Rocktopia se abre hoy con uno de los padres del AOR, el Rock orientado para adultos en su máxima expresión, uno de los mayores iconos del género: Toto.

La banda había sido formada en 1978, después de que varios de sus miembros se conocieran primero en el instituto y luego, después de convertirse en reputados músicos de sesión, volvieran a coincidir en los estudios de grabación californianos, tras haberse convertido en auténticos profesionales al servicio de otros. Y es que Toto, como decía Eddie Van Halen “estaba formada por los mejores músicos de sesión del mundo”.

Los cuatro primeros discos de la banda se contaron por rutilantes éxitos, copando los puestos destacados de las listas de ventas. En 1984 decidían darle un pequeño giro a su forma de enfocar la música, y uno de los damnificados de aquel cambio sería su cantante Bobby Kimball, quien se vería sustituido por Fergie Frederiksen para el disco “Isolation”, el cual de alguna manera pisaba terrenos convencionales dentro del AOR, dejando ligeramente de lado cadencias que había acompañado a Toto desde el principio, como los toques funky y de música ligera americana. “Isolation” se editaba al final de 1984, y era en primer lugar un ejercicio de producción audaz, buscando nuevos horizontes sónicos para el grupo. Al final el disco no triunfó como sus antecesores, aunque para Toto en aquel momento, no triunfar significaba llegar a disco de oro en EE.UU y alcanzar el número 7 de las listas de éxito.

En 2006 Toto volvieron con un excepcional álbum, con su posterior gira, disco en directo e incluso DVD, aunque finalmente volvieron a pasar al estado de letargo. Mientras tanto su guitarrista y alma máter, Steve Lukather, continua con su esparcida carrera en solitario, la cual en estos días nos trae la edición de su séptimo disco solo, un álbum llamado “All’s Well That Ends Well” en el que se recoge de la mejor manera y de forma concentrada, ejemplos del legado de un músico excelso capaz de poner sobre su tapete musical el AOR y el sinfonismo rockero pared con pared con sus influencias meridianas provenientes del Blues o de la fusión. Así es Steve Lukather y así son las clases magistrales que emanan sin solución de continuidad a través de los cortes de este magnífico “All’s Well That Ends Well”.

(Además esta semana en Rocktopia: KENNY WAYNE SHEPERD, SLASH, GEORGE BELLAS, SPOCK'S BEARD, MISTHERIA y XERU)

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Rocktopia se abre hoy con un disco que no solo pertenece al pasado, sino también a la memoria de uno de los álbumes de Rock más exitosos de la década de los noventa, y es que hoy iniciamos nuestro viaje con “Throwing Copper”, el segundo y más triunfante disco de los americanos Live. Una banda que iniciaba en 1989 su andadura esquivando comparaciones con U2 o sus compatriotas REM, sobre todo debido a su indefinida tendencia musical entre el Pop y el Rock y también a sus textos y filosofía casi espirituales. Después de un apreciable movimiento de popularidad otorgado por la relevancia adquirida gracias a su primer larga duración, “Mental Jewelry”, Live entraban a por todas, para inyectar a su música un plus de dramatismo de ímpetu y también de comercialidad a sus nuevas canciones, para que surgiera el éxito sin discusión con “Throwing Copper”, un álbum que alcanzaría el número uno en las listas de ventas de Estados Unidos y que llevaría a Live a la cima del estrellato. Lo suyo era Rock pseudo-grunge, novententero y con ciertos toques Pop, la suya fue la fórmula adecuada para los tiempos que vivían...

Cinco álbumes más tarde y quince años después de haber alcanzado la cumbre de su popularidad, Live editarían en 2006 su disco de despedida. Hoy en día Ed Kowalczyk persigue su carrera en solitario y algunos de sus ex-compañeros estrenan nueva formación, la que han fundado junto a Kevin Martin y Sean Hennesy de sus coetáneos Candlebox. Esa nueva banda han tenido a bien bautizarla con el nombre de The Gracious Few. Su primer disco se edita en estos días y es un perfecto y maduro eslabón perdido de la cadena que imaginariamente une el Rock clásico y el más noventero. Un disco brillante, emotivo y fenomenalmente interpretado, el cual consta de dos fases bien distintas. Una primera en la que lo que prima es el Rock heredero de grandes nombres como Led Zeppelin, y una segunda a la cual The Gracious Few nos conducen paulatinamente hasta adentrarnos en universos de música post-grunge, encuadrada temporalmente quince años atrás, pero puesta al día en cuanto a sonido y sabiduría musical. El disco homónimo de The Gracious Few debería de estar llamado a ser una de las sensaciones del año.

