ROCK en Ingles

Simon & Garfunkel fue un dueto de folk rock compuesto por Paul Simon y Arthur "Art" Garfunkel. Simon y Garfunkel fueron uno de los grupos musicales más populares durante la década de 1960. Algunas de sus canciones más conocidas son «The Sound of Silence», «Mrs. Robinson» y «Bridge over Troubled Water».

Simon y Garfunkel se conocieron en la escuela primaria en Queens, Nueva York, en 1953, donde aprendieron a armonizar juntos y comenzaron a escribir canciones. En 1957, bajo el nombre Tom & Jerry, los adolescentes tuvieron un éxito menor con "Hey Schoolgirl", una canción que imitaba a sus ídolos, los Everly Brothers.​ En 1963, durante un período de creciente interés por la música folk en Estados Unidos, firmaron un contrato con Columbia Records (hoy Sony) como Simon & Garfunkel. Su álbum debut, Wednesday Morning, 3 A.M. se vendió mal y el grupo se disolvió. Simon emprendió una carrera en solitario, esta vez en Inglaterra.​ En junio de 1965, una nueva versión de "The Sound of Silence" apilada con guitarra eléctrica y batería se convirtió en un gran éxito, alcanzando el número uno en Estados Unidos. El dúo se reunió para lanzar un segundo álbum de estudio, Sounds of Silence y recorrió universidades en todo el país. En su tercer lanzamiento, Parsley, Sage, Rosemary and Thyme (1966), el dúo asumió un mayor control creativo. Su música apareció en la película de 1967 El graduado. Su siguiente álbum, Bookends (1968), encabezó la lista Billboard 200 e incluyó el sencillo "Mrs. Robinson" de la película, que alcanzó también el número uno.

La relación a menudo inestable del dúo llevó a desacuerdos artísticos que terminaron en su ruptura en 1970. Su último álbum de estudio, Bridge over Troubled Water, fue lanzado en enero de ese año, convirtiéndose en su lanzamiento más exitoso y uno de los álbumes más vendidos de la historia.​ Después de su ruptura, Simon lanzó varios álbumes aclamados, incluido Graceland de 1986. Garfunkel tuvo éxitos en solitario como "All I Know " y brevemente siguió una carrera como actor, con papeles principales en películas como Catch-22, Conocimiento carnal y Contratiempo. El dúo se ha reunido en varias ocasiones, la más famosa en 1981 para The Concert in Central Park en Nueva York, que atrajo a más de 500 000 personas.​ Simon & Garfunkel ganaron diez premios Grammy, y fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1990. Richie Unterberger los describió como "el dúo de folk-rock más exitoso de la década de 1960". Se encuentran entre los artistas musicales más vendidos, con más de 100 millones de discos.

Las características personales y artísticas de Bryan Adams le permiten ser admitido con derecho en el restringido círculo de los rockeros más auténticos que en los años ochenta han mantenido alta la bandera de su género, defendiéndola de influencias y contaminaciones estilísticas. Nacido en Kingston, Ontario, el 5 de noviembre de 1959, empezó en seguida a llevar una vida muy movida a causa del trabajo de su padre, un oficial enrolado en las fuerzas de la O.N.U. En aproximadamente diez años su familia se trasladó primero a Europa, residiendo en Austria, Inglaterra y Portugal, después en Israel, y finalmente en Medio Oriente. Cuando Bryan cumplió doce años, sus padres se divorciaron; confiado a la madre, se estableció definitivamente con ella y con su hermana en Vancouver, Canadá occidental. A los 16 años abandonó sus estudios, convencido de que el rock, por el que sentía pasión, era su camino; formó su primer grupo y empezó a actuar en los circuitos estudiantiles. Su buen hacer y su calidad le proporcionaron un contrato fijo de pocos meses en un club, donde su nombre empezó a ser conocido. En 1977, en una tienda de discos, tuvo lugar el histórico encuentro entre Bryan y Jim Vallance, un afamado músico de estudio que tocaba la batería.

