien Williams hizo su debut en la grabación en 1927, apareciendo en ocho selecciones de Synco Jazzers. .

JEANNETTE JAMES’ SYNCO JAZZERS — Chicago, c. enero de 1927 - Midnight Stomp

Jeanette James (vcl), Henry McCord (tp), Bradley Bullett (tb), John Williams (as, bassax), Mary Lou Williams (p), Joe Williams (bj), Robert Price (d)

En 1929 comenzó a trabajar con la orquesta de Andy Kirk. Primero colaboró con arreglos y reemplazaba a la pianista de la banda; desde 1931 pasó a formar parte estable del grupo. Durante más de una década, su piano y sus arreglos fueron fundamentales en el sonido de los Twelve Clouds of Joy, una de las buenas orquestas surgidas en Kansas City. Al mismo tiempo, comenzó a escribir para otras bandas.

ANDY KIRK AND HIS TWELVE CLOUDS OF JOY — Kansas City, c. 7 de noviembre de 1929

Mess-a-Stomp - Gene Prince, Harry Lawson (tp) Allen Durham (tb) John Harrington (cl,as) John Williams (as,bar) Lawrence Freeman (ts,cl) Mary Lou Williams (p,arr) Claude Williams (g,vln) William Dirvin (bj,g) Andy Kirk (bassax) Edward McNeil (d) Bill Massey (vcl)

Sus primeros solos de piano nos permiten escucharla fuera de la orquesta. En «Night Life» y «Drag ’Em», grabados en 1930, Williams tenía apenas diecinueve años, pero ya se reconocen algunas características que la acompañarían siempre: una mano izquierda muy firme, el stride, el blues y un sentido muy natural del ritmo. Ya en esa época, Mary Lou estaba cerca del nivel de legendarios pianistas como James P. Johnson y Fats Waller.

MARY LOU WILLIAMS — PIANO SOLOS — Chicago, 24 de abril de 1930 - Night Life - Mary Lou Williams (p)

Mary Lou Williams pasó casi 13 años tocando y escribiendo para la Orquesta Andy Kirk. La banda luchó durante un tiempo y casi fue tomada por Blanche Calloway en 1931, sin hacer grabaciones en absoluto durante 1932-35. Pero en 1936, la gran banda de Kirk comenzó una serie de excelentes grabaciones para el sello Decca.

ANDY KIRK AND HIS TWELVE CLOUDS OF JOY — Nueva York, 11 de marzo de 1936

I’se A Muggin’

Con el tiempo, Williams comenzó a sentirse limitada en la orquesta de Kirk. La banda se orientaba cada vez más hacia cantantes y material comercial, mientras ella quería seguir otros caminos. Williams seguía siendo una figura importante de la banda, aunque poco a poco buscaba más espacio para sus propias ideas. En 1940 grabó «Baby Dear» al frente de su Kansas City Seven, con el trompetista Shorty Baker.

MARY LOU WILLIAMS AND HER KANSAS CITY SEVEN — Nueva York, 18 de noviembre de 1940 - Baby dear - Harold “Shorty” Baker (tp) Ted Donnelly (tb) Edward Inge (cl) Dick Wilson (ts) Mary Lou Williams (p) Booker Collins (b) Ben Thigpen (d) Baby dear.

Uno de sus proyectos más ambiciosos de esos años fue Zodiac Suite. Terminada en 1945, está formada por doce piezas, una por cada signo del zodiaco, dedicadas a músicos y amigos. Allí Williams amplió considerablemente su lenguaje, mezclando el jazz con elementos de la música clásica y pasando de momentos íntimos a otros más rítmicos y abiertos. Ese mismo año presentó la obra con una orquesta en el Town Hall de Nueva York.