(Además esta semana en Rocktopia: JOHN NORUM, NELSON, ALEX MASI, FRAME PICTURES, THE SHADOW THEORY y TIERRA SANTA).

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Hoy comenzamos con el mejor hard rock británico icono de toda una época, hoy echamos la vista atrás para encontrarnos en 1984 con una de las mejores formaciones de Whitesnake.

La banda de David Coverdale en lo que significó la antesala de su aclamación y triunfo norteamericanos, con aquel disco que traía lo mejor de los dos mundos. Por un lado la raíz inglesa de antaño con Jon Lord a los teclados, Neil Murray al bajo, y Cozy Powell a la batería, y por otro la irrupción de la era John Sykes, que sería el primer eslabón de una cadena que terminaría por alcanzar su cota máxima con su siguiente disco, y su triunfo sin precedentes en EE.UU. Pero antes existió este vital “Slide It In”, todavía con Mel Galley y Mickey Moody aportando sus composiciones al disco, y dándole ese toque eminentemente clásico que Whitesnake fue perdiendo con el paso de los años sin que jamás volvieran a recuperarlo. “Slide It In” cerraba una época del grupo con un disco enorme que cerraría definitivamente el ciclo más rockero, en su concepción británica. Hard rock, con todavía ciertos toques "bluesie" y la producción de una eminencia en las Islas como Martin Birch...

Escuchábamos a Whitesnake en la era en la cual Mel Galley era uno de sus guitarristas. Un Mel Galley quien estando en el seno de la banda de David Coverdale sufrió un accidente en una de sus manos que a la postre le impediría volver a tocar la guitarra adecuadamente. Una desgracia a la cual se sobrepuso de alguna manera colaborando con su hermano Tom en la creación de Phenomena, uno de los proyectos más importantes de la década de los ochenta. Bajo el nombre de Phenomena se reunieron en sus cuatro primeros episodios músicos como Cozy Powell, Glenn Hughes, Brian May, John Wetton, Don Airey...y un largo etcétera.

En Febrero de 2008 Mel Galley fallecía, vencido por una larga enfermedad, pero su hermano Tom ha decidido proseguir con la saga Phenomena,y hacerlo en su honor para este año 2010. El nuevo episodio de Phenomena se titula Blind Faith y vuelve a ser un despliegue de colaboraciones continuadas sobre todo a nivel de vocalistas entre los que destacan Tony Martin de Black Sabbath, Rob Moratti de Saga o Ralph Scheepers de Primal Fear. Canciones perfectamente diseñadas y adaptadas para el lucimiento de sus intérpretes como la magnífica “Angels Don’t Cry” con la voz del Last Autumn’s Dream, Mikael Erlandsson...

(Además esta semana en Rocktopia: ALTER BRIDGE, CHRIS DUARTE, JOHN-5, PAIN OF SALVATION, THE INTERSPHERE y METHODS OF MAYHEM)

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Un viaje al pasado en toda regla para abrir la edición de hoy de Rocktopia. Retrocedemos en el tiempo para visitar la ciudad de Retrópolis... Así es como se llamaba el tercer disco de The Flower Kings, o el segundo de su carrera según se mire, y es que la banda sueca nacía cuando en 1994 el guitarrista Roine Stolt publicaba su particular trabajo cuyo nombre era el de The Flower King. Stolt salió de gira para promocionar su disco en directo, y a partir de entonces aquella banda que lo acompañaba terminó convirtiendose en la primera formación de estos The Flower Kings. Corría el año 1996, cuando “Retropolis” se convertiría en el disco de la consagración de la que hoy en día es una de las mejores bandas de Rock Sinfónico del planeta tierra. El sentido detrás de aquel título era claro, y ese concepto “retro” rodeaba a todo el disco, el cual poseía un indudable aura setentero, deudor de los nombres clásicos de la era dorada del Rock Sinfónico, solo que “Retropolis” ponía al día su sonido y se declaraba casi en rebeldía, en una época en la que todos los valores de The Flower Kings estaban en tela de juicio. Eso quizás contribuyó a crear el ídolo que significa hoy esta banda de culto. Sin duda uno de los mejores exponentes de su especie.

