PuroJazz

BLUE MITCHELL – STEP LIGHTLY 

 

Hoy el trompetista Blue Mitchell tiende a ser desapercibido, a pesar de su innegable talento. Después de estudiar la trompeta en la escuela secundaria, a principios de los años 50 comenzó a viajar con bandas de R&B antes de regresar a Miami y al jazz. Allí atrajo la atención de Cannonball Adderley, con quien grabó en 1958. Ese año, se unió al Horace Silver Quintet , donde pulió sus habilidades de hard bop. En esa banda estaban el tenor Junior Cook, el bajista Gene Taylor, el baterista Roy Brooks y varios pianistas que funcionaron paralelamente como una unidad separada. Cuando Silver se disolvió, el quinteto spin-off de Mitchell continuó con Al Foster reemplazando a Brooks y una joven estrella futura Chick Corea en la silla del piano.

 

Blue Mitchell – Step Lightly – Englewood Cliffs, N.J., August 13, 1963

Sweet and lovely, Cry me a river

Blue Mitchell (tp) Leo Wright (as) Joe Henderson (ts) Herbie Hancock (p) Gene Taylor (b) Roy Brooks (d)         –

   

 

HANK MOBLEY – ANOTHER WORKOUT  

 

Henry (Hank) Mobley fue un saxofonista y compositor representante del hard bop. Su estilo ha sido caracterizado como un término medio entre lo agresivo y denso de John Coltrane o Sonny Rollins, y el suave y cool de Stan Getz o Lester Young. Su carrera estuvo sólidamente unida a los Jazz Messengers – pionero del hard bop- entones co-liderados por Art Blakey y  Horace Silver. Como solista, fue uno de los artistas principales del sello Blue Note a partir de la segunda mitad de los años cincuenta.

 

El LP “Another Workout” contiene cinco números, tres originales oscuros de Mobley, más “I Should Care” y “Hello Young Lovers”,  material no editado de la sesión de grabación de 1961 del disco de  Mobley “Workout”. Aquí lo acompañan el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Philly Joe Jones.  Hank Mobley estaba en un período privilegiado en esta época, así como todas sus grabaciones de Blue Note.

  

 

Hank Mobley  – Another Workout – Englewood Cliffs, NJ, December 5, 1961

I should care, Hello young lovers, Three Coins in the Fountain

Hank Mobley (ts) Wynton Kelly (p) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d)

 

 

CECIL TAYLOR – NEW YORK CITY R&B

 

El contenido de este breve disco presenta selecciones de tríos con Cecil Taylor y el bajista Buell Neidlinger, además del baterista Billy Higgins. La música es bastante avanzada para el período, aunque más accesible para el oyente promedio que las grabaciones posteriores de Taylor; se puede escuchar, incluso en forma abstracta, su conexión con la tradición bebop y con Duke Ellington, que abarca el tradicional jazz post-bop de “Jumpin ‘Punkins” y más intrigante es una versión de “Things Ain’t What They Used to Be” que no solo tiene a Taylor, Neidlinger, Higgins y Shepp, sino a Steve Lacy en soprano, el baritonista Charles Davis, el trombonista Roswell Rudd, y el trompetista Clark Terry, creando una mezcla muy interesante de estilos. 

 

Cecil Taylor – New York R & B – New York, January 10, 1961

Jumpin’ punkins, Things ain’t what they used to be

Clark Terry (tp) Roswell Rudd (tb) Steve Lacy (sop) Archie Shepp (ts) Charles Davis (bar) Cecil Taylor (p) Buell Neidlinger (b) Billy Higgins (d)

LARRY YOUNG MOTHER SHIP

Lo que John COLTRANE fue para el saxofón, Larry Young fue para el órgano Hammond: un innovador que se atrevió a ir a donde ningún otro músico había estado antes. Mother Ship se grabó en febrero de 1969, solo unos meses antes de que Young grabara dos álbumes importantes como acompañante: Bitches Brew, con Miles Davis, y Emergency, como parte de Tony Williams ’Lifetime. La música es en su mayoría altamente progresiva, y se extiende a lo largo de la división entre el jazz modal y el vanguardista, aunque también hay una pista seductora de bossa nova (“Love Drops”). Assisting Young es el trompetista Lee Morgan (en una de las sesiones más externas en las que ha participado), el saxofonista tenor Harold Morgan y el baterista Eddie Gladden. La sexta y última sesión del álbum de Young para Blue Note, Mother Ship fue finalmente lanzada en 1980.

