ROCK en Ingles

Made in Japan es un doble álbum en directo de la banda Deep Purple, grabado durante su primera gira en Japón, en agosto de 1972. Este trabajo, publicado en Reino Unido en diciembre de ese mismo año y en los Estados Unidos en abril de 1973, supuso uno de sus mayores éxitos comerciales y recibió principalmente buenas críticas.

La banda, conocida por sus bien reseñadas actuaciones, había retransmitido alguno de sus conciertos en la radio, pero no estaba entusiasmada con el hecho de grabar un disco en vivo hasta que la división japonesa de su discográfica remarcó que sería positivo para generar publicidad. El grupo, que aunque insistió en supervisar la producción y de contratar para tal tarea al ingeniero Martin Birch, no mostró particular interés en el lanzamiento del álbum, ni siquiera tras su grabación. La gira por el país nipón fue un éxito, con un fuerte interés de los medios y una respuesta positiva por parte de los aficionados.

El disco tuvo una buena acogida comercial, incluso en los Estados Unidos, donde le acompañó la buena recepción del sencillo «Smoke on the Water» que alcanzó el top 5 del Billboard Hot 100 y mantuvo unas ventas constantes a lo largo de la década de 1970. A pesar de su longevidad, el disco continuó recibiendo elogios y una encuesta a los lectores de la revista Rolling Stone en 2012 lo situó como el sexto mejor trabajo en directo de todos los tiempos.

Machine Head es el sexto álbum de estudio de la banda inglesa de hard rock Deep Purple, grabado en diciembre de 1971 en Montreux, Suiza, y publicado el 25 de marzo de 1972 a través de Purple Records.

Debido a que con anterioridad el grupo había grabado sus trabajos en el tiempo libre entre sus conciertos, en esta ocasión quiso disponer de más tiempo para grabar fuera del entorno típico de estudio, con la esperanza de obtener un sonido más cercano al de sus actuaciones en directo. Por ese motivo alquiló el estudio móvil de The Rolling Stones y reservó el casino de Montreux, sin embargo, durante un espectáculo de Frank Zappa el edificio ardió hasta los cimientos. El conjunto tuvo que recurrir al Grand Hôtel, cerrado durante el invierno, y lo convirtió en un local apto para grabaciones. Estos hechos, en especial el incendio del casino, sirvieron de inspiración para la canción «Smoke on the Water».

Machine Head es uno de los álbumes más comercialmente exitosos de la banda y llegó a la primera posición en países como Reino Unido, Francia o Alemania. Con el paso del tiempo sigue recibiendo reseñas favorables y varias publicaciones lo han situado como uno de los mejores de su género.

Fireball —en español: Bola de fuego— es el quinto álbum de la banda británica de hard rock Deep Purple, publicado el 15 de septiembre de 1971. Alcanzó el primer puesto de la lista de éxitos británica, siendo el primer disco de los tres que situaría la banda en esta posición.

La canción "Strange Kind of Woman" fue editada como sencillo y adelanto del disco, que alcanzó el octavo puesto en la lista de singles británica y que se convirtió en uno de los mayores éxitos del grupo, y una de las canciones fijas en sus conciertos. Esta canción, junto con "The Mule", son los dos temas del disco que aparecen en el clásico Made in Japan de 1972.

La mezcla de este disco quedó a cargo de Martin Birch, sonidista habitual de la banda. Además, el sonido de esta grabación busca volver a las influencias de la banda como el folk de "Anyone's Daughter", el blues de "No No No" y "Demon's Eye" y la música sinfónica de "Fools". A pesar del éxito, los integrantes de Purple (a excepción de Ian Gillan y Jon Lord) no consideran a Fireball como un gran disco. Durante la fiesta de los 25 años de Deep Purple y desde la partida de Ritchie Blackmore, en 1993, la banda ha incluido varias canciones en la lista de temas que ejecutan en sus conciertos.

El grupo alemán de rock progresivo Anyone's Daughter debe su nombre al tema homónimo presente en este disco.

Ritchie Blackmore lo dijo en su momento, nunca quiso ser el líder de ninguna banda; le dejó esa tarea a Jon Lord, cuando menos en la primera etapa, y el impulso del tecladista marca el sonido de esos tres primeros discos; el olvidado Mk I, una mezcla de pop, algo de música clásica y mucha furia contenida. La banda se estaba inclinando en una dirección en la cual Blackmore no se sentía muy cómodo; el estilo anticuado de Nick Simper y el registro vocal limitado de Rod Evans, fueron las primeras trabas en ser surcadas. Ian Gillan, podía llegar a notas jamás imaginadas y Roger Glover, impresionó tanto a la banda con sus arreglos y sugerencias, que prácticamente dio paso a un nuevo estilo, el sonido que Ritchie Blackmore estaba buscando.

