Rocktopia

Dadas las fechas en las que estamos, nos sumergimos, como es de rigor, en nuestro particular repaso a los mejores discos que han aparecido por el programa durante el pasado año… No están todos los que son, pero sí son todos los que están. Con vosotros la primera parte de nuestro repaso al año 2012.

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Otro año más llega la Navidad, y nosotros hemos preparado un nuevo programa especial de canciones navideñas con marchamo de Rock. Panderetas y zambombas dejan paso a guitarras y baterías. Otra forma de tomarnos la Navidad. ¡Felices fiestas desde Rocktopia!

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Nos centramos en la era dorada de un género como el hard rock, en uno de los lugares donde explotó por todo lo alto en mitad de los ochenta. Viajamos mentalmente a Los Ángeles, a la época más rockera de California, y nos encontramos de bruces con unos de sus hijos predilectos: Dokken. La banda liderada por el cantante Don Dokken había sido fundada en 1976. Mucho trabajo, buenas dosis de confianza en ellos mismos, y numerosos conciertos en todo el circuito de clubes de la zona, hicieron que poco a poco Dokken llegaran al lugar que les correspondía, aunque eso no sucedió hasta la edición de su segundo disco. Después de las escasas ventas de su álbum de debut y de ser cesados por su anterior compañía de discos, la banda dispondría de una segunda y jugosa oportunidad, la que les brindaba la posibilidad de trabajar con ilustres como Roy Thomas Baker o Tom Werman, quien venía de triunfar grabando con Motley Crüe. El resultado en esta ocasión, aún siendo bandas muy diferentes, fue muy parecido en cuanto a número de ventas, y es que “Tooth & Nail”, el segundo trabajo de Dokken pondría a la banda californiana en el mapa de las listas de éxitos, vendiendo más de dos millones de copias en todo el mundo. La solidez de una sección rítmica de garantías como Mick Brown y Jeff Pilson; la melodiosidad vocal de Don Dokken y el espectacular guitarrista George Lynch no pasarían inadvertidos. “Tooth & Nail” era un perfecto ejemplo de lo que era el hard rock melódico, que no el AOR, en aquellos años…

Los mejores años de un género y los mejores años de un grupo mediatizado constantemente por las peleas de Don Dokken y George Lynch. Sin embargo los dos se llevaban bien con el resto del grupo, y la prueba de que eso era así, y de que disfrutaban haciendo música juntos, es la consecución de una nueva formación llamada T&N representando precisamente a las siglas de Tooth and Nail. Detrás de T&N encontramos a dos ex de Dokken: George Lynch y Jeff Pilson, junto a un miembro actual de la banda, el batería Mick Brown. Ellos unen sus fuerzas a Brian Tichy como segundo batería, contando con el propio Pilson como vocalista, para despachar un álbum como “Slaves To The Empire”, mitad fraguado a base de canciones de Dokken, mitad hecho a base de temas nuevos. Un auténtico alarde de cómo facturar el mejor heavy rock americano con tendencia melódica, pero de forma absolutamente compacta y brillante. Colaboraciones a la voz, de Tim “Ripper” Owens, Sebastian Bach o el gran Doug Pinnick. Un magnífico álbum de hard americano.

(Además esta semana en Rocktopia: ROYAL HUNT, ANDRE MATOS, JOE STUMP, WARNOT, PRESTO BALLET y KOTIPELTO/LIIMATAINEN)

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Historias de inquietud juvenil para abrir la edición de hoy de Rocktopia. Inusual, la capacidad de cuatro chavales venidos desde Suecia y que se llamaban Mind’s Eye. En aquel año 1994, los componentes del grupo contaban con edades que iban tan solo desde los 15 a los 20 años. Auténticos enamorados de la música en edad muy temprana, quienes no solo compondrían e interpretarían estas canciones que completaban su primer disco, sino que además las grabarían y producirían. Todo un hito para unos chavales completamente centrados en su mayor pasión: la música. Una música, la suya, que como era normal adolecía de muchas cosas a falta de experiencia y madurez, pero que sin embargo resultaba sorprendentemente presentada, dado el escasísimo bagaje de la banda. Mind’s Eye editaban en 1994 “The Afterglow”, su disco de debut, emergiendo desde Suecia, pero con el componente latino de contar con los orígenes chilenos y uruguayos del batería Daniel Flores y el cantante Germán Pascual, respectivamente. Pecados de juventud, signos de bisoñez, aunque no tantos como cabría esperar y muy perdonables dada la entrega del grupo. Luego Mind’s Eye se convirtieron en uno de los combos de metal progresivo más interesantes de su país. Pero antes, en ese año 94, aún se devanaban entre las influencias notorias de bandas como Queensrÿche y Dokken. Para muestra una canción como “Andromeda”. Es nuestro disco del recuerdo…