Larry Young Mother Ship – Englewood Cliffs, N.J., February 7, 1969

Street scene, Visions

Lee Morgan (tp) Herbert Morgan (ts) Larry Young (org) Eddie Gladden (d)

CARLA BLEY – LIFE GOES ON

Life Goes On de 2020 es la cuarta grabación del trío de la pianista Carla Bley con el saxofonista Andy Sheppard y el bajista Steve Swallow. Es un álbum íntimo y lírico construido sólidamente en torno a la profunda conexión musical del grupo. Producido por Manfred Eicher de ECM, el disco encuentra a Bley y sus compañeros en un estado de ánimo relajado. El álbum consta de tres obras de varias partes que sirven como ideas temáticas conectadas libremente. El primer trabajo y tema principal, “Life Goes On”, es un blues amistoso y lacónico que Bley prepara para Swallow y Sheppard para luego unirse a una interacción lúdica de llamada y respuesta. Esto es seguido en la serie por “On”, una pieza lánguida de Thelonious Monk construida alrededor de un patrón cordal que desciende constantemente. El tercer movimiento de la pieza, “And On”, es interpretado con una resonancia oscura por Sheppard y recuerda una versión reelaborada de “Giant Steps” de John Coltrane.

Carla Bley – Life Goes On c. 2019

Life Goes On, On, And On, And Then One Day

Carla Bley (p) Andy Sheppard (st) Steve Swallow (e-b)

KIRK KNUFFKE – BRIGHTNESS LIVE IN AMSTERDAM

En Brightness Live in Amsterdam, Kirk Knuffke asume los papeles de director de orquesta / compositor, donde muestra su versatilidad bien afinada. En consecuencia, estos cuarenta y cinco minutos comienzan con él tocando notas suaves pero insistentes, el bajista Mark Helias y el baterista Bill Goodwin hacen lo mismo en sus respectivos instrumentos mientras el líder toma vuelo. Es un testimonio de los instintos individuales y colectivos del trío que dejan mucho espacio el uno para el otro mientras lanzan ideas de un lado a otro, y luego persiguen varios trenes de pensamiento hacia conclusiones lógicas en la espontaneidad de esos momentos particulares. La verdadera belleza de Brightness Live In Amsterdam puede radicar en el hecho de que el registro de otro concierto puede sonar muy diferente, pero igualmente satisfactorio.

 

Kirk Knuffke – Brightness Live in Amsterdam 2019

Rise, Odds, That’s A Shame

Kirk Knuffke (t) Bill Goodwin (dr) Mark Helias (b)

ART BLAKEY & THE JAZZ MESSENGERS – AFRICAINE

 

El disco Africaine fue grabado en noviembre de 1959, pero pasó 22 años languideciendo en las bóvedas de Blue Note antes de que el productor Michael Cuscuna lo rescatara y lo revelara al mundo en 1981. Lo importante del álbum es que no solo marcó el debut discográfico del saxofonista Wayne Shorter con The Jazz Messengers. Dado que es un disco potente y cohesivo, e incluye la primera versión grabada del clásico homenaje de Shorter a Lester Young, ‘Lester Left Town’, es un misterio por qué se pasó por alto el lanzamiento de  Africaine.