Cuando la banda se formó, en 1968, la idea era tener un éxito radial, una gira y muchas chicas; y lo consiguieron, pero no tenían un estilo musical definido. Cuando salió el Led Zeppelin I, a Ritchie Blackmore se le prendió el foquito. Son bandas muy similares, y ese primer disco de Led Zeppelin tiene su toque pop, algo de psicodelia y mucho blues. Deep Purple, podía virar hacia un sonido más agresivo, algo que iban construyendo en los escenarios; la banda era casi instrumental, con un Rod Evans rebasado por las circunstancias, y relegado a un costado del escenario. La base del set-list entre 1968 y 1971, eran dos canciones largas, y los hits del disco de turno. Evans era una piedra en el zapato, y el vocalista tampoco se sentía muy cómodo, esperando pacientemente, a que termine la sección instrumental; muchas veces se limitaba a balbucear, en lugar de cantar. No tenía presencia escénica y finalmente, su salida de la banda fue un acuerdo de mutuo interés.

Mick Undewood, viejo amigo de Blackmore, juntos tocaron en The Outlaws, sugirió el nombre de Gillan, como un posible reemplazo para Rod Evans. En ese entonces Gillan ya tenía una sólida amistad con Roger Glover, y ambos pasaban gran parte de su tiempo componiendo canciones juntos. Le hicieron una audición, de esa sesión surgió un single: Hallelujah. Como no había otro bajista disponible, Glover asumió el rol, y él lo cuenta muy bien, se sintió tan cómodo tocando con ellos, que decidió unirse a la banda y fue la pieza decisiva en el disco, sentenciado de muerte a Episode Six, la banda en la cual Underwood, Gillan y Glover tocaban. Del deliro hippie al hard rock; el Mk II, resueltos todos los problemas legales ante el cambio de personal, la banda encontró un espacio en un centro comunitario y comenzaron a ensayar. Las canciones fueron un esfuerzo grupal y en conjunto decidieron repartir las regalías entre los cinco miembros de la banda.

De esas primeras sesiones, salieron dos canciones Kneel & Pray, la versión prototípica de Speed King y Child in Time, casi en su formato final. Lo que le faltaba a Deep Purple era una canción para abrir los conciertos, Kneel & Pray fue diseñada con esa intención, era una canción ruidosa, rápida y cruda, desplegando el poder de la banda. En estudio hay dos versiones, una primera toma, en la que destaca el piano, y la versión archiconocida que abre el In Rock, con una larga sección instrumental al inicio, bastante estridente y que fue omitida en la versión US. Es un clásico de todos los tiempos y la banda la siguió tocando, generalmente como un encore, hasta que Gillan se dio cuenta que ya no podía cantarla. Exige mucho a nivel vocal y representa muy bien todo lo que es Deep Purple: la eterna batalla entre la guitarra y los teclados.

Este disco, en teoría lo produjo la banda, en realidad lo hizo Roger Glover, y por eso tiene un sonido más sucio. Es parte de la santa trinidad del metal, porque este sonido, tendrá una repercusión cardinal en la música. Son cincuenta años, y un poquito, más; suena ligeramente arcaico, pero las canciones tienen mucha fuerza. La distorsión en la guitarra y en los tecleados, de por sí hacen una diferencia enorme con cualquier otra banda; sonido analógico, ya lo hemos olvidado, hoy todo suena a lo mismo lo empareja el ordenador. Bloodsucker, es proto-metal, adoro como Gillan canta, adoro como suena la batería, hay algo de psicodelia en el fondo, y esos solos que se van intercalando, es lo que define mi propia existencia. Siempre le voy a reprochar a la banda, nunca haber tocado estas canciones durante esa gira, tenía mucho potencial en vivo. La banda la volverá a grabar para el Abandon, y entró al repertorio habitual de canciones.