Ese vocalista de tan solo veinte años, y que a pesar de ello mostraba no pocas capacidades, Germán Pascual, ha continuado su carrera después de salir de Mind’s Eye durante los primeros años de existencia de la banda. Germán Pascual ha prestado sus servicios para grupos de metal neoclásico como Narnia o Divinefire, sin embargo, después de tantos años, finalmente ha decidido grabar sus propias canciones a título propio, y bautizar su primer disco con el nombre de “A New Beginning”. Lo cierto es que no esperábamos algo especialmente relevante de él, sin embargo Germán Pascual nos sorprende con un lanzamiento que supera con creces cualquier cosa que haya hecho hasta el momento, para presentarnos un álbum de mastodóntico metal melódico, técnico y tremendamente poderoso, basado en una sonoridad impactante, donde los riffs de guitarra y la base de ritmo resultan aplastantes, mientras la voz ya muy experimentada de Germán Pascual se luce a base clase y vigor. Una especie de compendio estilístico de lo que podrían ser Nevermore, Dio, Symphony-X o los Black Sabbath de Tony Martín. Así es el disco en solitario de debut de Germán Pascual, y canciones como “The Wrath Of God”…

(Además esta semana en Rocktopia: SPEAKING TO STONES, PAUL GILBERT, LYNYRD SKYNYRD, Y&T y 42 DECIBEL)

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Algunas veces, tal vez demasiadas, hay discos que pasan inadvertidos para público y crítica. Al menos hay ocasiones en las que esa situación se revierte pasado un tiempo y finalmente se hace justicia. Eso fue lo que ocurrió con aquella reunión de músicos que grabaron Temple Of The Dog en 1991. Chris Cornell, vocalista de Soundgarden, ponía en marcha este proyecto desde la más absoluta sinceridad y ninguna pretensión económica. Temple Of The Dog era un combo concebido para el sentido homenaje de un puñado de músicos de Seattle, los cuales querían despedir a su colega Andrew Wood, cantante de Mother Love Bone, quien acababa de morir de una sobredosis de heroína. Quizás por eso las canciones de Temple Of The Dog aparecían mucho más relajadas, profundas y lentas que las de Soundgarden o Pearl Jam, únicas bandas que aportaban protagonistas al proyecto, aún cuando Pearl Jam ni siquiera existía como tal en ese momento. El disco vería la luz en Abril de aquel año 1991, sin embargo la recepción fue muy minoritaria. Más de un año después, y aprovechando el tirón de popularidad ocasionado por el primer disco de Pearl Jam, Temple Of The Dog sería relanzado llegando al puesto número 5 de las listas de ventas americanas, y haciendo que críticos musicales como David Fricke de la Rolling Stone señalara que Temple Of The Dog se “merecía la inmortalidad”. Probablemente el momento más álgido de todo el disco se producía con la canción “Hunger Strike”, y el dueto vocal entre Chris Cornell y Eddie Vedder, quien se encontraba en Seattle haciendo precisamente las audiciones para convertirse en cantante de Pearl Jam. Es nuestro disco del recuerdo, Temple Of The Dog y su álbum homónimo.

El gran Chris Cornell se ha ido convirtiendo con el paso de los años en uno de los vocalistas más carismáticos de toda la escena norteamericana. Tras la ruptura de Soundgarden en 1997 pasó a desarrollar su propia carrera en solitario, además de formar parte de la superbanda Audioslave. En la primavera de 2010 Soundgarden anunciaban su vuelta a la actividad con actuaciones en directo como la que los llevo a tocar en Lollapalooza. Discos recopilatorios, maduración de ideas y darle tiempo al tiempo. Eso es lo que han hecho Soundgarden hasta llegar a “King Animal”, su nuevo y flamante disco. El primero después de 16 años. Los tiempos cambian y Soundgarden no son ahora lo que eran en los primeros noventa. Aunque “King Animal” suena como una adaptada versión de lo que debe ser la banda después de tantos años. Convirtiéndose en un sumatorio de lo que fueron entonces, de lo que han significado sus carreras separados desde entonces y también de las nuevas aportaciones, para que quede la sensación de que no han cambiado tantas cosas. Aunque eso sí, estos Soundgarden del nuevo siglo suenan con más clase que nunca. Los hemos echado de menos, porque es lo que siempre ocurre con las bandas que garantizan buena música, por eso es nuestro disco de portada…