Uno de los componentes de The Flower Kings, guitarrista y vocalista, se llama Hasse Froberg. Seguramente él simboliza la facción más rockera de los ‘Kings. Admitido incondicional de Deep Purple o Whitesnake, Hasse Froberg representa la raíz más briosa de su banda madre. Las apariciones de Hasse Froberg en las canciones de The Flower Kings, siempre aportan un componente diferenciador de classic rock de alta escuela. Por eso muchos se preguntaban cuándo Froberg se atrevería con un disco en solitario, pero Froberg que es todo un artista, no quería hacerlo hasta estar seguro de que era capaz de componer un puñado de buenas canciones y además, hasta que no consiguiese disponer de su propio grupo, para así poder tocar estas canciones en directo, ya que, con buen criterio, considera que si no la cosa no sería del todo honesta. Así que Hasse Froberg nos presenta su Hasse Froberg Musical Companion con su excelente primer “Future Past”, sin colaboraciones de otros músicos externos, con una banda de verdad respaldando estas canciones, las cuales son tal y como esperábamos: rockeras, clásicas, setenteras.. y, porqué no, dotadas de mucha progresividad.

(Además esta semana en Rocktopia: DANTE, DAVID GARRETT, GOV'T MULE, KING'S-X y HARDREAMS)

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En 1996 una banda poco conocida como Eyewitness evolucionaría para convertirse en Millenium, el grupo prioritario del guitarrista Ralph Santolla. Este músico de Florida llevaba varios años pateándose la escena de la zona de Tampa, cuando decidió montar su banda para comandar sus propias composiciones relacionadas con el hard rock clásico y melódico. Millenium, fue un combo que jamás llegó a despegar, probablemente porque nunca consiguió redondear un disco perfecto, lo más cerca que estuvieron de ello sería hace 10 años, con la edición de “Hourglass", un álbum el cual probablemente gracias a la aparición del cantante Jorn Lande, suponía un salto de calidad interpretativo, y quién sabe si no contribuyó a que la inspiración de Santolla elevara las canciones del disco a un nivel inmediatamente superior. El caso es que a pesar de que en “Hourglass” hubieran buenas canciones, Millenium quedó en estado de hibernación, mientras Ralph Santolla se desmelenaba desfogándose como miembro de bandas tan heavies como Iced Earth y tan extremas como Deicide y Obituary.

Jorn Lande ha contribuido sin duda a realzar las canciones de muchísimos artistas, como Millenium, con quienes le acabamos de escuchar, pero también con Yngwie Malmsteen, Ark, Masterplan, Brazen Abbot y un sin fin de nombres. Uno de sus últimos lances musicales es el que le une al cantante de Symphony-X, Russell Allen, en ese proyecto de poder vocal llamado Allen/Lande. La primera parte de esta colaboración veía la luz en 2005, aquel disco llamado “The Battle” sobre el que tantos se deshicieron en elogios... Ahora un lustro después Russell Allen y Jorn Lande nos presentan la tercera parte de aquella batalla de voces, y lo hacen con “The Showdown”, un trabajo para el que de nuevo han contado con la inestimable ayuda del compositor de metal melódico europeo más de moda en los últimos años: Magnus Karlsson, actual miembro de Primal Fear y responsable además de las canciones de múltiples artistas como Bob Catley, The Codex o Starbreaker. Seguramente no modificar la fórmula mágica ha hecho que “The Showdown” posea básicamente el mismo calibre que sus dos antecesores, por eso encontramos con un puñado de buenos temas en los que la capacidad como cantantes de Allen y Lande quede claramente de manifiesto.