 

Art Blakey And His Jazz Messengers – Africaine – Englewood Cliffs, NJ, November 10, 1959

Lester left town, Celine

Lee Morgan (tp) Wayne Shorter (ts) Walter Davis, Jr. (p) Jymie Merritt (b) Art Blakey (d)

 

 

ARUÁN ORTIZ CON ANDREW CYRILLE Y MAURICIO HERRERA – INSIDE RHYTHMIC FALLS 

 

Durante mucho tiempo el brillante compositor y pianista Aruán Ortiz ha soñado  con hacer un álbum que evoque “una cascada de ritmos sobre mí, casi arrastrándome para caer”. Este sentimiento de ser superado por el ritmo es uno que él conoce bien. Nacido en 1973, Ortiz creció en Santiago de Cuba en Oriente, la provincia sudoriental de la isla y la cuna de la música afrocubana. El joven Aruán caminaba a la escuela todas las mañanas escuchando “una sinfonía global”: el sonido de las radios, el sonido de los músicos practicando y la gente hablando y riendo a todo volumen en sus apartamentos, cuyas ventanas siempre estaban abiertas a la calle.

 

Ortiz capta la sinfonía de la vida cotidiana en Oriente en su nuevo álbum, Inside Rhythmic Falls. Se basa en el changüí, un estilo de música de guitarra y tambor creado por esclavos en las refinerías de caña de azúcar de principios del siglo XIX, que fusiona la canción española con la percusión bantú; y la tumba francesa, un género introducido por esclavos de Haití. Pero en lugar de copiar estos estilos en un sentido literal, Ortiz los deconstruye, reconfigura y destila manteniéndolos discretamente presentes. 

 

El baterista Andrew Cyrille pasó una década como baterista de Cecil Taylor, y su fascinante llamada y respuesta con Ortiz a menudo recuerda sus celebradas colaboraciones con Taylor. Ortiz, que es en parte haitiano del lado de su padre, sospechaba que las raíces haitianas de Cyrille ayudarían a: “fusionar nuestro conocimiento y nuestros estilos”.   

 

(Las citas de Aruán provienen de las notas que escribió Adam Shatz en la contratapa del disco).

 

 

Mauricio Herrera, baterista, percusionista, vocalista y educador con más de 25 años de experiencia profesional,, es el tercer miembro del grupo que Ortiz congregó para el proyecto.  

 

Aruán Ortiz – Inside Rhythmic Falls NYC May 24 & 25, 2019

Conversation With The Oaks, Lucero Mundo (1), Golden Voice (Changüi)

Aruán Ortiz (comp/p/voz); Andrew Cyrille (dr); Mauricio Herrera ( perc/bongos/cowbells); 

Emeline Michel & Marlène Ramírez-Cancio (voz 1).”

 

 

STANLEY TURRENTINE – ZT’S BLUES

 

El saxofonista tenor Stanley Turrentine vió con frustración cómo Blue Note almacenaba sus grabaciones. Cuando dejó Blue Note en 1970, después de una década de permanencia con el sello, dejó ocho sesiones de grabación que no fueron publicadas.   ZT’s Blues, grabado en septiembre de 1961, fue la primera de las sesiones de Turrentine en ser interrumpida, pero finalmente vio la luz del día en 1985 después de que volvió a firmar con la etiqueta. Lo que hace que ZT’s Blues sea tan atractivo es que marca una colaboración poco frecuente entre Turrentine y el guitarrista Grant Green; ambos eran consumados maestros del groove a quienes el productor Alfred Lion consideraba altamente. Están en su mejor momento en esta sesión de siete pistas de hard bop y soul-jazz que también presenta al pianista Tommy Flan

JAZZ AT LINCOLN CENTER ORCHESTRA – BLACK, BROWN AND BEIGE 

 

Black, Brown And Beige, es una grabación reciente de la Jazz at Lincoln Center Orchestra con Wynton Marsalis que transmite todos los matices y la emoción del trabajo más grandioso de Duke Ellington. Desde su debut en 1943 en el Carnegie Hall, la pieza, un extenso estudio de la historia afroamericana, ha sido anunciada como una de las composiciones más importantes de la música orquestal estadounidense.

 

Fue registrada durante una presentación en vivo en el Rose Theatre en 2018. Black, Brown and Beige es la primera grabación de Marsalis de la obra, que cubre un mosaico no solo de estilos afroamericanos sino de otros estilos de música estadounidenses. La enérgica versión de la JLCO del trabajo épico de Ellington no solo rinde homenaje a algunos de los trabajos más personales del maestro, sino que agrega otro capítulo importante a su legado perdurable.