THE ZODIAC SUITE — TOWN HALL — Nueva York, 31 de diciembre de 1945 - Cancer - Mary Lou Williams (vcl,p) acc by unknown tp, tb, fhr, fl, cl, Irving “Mouse” Randolph (tp) Henderson Chambers (tb-1) Edmond Hall (cl-2) Eddie Barefield (cl) Ben Webster (ts) Al Hall (b) J.C. Heard (d) Hope Foy (vcl) + strings, Milton Orent (cond)

Pero Williams no se quedó allí. Durante la segunda mitad de los años cuarenta se acercó al bebop sin abandonar el swing ni el blues que estaban en la base de su música. En 1946 grabó con un grupo de mujeres piezas como «Rhumba Re-Bop».

GIRL STARS — Nueva York, 25 de febrero de 1946 - Rhumba Re-Bop, Blues at Mary Lou’s - - Marjorie Hyams (vib,d-1) Mary Lou Williams (p) Mary Osborne (g,vcl) Bea Taylor (b) [aka Billy Taylor, Sr. (b) ] Bridget O’Flynn (d,vib-1), D.D.T.

En 1952 viajó a Inglaterra para una breve serie de conciertos y terminó quedándose en Europa más de dos años. En París volvió a encontrarse con el saxofonista Don Byas, con quien grabó en diciembre de 1953. Es un pequeño grupo y una buena oportunidad para escucharla en un ambiente muy distinto al de las grandes orquestas de sus primeros años.

FEAT. DON BYAS — París, 2 de diciembre de 1953 - Mary’s Waltz, O.W. - Don Byas (ts), Mary Lou Williams (p), Buddy Banks (b), Gerard “Dave” Pochonet (d)

Después de regresar de Europa, Williams se alejó por un tiempo de los escenarios. Se convirtió al catolicismo en 1957 y encontró en la religión un nuevo estímulo para componer. Ese mismo año Dizzy Gillespie la animó a volver a tocar y la invitó a presentarse con su orquesta en Newport. Más adelante escribió varias obras religiosas en las que el jazz siguió siendo parte esencial de la música, entre ellas Black Christ of the Andes y Mary Lou’s Mass.

BLACK CHRIST OF THE ANDES — Nueva York, 9 de octubre de 1963 - Praise the Lord - Budd Johnson (ts-1,b-cl-2) Mary Lou Williams (p) Grant Green (g) Larry Gales (b) Percy Brice (d) Jimmy Mitchell (vcl) The George Gordon Singers (vcl group) : Honi Gordon, George Gordon, Jr., Richard Gordon, George Gordon, Sr. (vcl) Melba Liston (arr,cond). Praise the Lord

En 1977 ocurrió uno de los encuentros más curiosos de su carrera: Mary Lou Williams y Cecil Taylor, dos pianistas que venían de mundos muy diferentes, compartieron escenario. La idea era acercar tradición y vanguardia, aunque musicalmente el encuentro no resultó sencillo. Taylor lleva la improvisación hacia terrenos cada vez más libres; Williams responde desde el blues, el ritmo y esa poderosa mano izquierda que la había acompañado desde sus comienzos. Más que una fusión de estilos, Embraced permite escuchar el encuentro —y por momentos el choque— entre dos maneras muy distintas de entender el jazz.

EMBRACED — Nueva York, 17 de abril de 1977 - The Blues Never Left Me - Mary Lou Williams, Cecil Taylor (p), Bob Cranshaw (b), Mickey Roker (d)

Para terminar, volvemos a escuchar a Mary Lou Williams en un formato íntimo. At Rick’s Café Americain en una actuación de 1979 en Chicago, con Milton Suggs en contrabajo y Drashear Khalid en batería. Williams tenía sesenta y nueve años y seguía encontrando cosas nuevas en melodías conocidas. En su piano convivían ya muchas etapas de la historia del jazz: el stride, el blues, el swing y todo lo que había aprendido y explorado durante más de medio siglo.