Child in Time es uno de los himnos de los años setenta, es de esas canciones que todo el mundo ha escuchando, por lo menos una vez, en su vida, y es prácticamente un plagio. Lo que siempre me fascinó de esta canción es la manera como Gillan canta, solo él la puede cantar y es ofensivo que lo haga alguien más, solo él llega a esas notas, y la cantó mientras pudo. En la gira del Stormbringer, Coverdale cantó algunos versos y también los hizo Joe Lynn Turner en la gira del controvertido Slaves and Masters. Es la guerra fría, la amenaza del desastre nuclear, la intervención en Vietnam; muchas canciones de ese momento reflejan lo mismo, es el caso de War Pigs de Black Sabbath, y Gillan también la cantó en su momento. La leyenda cuenta, que en esos primeros ensayos, en aquel centro comunitario, Jon Lord comenzó a tocar las primeras notas de Bombay Calling, canción del grupo It’s a Beautiful Day, le cambiaron el tempo y Gillan hizo el resto.

El lado B comienza con Flight of the Rat, que pudo funcionar muy bien en vivo, y este disco restituye a la perfección la fuerza bruta de la banda; tiene los mejores solos de Jon Lord. Esta canción se asemeja a una versión corta, de una de esas largas improvisaciones, por las cuales el grupo cimentó su reputación. Que yo sepa nunca la tocaron en vivo y es una verdadera pena, todavía sigo impresionado por lo ruidosa que es, con un solo de batería incluido, es una de esas canciones que escucho con bastante frecuencia. Después de todo, para ser un disco tan icónico, con una de las portadas más representativas de una era, estas canciones no son tan conocidas.

Aachen 1970

Into the Fire, es de las pocas canciones que entró al set, y la tocaron de manera regular, es doom; muy similar al estilo de Black Sabbath. Es un disco muy orgánico, fluye de manera muy natural y es una forma de condensar la furia escénica en estudio. Desde luego, uno de los aspectos más destacados, es la voz de Gillan, y la siguen tocando aunque Gillan ya no la logra, sigue siendo un gran vocalista y escribe muy bien, pero su rango vocal ahora es muy limitado. La banda ha cambiado mucho con los años, pero sigue siendo una atracción en vivo.

Living Wreck, es otra de esas canciones en las cuales Gillan muestra muy bien su versatilidad, fue el mejor vocalista, esta fue la mejor banda y dominaron el mundo. De esta canción existe una versión en vivo que grabaron para Top of the Pops y suena brutal, la guitarra salvaje de Ritchie Blackmore, dice el Dj, y ni hablar de los teclados demenciales de Jon Lord, la mejor dupla en la historia del rock. Realmente no deja de ser una pena, que sea una versión corta que termina en fade-out. Lo mismo podemos decir de Hard Lovin’ Man, grabada para un programa similar, y es la canción que cierra el disco.

Comienza un riff bestial, y el heavy metal se inspira bastante de todo esto; es una de las canciones más pesadas que tiene Deep Purple, y solo de Jon Lord es una verdadera brutalidad, muy parecido a todo lo que hacia en vivo, rara vez interpretada volvió al set para la gira del Rapture of the Deep, al igual que Living Wreck, en versiones no tan salvajes. Esto es metal, y no puedo definirlo de otra manera; es el disco más crudo y violento que tiene la banda, el Fireball ya tiene elementos progresivos y en el Machine Head predomina el blues, con ese sonido cristalino, que solo Martin Birch podía acuñar, y que define el estilo de toda la música que me gusta.

Black Night, la otra canción super conocida de la banda, no entró en el disco y la grabaron a pedido del sello discográfico, que necesitaba un single para promocionar. En todas las versiones ulteriores, la restituyen como parte del disco, y el In Rock, fue el primer álbum en ser remasterizado, en 1995, en medio de las conmemoraciones del 25 aniversario de la banda. Para esa ocasión añadieron todas las canciones que quedaron fuera: la primera versión de Speed King, Cry Free, una canción que grabaron y regrabaron hasta el cansancio y finalmente la descartaron porque a Blackmore nunca le gustó el resultado final; otra canción descartada fue la instrumental Jam Strew, que finalmente se transformó en Bullfrog, que figura el único disco grabado por Green Bullfrog.

New Live & Rare

1970 fue un año muy activo, mientras Gillan le daba los toques finales a Jesus Christ Superstar, Ritchie Blackmore, Ian Paice y otros destacados músicos de la escena, en dos sesiones, grabaron un disco por diversión. Es una verdadera rareza, tanto así que muchos pensaron que era un mito; y la susodicha canción tiene su lugar en la vasta colección de Deep Purple. En 1995, Roger Glover ayudó con la remasterización y remezcló tres temas: Flight of the Rat, Speed King y Black Night, restituyendo algunos diálogos en el estudio, dándole una atmósfera intimista al disco, un toque que aprecio en demasía.

