Rocktopia

Era el año 1996. Una banda de grandes pausas en su carrera como Rush atravesaba uno de esos periodos de inactividad. Era el momento para que algunos de sus miembros desempolvaran su fondo de catálogo, sus ideas nunca inmortalizadas. Por eso el guitarrista Alex Lifeson ponía en marcha su proyecto en solitario Victor. Junto a él el cantante de I Mother Earth, Edwin; el bajista de Primus, Les Claypool y su propio hijo Adrian Zivojinovich. Musicalmente Victor, y su único disco homónimo, presentaban las ideas esparcidas y a menudo inconexas de un músico de la categoría de Alex Lifeson. En Victor había guiños a Rush, como no podía ser de otra manera, aunque mayormente se nutría de nuevas experiencias sónicas con programaciones y ambientes hipnóticos por un lado, pero también prácticas con las que probarse ejecutando episodios de bastante nivel corrosivo y hasta cierta insolencia lírica, muy acordes con las corrientes musicales que triunfaban en el planeta en aquellos años 90…

Si suena Alex Lifeson y Victor al inicio de Rocktopia es porque lo siguiente que nos depara el programa es el flamante nuevo álbum de su banda madre, los inconmensurables Rush, y es que “Clockwork Angels” está ya en las tiendas.

Cada nuevo disco de Rush es un acontecimiento en sí mismo. Una de las bandas más grandes de la historia del Rock, así de sencillo, a pesar de que inexplicablemente en nuestro país siga siendo un grupo de relevancia limitada. Rush jamás se han aventurado a editar discos de relleno, nunca han sido esclavos de las imposiciones de la industria para publicar trabajos que no reflejen sus necesidades artísticas. Por eso cada nueva obra de la banda de Toronto es una garantía musical en toda la extensión de la palabra, y “Clockwork Angels” no es ni mucho menos una excepción: un álbum pletórico de ideas, colmado de toda la esencia y personalidad de un grupo de leyenda que sin embargo supura vitalidad y nuevas emociones en cada una de sus canciones. Rush o la cuadratura del círculo que significa aunar bajo un mismo techo técnica, virtuosismo, sentimientos y música en algunos momentos aparentemente sencilla, pero que sin embargo esconde secretos solo descifrables para los más inquietos exploradores musicales. Después de más de cuarenta años de carrera todavía tienen cosas que decir, cosas que resultan familiares pero refrescantes. Así es “Clockwork Angels” el fastuoso nuevo disco conceptual de Rush. Es nuestra portada, a todo color y en 3D.

(Además esta semana en Rocktopia: DOCKER’S GUILD, ANDY TIMMONS, GUN, EUROPE y MATO NANJI’S INDIGENOUS)

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Hoy abrimos con una banda de alguna forma maldita dentro de la escena europea. Uno de esos grupos aparecidos en el momento erróneo, y cuya categoría no logra derribar las barreras de las modas. Hoy iniciamos Rocktopia con el cuarto y a la postre, póstumo disco de una gran banda noruega como Conception.

Combo formado por caracteres tan brillantes como Tore Ostby a la guitarra y Roy Khan a la voz, y que durante los difíciles años noventa pusieron en marcha esta banda que coqueteaba con el metal melódico, técnico, y de contornos progresivos. Mala propuesta para unos años en los que el metal agresivo o corrosivo era lo que imperaba en todo el mundo. A pesar de ello su crecimiento gradual trajo como consecuencia su disco de 1997, un trabajo llamado “Flow” en el que Conception terminaron de afinar su estilo y crear su propia manera de hacer metal distinguido. Guitarras tecnificadas, producción cristalina pero sólida y la diferenciada voz de Roy Khan al servicio de composiciones de la elegancia, sofisticación y hasta comercialidad en canciones como “Gethsemane”, la cual abría el disco…