La figura de Vallance fue fundamental para dar un sello a la futura carrera de su joven acompañante: su experiencia en el campo de la producción, su inmejorable preparación musical (estudió música en la universidad) y su desdén por el fulgurante ambiente del rock, resultaron ser el apoyo ideal. Jim y Bryan se dieron cuenta de inmediato de que podían unir sus talentos como autores de canciones, y su producción en este sentido es copiosa. Gracias al interés de Vallance, A&M Records, tras haber escuchado diferentes pruebas grabadas en cinta, le propuso un contrato discográfico a Adams, confiandolo al manager Bruce Allen. En febrero de 1980 Bryan se trasladó a Los Ángeles para grabar su primer álbum, titulado simplemente 'Bryan Adams'. El disco obtuvo un discreto éxito de crítica, y le animó a insistir en el mismo estilo, basado sobre sonidos cortantes y ejecutado sobre la base de una guitarra con inclinaciones hard. Ese mismo año emprendió una gira por Canadá, recorriendo durante meses los colegios y los locales menores. A&M confiaba en sus capacidades y para el álbum siguiente consiguió que el productor fuera el experto Bob Clearmountain, que había trabajado con The Rolling Stones, Springsteen y Roxy Music, entre otros. Las grabaciones se iniciaron en los primeros meses de 1981, y en junio apareció 'You want it, you got it'.

El impacto comercial esta vez asumió proporciones considerables, y también en esta ocasión Bryan partió con su banda, de la que ya formaban parte Keith Scott y Dave Taylor, a recorrer América septentrional, actuando como telonero de The Kinks, Foreigner y Loverboy (también canadienses). La gira y la respuesta favorable de un público cada vez más amplio le infundieron una gran confianza, hasta el punto de que para el tercer álbum, además de autor y guitarrista, asumió también el papel de productor, en compañía de Clearmountain. La grabación de 'Cuts like a knife' se inició en agosto de 1982 en los estudios Little Mountain Sound de Vancouver (como había sucedido con el disco anterior), y la publicación tuvo lugar en diciembre del mismo año. Las emisoras estadounidenses y canadienses lo radiaban continuamente, y a las pocas semanas el primer single, 'Straight from my heart' (posteriormente llevado al éxito por Bonnie Tyler y Anne Murray), entró en el Top Ten americano. La canción que le da título, promocionada por un videoclíp, arrastró el álbum hasta la consecución de un disco de oro. La actividad en directo se reveló como el componente más importante para Bryan, quien sobre el escenario desata una fuer za insólita para una persona esquiva y reservada como él. El contacto con sus fans asumió dimensiones mundiales: a finales del año siguiente Bryan actuó también en Europa y Japón, donde su gira agotó las localidades, con un total de 283 días en la carretera.

El éxito le acarreó numerosos premios y reconocimientos, entre ellos el Juno Award al mejor cantante masculino. The Pólice, grupo en auge del momento, le invitó para abrir sus conciertos en Australia y Nueva Zelanda a principios de 1984. Era el principio de un bienio formidable para el rockero canadiense, que empezó a ser conocido com el Boss del Canadá. La grabación de 'Reckless', su cuarto álbum, lo proyectó definitivamente: la grabación tuvo lugar con el habitual "equipo", y del álbum se extrajeron seis singles ('Heaven', 'Run to you', 'Somebody', 'Summer of '69', 'Kids wanna rock' y 'It's only love', con Tina Turner). El disco alcanzó en 1985 la primera posición de las listas de Billboard y, como anteriormente, le llovieron los premios: dos "Grammy Awards", un "MTV Video Award" y cuatro "Juno Awards" canadienses. A principios de ese mismo año participó en la sesión de 'We are the world' y en julio inauguró la parte americana del "Live Aid" en Filadelfia. La actuación fue una verdadera sacudida para los presentes y para millones de telespectadores, y ese concierto se convirtió en un motivo de orgullo para el rockero de Vancouver: "Debo haber tocado al menos en un millón de conciertos... Para mí entre los mejores estarán siempre la actuación de Live Aid, la del Giant Stadium de Nueva York con la gira de Amnistía y el Prince's Trust".