 

Jazz at Lincoln Center Orchestra –  Black, Brown And Beige New York 2018

Work Song, Come Sunday, Finale “Sherman Irby, Ted Nash (sa) Victor Goines, Julian Lee (st/cl) Paul Nedzela (bar)(bar) Dan Nimmer (p) Carlos Henriquez (b) Marion Felder (dr) James Chirillo (g) Ryan Kisor,  Marcus Printup, Kenny Rampton, (t) Elliot Mason, Kasperi Sarikoski, Sam Chess (tbn)  Wynton Marsalis (t/music director) Eli Bishop (violin) Brianna Thomas (vocals)”

 

 

JOEY ALEXANDER – WARNA 

 

Desde que Joey Alexander, el pianista indonesio de 11 años de edad, llamó la atención internacional en 2015 estaba claro que era un fenómeno. Tenía una técnica aparentemente ilimitada y una profunda comprensión de las canciones escritas décadas antes de que él naciera. Ya en el mundo del jazz con cinco álbumes en su haber a la edad de 16 años, Alexander claramente está trazando su propio camino.

 

Su último álbum, Warna, que significa “color” en su idioma nativo, es profundamente diferente de todo lo que ha lanzado antes; la interpretación de Alexander es menos llamativa y más tranquila que su trabajo anterior. El disco enfatiza sus composiciones  que tienen melodías sorprendentemente accesibles; incluyó también dos temas favoritos: “Fragile” de Sting y “Inner Urge” de Joe Henderson.

 

Lo acompañan el bajista Larry Grenadier, que apareció en el primer álbum de Alexander, y el baterista Kendrick Scott. El grupo se unió para una serie de actuaciones justo antes de la sesión de grabación y, aunque los tríos de jazz pueden tomar meses o años para desarrollar una identidad, suenan completamente conectados. Los tres se mueven juntos sin esfuerzo y se responden con rapidez.

 

Joey AlexanderWarna c 2019

Warna, Inner Urge, Affirmation I

Joey Alexander (p) Larry Grenadier (b) Kendrick Scott (dr)

 

 

JIMMY HEATH SEXTET – THE THUMPER 

 

Jimmy Heath a los 33 años hizo su debut discográfico como líder en esta sesión de Riverside que ha sido reeditada en CD en la serie OJC. El saxofonista tenor del hard bop está en forma superior contribuyendo con cinco composiciones originales (de las cuales “For Minors Only” es la más conocida) además de dos baladas estándares. Congregó un sexteto de estrellas: el cornetista Nat Adderley, el trombonista Curtis Fuller, el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Albert “Tootie” Heath, su hermano menor. Esta excelente sesión de finales de los años 50 se eleva por encima del nivel normal especialmente por la escritura de Heath. 

 

Jimmy Heath Sextet The Thumper – New York, November 27, 1959

For minors only, Who needs it ?, The thumper

Nat Adderley (cnt) Curtis Fuller (tb) Jimmy Heath (ts) Wynton Kelly (p) Paul Chambers (b) Albert “Tootie” Heath (d)

MAHALIA JACKSON THE ESSENTIAL MAHALIA JACKSON

Gospel tradicional y Black Gospel. La música góspel, música espiritual o música evangélica, es la música religiosa estadounidense que surgió de los cientos de iglesias protestantes evangélicas afroamericanas en el siglo XVIII que se hizo muy popular durante la década de 1930. A esta forma de cantar se la denominó de esta forma debido que era un canto evangélico para invitar a las personas hacia Dios. Las letras suelen reflejar los valores de la vida cristiana.

Para expresar su espiritualidad fuera de los himnos cristianos tradicionales, la música Black Gospel se basó en gran medida en los espirituales tradicionales que se habían transmitido desde los días de la esclavitud, recogiendo su énfasis rítmico más impulsivo del blues y el jazz. En las iglesias, la música es cantada tradicionalmente por un coro, con solistas individuales que a veces se destacan; esto a menudo sucedía en “llamadas y respuestas”, en la que el coro o el solista repetían o respondían lo que acababa de cantar el otro, con el solista improvisando adornos de la melodía para mayor énfasis.