El In Rock, es la piedra angular del metal; aquí comienza una historia, que narramos con cierta efusión. Es mi fascinación y nuestra pasión compartida; es uno de los mejores disco de Deep Purple, y el único del Mk II en el cual todo funciona a la perfección. En el Fireball, comienzan las rencillas y ya habrá tiempo contar todo eso.

Deep Purple, también conocido como Deep Purple III, es el tercer álbum de estudio de la banda inglesa de rock Deep Purple, publicado en junio de 1969 a través de Tetragrammaton Records en los Estados Unidos y en septiembre por Harvest Records en el Reino Unido. A su lanzamiento le precedió el sencillo «Emmaretta» y una gira por Inglaterra, cuyas fechas se intercalaron con las sesiones de grabación.

La música de este trabajo es principalmente una combinación de rock progresivo, hard rock y rock psicodélico, pero con un toque más pesado y con las partes de guitarra más pronunciadas que en el pasado, debido al incremento de composiciones del guitarrista Ritchie Blackmore y a la discrepancia sobre la fusión de música clásica y rock propuesta por el teclista Jon Lord.

El grupo comenzó su segunda gira por los Estados Unidos en abril de 1969 con poco apoyo de Tetragrammaton, casi en bancarrota, y sin un disco que promocionar, debido a un retraso en su fabricación. Durante los conciertos, el quinteto mostró un notable progreso como intérpretes y una dirección musical orientada hacia un sonido más pesado y fuerte que antes, sin embargo, las dudas sobre la compatibilidad del vocalista Rod Evans con la música hard rock provocaron que los otros músicos decidieran buscar un sustituto.

Este fue el menos exitoso de los tres álbumes grabados por la formación original y fue ignorado por los críticos tras su publicación, aunque reseñas posteriores fueron generalmente positivas y destacaron la variedad de estilos y los arreglos de las canciones.

The Book of Taliesyn es el segundo álbum de estudio de la banda inglesa de rock Deep Purple, grabado solo tres meses después del lanzamiento de su debut Shades of Deep Purple y publicado originalmente por Tetragrammaton Records en octubre de 1968, justo antes del comienzo de su primera gira por los Estados Unidos. Su nombre proviene del escrito del siglo XIV Libro de Taliesin.

Su estructura es similar a la de su antecesor, con cuatro canciones originales y tres versiones de otros artistas, sin embargo, aquí las pistas tienen mayor duración, los arreglos son más complejos y el sonido es más pulido. El estilo musical es una mezcla de rock psicodélico, rock progresivo y hard rock, con varias inserciones de música clásica arregladas por el teclista Jon Lord.

Tetragrammaton orientó su publicación hacia el mercado hippie, que en aquellos momentos era muy influyente en los Estados Unidos, aunque las ventas del disco y sus sencillos no fueron tan altas como esperaba. Este revés no impidió el éxito de la gira estadounidense, en la cual el grupo tocó en recintos y festivales de importancia, y que recibió buenos comentarios por parte de público y prensa. Por otra parte, en su país de origen el conjunto era desconocido y tocaba en pequeños clubes y universidades, y estaba ignorado por los medios. EMI no lanzó el álbum en el Reino Unido hasta junio de 1969, a través de su subsidiaria Harvest Records y a pesar de una gira en verano, sus ventas no aumentaron en el archipiélago.

Shades of Deep Purple es el primer álbum de estudio de la banda de rock inglesa Deep Purple, publicado en los Estados Unidos en julio de 1968 a través de Tetragrammaton, y dos meses después en Reino Unido por Parlophone. El álbum contiene cuatro canciones originales y cuatro versiones, y fue grabado en solo tres días. La música está orientada hacia el rock psicodélico y el progresivo, dos géneros en auge a finales de la década de 1960.