Esta breve lista da una idea precisa del compromiso social que siempre ha caracterizado al artista: antimilitarista convencido, Bryan no titubeo en unirse a los seis días de apoyo a Amnistía Internacional en el verano de 1986, que tuvo como protagonistas en Estados Unidos también a U2, Sting, Peter Gabriel y Joan Baez. 'No hago política, mi compromiso con Amnistía se debe a la importancia de los derechos humanos, y mi simpatía hacia Greenpeace está dictada por la voluntad de salvar el medio ambiente. Se da el caso de que me interesa el mundo en el que vivo'. Desvanecido el eco de 'Reckless' y agotados los compromisos en directo, Adams y Vallance se zambulleron en la preparación del siguiente álbum: en 1987 se publico 'Into the fire'. Se trata del trabajo más personal e introspectivo del artista, que explica así su idea: ''Into the fire' narra la historia de un muchacho que ha llegado a un recodo importante de su vida y no sabe si girar a la derecha, a la izquierda o recto. Ésta era precisamente mi situación mientras trabajaba en el disco'. De él se extrajo un single, 'The heat of the night', pero también son dignos de mención temas como 'Rebel' -grabado originalmente por Roger Daltrey- y 'Remembrance day', una oda a los soldados que han luchado por su libertad y la de otras personas.

Con una banda compacta (Daye Taylor al bajo, Mickey Curry a la batería, Keith Scott a la guitarra y Johnny Blitz a los teclados) en 1987 llevó a cabo su enésimo World tour. El grupo realizó un trabajo memorable, confirmando que la esencia del rockero Bryan Adams sólo se puede comprender verdaderamente tras haberlo visto dar el máximo sobre un escenario: 'Adoro ir de gira, me encanta el estímulo que supone estar cada noche en una ciudad diferente con un público nuevo. Mi idea dé la diversión es estar en la carretera con mi banda'. En el año 1988, en Werchter, Bélgica, Bryan realizó el que hasta ahora se considera su concierto más prodigioso, se trata del 'Live! Live! Live!', al cual asistieron más de 50.000 personas. En este, Bryan presenta un recordatorio de sus éxitos clásicos, sobre todo del 'Cuts Like a Knife' y el 'Reckless'. Originalmente se había dispuesto que el concierto seria transmitido por TV, pero tal fue el éxito alcanzado y la asistencia del público, que se decidió grabarlo en su totalidad y ser expuesto al mercado. En el año 1990 participa en el 'The Wall', uno de los mayores y más pagados conciertos-álbum de la historia, en el cual, muchos artistas del mundo del rock participaron junto al legendario Roger Waters. Bryan interpretó: 'Young Lust' y 'Empty Spaces' (la primera, interpretada en solitario, y la segunda, dueto junto a Roger Waters).

Hace cuatro años y en menos de lo que dura un suspiro, Lewis cambió de vida y trabajó. Mandó a paseo a Hollywood y se subió a una furgoneta para recorrer el mundo con tres tipos sudorosos, entre los que está su novio, con el deseo de convertirse en estrella de rock. Y en eso está. Tras dos discos con cierto éxito entre los amantes del rock duro, la actriz de, por ejemplo, El cabo del terror, nacida en Los Ángeles hace 34 años, se ha convertido en lo que siempre quiso ser. "Creo que esperé demasiado", confiesa Juliette mientras repasa sus labios con una barra de cacao. "Esto va en serio. La música siempre me ha aportado lo que necesito. No es tan dura la carretera; también yo sudo mucho".

"No es tan dura la carretera; yo sudo tanto como los demás del grupo"

Tiene una voz sexy. Grave, un poco afónica pero sensual. También, unos ojos grandes y expresivos. Entre dulces y peligrosos. Las habituales y manidas declaraciones de los cantantes de rock ("Me gusta conectar con el público", y todo eso) adquieren en boca de la actriz un significado verdadero. Sobre el escenario, Juliette es un animal salvaje: salta, suda, escupe, provoca... Una versión femenina de Iggy Pop. "En el rock hay un problema", explica muy seria. "El síndrome de la televisión. Muchos van a un concierto como quien ve una teleserie".