Mahalia Jackson se convirtió en una de las cantantes de gospel más influyentes del mundo y fue reconocida internacionalmente como cantante y activista por los derechos civiles. Grabó unos 30 álbumes durante su carrera, incluyendo una docena de “discos de oro” con más de un millón de ventas cada uno.

“Canto la música de Dios porque me hace sentir libre”, dijo Jackson una vez sobre su elección del góspel, y agregó: “Me da esperanza. Con los blues, cuando terminas, todavía tienes los blues”.

PRIMERA PARTE

Mahalia Jackson The Essential Mahalia Jackson – 1954 – 1994

Trouble of the World, He’s Got The Whole World In His Hands, Walk To Jerusalem, Were You There?, Walk On By Faith, His Eye Is On the Sparrow, I Found the Answer, Take My Hand, Precious Lord, Joshua Fit the Battle of Jericho

Mahalia Jackson (voz) orquesta y coro

SEGUNDA PARTE

Mahalia Jackson The Essential Mahalia Jackson – 1954 – 1994

The Lord’s Prayer, My God Is Real, Just A Little While To Stay Here, When The Saints Go Marching In, You’ll Never Walk Alone

Mahalia Jackson (voz) orquesta y coro

KEITH JARRETT & CHARLIE HADEN – JASMINE

Keith Jarrett y Charlie Haden no habían tocado juntos en más de 30 años, cuando se juntaron durante “Ramblin ‘Boy”, una película documental sobre Haden y como se llevaron muy bien decidieron hacer más grabaciones sin resultado en mente. Las cintas, aunque se discutieron a menudo, permanecieron durante tres años antes de que se tomara la decisión de publicar algunas de ellas. Jasmine es una colección de canciones de amor; la mayoría son estándares interpretados por estos dos improvisadores estelares. Aquí no solo expresan emoción y belleza, sino que las descubren en cada momento de su actuación.

Keith Jarrett / Charlie Haden Jasmine – el estudio de la casa de Jarrett en Oxford, NJ, March, 2007

For all we know, Where can I go without you?, No moon at all

Keith Jarrett (p) Charlie Haden (b)

KEITH JARRETT & CHARLIE HADEN – LAST DANCE

Las nueve melodías de Last Dance se toman de las mismas sesiones de “Jasmine”. La capacidad de confianza de Haden para afirmar la nota correcta para cada frase ha sido durante mucho tiempo una marca registrada en su interpretación, pero la calidez que ofrece aquí es notable. La elegancia en la presentación de “Everytime We Say Goodbye” de Cole Porter revela la confianza de ambos en su interacción. “Last Dance” es una adición necesaria a Jasmine; desarrolla el discurso confiado, maduro, amable y elocuente en el lenguaje canónico que comparten estos dos maestros del jazz. “Goodbye” de Gordon Jenkins, un conocido tema de Benny Goodman, cierra el set, pero aquí es más lento, más emocionalmente resonante.

 

Keith Jarrett / Charlie Haden Last Dance – Oxford, NJ, March, 2007

It might as well be spring, Everything happens to me, Every time we say goodbye, Goodbye

Keith Jarrett (p) Charlie Haden (b)

DUKE ELLINGTON THE FEELING OF JAZZ

La banda de Duke Ellington, grabó The Feeling of Jazz en cuatro sesiones diferentes en 1962, cuando grababa regularmente para Columbia Records, y el sello tenía el mejor estudio de grabación de Nueva York, el famoso Studio C. Ellington presenta música que había grabado muchas veces, aunque las versiones realizadas aquí son ciertamente diferentes de otras anteriores aun disponibles. Es el clásico Ellington de los años 60 con un sonido de primera categoría. La Orquesta incluye entre otros a Paul Gonsalves, Johnny Hodges, Harold Baker y Jimmy Hamilton. The Feeling of Jazz representa una coyuntura crítica en la carrera de Ellington y , aunque el título no es ampliamente conocido, esta reedición conserva música con significado histórico.