TRIO & SOLO — LIVE AT RICK’S CAFÉ AMERICAIN — Chicago, 14 de noviembre de 1979 - Caravan - Mary Lou Williams (p), Milton Suggs (b), Drashear Khalid (d)

Con esta actuación de 1979 llegamos al final de nuestro recorrido por la música de Mary Lou Williams. La escuchamos muy joven con los Synco-Jazzers, después con Andy Kirk, en sus solos de piano y en algunos de los muchos caminos que siguió más adelante. Nunca perdió su relación con el blues y el swing, pero tampoco dejó de buscar cosas nuevas. Su obra es demasiado amplia para abarcarla en un solo programa; estas grabaciones, al menos, nos permiten seguirla durante más de medio siglo de jazz.

CO STREIFF / RUSS JOHNSON QUARTET ORACLE - Recorded live on tour, April 20 30, 2023 lanzamiento August 21, 2026 - Smithy Street, Saguache - Russ Johnson (tp) Co Streiff (as) Christian Weber (b) Gerry Hemingway (d)

La colaboración entre la saxofonista suiza Co Streiff y el trompetista estadounidense Russ Johnson comenzó en 2004. Ambos aportaban experiencias muy distintas: Streiff había dirigido sus propios conjuntos y trabajado extensamente con la pianista Irène Schweizer; Johnson, por su parte, se había integrado a numerosos proyectos de la escena neoyorquina.

En 2012 publicaron “In Circles”, primer disco de un cuarteto sin piano que recogía una tradición asociada con Gerry Mulligan y Chet Baker, pero también —y de manera más evidente— con Ornette Coleman y Don Cherry. Después de varias giras europeas y una prolongada pausa, el grupo volvió a reunirse en 2019, ahora con Gerry Hemingway en la batería.

“Oracle”, publicado por Intakt Records, fue grabado en distintos conciertos de una gira realizada entre el 20 y el 30 de abril de 2023. Completan el cuarteto Christian Weber en contrabajo y Hemingway en batería. La ausencia de piano deja amplio espacio para el diálogo entre el saxo alto de Streiff y la trompeta de Johnson, mientras Weber y Hemingway proporcionan una base flexible y cambiante. Las composiciones mantienen perfiles definidos, pero permanecen abiertas a la improvisación colectiva. El resultado confirma la madurez de una relación musical construida durante más de dos décadas.

ARCHIE SHEPP & HORACE PARLAN GOIN’ HOME - Copenhagen, Denmark, April 25, 1977 - Goin’ home (1), Nobody knows the troubles I’ve seen, Go down Moses (1), Steal away to Jesus (1) - Archie Shepp (ts 1,sop) Horace Parlan (p)

Archie Shepp fue una de las voces fundamentales del free jazz de los años sesenta. Aunque en su sonido pueden reconocerse ecos de Ben Webster, desarrolló un lenguaje propio, hecho de notas ásperas, gruñidos, lamentos y estallidos de gran intensidad. Así logró distinguirse de los numerosos saxofonistas surgidos bajo la influencia directa de John Coltrane.

En los años setenta, Shepp y el pianista Horace Parlan se establecieron en Europa. El productor danés Nils Winther tuvo entonces la idea de reunirlos para interpretar espirituales afroamericanos. Grabado en Copenhague el 25 de abril de 1977 para el sello SteepleChase, “Goin’ Home” representó un giro inesperado: en lugar de la vehemencia asociada con Shepp, encontramos un diálogo íntimo, sobrio y profundamente emotivo entre saxo y piano.

El repertorio incluye “Go Down Moses”, “Deep River”, “Amazing Grace” y “Sometimes I Feel Like a Motherless Child”. Parlan aporta acompañamientos contenidos, firmemente arraigados en el blues y el gospel, mientras Shepp trata cada melodía como si estuviera cantando sus palabras. Él mismo recordó que, al comenzar la grabación, se le llenaron los ojos de lágrimas: sentía sobre sí el peso de quienes habían cantado esas piezas durante la esclavitud. Esa conciencia histórica convierte “Goin’ Home” en uno de los discos más conmovedores de su carrera.