Para solucionarlo, cada noche Juliette salta desde el escenario y surfea entre la masa. "Utilizo mi cuerpo para encender la llama. Así es el rock and roll. A veces me corto, me tuerzo el tobillo..., cosas superficiales".

Al cine, dice, volverá seguro, pero ahora lo primero es lo primero: "Llevo un año y medio viviendo en un autobús. Y estamos grabando dos discos a la vez. Si me queda tiempo libre haré alguna película. En diciembre tuve un mes, pero con la huelga de actores se paró el proyecto".

A lo que no ha renunciado de su antigua vida de estrella de cine es a la Iglesia de la cienciología, la religión más cool de Hollywood. "Se dicen muchas tonterías sobre el tema. Para mí es una filosofía que fortalece. Una forma de conocimiento y yo soy muy espiritual. Además, es perfectamente compatible con el rock", bromea.

Juliette miró de reojo el reloj de una pequeña Blackberry, donde escribe las letras de sus canciones. Quedaban cuatro horas para su actuación en Madrid del miércoles junto a su grupo The Licks (los lametazos) -(hoy tocan en el Espacio Movistar de Barcelona)-. Hace años que en esa agenda electrónica los teléfonos de actores como Brad Pitt (que fue su novio) o Robert de Niro se mezclan con los de otros rockeros con los que sale de juerga: Iggy Pop, Lemmy, de Motörhead. "Pero me lo paso mejor haciendo el idiota con mi banda. Nos da igual todo y la liamos cuando nos da la gana. Nos han echado de los camerinos de la mayoría de las entregas de premios y festivales por hacer el imbécil. Y con razón".

La historia de Blackmore's Night se remonta a 1990 cuando Ritchie, entonces guitarrista de Deep Purple, conoció a Candice con la que compartía un apasionado interés por el Renacimiento.

Después de abandonar Deep Purple en 1993 y grabar un álbum con Rainbow llamado Stranger in Us All, en el que Candice intervino haciendo los coros, Ritchie comenzó a interesarse en la idea de llevar la música renacentista al público contemporáneo. En 1997 la pareja estaba preparada para empezar un nuevo conjunto. El nombre surgió de la unión de sus dos apellidos.

El álbum del debut, Shadow of the Moon fue un éxito inmediato, especialmente en Europa. Los álbumes siguientes, Fires at Midnight sobre todo, se caracterizaron por un incremento de música rock con guitarra sin perder una base de Folk rock. Con el paso del tiempo, Candice Night ha aumentado su participación, tanto como cantante cómo tocando un amplio abanico de instrumentos del Renacimiento.

El grupo actúa en ferias y festivales renacentistas y medievales. También hace conciertos en solitario en locales característicos ambientados con su estilo.1​ Así, hacen giras por castillos de Europa, donde tocan en ambientes históricos, para una audiencia a menudo vestida de época, como la gira realizada "Castle and dreams" (castillos y sueños).

Abordar la tarea de grabar un disco que no pareciera una pálida secuela del mítico Reign in blood debió ser algo intimidante incluso para sus creadores, que conscientes de lo difícil que iba a ser acercarse siquiera a tan venerable predecesor, parece que adoptaron la estrategia de tratar de evitar las odiosas comparaciones cambiando un poco el paso, como diciendo: “echemos un poco el freno, que vamos a toda hostia y ahora vienen curvas”. Así nadie les podría acusar del pecado universal de abusar de la fórmula del éxito.