The Duke Ellington Orchestra The Feeling of Jazz – New York, 1962

What Am I Here For, Take the ‘A’ Train, Black and Tan Fantasy, Jump for Joy

Duke Ellington, (p) Ray Nance, (t/cor/vln) Russell Procope, (sa/cl) Johnny Hodges, (sa) Jimmy Hamilton, (st/cl) Paul Gonsalves, (st) Harry Carney, (bari/cl) Cat Anderson, Bill Berry, Harold Baker, Roy Burrowes, (t); Lawrence Brown, Chuck Connors, Leon Cox, Buster Cooper, (tbn) Aaron Bell,(b) Sam Woodyard, (dr)

PHIL HAYNES – ORIGINALS

El trío Day Dream vuelve a reunirse para su tercer disco en una década, esta vez enfocándose en material original. El grupo, compuesto por el baterista Phil Haynes, el bajista Drew Gress y el pianista Steve Rudolph, en una sesión que personifica el trío moderno de piano jazz. Cada uno ha afinado una voz singular y distintiva sin ataduras de distinciones categóricas de género o estilo. Phil Haynes, un baterista veterano con un espíritu aventurero, aparece en más de 65 lanzamientos en numerosos sellos discográficos estadounidenses y europeos. Sus credenciales de grabación incluyen a muchos de los músicos seminales de esta generación: Anthony Braxton, David Liebman, Dave Douglas. Él y Gress han trabajado juntos desde sus primeros días en Nueva York a mediados de los años 80. Haynes conoció a Rudolph hace poco 20 años.

Day Dream Trio Originals c 2019

Wedding Waltz, Beloved Retracted, Afterward

Phil Haynes (dr) Drew Gress (b) Steve Rudolph (p)

BUDDY DEFRANCO – MR. CLARINET

Los admiradores de Buddy DeFranco a menudo se han preguntado por qué la popularidad del clarinete como instrumento de jazz disminuyó considerablemente después de la Segunda Guerra Mundial y la era del swing. Curiosamente, más improvisadores no han aplicado las ideas de Charlie Parker al clarinete, y por qué el clarinete suele estereotiparse como un instrumento de swing / Dixieland / jazz clásico en lugar de un instrumento bebop, post-bop, vanguardia, soul-jazz o fusión. ? Tal vez tenga algo que ver con las exigencias del clarinete: es un instrumento difícil de dominar, y se vuelve aún más exigente cuando se trata de las complejidades del bop. Pero esos desafíos nunca detuvieron a DeFranco, que tenía 30 años cuando grabó Mr. Clarinet para Verve en 1953, época en que fue aclamado como “el Charlie Parker del Clarinete”, y está a la altura de ese título en este excelente álbum ( que cuenta con Kenny Drew en el piano, Milt Hinton en el bajo y Art Blakey en la batería). DeFranco se negó a dejar que la evolución del clarinete terminara con Benny Goodman, Sidney Bechet y Barney Bigard se empecinó para hacer que fuera relevante a la escena bebop de 1953.

 

Buddy DeFranco Mr. Clarinet – New York, April 15, 1953

It could happen to you, Show eyes, Bass on balls

Buddy DeFranco (cl) Kenny Drew (p) Milt Hinton (b) Art Blakey (d)

COLEMAN HAWKINS – ALL STARS

En su sesión de estrellas de 1944, Coleman Hawkins demuestra una y otra vez por qué su sonido no es solo el epítome del jazz, sino que siempre es atemporal. Coleman Randolph Hawkins (21 de noviembre de 1904 – 19 de mayo de 1969), apodado “Hawk” y, a veces, “Bean”, fue uno de los primeros músicos de jazz prominentes en su instrumento, el saxo tenor; fue el primero en adaptar su método de improvisación al saxofón en lugar de imitar las técnicas del clarinete. La aproximación virtuosa y arpegiada de Hawkins a la improvisación, con su característico estilo tonal rico, emocional, ruidoso y cargado de vibrato, fue la principal influencia en una generación de tenores.] Mientras que Hawkins se hizo conocido con la música swing durante la era de las grandes bandas , tuvo un papel en el desarrollo del bebop en la década de 1940. En su sesión de todas las estrellas de 1944, Coleman Hawkins demuestra una y otra vez por qué su sonido no es solo el epítome del jazz, sino que siempre es atemporal.