El álbum no tuvo una buena acogida en Reino Unido, donde se vendieron muy pocas copias que no le permitieron posicionarse en el UK Albums Chart. Por otra parte, en los Estados Unidos tuvo una buena acogida comercial gracias al sencillo «Hush», un tema compuesto por Joe South que alcanzó el cuarto puesto del Billboard Hot 100

Cuando la primera formación de Deep Purple se unió en 1967, la escena musical británica se encontraba en un momento de transición.2​ La música beat todavía era popular, pero los gustos de los jóvenes que compraban discos y llenaban los clubes fue cambiando rápidamente en beneficio del blues rock, el rock progresivo y el rock psicodélico.2​ En aquel tiempo surgieron bandas como The Moody Blues, Procol Harum y The Nice, pioneras en la combinación de música clásica con rock, con complejos y osados arreglos.2​ Al mismo tiempo, la psicodelia estaba haciendo progresos en la hedonista sociedad del Swinging London, donde grupos como Pink Floyd, The Pretty Things, The Jimi Hendrix Experience, Traffic y Cream experimentaron con diferentes formas de música rock inducidos por la droga,3​ similar a la subcultura hippie proveniente de los Estados Unidos.4​

En el verano de 1967, Chris Curtis, exbatería de The Searchers, aprovechó el momento de gran productividad en la escena musical británica para contactar al empresario londinense Tony Edwards con el objetivo de encontrar los recursos económicos para formar un nuevo proyecto al que llamaría Roundabout.5​ El nombre, traducido como "rotonda" o "calesita", significaba que el grupo estaría compuesto por miembros no permanentes con Curtis como vocalista y pilar central.6​ Edwards, impresionado por la idea, aceptó financiar y gestionar el proyecto con la ayuda de dos socios, Ron Hire y John Coletta; y fundaron para ello la empresa Hire-Edwards-Coletta (HEC).5​

En septiembre fue contratado el primer fichaje de Roundabout; Jon Lord, un organista de formación clásica que compartía piso con Curtis y que había sido integrante de The Artwoods.7​ Por aquellos momentos, Lord participaba con el grupo The Flower Pot Men, del que también formaban parte el bajista Nick Simper y el batería Carlo Little.8​ Lord le dijo a Simper y Little que se le unieran para alguna intervención eventual.9​ Ambos recomendaron la contratación del guitarrista Ritchie Blackmore,10​ cuya manera de tocar había impresionado a Curtis cuando The Searchers actuaron en Hamburgo, Alemania.11​ Blackmore había sido miembro de The Oulaws y participaba como músico de sesión con artistas pop y rock como Screaming Lord Sutch,12​ a través del cual conoció a Little. Curtis contactó con el guitarrista para que hiciera una audición y le persuadió para que regresara de Hamburgo, donde actuaba en pequeños locales.13​ Este retornó a Inglaterra para unirse a la agrupación en diciembre.9​ Mientras tanto, el comportamiento errático de Curtis y su repentino desinterés para el proyecto que había comenzado frenaron cualquier desarrollo,9​ lo que obligó a HEC en confiar a Lord y a Blackmore la tarea de encontrar a los restantes miembros para completar la formación.14​

Lord contrató a Simper como bajista oficial,15​ mientras que Blackmore reclutó al batería Bobby Woodman.16​ Este último recomendó al vocalista Dave Curtiss, quien rechazó la oferta debido al cumplimiento de otros compromisos.14​ Según Simper, también Ian Gillan, cantante de Episode Six y futuro integrante de Deep Purple, fue contactado para una audición, pero la declinó.

A estas alturas ya todos sabéis que el pasado viernes 13 se publicó en el mundo el nuevo disco de AC/DC, Power Up (o PWR/UP, que aun no lo tengo claro). Absolutamente todos los medios de comunicación musicales, pero también generalistas, se han hecho eco de la noticia estos días.

Y es que si lo piensas un poquito, hace tres o cuatro años, con la muerte de Malcom Young, la sordera de Brian Johnson y su sorprendente sustitución por Axl Rose, la retirada de Cliff Williams tras la gira de Rock Or Bust, y los problemas con la justicia del batería Phil Rudd, parecía que AC/DC eran ya historia para siempre.

Pero no, la mala hierba nunca muere. AC/DC han vuelto, por la puerta grande, y para darnos por fin una buena noticia a todos los rockeros en el final de este infausto año 2020.

Las canciones:

Pues las canciones ni las voy a diseccionar ni las voy a comentar una a una. Simplemente tenemos 12 nuevas canciones de AC/DC, que suenan exactamente a lo que tienen que sonar las canciones de AC/DC, con la misma aparente sencillez de los últimos casi 45 años. La voz cazallera de Brian Johnson se muestra en plena forma a sus setenta y tantos años (el estudio casi todo lo resiste, veremos si salen de gira….). La pareja formada por Cliff Williams y Phil Rudd sigue marcando el ritmo con sus sempiternos compases de cuatro tiempos; tan básicos como siempre pero contundentes como nunca. Al tristemente fallecido Malcom Young le sustituye de nuevo “el sobrino Stevie”. Y como siempre, a las guitarras y al baile del pato (yo creo que este hombre ya anda así por la calle), tenemos al incombustible líder supremo, Angus Young, que firma junto a su difunto hermano la autoría de todos los temas del disco.