Debo reconocer cierta deccepción cuando tras caer en mis manos descubrí que no era tan inapelable como Reign in blood, pero, al margen de las inevitables comparaciones con éste, creo que reúne suficientes ingredientes como para ser considerado uno de los más interesantes de Slayer. La producción es nuevamente impecable, si bien las guitarras suenan más nasales, con un toque extra en los medios que ofende mínimamente sólo si volvemos a compararlo con su hermano mayor "don Perfecto". Musicalmente South of Heaven es un poco más variado, aunque menos arrollador, y el que más se beneficia de la moderación general es Dave Lombardo, que encuentra sitio para desplegar esos redobles depuradísimos que lo situaron como número uno indiscutible de la época. Jeff Hanneman y Kerry King, como siempre magistrales en lo suyo, esos solos literalmente irrepetibles. El único pero lo sitúo en el torpe intento de Araya por entonar algunas estrofas. Hace mucho leí una entrevista con motivo de la aparición del disco en la que el propio Tom comentaba que para este álbum había aprendido a entonar. ¿Para qué?¿Qué necesidad había? El resultado de su nueva habilidad quedó plasmado en algunas frases de Behind the crooked cross, Live undead o Cleanse the soul. No llega a echar a perder las canciones, pero creo que les quita inspiración. Algo parecido le sucedió a Tony Portaro en Ticket to Mayhem. Hay que joderse, con lo bien que lo hacen estos tíos al principio. Debe ser que en algún momento se proponen vencer cierto complejo de "no saber cantar" y van a clase una temporada, para luego mandarlo todo a la mierda y volver a sus raíces furiosos por haber estado perdiendo el tiempo. El caso es que después de oir los berridos monocordes de Tom Araya en trabajos posteriores como Diabolus in musica o God hates us all yo me inclinaría por un "ni tanto ni tan calvo".

South of Heaven se me antoja el mejor tema de Slayer sólo después de Angel of Death. Me fascina su andar pausado que se jacta de atraparte sin necesidad de acelerar, algo que queda para misilazos como Silent scream, o Cleanse the soul. De los demás, hay un detallito que me produjo en su día repetidos subidones de adrenalina: la cara B del disco comenzaba con Ghost of war. Su introducción filtrada y a un volumen inferior, al principio parecía evidente, pero conforme iba transcurriendo mi cerebro siempre acababa convencido de que así era como sonaba el disco entero, hasta que de pronto “TATACHAN”. Truco simple y efectivo, y novedoso para la época. También incluye una versión de Judas Priest, Dissident aggressor, que, al contrario que otras versiones hechas por Slayer, es bastante fiel al original, aunque Araya elude acertadamente un más que probable batacazo omitiendo los grititos de Halford en el estribillo y dejando que sus compañeros entren al quite con unos tirones de cuerda aquí y allá.

Cuando al hervidero que era la escena thrashica de San Francisco a mediados de los ochenta se sumó esta pandilla de primos y hermanos medio filipinos cuyas edades oscilaban entre los catorce y los diecinueve años, los detractores del estilo aprovecharían para manifestar su desprecio argumentando que hasta unos críos podían practicarlo. Pero Death Angel no eran unos chavales normales. La destreza con la muñeca que exhibían Rob Cavestany y Gus Pepa no se obtiene únicamente a base de rendir homenajes a un póster de Samantha Fox o analizando a cámara lenta las interpretaciones más apasionadas de Ginger Lynn. No, estos tíos debían castigarse sobre todo en el garaje, venga a gastar púas y dando la brasa al vecindario, a la vez que provocando admiración entre los coleguillas del barrio.

El álbum está construido alrededor de los tres temazos que componían Kill as one, aquella contundente maqueta producida por Kirk Hammet: Thrashers, Kill as one y The ultra-violence (instrumental) son variados, complejos y sobre todo suficientemente largos (muy largos) como para albergar mogollón de riffs, cambios de ritmo y solos de pentatónico maullar, muy en la onda del Kill’em all de Metallica. Lo complementan Evil Priest, con ese riff a lo Fight fire with fire y un solo que recuerda bastante al de Ride the lightning (la canción), y Voracious souls, acerca de un festín caníbal con videoclip incluido. Las únicas un poquillo flojas son Final Death, a pesar de su final inquietante, y I.P.F.S, que no es más que otra instrumental formada por un par de retales que les quedaba por ahí: un poco de guitarra acústica y a continuación la demolición total del edificio.