(Además esta semana en Rocktopia: BAD SUGAR, JUST LIKE VINYL, DANIELE LIVERANI, STEVE HACKETT, TEODOR TUFF y PROTOTYPE)

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Drogas, alcohol, ego y desavenencias. Esas fueron las principales causas de ruptura para Aerosmith en 1979. La banda venía de cosechar el éxito más rotundo desde su irrupción en el panorama norteamericano en 1973. La dupla Joe Perry / Steven Tyler se rompía durante la grabación del disco “Night In The Ruts”, con el guitarrista huyendo despavorido en busca de su propio grupo, al cual bautizó con el nombre de The Joe Perry Project. Perry se daría prisa, y en poco tiempo había montado una banda con muchas de las señas de identidad de los propios Aerosmith. Y es que ese poso de hard rock y blues inspirado en nombres clásicos como los Yardbirds o Rolling Stones seguía siendo una dominante en el sonido de la nueva formación comandada por Joe Perry. En 1980 The Joe Perry Project ponía en circulación el álbum “Let The Music Do The Talking”, en clara referencia a sus ex-compañeros, a los que retaba en un supuesto duelo musical. Desde luego que Perry hubiese ganado esa inexistente competición , ya que “Let The Music Do The Talking” era todo un discazo que dejaba en mantillas lo que por otro lado estaban fraguando unos Aerosmith ya sin él. El material era tan en la onda de su vieja banda y era tan inspirado, que incluso la canción título sería incorporada al disco de vuelta de Perry a la banda años más tarde. “Let The Music Do The Talking” se hubiese convertido en un auténtico clásico si tan solo hubiese sido editado bajo el nombre de Aerosmith y sin embargo permanece injustamente infravalorado. Es nuestro disco del recuerdo…

Cuando la salud física y mental volvió a su curso, los gemelos tóxicos, Joe Perry y Steven Tyler recuperaron el nombre de Aerosmith para mayor gloria de las listas de éxitos. Una carrera plagada de hits, con más de 150 millones de discos vendidos en todo el mundo. Una longeva carrera que llega hasta nuestros días con la edición de “Music From Another Dimension!”, el primer disco completamente original de la banda de Boston en nada menos que once años. Un parón discográfico que no se ha correspondido con la inactividad en los escenarios, y es que Aerosmith han estado girando prácticamente cada año, sobre todo en Norte América, durante la última década, y eso se hace notar en estas canciones que aparecen frescas y radiantes. La cosas parecen estar medianamente bajo control. Una muestra de ello es que Perry y Tyler han conseguido sentarse a componer solos y juntos, por primera vez desde 1993. Los créditos de composición han sido repartidos entre todos los miembros de la banda, y también la ayuda externa de especialistas como Jim Vallance o Desmond Child. Producción de Jack Douglas, como en los primeros discos de la banda en los setenta. Todo para que “Music From Another Dimension!” suene absolutamente clásico. “Out Go The Lights” es una de las dos canciones escritas por los gemelos tóxicos y un claro ejemplo del buen estado de forma de Aerosmith. Es nuestro disco de portada, como no podía ser de otra manera…

(Además esta semana en Rocktopia: RICK SPRINGFIELD, SOLEIL MOON, ALEXANDER SCHÄDLER, NEIL MORSE, PERIPHERY y DARKSUN)

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La leyenda del hombre del espacio para alumbrar los primeros minutos de Rocktopia esta semana… La historia detrás de Paul Daniel Frehley, más conocido con el nombre de Ace Frehley, el hombre que durante su época dorada interpretó el papel de “Spaceman”, el hombre del espacio, en los más glamurosos Kiss.

En 1982 Ace Frehley abandonaba a unos Kiss que estaban a punto de desmaquillarse, sin embargo no fue hasta 1987 cuando grabaría su primer disco en solitario después de dejar al grupo, y su segundo disco oficial bajo su solo nombre. Aquel álbum quería ser el principio de una carrera regular con su propia banda, cosa que nunca sucedió, ya que Ace Frehley no terminó de darle continuidad al proyecto. Sin embargo la cosa no pintaba mal para su “Frehley’s Comet” de aquel año 1987. Disco que contaba con la producción del gran Eddie Kramer y la aportación de varios compositores entre los que destacaba Russ Ballard, además de disponer de una banda de respaldo de suficientes garantías y, por qué no, una imagen perfectamente en boga para la época. Cosa que entonces contaba, y bastante… Sin embargo apenas hubo futuro para la banda de Ace Frehley, a pesar de su más que digno disco de reinicio.