(Además esta semana en Rocktopia: Spiritual Beggars, Grand Magus, Erik Norlander, P.B.II, Silent Call y Two Fires)

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Cuando en EE.UU era casi pecado hablar de metal sinfónico, progresivo y neoclásico, en New Jersey había un guitarrista llamado Michael Romeo que perseguía su sueño de hacer que su banda algún día fuese reconocida, mientras eso no sucedía y prácticamente sin tener oportunidad de tocar en directo, Romeo y sus colegas seguían inasequibles al desaliento, haciendo música y perfeccionando su sonido. Eran una banda llamada Symphony-X.

Con ese panorama, en 1997, Symphony-X editaban el que para muchos es todavía su mejor álbum hasta la fecha “The Divine Wings Of Tragedy”. Era su segundo disco con un cantante del poder vocal y la variedad de registro de Russell Allen, cuyo ingreso en el grupo significó un claro punto de inflexión en la carrera de la banda. Una carrera que lentamente fue levantando el vuelo. Primero con el respaldo del fiel público japonés, y más tarde con el apoyo definitivo del mercado europeo. La confluencia perfecta del metal épico y sinfónico, con otros elementos más progresivos, que encuentran acomodo a veces de manera casi intangible en forma de variaciones de tempo y claves musicales.

Como suele ser casi habitual cada año nos encontramos ante un nuevo trabajo con el sello inconfundible de un músico tan prolífico como Arjen Anthony Lucassen. La mente pensante y ejecutora de proyectos como Ayreon, Stream Of Pasión o más recientemente Guilt Machine, nos trae un nuevo episodio de su historia galáctica: Star One. Una historia que comenzaba en 2002, con la edición de “Space Metal”, vuelve ocho años más tarde con la segunda parte, un álbum titulado “Victims Of The Modern Age” que sigue las pautas de su antecesor: metal más o menos progresivo y siempre técnico, sonido aplastante, la inconfundible guitarra de Lucassen y el tradicional casting de colaboradores que suelen acompañar al músico holandés en muchas de sus peripecias. Para la ocasión encontramos las voces de Russell Allen de Symphony-X, Damian Wilson de Threshold, Dan Swanö de Nightingale y Floor Jansen ex-vocalista de After Forever, además de los solos de guitarra de Gary Wehrkamp de Shadow Gallery. Ciencia ficción prog-metalera, que basa sus textos en el argumento de distintas películas del género y que se pondrá a la venta la próxima semana...

(Además esta semana en Rocktopia: Enochian Theory, Ricardo Vernaccini, Stratosphere, Issa y Stan Bush)

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La edición de hoy de Rocktopia nos va a devolver por unos instantes a la mitad de los ochenta y además lo va a hacer con un producto que suena a aquella época por los cuatro costados. Viajamos a los días más hard-rockeros y gloriosos del insigne Gary Moore. Simplemente uno de los mejores guitarristas de su generación, tanto a nivel compositivo como técnico, Gary Moore no estuvo demasiado tiempo en ninguna parte, y tras formar grupos como los irlandeses Skid Row y ser miembro de Thin Lizzy, continuó con su carrera en solitario, la cual desde el primer momento había sido su principal opción, ya con poco más de 20 años, cuando grababa su primer disco en solitario, y es que a Moore siempre le fue difícil acoplar su genio a la disciplina de un grupo propiamente dicho. Por eso ya hace 20 años decidió dejar el Hard Rock y regresar al blues que le vio nacer, y por eso en aquel año 1985, quiso dar un pequeño giro de tuerca y estilizar el sonido de su banda con no pocos sintetizadores, para dar con la fórmula mágica que significó el excelente “Run For Cover”. Un álbum ambicioso, grabado en diferentes estudios, con diferentes productores y para el que contaba con la inestimable colaboración de su hermano musical Phil Lynnot y de Glen Hughes, al cual había decidido contratar, sobre todo para que le echara una mano como vocalista, dada las inseguridades como cantante, que todavía Gary Moore evidenciaba en directo. Aquella unión dio como resultado un trabajo refrescante, variado, desacreditado por cierta parte de la crítica. Pero al que el tiempo le dio la razón a Moore... --

Resultaría casi imposible hacer una relación de todos los grupos y colaboraciones en las que Glenn Hughes ha participado a lo largo de su dilatada carrera. Sin embargo la última es sin duda una de las más atractivas: el supergrupo Black Country Communion.