CARTER/MATEEN/PARKER/GRASSI KEEPING IT IN CONTEXT - NYC May 20, 1996 - The angle of repose - Daniel Carter (as,ts,fl,tp) Sabir Mateen (as,ts,fl,cl) William Parker (b) Lou Grassi (d,perc)

“Keeping It in Context” rescata una sesión grabada en vivo el 20 de mayo de 1996 en los estudios Context de Nueva York, pero publicada recién en 2026 por el sello lituano NoBusiness. Reúne a cuatro músicos estrechamente vinculados con la escena de improvisación neoyorquina: Daniel Carter, en saxos alto y tenor, trompeta y flauta; Sabir Mateen, en saxos alto y tenor, clarinete y flauta; William Parker, en contrabajo; y Lou Grassi, en batería y percusión.

El disco contiene tres extensas improvisaciones colectivas. La pieza central, “The Surface of No Strain”, supera los 35 minutos y muestra especialmente bien la capacidad del cuarteto para construir formas espontáneas. La música avanza por oleadas: crece en intensidad, se repliega y vuelve a organizarse mediante nuevas combinaciones instrumentales.

Entre sus mejores momentos aparece un solo de Parker con arco y un pasaje de notable serenidad en el que el clarinete de Mateen dialoga con la flauta de Carter y el contrabajo. Grassi no se limita a sostener el impulso: utiliza la batería y la percusión para modificar continuamente el color y conduce la pieza central hacia un final vigoroso. Tres décadas después de su grabación, el álbum conserva intactas su energía y su sentido de descubrimiento.

LENNY POPKIN FALLING FREE - New York, fall 1979 - 317 East 32nd Street, You’re irreplaceable, Body and soul, When you’re smiling, LennieBird - Lenny Popkin (ts) Eddie Gomez (b) Peter Scattaretico (d)

El título del disco “317 East 32nd”, identifica inmediatamente a Lenny Popkin como integrante de la escuela de Lennie Tristano. 317 East 32nd Street era la dirección del estudio y centro de enseñanza que el pianista mantuvo en Manhattan, y también el nombre de una de sus composiciones,

Popkin, discípulo de Tristano, tuvo escasas oportunidades de grabar como líder. Estas actuaciones, registradas en Nueva York durante el otoño de 1979 por la pianista Connie Crothers, en su loft dieron origen a su primer álbum, publicado inicialmente en 1981 con el título “Falling Free”. Años después apareció en CD como “317 East 32nd”.

Sin piano ni otro instrumento armónico, Popkin comparte el espacio con el notable contrabajista Eddie Gomez y el baterista Peter Scattaretico. Su sonido ligero y aireado recuerda a Lee Konitz y Warne Marsh, aunque posee una personalidad propia, especialmente en la manera de construir largas líneas melódicas.

El repertorio combina standards y contrafacts, siguiendo la tradición de Tristano. [Contrafacts son piezas en las que se usan los acordes de otra mientras se introduce una melodía completamente nueva]. En “When You’re Smiling”, Popkin recrea casi literalmente un solo de Lester Young.

RAY BROWN/JIMMY ROWLES TASTY ! - San Francisco, CA, October 22, 1979 - I’m gonna sit right down and write myself a letter, The night is so young and you’re so beautiful, Come Sunday Jimmy Rowles (p) Ray Brown (b)

“Tasty!” reúne a dos músicos veteranos: Jimmy Rowles en piano y Ray Brown en contrabajo. Grabado en 1979 en San Francisco, fue su segundo álbum en dúo, después de “As Good as It Gets”, registrado dos años antes.

En este formato tan expuesto, piano y contrabajo intercambian constantemente sus funciones. Brown no se limita al acompañamiento: propone ideas, conduce el ritmo y sostiene verdaderos diálogos con Rowles. Su enorme sonido, profundo y perfectamente definido.

Rowles, por su parte, toca con esa combinación tan personal de refinamiento armónico, humor y aparente despreocupación. En “I’m Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter” sorprende con algunos pasajes de “stride”, mientras que en las baladas deja amplios espacios y encuentra acordes inesperados sin nunca perder la melodía.