Fácil conexión entre nuestro disco del recuerdo de hoy y el álbum de la semana en el programa. Y es que el disco importante de Rocktopia es el nuevo de los legendarios Kiss. No se han hecho tanto de rogar como en otras ocasiones, y tres años después de su anterior obra, Gene Simmons y Paul Stanley nos traen “Monster”, acompañados por los miembros fijos del grupo desde hace tiempo, Tommy Thayer y Eric Singer. Los cuatro juntos han fabricado un disco repleto de guiños al pasado, con gran carga de crudeza rockandrollera. Un vistazo al pasado, a los viejos tiempos de los zapatos de plataforma, en los cuales se siguen basando hoy, aún cuando tanto Simmons como Stanley son ya sexagenarios. Sin embargo en su caso un disco como “Monster” suena tremendamente creíble y coherente, y mucho más comprobando lo democrático del trabajo, con espacio para canciones cantadas y compuestas por los nuevos miembros de la banda. “Back To The Stone Age” de hecho, está escrita por todos los miembros del grupo, y se trata de las más sleazy de todo el lote. No hay discusiones cuando se habla de una eminencia de tan descomunales proporciones. Por encima del bien y del mal… “Monster”, lo último de Kiss.

(Además esta semana en Rocktopia: DOKKEN, TEN, JOHN-5, DEVIN TOWNSEND PROJECT, KATATONIA y STRATOVARIUS)

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Hoy comenzamos Rocktopia con uno de esos discos que realmente marcan una época, por lo menos para un género determinado. Una pieza maestra llamada “Operation: Mindcrime”. La banda de Seattle, Queensryche, venían de un trabajo bastante innovador titulado “Rage For Order”, pero en aquel año 1988 llegarían al que seguramente fue su punto definitivo de creatividad en forma de disco conceptual, con una imaginería similar a la del libro de George Orwell “1984”. Así nacía “Operation: Mindcrime”, una piedra filosofal para el metal técnico y fuente de inspiración para montones de bandas que mencionan este trabajo como una referencia infaltable.

La producción espectacular de Peter Collins, quien venía de trabajar con Rush, resultaba ideal para presentar esta avalancha de canciones dramáticas, elegantes, épicas y de cargada crítica social. El álbum se abría por todo lo alto con una introducción dramatizada y “Anarchy-X”, la muralla sónica de metal aristocrático que daba paso “Revolution Calling”. Después de aquello ya nada volvería a ser igual. Queensryche habían sentado cátedra.

El presente de Queensryche no escribe páginas tan esplendorosas como las de aquellos discos de final de los 80s y principios de los 90s. Tanto es así que Geoff Tate, el carismático cantante de la banda, se vio fuera del grupo la pasada primavera después de desagradables cruces de declaraciones e incluso insultos. El caso es que Geoff Tate se ha dado prisa para poner en orden su nueva andadura musical, y en los próximos días se edita su segundo disco en solitario y el primero desde que fue invitado a salir del grupo. El álbum se llama “Kings & Thieves” y, contrariamente a lo que sucediera en su primer esfuerzo en solitario, representa una línea continuista muy clara con respecto a lo que estaban siendo los últimos trabajos con Queensryche. De hecho la producción resulta más brillante y espaciada que éstos, de tal manera que en ese aspecto recuerda, aunque sea sónicamente, a los Queensryche de tiempos pasados. “Kings & Thieves” parece muy a las claras una forma de reivindicación, de dar primero en esa lucha que mantiene ahora con sus ex-compañeros. Así nos encontramos con canciones como “The Way I Roll” la cual perfectamente podría haber sido incluida en el último disco de Queensryche.

(Además esta semana en Rocktopia: SPHERIC UNIVERSE EXPERIENCE, NEAL SCHON, PRIDE OF LIONS, BLACK COUNTRY COMMUNION y ROBERT CRAY)

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Historias de músicos buscando desesperadamente su lugar en el planeta música. Como le ocurría a Graham Bonett al salir de grupos con liderazgo desmedido por parte de sus guitarristas, como era el caso de Rainbow y el Michael Schenker Group… El vocalista inglés saldría mal parado en ambas ocasiones, hasta que decidió montar su propia banda, eso sí, acompañado de músicos de talento. Y así es como formó Alcatrazz. Un combo afincado en Estados Unidos y que contó en un principio con la marcada presencia de guitarristas de nuevo cuño, los cuales utilizaron a Alcatrazz como trampolín hacia cotas mayores. Ese fue el caso de Yngwie Malmsteen , primer guitarrista del grupo, y eso sucedería también con Steve Vai, quien a pesar de ser un músico joven pero experimentado al lado de Frank Zappa, vio en Alcatrazz la manera de extender su nombre a audiencias más comerciales.