Conception sin duda abrieron el camino para que bandas de su misma procedencia accedieran al exterior. Ese es el caso de los también noruegos Circus Maximus, con quienes compartieron cartel en el ProgPower Festival americano, en su edición de 2005. Aquel fue un encuentro de una banda de culto que se reunía para esa sola actuación -era el caso de Conception- saludando a una promesa como Circus Maximus quienes se presentaban en sociedad. Han pasado los años y Circus Maximus es una auténtica realidad con una reputación ganada a pulso y su nuevo disco “Nine” siendo publicado en estos días. A pesar del título es el tercer álbum de la banda de Oslo. Un trabajo para el que ha habido que esperar nada menos que cinco años. Un lustro para continuar por los derroteros de sus primeros discos, aunque con la experiencia ganada en todo este tiempo, y que también proviene de los escarceos de algunos miembros del grupo con otros proyectos. Lo cierto es que quizás sea por ello que Circus Maximus se atreven con “Nine” a acometer los puntos más distantes de su música. Y es que en este nuevo disco suenan más melódicos que nunca, pero también con algunas cotas de contundencia, especialmente guitarrera, antes no alcanzados. Melodía y pasión… es nuestro disco de portada.

(Además esta semana en Rocktopia: FIREWIND, BOOK OF REFLECTIONS, MARCEL COENEN, REINXEED, ADRENALINE MOB e INNTERMEZZO)

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1978 fue el año de la crisis definitiva para una banda de relaciones personales complicadas como Yes. El año en que publicaban “Tormato”, uno de sus discos más discutidos, y el trabajo que hasta aquel momento cerraba una época para Rick Wakeman y Jon Anderson, como miembros de la banda. Nadie parecía estar demasiado conforme con el resultado creativo de aquel álbum: el propio Rick Wakeman apuntaba a la producción como culpable, mientras el guitarrista Steve Howe señaló después que, simplemente, Yes no estaban en una época de seguridad musical con respecto a qué dirección tomar. “Tormato” se publicaba en septiembre de 1978, y a pesar de todo, se colocaría dentro del top-ten de las listas de éxitos norteamericanas, llegando al número ocho en el Reino Unido, con el single “Don’t Kill The Whale” como principal embajador. Una canción fácil de escuchar, lejos de los pasajes intrincados típicos de Yes, aunque el grupo británico también se hizo popular gracias a canciones “para todos los públicos” como esta, que además se convirtió en un himno menor del ecologismo. Es nuestro disco del recuerdo…

“Tormato” fue el último disco, hasta ese momento, de Yes con uno de sus miembros más distinguidos: Rick Wakeman. Un Rick Wakeman, cuya saga familiar musical ha ido dando sus frutos, especialmente de la mano de su hijo, y también teclista, Adam Wakeman, quien presenta en estos días su nueva aventura: el combo Headspace. Wakeman junior había estado últimamente acompañando a Ozzy Osbourne, pero eso no le ocupaba todo el tiempo, ni le colmaba sus necesidades artísticas. Así que se ha hecho rodear de músicos de garantías, entre los que destaca el vocalista de Threshold o Ayreon, el gran Damian Wilson. Juntos forman estos Headspace, que publican “I Am Anonymous”, un despliegue de la mejor mezcolanza de Rock y metal progresivo. El propio Adam Wakeman, declara que no tenían en mente hacer un tipo de música concreto cuando empezaron a trabajar en el proyecto, pero que “la cabra siempre tira para el monte”, y su pedigrí progresivo los ha llevado por los derroteros de los propios Yes, Rush o Dream Theater, de lo cual no reniegan, sino más bien se sienten orgullosos. Lo cierto es que “I Am Anonymous” es una obra de gran empaque sónico y musical. Y es, en su estilo, de lo mejor publicado en la temporada, por eso es nuestro disco importante en Rocktopia esta semana.

(Además esta semana en Rocktopia: WOF, Yossi Sassi, The Kordz, CAVO y Jorn)

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Cansado de los caprichos y excentricidades poco relacionados con la música en sí misma de Axl Rose, el guitarrista de Guns N’ Roses Slash montó su propio estudio de grabación en su casa de Mullholand Drive en los primeros años de la década de los noventa. A ese estudio lo llamó The Snakepit ”el nido de serpientes”. A pesar de que Guns N’ Roses seguían vivos y coleando, Slash dedicó parte de su tiempo a escribir canciones, algunas de las cuales estaban pensadas para formar parte del repertorio de los ‘Roses, sin embargo Axl no parecía muy entusiasmado con ellas, así que aprovechando una época de pausa de la banda, Slash decidió que aquellos temas cobraran vida, grabándolos junto a sus compañeros Matt Sorum y Gilby Clarke y el bajista de Alice In Chains Mike Inez, a los que se les unió Eric Dover, de Jellyfish como cantante. De repente Slash tenía nueva banda, con la que quiso editar ese disco, y a la que quiso denominar como su estudio de grabación: The Snakepit. Su compañía de discos de aquel momento, Geffen, se interesó por el material, aunque obligó a incluir el nombre de Slash, como parte del seudónimo del grupo. Así Slash’s Snakepit había nacido, y con ello su primer disco titulado “It’s Five O’Clock Somewhere”. Un trabajo cargado de las credenciales de los propios Gunners, pero con un plus de frescura y sinceridad rockera de la estos comenzaban a adolecer de manera alarmante. Ese primer disco de Slash’s Snakepit sería un auténtico éxito, vendiendo más de un millón de copias, y sirviendo de carta de presentación para girar activamente. Es nuestro disco del recuerdo, el escarceo de Slash, que puso celoso a Axl Rose.