Coleman Hawkins Septet Coleman Hawkins All Stars – New York, July 27, 1944

All the things you are (cs,eh out), Step on it, Riding on 52nd Street, Memories of you Charlie Shavers (tp) Edmond Hall (cl) Coleman Hawkins (ts) Clyde Hart (p) Tiny Grimes (g) Oscar Pettiford (b) Denzil Best (d)

RUFUS REID – ALWAYS IN THE MOMENT

El bajista Rufus Reid es un ícono; un enlace directo con los grandes, un maestro y mentor de toda una generación de músicos y una presencia titánica en innumerables grabaciones atemporales. Rufus, a los 75 años, nos muestra incansablemente un camino a seguir.

“Always In The Moment” [“Siempre en el momento”] es la tercera colaboración de Rufus con Newvelle Records, es un dúo con Sullivan Fortner que lanzó la suscripción de vinilo Newvelle Season Five en febrero de 2020. Fortner es quizás el pianista de jazz más singular de su generación. Nacido y criado en Nueva Orleans, ha ganado varios premios GRAMMY y se ha presentado en los lugares de jazz más emblemáticos del mundo, incluido el liderazgo de una banda en el Village Vanguard de Nueva York. Lo más importante, por supuesto, es que Sullivan es una voz única, que aporta algo completamente nuevo a la música.

La canción que le da título al disco, Always in the Moment, es tan moderna como cualquiera composición de jazz que se escriba hoy y, al mismo tiempo, es atemporal. Nos recuerda las “Variaciones Goldberg” de Glen Gould (la versión de 1981, por supuesto). No es el contenido melódico lo que hace que esta comparación parezca reveladora, es que ambas piezas brillan positivamente con la inmediatez y anticipación de cada nota sucesiva.

Rufus Reid / Sullivan Fortner Always in the Moment – New York c 2019

Always in the Moment, I Can’t Explain, The Peacocks, Sophisticated Lady

Sullivan Fortner (p) Rufus Reid (b)

BRANDON GOLDBERG – LET’S PLAY!

Brandon Goldberg, ahora de 13 años, comenzó a tocar el piano de oído cuando tenía tres años. Comenzó con clases clásicas a los cinco años, pero rápidamente encontró su pasión por el jazz y aprendió sobre la música y su historia al escuchar a sus artistas favoritos, incluidos Herbie Hancock, Bill Evans, Oscar Peterson, Charlie Parker, Miles Davis y John Coltrane, Sólo para nombrar unos pocos.

Brandon lanzó recientemente su álbum debut, “LET’S PLAY!” para obtener excelentes críticas obteniendo cuatro estrellas de la revista Downbeat y alcanzando el número siete en las listas de la Semana del Jazz. Acompañan a Goldberg músicos veteranos, Ben Wolfe en el bajo, Donald Edwards en la batería y el invitado especial Marcus Strickland en el saxofón tenor. El álbum tiene tres composiciones originales y seis estándares y está inspirado en pianistas que Brandon considera sus héroes: Thononious Monk, McCoy Tyner y Herbie Hancock.

Brandon Goldberg Let’s Play 2019

Well You Needn’t, You Mean Me, Angel Eyes, The Unders

STAN GETZ- RECORDED FALL 1961 – New York, September 12 & 13, 1961

Who could care ?, A nightingale sang in Berkeley Square, Love jumped out

Bob Brookmeyer (v-tb) Stan Getz (ts) Steve Kuhn (p) John Neves (b) Roy Haynes (d)

LEROY VINNEGAR LEROY WALKS ! – Los Angeles, July 15, 1957

Walk on, Would you like to take a walk ? (gw,te out,*), On the sunny side of the street

Gerald Wilson (tp) Teddy Edwards (ts) Victor Feldman (vib) Carl Perkins (p) Leroy Vinnegar (b) Tony Bazley (d)