El repertorio incluye canciones de Harold Arlen, Duke Ellington, Jerome Kern y otros grandes autores. Pero el verdadero encanto del disco está en la economía, el “swing” y la complicidad entre ambos. Música madura, cálida y aparentemente sencilla, aunque detrás de cada frase hay décadas de experiencia. El título le queda perfecto: todo está tocado con muy buen gusto.

VANGUARD JAZZ ORCHESTRA CENTENNIAL : THE MUSIC OF THAD JONES - Live “Village Vanguard”, New York, February 7 & 8, 2024 - A child is born, Don’t git sassy - Terell Stafford, Scott Wendholt, John Chudoba, Brian Pareschi (tp) Dion Tucker, Jason Jackson, Robert Edwards (tb) Douglas Purviance (btb) Dick Oatts (as,dir) Billy Drewes (as,sop) Rich Perry, Ralph Lalama (ts) Gary Smulyan (bar) Adam Birnbaum (p) David Wong (b) John Riley (d)

Thad Jones habría cumplido cien años el 2023. Para celebrar su legado, la Vanguard Jazz Orchestra regresó a la música de su fundador en este álbum doble, grabado en vivo en el Village Vanguard de Nueva York en febrero de 2024.

La historia de la orquesta comenzó en 1966, cuando Jones y el baterista Mel Lewis organizaron una gran banda para tocar durante tres lunes en el club. El éxito de la prueba se transformó en una residencia semanal que continúa hasta hoy. Tras la partida de Jones a Dinamarca en 1979 y la muerte de Lewis en 1990, el conjunto adoptó su nombre actual, manteniendo vivo el repertorio original sin transformarse en una pieza de museo.

Jones modernizó el lenguaje de las grandes bandas al unir la elegancia y complejidad de Duke Ellington con el “swing” y las raíces del blues de Count Basie. Esa combinación vuelve a escucharse aquí en piezas fundamentales como “Back Bone”, “61st & Rich’It” y su célebre balada “A Child Is Born”.

Bajo la dirección artística del saxofonista Dick Oatts, la orquesta interpreta estas obras con precisión, energía y una fuerte personalidad colectiva. Es un homenaje respetuoso, pero lleno de vida, que confirma la vigencia de una música escrita para perdurar.

CHAD TAYLOR TRIO THE REEL - Astoria, NY, May 9 & June 24, 2022 - Subterfuge, The reel, Omniverse - Brian Settles (sax) Neil Podgurski (p) Chad Taylor (d)

Después de una extensa trayectoria como acompañante, en grupos como Chicago Underground y Exploding Star Orchestra, el baterista Chad Taylor asumió plenamente el papel de líder con su trío. “The Reel”, grabado en 2022, es su segundo álbum junto al saxofonista Brian Settles y el pianista Neil Podgurski.

Los tres músicos se conocieron a mediados de los años noventa, cuando estudiaban en The New School de Nueva York. Esa larga relación se percibe en la soltura del conjunto y en un diálogo constante, sin necesidad de bajo. El repertorio incluye composiciones de los tres integrantes y dos piezas de Andrew Hill. En “Subterfuge”, Taylor establece un ritmo cercano a la bossa nova, sobre el cual Settles y Podgurski desarrollan sus solos. En “Reconciliation”, el trío aborda el complejo tema de Hill con claridad y seguridad.

Podgurski aporta cuatro de las nueve composiciones, entre ellas la elaborada “Delta” y la más dinámica “Nebula”. Settles firma “Moon Tone Shift”, que comienza en un clima meditativo y crece hasta alcanzar un intenso desenlace.

Las dos piezas de Taylor destacan, como era de esperar, por su carácter rítmico. “Julian’s Groove” transmite una alegría contenida, mientras “The Reel” funciona como el centro melódico y conceptual del álbum.