Le costó a Slash acometer su propia carrera en solitario bajo su único nombre. Eso no sucedió hasta hace un par de años cuando se editaba el primer disco de simplemente Slash. Aquel fue un trabajo coral, con múltiples cantantes e invitados, sin embargo en estos días ve la luz “Apocalyptic Love”, el segundo de la saga solo-Slash, pero esta vez con un concepto de banda al uso. Colaboraciones testimoniales y espíritu de grupo para dar vida a las nuevas canciones de Saul Hudson, eso sí con la importante aparición de Myles Kennedy, el vocalista de Alter Bridge, quien tiene un importante papel a lo largo de todo el disco, con su flamante forma de cantar el hard rock al más puro estilo americano. Y es que así es el nuevo álbum de Slash, sin engaños, sin sorpresas, sin dobleces… puro hard rock clásico de la vieja escuela yankee. Democracia creativa con toda la banda participando en la composición de temas como “No More Heros”, en la que la guitarra de Slash es especialmente inconfundible. Es nuestro disco de portada.

(Además esta semana en Rocktopia: JOE BONAMASSA, MICHAEL THOMPSON BAND, SANTANA, RPWL, ANTALGIA y AFFECTOR)

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La edición de hoy de Rocktopia se abre, no sólo con un disco del pasado, sino con un álbum de leyenda. Hoy nuestro viaje en el recuerdo se produce a los lomos de una obra maestra de la música del siglo XX, el que algunos llaman el “disco del leñador”, o sea, el cuarto trabajo de Led Zeppelin. Su disco más vendido en toda su carrera, llegaría de inmediato al número uno de las listas de ventas en el Reino Unido; al número dos en Estados Unidos y, hasta llegó a colarse en la octava posición del ranking de ventas en España… algo impensable. Una auténtica bofetada a todos aquellos expertos que aseguraban que el hecho de lanzar un álbum en cuya portada no aparecía el nombre de la banda ni del disco, sería un suicidio comercial. Una obra repleta de clásicos de la historia de Led Zeppelin, editado hace más de cuarenta años, y sin embargo vigente e influyente como el primer día. Grabado en su mayoría en la granja Headley, huyendo del mundanal ruido, con la unidad móvil de los Rolling Stones, con ese toque campestre en algunas de sus canciones. Pocas presentaciones son necesarias: el 8 de noviembre de 1971 veía la luz un icono del Rock con temas como “Black Dog” que era solo el comienzo de una andanada magistral de música imperecedera…

Evidentemente mencionar a Led Zeppelin como influencia es algo bastante común para cualquier grupo de Rock de casi cualquier época, aunque hay bandas cuya pasión por los Zeppelin se ha tornado aún más profunda, y por eso les han dedicado discos enteros en forma de tributo, tal y como hicieron hace años los americanos Great White. Unos Great White que vuelven a la actualidad con la edición en estos días de su nuevo disco en estudio. El primero sin su vocalista de toda la vida, Jack Russell, y con Terry Llous ocupando su lugar. El disco se llama “Elation” y significa una notoria inyección de adrenalina musical con respecto a su más bien relajado anterior trabajo. Energías renovadas y hasta sentimiento de renacimiento, tal y como apuntan los miembros del grupo que aún están ahí después de más de treinta años de carrera. Eso sólo Rock’n’Roll cuajado de guitarras hardrockeras, de ráfagas de blues y del espíritu presente de aquellos Led Zeppelin, o sino de los Rolling Stones, como ocurre irremediablemente en un tema como “Complicated”. Es sólo Rock and Roll, son Great White, nuestro disco de portada.