Producido por todo lo alto por el legendario Eddie Kramer, en 1985 se publicaba “Disturbing The Peace”, el segundo larga duración de Alcatrazz. La presencia de Steve Vai se hacía notar, y la mayoría de las canciones aparecían firmadas por él, aportando ese sello inconfundible de componer, el cual se pondría poco después de manifiesto en su participación con el grupo de David Lee Roth. “Disturbing The Peace” se alejaba de los horizontes más épico-hard-rockeros de la primera obra, y se adentraba en terrenos bastante más arriesgados para un público hard-melódico, que no terminó de entender la propuesta más de vanguardia expuesta por Alcatrazz en este notable trabajo.

Descubierto por un genio como Frank Zappa, el talento latente de Steve Vai, que no pasaría inadvertido tampoco por Graham Bonett, ni David Lee Roth, ni por supuesto David Coverdale, quien lo reclutó para sus Whitesnake más pintones. Todo hasta que Vai decidió dedicarse a sí mismo y darle visos de prioridad continuada a su carrera en solitario. Tanto es así que llega hasta nuestros días con la edición de ““The Story Of Light…” la segunda parte de la trilogía “Real Illusions”, en lo que es una entrega de un Steve Vai en estado de gracia, con guiños a su pasado ecléctico al lado del maestro Zappa y sus devaneos infinitos de lírica guitarrera chispeante. Disco semi-instrumental, repleto de detalles y de simbología sonora, en ese concepto argumental surrealista, deudor de Zappa de nuevo… Es nuestro disco importante en Rocktopia esta semana.

(Además esta semana en Rocktopia: PAUL GILBERT, 3 SKULLS & THE TRUTH, GEMINI AND THE SPACES DONKEYS, TARJA, BEARDFISH y MY DYING BRIDE)

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Hace 54 años nacía en una pequeña localidad escocesa Derek William Dick, un tipo grande y carismático que trabajó como jardinero y leñador hasta que todo el mundo terminó por conocerle como Fish, el cantante de Marillion. Para muchos cuando él dejó la banda británica nada volvió a ser igual, algo bastante obvio para bien, para mal o simplemente para diferente. Los siete años que estuvo al frente de Marillion fueron los de su nacimiento, éxito y consolidación, aunque las cosas no terminaron de ir del todo bien y la historia concluyó con el vocalista escocés fuera del grupo. Inmediatamente Fish se haría acompañar de una serie de músicos de garantías entre los que se encontraba, por ejemplo, el actual guitarrista de Iron Maiden, Janick Gers, con ellos grabaría su primer disco en solitario bajo su solo nombre y el título “Vigil In A Wilderness Of Mirrors”. Un álbum con el que retomaba el sonido de los últimos discos que había hecho con Marillion, pero llevándose la música a un terreno menos épico más asequible y hasta ciertamente más Pop, aunque en el tema “The Company”, Fish dejaba correr toda la influencia del Folk escocés, imprimiendo al tema un profundo sabor celta…

Los caminos de Marillion y Fish han ido tomando derroteros diferentes desde aquel año 1988 en el que iniciaron carreras musicales diferentes. Marillion es hoy en día una banda totalmente distinta, mucho más interesada en innovar dentro de esos parámetros de personalidad intransferible que significan el universo Marillion.

“Sounds That Can’t Be Made” es su nueva obra. Después de cuatro años retornan con el que probablemente es su lanzamiento más progresivo desde hace mucho tiempo. Aunque evidentemente siguen haciéndolo a su manera, como el grupo de visos actuales que es, a pesar de atreverse con canciones de más de 15 minutos de duración y compromiso político. Delicadeza interpretativa, lírica Pop, y buen puñado de canciones de cierta profundidad y relajación reflexiva. De las que se escapa de esas premisas es “Lucky Man” con su aire desenfadado y sus inevitables efluvios de The Beatles. “Sounds That Can’t Be Made” es nuestro disco de portada esta semana en Rocktopia.

(Además esta semana en Rocktopia: The Pineapple Thief, Joe Stump, Vision Divine, Cloudscape y Eclipse)

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