BILL EVANS TRIO EMPATHY - New York, August 20, 1962 - I believe in you, Danny boy, Let’s go back to the waltz, Goodbye - Bill Evans (p) Monty Budwig (b) Shelly Manne (d)

“Empathy”, grabado en 1962, nació de un encuentro circunstancial entre el pianista Bill Evans y el baterista Shelly Manne. Ambos se presentaban por separado en el Village Vanguard de Nueva York cuando el productor Creed Taylor propuso reunirlos en el estudio. Riverside Records, sello al que pertenecía Evans, autorizó la sesión para Verve, y el trío quedó completo con Monty Budwig, entonces bajista habitual de Manne.

Aunque el disco apareció bajo los nombres de Evans y Manne, el piano ocupa naturalmente el centro de la música. Sin embargo, no se trata simplemente de un solista acompañado por una sección rítmica. Manne escucha y responde continuamente, introduce pequeños acentos y cambios de intensidad, y establece con Evans un diálogo sutil que eleva la sesión por encima de un encuentro convencional. Budwig aporta una base firme y discreta, sin limitar la libertad de sus compañeros.

El repertorio está compuesto principalmente por estándares e incluye dos canciones de Irving Berlin. Evans se escucha especialmente ligero, relajado y espontáneo, mientras Manne demuestra que podía tocar con gran delicadeza sin perder su personalidad.

“Empathy” conserva el aire fresco de una sesión realizada sin mayores pretensiones: tres músicos liberados por un día de sus grupos habituales, disfrutando del placer de tocar juntos.

KENNY WHEELER SEXTET WHAT WAS - London, England, September 29, 1995 - Blue Nile, Newness - Kenny Wheeler (flhrn) Ray Warleigh (as,fl) Stan Sulzmann (ts) John Parricelli (g) Chris Laurence (b) Tony Levin (d)

Pocos músicos de trompeta y fliscorno poseen una voz tan reconocible como Kenny Wheeler. Nacido en Canadá y establecido en Gran Bretaña desde 1952, desarrolló un sonido lírico y melancólico, además de una escritura armónica muy personal. Aunque su música permaneció arraigada en el jazz, Wheeler también ocupó un lugar importante en la improvisación libre europea.

“What Was” fue grabado el 29 de septiembre de 1995 en Gateway Studio, cerca de Londres, pero permaneció inédito durante más de treinta años. Wheeler había fallecido en 2014; la edición póstuma, preparada por el sello False Walls y producida por Evan Parker, apareció en formato físico y digital el 17 de abril de 2026. La sesión se presenta aquí completa por primera vez. [

Wheeler toca junto a Ray Warleigh en saxo alto y flauta, Stan Sulzmann en tenor, John Parricelli en guitarra, Chris Laurence en contrabajo y Tony Levin en batería. Era un conjunto de músicos estrechamente ligados a su mundo musical, y esa familiaridad se percibe en la interacción del sexteto.

El repertorio incluye composiciones de Wheeler, Warleigh, Sulzmann, Mick Pyne y Lee Konitz. “What Was” recupera a Wheeler a los 65 años, en plena madurez: menos impetuoso que en su juventud, pero todavía intenso, imaginativo y dueño de una extraordinaria belleza sonora.

MEDESKI, MARTIN & WOOD IT’S A JUNGLE IN HERE - New York, August 2-4, 1993 - Bemsha swing - Lively up yourself, It’s a jungle in here, Syeeda’s song flute, Wiggly’s way - Steven Bernstein (tp,flhrn) Josh Roseman (tb) Jay Rodriguez (ts,as) David Binney (as) John Medeski (org,p,el-hrn arr) Marc Ribot (g) Chris Wood (b) Billy Martin (d,perc)

Formado en 1991, Medeski, Martin & Wood encontró rápidamente una identidad propia al combinar la improvisación del jazz con la energía del funk, el soul y el hip hop. Su segundo álbum, “It’s a Jungle in Here”, grabado en Nueva York en 1993, fue decisivo en la consolidación de ese sonido que más tarde sería descrito como “avant-groove”.

John Medeski alterna piano, órgano y teclados eléctricos; Chris Wood aporta líneas de bajo flexibles y poderosas, mientras Billy Martin construye una base rítmica llena de cambios, contrastes y sorpresas. El trío no abandona la tradición, pero la utiliza con absoluta libertad. El repertorio incluye composiciones de John Coltrane y del músico nigeriano King Sunny Adé, además de una ingeniosa combinación de Bob Marley con Thelonious Monk.