Glenn Hughes al bajo y la voz, Joe Bonamassa como guitarrista y segunda voz, Jason Bonham a la batería y Derek Sherinian a los teclados, una alineación de auténtico lujo para dar forma a este proyecto con marchamo de banda real, que ha publicado uno de los mejores discos de lo que llevamos de 2010. Hard, Blues, Classic Rock es lo que recorre los cortes de este disco de debut homónimo, dirigido por un magnífico productor como Kevin Shirley. Sabor a antaño con músicos de insigne trayectoria y una inusual sensación de grupo. "Black Country Commnunion" fue grabado en tan sólo dos semanas y sus sesiones de composición tampoco fueron demasiado dilatadas, quizás es por ello, que da la sensación, escuchando a Black Country Comunión, de estar delante de esos chispazos musicales que surgen espontáneamente cada cierto tiempo y que ha sido capturado para la posteridad en el momento justo...

(Además esta semana en Rocktopia: Casa Mendoza, Eric Gales, Michael Harris, Mindsplit, Anthriel y Unruly Child)

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El año 1994 se tornaba como un momento clave para Dream Theater, tras la edición del anterior “Images and Words”, el nuevo disco debía de significar el afianzamiento definitivo para una banda anacrónica, que continuaba prefiriendo la complicación instrumental y los grandes desarrollos, antes que la inmediatez de la mayoría de las bandas de su época. En esas estaban cuando crearon una nueva e importante obra bautizada con el nombre de “Awake”, un disco menos amable que su antecesor, más oscuro y más duro, que terminaría consagrándoles, reafirmando a Dream Theater como una realidad a cuya creciente legión de fans no influían las corrientes musicales de moda. Un álbum para sorprender, cuando el factor sorpresa supuestamente ya no era una opción.

Aquel disco se abría a lo grande, con una canción como “6.00” la cual en principio pareció pasar inadvertida, pero que sin embargo fue rescatada para el set de directo del grupo en años venideros. En su introducción la batería del gran Mike Portnoy era protagonista, un Mike portnoy que como todos los fans del grupo saben, tristemente anunciaba su salida del grupo el pasado mes de septiembre...

Lo primero que ha hecho Mike Portnoy al abandonar su grupo de toda la vida, Dream Theater, ha sido embarcarse en la gira por todo el mundo de una todavía joven banda a pesar de su experiencia: Avenged Sevenfold.

Tras la muerte de su batería de siempre James Owen Sullivan, más conocido como “The Rev”, Portnoy sería llamado para acometer las partes de batería de “Nightmare”, el nuevo disco de Avenged Sevenfold. The Rev, siempre fue un gran admirador de Portnoy, y éste, trabajo-adicto reconocido, se embarcó en las sesiones de grabación del álbum. El tradicional sello de Mike Portnoy queda impreso en las canciones de “Nightmare”. La repentina muerte de The Rev sobre vuela toda el trabajo, un disco dedicado a él, que se colocó en el número 1 de ventas en EE.UU donde permaneció durante más de tres semanas.

Avenged Sevenfold, y su metalcore evolucionado con el paso del tiempo, dejando paso a sus influencias de metal tradicional, de la NWOBHM y por supuesto de Metallica, para traernos el que para muchos es su trabajo más acertado hasta la fecha...

(Además, esta semana en Rocktopia: Kamelot, Mistheria, George Lynch, Asia, Strangeways y Lynam)