(Además esta semana en Rocktopia: VAN HALEN, DEPARTURE, JOE SATRIANI, ASHA, FURYON y BARREN EARTH)

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Historias de éxito para comenzar el programa de hoy, con un disco que llegó al número uno de las listas de ventas en el año de su publicación, y que consiguió meter nada menos que tres singles en el top-10 norteamericano. Hace más de tres décadas veía la luz un disco llamado “Escape” rubricado por una banda como Journey. La era dorada de la banda de San Francisco, la cual era ya por entonces una auténtica sensación comandada por Steve Perry y Neal Schon. Un grupo que había sido concebido como formación instrumental, pero que con el paso del tiempo modificó sus objetivos hasta convertirse en una auténtica institución del AOR. La capacidad instrumental seguía ahí, pero su destreza para concebir canciones ligeras y netamente comerciales conseguiría uno de sus puntos culminantes con “Escape”. Como curiosidad mencionar que “Escape” fue elegido en 1988, por los lectores de la revista británica Kerrang!, como "mejor disco de AOR de todos los tiempos" y en 2001 la reputada Classic Rock lo consideró en el puesto 22 de "los mejores 100 discos de Rock de todos los tiempos". Así pues, público y crítica de acuerdo para proclamar a “Escape” como uno de los mejores álbumes de su especie.

Uno de los miembros fundadores de Journey, el guitarrista Neal Schon, tras la momentánea disolución del grupo en 1987, se dispondría a formar parte de otros grupos como Bad English o nuestros próximos invitados: Hardline. Tras la fugaz existencia de Bad English, un grupo compuesto por nombres reputados del Rock americano, Schon buscaba sangre fresca, músicos jóvenes con los que poder continuar haciendo música dejando al margen luchas de egos. Hardline fue la respuesta a todo eso, una banda de nuevo cuño, creada por los hermanos Joey y Johnny Gioeli. Aunque aquella unión de experiencia y juventud duró tan solo un álbum, y hoy en día Johnny Gioeli es el único superviviente. En unos días verá la luz “Danger Zone” el nuevo disco de la inconstante carrera de Hardline, con formación renovada y su impecable forma de concebir el hard rock melódico con ciertos acercamientos a territorios clásicos, como en la canción “I Don’t Wanna Break Away”. Es nuestro disco de portada esta semana en Rocktopia...

(Además esta semana en Rocktopia: HIMORA, MATT SKIBA AND THE SEKRETS, JOHN 5, SPOCK'S BEARD, ANDROMEDA y TERAMAZE)

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Las cosas en los años 70 sucedían muy deprisa. La música era un claro ejemplo de ello y Deep Purple toda una demostración. La gloriosa segunda formación de la banda británica, con Ian Gillan como cantante, grababan “In Rock”, su primer disco con esa alineación, en 1970. En tan solo 5 años, Deep Purple pasarían de estar en la cima de su popularidad a la desintegración. La cual se produjo principalmente debido a la marcha de Ritchie Blackmore. El disco que pondría fin a una época dorada, el que marcaría la que por entonces parecía ruptura definitiva, era “Come Taste The Band”, el primer álbum sin Richie Blackmore a los mandos de la nave, y con el joven Tommy Bolin abordo. Tommy Bolin venía de tocar con James Gang, un currículum que parecía poco adecuado para calzarse los zapatos de Blackmore. Pero Deep Purple habían cambiado desde la llegada de David Coverdale y Glenn Hughes, para imprimir a la banda un carácter más soulero y por momentos funkero, y ahí, en ese terreno, Bolin se desenvolvía de maravilla. Aquel disco, “Come Taste The Band”, pasaría a la historia con más pena que gloria, de manera ciertamente injusta, y es que siempre fue tratado con los condicionantes de los previos Deep Purple, y no como una obra en sí misma.