El sonido del grupo se amplía con varios invitados: el trompetista Steven Bernstein, los saxofonistas Jay Rodriguez y David Binney, el trombonista Josh Roseman y el guitarrista Marc Ribot. Sus intervenciones aportan nuevos colores sin restarle protagonismo al trío.

“It’s a Jungle in Here” muestra a Medeski, Martin & Wood en plena búsqueda: irreverentes, rítmicos y capaces de tender puentes entre distintas tradiciones sin perder su originalidad.

FRANK KIMBROUGH MEANTIME - New York, December 7 & 8, 2014 - Alabama song, Twenty bars, Four by four, Last night when we were young - Frank Kimbrough (p) Andrew Zimmerman (ts) Chris van Voorst van Beest (b) R.J. Miller (d) Riley Mulherkar (tp)

Frank Kimbrough fue un pianista lírico y directo, atento a la melodía, al sonido y al valor expresivo de cada nota. Durante casi tres décadas ocupó el puesto de pianista en la orquesta de Maria Schneider y también participó en el Gil Evans Project de Ryan Truesdell. A esas experiencias se sumaron sus largas colaboraciones con el baterista Matt Wilson y el bajista Ben Allison, junto a quien integró el Jazz Composers Collective. De ese colectivo surgió también el Herbie Nichols Project, un celebrado homenaje a uno de sus pianistas favoritos.

Grabado en Nueva York en diciembre de 2014 y publicado originalmente en vinilo por Newvelle Records, “Meantime” reúne composiciones originales e interpretaciones de distintos autores. El álbum comienza con “Alabama Song”, la conocida pieza de Kurt Weill: el saxofonista Andrew Zimmerman expone la melodía con gran pureza y Kimbrough continúa con un solo intenso, pero cuidadosamente construido.

El quinteto se completa con Riley Mulherkar en trompeta, Chris van Voorst van Beest en contrabajo y R.J. Miller en batería. La música es contenida, espaciosa y profundamente colectiva, con arreglos que permiten apreciar tanto las voces individuales como la sensibilidad del conjunto.

La inesperada muerte de Kimbrough, en diciembre de 2020, dejó un enorme vacío en la comunidad jazzística de Nueva York.

LOREN STILLMAN TRIO ALTO, VOLUME 1 - New York, April, 2005 - Long ago and far away, Turn out the stars, Time remembered - Loren Stillman (as) Steve LaSpina (b) Jeff Hirshfield (d)

Nacido en Londres en 1980 y criado en Croton-on-Hudson, cerca de Nueva York, Loren Stillman comenzó muy joven su formación como saxofonista. Entre sus primeros maestros estuvieron Ted Nash, Dick Oatts y Dave Liebman, y en 2002 llegó a las semifinales del Concurso Internacional de Saxofón Thelonious Monk.

Aunque su carrera se ha concentrado principalmente en la composición original, en “Trio Alto, Volume 1” Stillman aborda el repertorio tradicional del jazz acompañado solamente por Steve LaSpina en contrabajo y Jeff Hirshfield en batería. Grabado en Nueva York en abril de 2005, el disco prescinde del piano y deja amplio espacio para el sonido claro y personal de su saxo alto.

El programa reúne clásicos como “All the Things You Are”, “What Is This Thing Called Love”, “Body and Soul” y “The Touch of Your Lips”. También incluye “Red Cross”, una pieza poco interpretada de Charlie Parker, y dos composiciones asociadas con Bill Evans: “Turn Out the Stars” y “Time Remembered”. El único original de Stillman es “The State of the World”, construido sobre una línea intensa en tonalidad menor.

LaSpina aporta un sonido amplio y solos melódicos, mientras Hirshfield sostiene al grupo con soltura y sensibilidad. Juntos consiguen renovar canciones muy conocidas sin perder su carácter esencial.