La cuestión es que cuando escuchas las primeras notas de Realize el chute de adrenalina hardrockera y buen rollo es instantáneo. Cuarenta y pocos minutos después, cuando has acabado de escuchar Code Red, canción que cierra el disco, no tienes más remedio que volver a pulsar el Play y repetir la experiencia.

Cada cual tendrá sus temas favoritos. Los míos son Realize, Shoot In The Dark, Demon Fire, No Man’s Land y sobretodo Through The Mists Of Time ‒no sé cuántas veces habré escuchado ya esta canción desde que el disco se filtró unos 10 días antes de la fecha oficial de lanzamiento‒.

El caso es que el disco se pasa volando, se hace ameno, y te deja con ganas de más, que es de lo que se trata.

Power Up fue grabado en los estudios Warehouse de Vancouver, propiedad de Bryan Adams, durante la segunda mitad de 2018, y fue producido por Brendan O’Brien. Tanto él, como el ingeniero Mike Fraser, se hicieron cargo de la mezcla.

Tenemos pues exactamente el mismo line up, el mismo estudio y al mismo equipo técnico que grabó Rock Or Bust en el 2014, y con la excepción de la obligada sustitución del malogrado Malcom, también el mismo elenco que grabó Black Ice en 2008. Yo creo que este disco está claramente por encima de ambos.

La presentación de la edición que yo he comprado, que es la standard que verás en la mayoría de tiendas, es eso que ahora llaman un softpack. Es decir, una funda desplegable de cartón, en la que en un lado encontrarás el Cd y en el otro un libreto de 20 páginas bastante bonito y repleto de fotos de la banda. Eso sí, las letras brillan por su ausencia, aunque ya sabemos todos que las letras de los AC/DC actuales no encierran ningún misterio, así que no me parece un problema.

En resumen:

Nunca ha sido AC/DC de mis grupos de cabecera, ni soy ningún experto en la discografía de la banda, así que básicamente yo me tomo este disco como un buen augurio; si cuando todo parecía estar en su contra, AC/DC han vuelto, y precisamente lo han hecho en este aciago 2020 ¿Por qué no pensar que dentro de unos meses todos podremos volver a la vida que llevábamos no hace tanto?

Te imaginas querido amigo/querida amiga, que dentro de un par de veranos nos podamos reunir en los estadios de todo el mundo para volver a oír el tañido de las Campanas del Infierno, a sentir el saludo de los cañones o a cantar y bailar al ritmo de Highway To Hell o Shook Me All Night Long??? Pues este Cd es el primer paso para que eso suceda; un paso bien firme y en la dirección correcta.

Rock or Bust es el decimosexto álbum de estudio de la banda de hard rock australiana AC/DC. Fue lanzado internacionalmente como decimoquinto álbum de estudio de la banda y el decimosexto que se publica en Australia. Es el álbum de estudio más corto jamás lanzado por la banda; con menos de 35 minutos.

Rock or Bust alcanzó el puesto # 1 en 12 países, incluyendo Australia, Canadá, Alemania y Suecia. Alcanzó el top 5 en otros 12 países, incluyendo Nueva Zelanda, el Reino Unido, los Estados Unidos e Italia, Y se estima a día de hoy más de 8 millones de ventas

Este fue el último álbum de la banda con su vocalista Brian Johnson debido a su problema de audición siendo reemplazado en la gira por Axl Rose,el bajista Cliff Williams debido a su retiro y el baterista Phil Rudd que fue sustituido debido a problemas judiciales, esto hasta el regreso de los tres en 2020 para grabar el álbum Power Up.

Black Ice (En español: Hielo Negro), es el decimoquinto álbum de estudio de la banda australiana de hard rock AC/DC, publicado en 2008.1​

Supone el primer álbum en ocho años tras la publicación de Stiff Upper Lip en 2000, así como la mayor diferencia entre dos álbumes de estudio hasta la fecha. El álbum fue producido por Brendan O'Brien2​ y grabado y mezclado por Mike Fraser en The Warehouse Studio de Vancouver, Canadá.3​

El álbum ha tenido una gran aceptación y éxito entre los fanáticos y ha vendido 10 millones de álbumes en el mundo.