Con el paso de las décadas y mayor objetividad, “Come Taste The Band” ha ganado adeptos, al igual que Tommy Bolin. Uno de ellos es el guitarrista de Gov’t Mule, Warren Haynes, quien es uno de los responsables de Tommy Bolin and Friends “Great Gipsy Soul”. Un tributo muy honesto y poco oportunista por parte de músicos quienes (algunos de ellos) tuvieron la oportunidad de tocar con Tommy Bolin, y que han aunado esfuerzos para homenajear a su héroe. Se tratan de grabaciones efectuadas a partir de las cintas originales de los discos en solitario de Tommy Bolin, las cuales han sido ampliadas con la adición de apariciones actuales por parte de músicos como el propio Warren Haynes, Peter Frampton, Glenn Hughes, Steve Lukather, John Scofield, Steve Morse o Joe Bonamassa, entre otros... respetando el sonido y la estética musical de las grabaciones originales. Un paseo por la paleta de estilos y la frescura musical de Tommy Bolin, ese engendro de blues, funky, fusión y rock por el que Bolin sigue hoy en día en la memoria de muchos...

(Además, esta semana en Rocktopia: PHILIP SAYCE, DEVIL'S TRAIN, SERGEY GOLOVIN, DEEEXPUS, BEYOND THE BRIDGE y BANZAI)

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Situamos nuestro calendario musical en el año 1990. Don Dokken, después de haber cosechado notables éxitos comerciales con su grupo, decidía zanjar de una vez por todas la polémica relación que mantenía con el guitarrista del grupo que llevaba su nombre, George Lynch. Habían sido tiempos de excelente vinculación musical, sin embargo su interacción personal era peor que mala, así que el vocalista Don Dokken pondría tierra de por medio, concluyendo la historia del grupo que él mismo había fundado, y comenzando su andadura en solitario. Don Dokken se haría acompañar de músicos contrastados para montar su nueva y homónima banda. Ahí estaba John Norum de Europe a la guitarra o Peter Baltes de Accept al bajo. Formando equipo con el excelente productor Wyn Davis darían forma a “Up From The Ashes”, su alegato en forma de LP en el cual reivindicaba su intención de retomar su carrera desde las cenizas, para consolidarla en un futuro prometedor, y así era el disco: “prometedor”, un ultramelódico y elegante compendio de canciones que Dokken había compuesto mano a mano con el resto de los miembros de la banda, aunque al final todo quedó en casi nada, y el escarceo en solitario de Don Dokken duraría muy poco…

Clave en la consecución de aquel disco de Don Dokken era la presencia del guitarrista de Europe John Norum. Un John Norum al que podemos volver a escuchar en su máxima expresión a través del nuevo y flamante disco de su banda madre. Y es que Europe editan en estos días nuevo trabajo. Volvieron después de más de una década de silencio discográfico en 2004, así que han pasado ya 8 años desde que nos reencontramos con Europe. Y fue para bien, fue para echarnos a la cara una banda madura, alejada de los dictados de la moda y de las compañías discográficas, algo que termina por materializarse al cien por cien con la publicación de “Bag Of Bones”, su noveno disco de estudio. Cuando el guitarrista John Norum abandonaba la banda en mitad de su éxito ochentero era, entre otras cosas, por divergencias musicales. Él quería unos Europe más rockeros, más clásicos… y desde luego ha terminado saliéndose con la suya, y es que “Bag Of Bones” es todo un orgulloso despliegue de influencias hardrockeras clásicas. El sello melódico de Europe sigue ahí, desde luego, pero ellos hace ya muchas lunas que dejaron de ser una banda hecha para las listas de éxitos. Gracias a ello podemos disfrutar de su enorme magnitud, con un tremendo disco que es sin paliativos uno de los mejores de su carrera, y por eso también es nuestro disco importante.

(Además esta semana en Rocktopia: HEAT, TRIXTER, STRINGS 24, LORD OF MUSHROOMS, STATUS MINOR y PARADISE LOST)

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En mitad de los 90, un músico de discreto pasado llamado Arjen Anthony Lucassen, apenas conocido por haber formado parte de los hardrockeros holandeses Vengeance, abandonaba la senda hasta entonces recorrida para dirigir sus miras musicales hacia horizontes mucho más ambiciosos, y por qué no, complejos. Arjen Anthony Lucassen fundaba su propio proyecto unipersonal, en un principio pensado sólo como escape puntual a su inspiración e interés, lo que daría lugar a la edición de su primer disco “Ayreon: The Final Experiment”, hasta que su compañía discográfica decidió que aquel concepto necesitaba un nombre, y ellos mismos propusieron que fuera bautizado como Ayreon. El tiempo ha pasado y Ayreon fue cumpliendo años y ganando en reputación, tanto es así que con el paso de las obras ha contado con auténticas pléyades de músicos colaboradores de primer nivel. Pero la confirmación de que Ayreon había llegado para quedarse vino en 1996 con la edición de “Actual Fantasy”, el segundo disco del proyecto, en el que ya aparecía la colaboración de artistas locales, todavía lejos de las obras corales que vendrían en un futuro, pero ya marcando la tendencia de proyectos venideros en base a una propuesta de música de ambientación cinematográfica, con grandes desarrollos y auténticos guiones conceptuales detrás.