Sintetizando lo absolutamente imprescindible se hace obligatorio escuchar el riff que abre el disco y The ultra-violence, la osada instrumental de diez minutos cuya introducción parece robada a Mike Oldfield ("Tubular bells... Tubular bells... trae pacá, que te vas a enterar..."). Quizá se excedieron un poco en el metraje, de hecho hay un trozo cerca del final en el que andan algo perdidos, aunque al final se recuperan. Es lo que tienen las maratones, y más si se corren como mediofondistas. Mención aparte merece el vocalista Marc Osegueda que con sólo diecinueve años parecía el primo de Zumosol, y que poseía un chillido revientacristales bestial, tan intimidador o más que los habituales bramidos guturales de sus competidores. Es de los pocos cantantes de música cafre capaz de moverse por esos registros tan altos sin llegar a sonar ridículo.

World Wide Live es el segundo álbum en vivo de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1985 a través de Mercury Records. A diferencia de Tokyo Tapes, solo contiene canciones grabadas con Matthias Jabs y además fue el primero de sus registros en vivo en ser lanzado en formato casete, disco compacto, doble disco de vinilo y en VHS. Por su parte, su grabación se realizó en cinco ciudades durante 1984 y 1985, dentro de la gira promocional de Love at First Sting.

En 2015 y por motivos de la celebración del cincuenta aniversario de la banda, tanto el disco como el registro audiovisual fueron remasterizados.

Love at First Sting es el noveno álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1984 en Europa a través de Harvest/EMI y en los Estados Unidos por Mercury Records. Con los años, se ha convertido en la segunda producción de estudio con más ventas de la banda, con tres millones de copias vendidas solo en los Estados Unidos.

El éxito del disco se debió en gran parte a la extensa radiodifusión de sus canciones, sobre todo de «Rock You Like a Hurricane» y de «Still Loving You», que se han convertido en unas de las más representativas de la banda. Esto les abrió las puertas a las listas musicales de otros países como Suiza, Austria y Nueva Zelanda. Por otro lado y al igual que algunos de sus anteriores trabajos, su portada fue censurada en ciertos mercados, ya que algunos distribuidores de la época no querían ponerlo en sus estantes por considerarla obscena.

En 2015 y con motivos de la celebración del cincuenta aniversario de la banda, el disco se remasterizó con cinco pistas adicionales y además se incluyó un segundo disco en vivo y un DVD.

Blackout es el octavo álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1982 en Europa y en los Estados Unidos a través de Harvest/EMI y de Mercury Records, respectivamente. Al momento de su lanzamiento, se convirtió en su disco más exitoso —superando así a Lovedrive— ya que se posicionó en los top quince de varios países, incluso obtuvo el primer lugar en Francia. Este ascenso comercial también se vio reflejado en su gira promocional, debido a que llegó a ser la más extensa hasta ese entonces, con más de cien presentaciones en más de diez países.

Durante su grabación Klaus Meine tuvo serios problemas con su voz, que obligó a la banda a grabar los primeros demos con el cantante Don Dokken. Tras dos cirugías y un riguroso entrenamiento, Meine pudo regresar a las sesiones con una voz más cristalina y con un rango vocal un poco más amplio. Esto le valió al disco ser considerado como uno de sus mejores trabajos de estudio, e incluso algunos críticos como Barry Weber de Allmusic, han mencionado: «que tiene más energía que cualquier otro de sus álbumes grabados».1​ Al respecto, la revista Kerrang! lo situó como el mejor álbum de 1982, mientras que en 2011 obtuvo la primera posición en la categoría mejor álbum de guitarra de 1982, realizado por la revista y sitio web Guitar World, sobre la base de una votación de sus lectores.2​3​

En 2015 y con motivos de la celebración del cincuenta aniversario de la banda, el disco se remasterizó con cinco pistas adicionales; una versión demo de «Blackout» y cuatro temas que fueron registradas durante el proceso de grabación, pero que fueron finalmente descartadas del listado de canciones original.

Grupo británico de pop rock, integrado originalmente por Syd Barret (Cambridge, Reino Unido, 1946), Nick Mason (Birmingham, id., 1945), Roger Waters (Cambridge, Reino Unido, 1944) y Richard Wright (Londres, 1945). El grupo pasó por dos etapas bien definidas, la primera con Roger Waters y Syd Barret como líderes creativos (papel que asumió el guitarrista David Gilmour cuando aquél fue expulsado por sus problemas con las drogas), y la segunda tras la marcha de Roger Waters.