KEITH OXMAN – TWO CIGARETTES IN THE DARK – Denver, CO, December 14, 2018

Voss is boss, Bossa for Baby (1)

Keith Oxman (ts) Houston Person (ts-1) Jeff Jenkins (p) Ken Walker (b) Paul Romaine (d) Annette Murrell (vcl)

KENNY DORHAM – UNA MAS

Una Mas, es un álbum del trompetista Kenny Dorham y su quinteto, lanzado en 1963 por Blue Note. Sería la penúltima sesión de estudio dirigida por el trompetista, ya que después de 1964, comenzó a desvanecerse y desaparecer del jazz. En ese época, Dorham aún no era muy conocido y sentía esta falta de reconocimiento. Sin embargo, muchos de los mejores músicos jóvenes se beneficiaron al tocar en sus grupos, y para probarlo, uno no necesita buscar más allá de la alineación en esta reedición del CD de 1963: el saxofonista tenor Joe Henderson, el bajista Butch Warren y, antes de que se unieran a Miles Davis, el pianista Herbie Hancock y el baterista Tony Williams. Juntos, el quinteto interpreta tres de los originales del trompetista (“Una Mas” es la más famosa) junto con la balada estándar “If Ever I would Leave You”. “Una Mas” es una melodía de 16 compases en un ritmo de bossa nova. Dorham explica: “Puedes cambiar a casi cualquier tipo de música cuando improvisas sobre esto, desde bossa nova a blues”.

 

Kenny Dorham Quintet – Una mas – Englewood Cliffs, N.J., April 1, 1963

Una mas, Straight ahead

Kenny Dorham (tp) Joe Henderson (ts) Herbie Hancock (p) Butch Warren (b) Tony Williams (d)

NOAH PREMINGER – MEDITATIONS ON FREEDOM

El saxofonista y compositor Noah Preminger que llamó la atención por su álbum conceptual, Meditations on Freedom, grabado un mes después de las elecciones presidenciales de 2016 y lanzado el día en que Trump asumió el poder en 2017. Acompañado por el bajista Kim Cass, el trompetista Jason Palmer y el baterista Ian Froman, Noah ofrece interpretaciones de canciones de Bob Dylan, Bruce Hornsby, Sam Cooke y George Harrison, así como sus propias canciones con conciencia social como “We Have A Dream”, “Mother Earth, “Women’s March” y “Broken Treaties”. “Decidí grabar un álbum de protesta, pensé que sería importante hacer un registro de las libertades que podríamos estar perdiendo”.  

Noah Preminger – Meditations on Freedom Roslindale, MA, December 17, 2016

Only a pawn in their game, Give me love (Give me peace on Earth), The 99 percent

Jason Palmer (tp) Noah Preminger (ts) Kim Cass (b) Ian Froman (d)

ANDREW HILL: PASSING SHIPS

La cinta máster de esta joya de álbum del pianista / compositor de Chicago Andrew Hill no se descubrió hasta 2001 y fue lanzada dos años después. Hill, cuya predilección por las melodías angulares invitaba a la comparación con Thelonious Monk, fue uno de los músicos más vanguardistas en aparecer en Blue Note y esta sesión lo encontró liderando un soneto que incluía una sección de trompeta de seis piezas en cuyas filas estaban los trompetistas Woody Shaw y Dizzy Reece, más el saxofonista Joe Farrell. Los poemas de tono progresivo de Hill destacan no solo su originalidad como compositor sino también su habilidad como orquestador. Por cierto, el baterista en la sesión fue Lenny White, de 19 años, que luego encontraría fama con el super grupo de fusión Return To Forever.

Check out: ‘Sideways’

Andrew Hill – Passing Ships – Englewood Cliffs, NJ, November 14, 1969

Noon tide, Yesterday’s tomorrow

Woody Shaw, Dizzy Reece (tp) Julian Priester (tb) Bob Northern (fhr) Joe Farrell(bass-fl,b-cl,sop,ts) Andrew Hill (p) Ron Carter (b) Howard Johnson (tu,b-cl) Lenny White (d) –