El listado de proyectos liderados por Lucassen se ha ido ampliando con el paso del tiempo, con nombres como Ambeon, Star One, Stream Of Passion o Guilt Machine. Sin embargo el inquieto Lucassen necesita aún más espacio para reencuadrar sus inquietudes, y por eso, en estos días editará su primer disco en solitario, el cual lleva el nombre de “Lost In The New Real” y puede considerarse el trabajo más ecléctico jamás creado por Arjen Lucassen, lo cual es ya mucho decir. En él aparecen al descubierto sus influencias de grandes bandas de siempre como The Beatles, Pink Floyd o Led Zeppelin… Condicionantes claros, aunque pasados por su personalidad y sabiduría. Disco doble, aunque el segundo está compuesto por canciones sobrantes y versiones de Frank Zappa, Alan Parsons, Led Zeppelin o Pink Floyd. “Lost In The New Real” es además el primer disco en el que Lucassen se atreve a cantar como solista en todos los temas y cuenta con la voz a la narración del actor Rutger Hauer, para redondear esta historia sonora de ciencia ficción, mordaz y aguda…

(Además esta semana en Rocktopia: ODDLAND, FRED WESTRA, HOUSE OF SHAKIRA, TYKETTO y 4BITTEN)

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Destapamos la edición de hoy del programa con el cuarto álbum de unos pioneros del metal técnico y progresivo como Fates Warning. Después de la inclusión en la banda de Ray Alder como vocalista en su anterior trabajo, Fates Warning dirigían sus miras musicales hacia espacios antes no visitados. Los cambios en la formación habían abierto su abanico de posibilidades estilísticas, y la respuesta en forma de disco fue “Perfect Symmetry”, el que se puede considerar primer álbum de una nueva era para la banda de Connecticut. Y es que después de aquel trabajo las miras musicales de Fates Warning abandonaron notablemente las recurrentes influencias de Iron Maiden o Judas Priest de sus primeros obras, para cambiarlas por un sonido más estilizado, en el que las melodías encontraban mayor acomodo y sobre todo una profundidad sonora y de concepto musical que daba pie a canciones mucho más ricas. En 1989 se editaba “Perfect Symmetry”, y con ello Fates Warning daban un paso importante en busca de su futuro…

El por entonces teclista de Dream Theater, Kevin Moore, aparecía en ese disco de Fates Warning, como músico invitado. Fue una de las primeras colaboraciones discográficas de él, y del líder de Fates Warning, Jim Matheos. Algo que se convirtió en una fecunda amistad musical, la cual terminó por consolidarse definitivamente con ese hermanamiento audaz en forma de proyecto y cuyo nombre es el de las siglas O – S –I, Office Of Strategic Influence. La dupla Matheos/Moore, con la aportación del batería de Porcupine Tree, el gran Gavin Harrison, quien sigue sustituyendo a la percusión, a Mike Portnoy, quien fuera fundador también de OSI. “Fire Make Thunder” que es como se titula el nuevo disco de OSI, nos lleva de nuevo por territorios imposibles para muchos, pero que son el caldo de cultivo mediante el cual Jim Matheos y Kevin Moore desatan toda su pasión. Guitarras tecnificadas, inspiración con visos psicodélicos pasados por estética cibernética, bases de ritmo intrincadas y mensajes surrealistas… desde el momento de su creación fieles a sus particularísimas señas de identidad, las mismas que nos hacen llegar a “Fire Make Thunder”, otro álbum no para todos los públicos, pero de enorme valía. Por eso es nuestro disco de portada esta semana en Rocktopia.

(Además esta semana en Rocktopia: GAVIN HARRISON & 05RIC, REDEMPTION, JEFF LOOMIS, DARK EMPIRE, DARIO MOLLO/ TONY MARTIN y SHY)

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