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El programa se inicia hoy retrasando nuestro reloj musical hasta el año 1999. Era el momento de la edición multinacional del primer trabajo de una prometedora banda llamada Dali’s Dilemma. Un grupo que sería punta de lanza de una generación de bandas progresivas apadrinadas por el sello norteamericano Magna Carta, en una época en la que todavía el impacto de las descargas por internet no era una realidad, y existía una numerosa minoría de fans en todo el mundo buscando nuevas sensaciones progresivas, justo en el punto en el que las tendencias de la década de los noventa comenzaban a mitigarse. Los hermanos Patrick y Steve Reyes, junto con el vocalista Mathew Bradley se unían a dos músicos pujantes de la época, aunque fuera dentro de unos límites muy especializados, ellos eran Jeremy Colson que venía de trabajar con James Murphy, y el teclista y líder del grupo: Matt Guillory, quien había hecho lo propio en colaboraciones con el cantante de Dream Theater, James LaBrie, o en proyectos como el Explorer’s Club. El primer disco de Dali’s Dilemma se titularía “Manisfesto For Futurism” y representó en su época una auténtica revelación como banda que apuntaba alto para el establecimiento definitivo de un subgénero como el Prog-metal. Aquel era un disco sólido, instrumentalmente impecable, donde el virtuosismo no era obstáculo para que aquellas composiciones encontraran su propio espacio. Sonaba casi más escandinavo que americano, y poseía un filo hardrockero que en ocasiones dejaba paso a cierto sabor neoclásico...

Matt Guillory, aquel teclista, siguió colaborando de manera muy activa con su amigo James LaBrie en proyectos como Mullmuzzler, y esa amistad musical llega hasta nuestros días con el flamante nuevo disco en solitario del cantante de Dream Theater, un disco titulado “Static Impulse”, que nos presenta la versión más agresiva de la dupla LaBrie/Guillory. Un álbum de excelente y aplastante sonido en el que James pone su tradicional y melódica voz, mientras el batería del grupo Peter Wildoer, además de hacerse cargo de sus tambores, le echa una mano aportando crudeza con sonidos vocales guturales. El propio James LaBrie describe su trabajo como “Metal de Gotemburgo con elementos progresivos, heavy rock contemporáneo”, y desde luego que puede ser una descripción muy acertada, y más si cabe, si se tiene en cuenta que este “Static Impulse” ha sido mezclado y masterizado por Jens Bogren, habitual de bandas de perfil mucho más aguerrido como Opeth o Soilwork, y por otro lado más oscuro como Katatonia...

(Ademas en este episodio de Rocktopia: Wolfspring, George Bellas, Black Label Society, Kiske/Sommerville y Skunk Anansie)

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El recuerdo en este primer programa de la temporada, nos lleva por los territorios de la controversia de un disco publicado en 1997 y cuyo nombre era “Calling All Stations”. El llamémosle album más raro de la carrera de Genesis. Unos Genesis por primera vez en su historia en ausencia de Peter Gabriel o de Phil Collins. La consecuencia de una historia imposible que dio con el vocalista de Stiltskin, Ray Wilson, calzándose los zapatos de sus antecesores, el difícil trabajo de tener que sustituir a dos auténticos iconos del Pop-Rock como Gabriel y Collins. En aquel disco parecían debatirse durante sus canciones: por un lado la raíz más rockera del nuevo cantante aterrizado, y por otro las mentes pensantes de los supervivientes Mike Rutheford y Tony Banks, quienes queriendo darle un giro más progresivo al sonido de la banda, no quisieron poner en riesgo su abultada legión de fans más pop, y como consecuencia este “Calling All Stations” quedó como un trabajo parcheado y de escasa consistencia. A pesar de todo, y dada la clase de los protagonistas, todavía poseía algunas canciones bastante recomendables, como la que lo abría y nombraba...

Y la senda de aquel disco de Genesis y su relación con nuestro primer disco portada de la temporada en el programa, nos conduce hasta los californianos Spock’s Beard, y es que su batería Nick D’Virgilio fue el elegido para ejecutar las partes de percusión en aquel disco de Genesis en el que Phil Collins no podía hacer lo propio. Y es que Spock’s Beard tienen nuevo álbum, veía la luz durante estas últimas semanas y representa ya el décimo de una banda que con cada una de sus entregas se muestra sólida, siguiendo una línea de estilo muy clara, pero poniendo de manifiesto una inspiración que nace de su palpable entusiasmo y por supuesto de una envidiable colección de recursos al alcance de muy pocos...

Además esta semana en Rocktopia: Demians, Paul Gilbert ,Iron Maiden, Seven The Hardway y Terry Brock.

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